{"id":8779,"date":"2015-08-25T15:00:24","date_gmt":"2015-08-25T15:00:24","guid":{"rendered":"http:\/\/www.bolsadearte.com\/oparalelo\/?p=8779"},"modified":"2015-08-25T17:46:39","modified_gmt":"2015-08-25T17:46:39","slug":"na-bergamingomide","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/www.bolsadearte.com\/oparalelo\/na-bergamingomide","title":{"rendered":"Na Bergamin&#038;Gomide"},"content":{"rendered":"\n\t\t<style>\n\t\t\t#gallery-1 {\n\t\t\t\tmargin: auto;\n\t\t\t}\n\t\t\t#gallery-1 .gallery-item {\n\t\t\t\tfloat: left;\n\t\t\t\tmargin-top: 10px;\n\t\t\t\ttext-align: center;\n\t\t\t\twidth: 33%;\n\t\t\t}\n\t\t\t#gallery-1 img {\n\t\t\t\tborder: 2px solid #cfcfcf;\n\t\t\t}\n\t\t\t#gallery-1 .gallery-caption {\n\t\t\t\tmargin-left: 0;\n\t\t\t}\n\t\t\t\/* see gallery_shortcode() in wp-includes\/media.php *\/\n\t\t<\/style>\n\t\t<div id='gallery-1' class='gallery galleryid-8779 gallery-columns-3 gallery-size-thumbnail'><dl class='gallery-item'>\n\t\t\t<dt class='gallery-icon landscape'>\n\t\t\t\t<a href='https:\/\/www.bolsadearte.com\/oparalelo\/wp-content\/uploads\/2015\/08\/Caio-Reisewitz.jpg'><img loading=\"lazy\" decoding=\"async\" width=\"150\" height=\"150\" src=\"https:\/\/www.bolsadearte.com\/oparalelo\/wp-content\/uploads\/2015\/08\/Caio-Reisewitz-150x150.jpg\" class=\"attachment-thumbnail size-thumbnail\" alt=\"\" aria-describedby=\"gallery-1-8780\" \/><\/a>\n\t\t\t<\/dt>\n\t\t\t\t<dd class='wp-caption-text gallery-caption' id='gallery-1-8780'>\n\t\t\t\tCaio Reisewitz\n\t\t\t\t<\/dd><\/dl>\n\t\t\t<br style='clear: both' \/>\n\t\t<\/div>\n\n<p>Com curadoria de Felipe Scovino, \u201cAtributos do Sil\u00eancio\u201d faz refer\u00eancia \u00e0s poss\u00edveis qualidades<\/p>\n<p>ou atmosferas que o sil\u00eancio emana, tais como a delicadeza, o vazio, a suavidade, a<\/p>\n<p>invisibilidade, o antiespet\u00e1culo, o apagamento e o et\u00e9reo. A nova mostra da<\/p>\n<p>Bergamin&amp;Gomide, Jardins, S\u00e3o Paulo, SP, re\u00fane obras de Anna Maria Maiolino, Waltercio<\/p>\n<p>Caldas, Mira Schendel, Lygia Pape, Luiza Baldan, Cao Guimar\u00e3es, Leonilson, Caio Reisewitz,<\/p>\n<p>Br\u00edgida Baltar e outros.<\/p>\n<p>&nbsp;<\/p>\n<p>&nbsp;<\/p>\n<p><strong>Atributos do Sil\u00eancio<\/strong><\/p>\n<p>Felipe Scovino<\/p>\n<p>&nbsp;<\/p>\n<p>As obras reunidas para esta exposi\u00e7\u00e3o fazem refer\u00eancia \u00e0s poss\u00edveis qualidades ou atmosferas<\/p>\n<p>que o sil\u00eancio emana, tais como a delicadeza, o vazio, a suavidade, a invisibilidade, o<\/p>\n<p>antiespet\u00e1culo, o apagamento e o et\u00e9reo.<\/p>\n<p>&nbsp;<\/p>\n<p>O conceito de sil\u00eancio tem sido tema de recentes exposi\u00e7\u00f5es, mas o que nos interessa refletir<\/p>\n<p>nesta mostra \u00e9 a sua capacidade de m\u00faltipla representa\u00e7\u00e3o e como as atmosferas citadas se<\/p>\n<p>comportam e podem se conectar em uma rede de significados e transbordamento de sentidos.<\/p>\n<p>&nbsp;<\/p>\n<p>Refletindo sobre a obra de Leonilson, Para quem comprou a verdade (1991), percebemos a<\/p>\n<p>exposi\u00e7\u00e3o de uma fragilidade que \u00e9 tanto dos materiais empregados quanto do pr\u00f3prio<\/p>\n<p>sujeito, que se revela audaz e corajoso. Est\u00e3o contidos, nesse peda\u00e7o de bordado, seus medos,<\/p>\n<p>dramas, frusta\u00e7\u00f5es, solid\u00e3o, mas significativamente sua voz. \u00c9 a sua fala com o mundo, a sua<\/p>\n<p>exposi\u00e7\u00e3o ao outro, seu espa\u00e7o de vida e celebra\u00e7\u00e3o. Estes s\u00e3o aspectos pass\u00edveis de serem<\/p>\n<p>atribu\u00eddos \u00e0s obras dos artistas selecionados. O sentimento de despertencimento \u00e9 abordado<\/p>\n<p>de maneira mais dram\u00e1tica com a s\u00e9rie Obitu\u00e1rios (1998), de Jorge Macchi. \u00c9 a morte que<\/p>\n<p>encaramos nas p\u00e1ginas recortadas de um jornal. O artista recortou, dentro do caderno de<\/p>\n<p>obitu\u00e1rios do peri\u00f3dico, as informa\u00e7\u00f5es sobre os falecidos, resguardando apenas as cruzes ou<\/p>\n<p>as estrelas que determinam a religi\u00e3o do morto. H\u00e1 um choque ao confrontarmos ao mesmo<\/p>\n<p>tempo uma escultura e a realidade do material. A maneira como o artista transforma uma<\/p>\n<p>estrutura de papel em um corpo desfeito de carnalidade. Vazado e triste, desolado e solit\u00e1rio,<\/p>\n<p>Obitu\u00e1rios reflete aus\u00eancia e falta, mesmo sem sabermos quem eram aquelas pessoas e suas<\/p>\n<p>hist\u00f3rias de vida.<\/p>\n<p>&nbsp;<\/p>\n<p>Na obra de Thiago Rocha Pitta, a fluidez da natureza e o seu estado constante de<\/p>\n<p>transforma\u00e7\u00e3o sempre suave se tornam aparentes atrav\u00e9s da delicadeza e da constru\u00e7\u00e3o de<\/p>\n<p>um tempo pr\u00f3prio, estendido, deslocado e demorado que o olhar do artista nos oferece.<\/p>\n<p>Ademais, pintura e v\u00eddeo est\u00e3o se fazendo simultaneamente, porque h\u00e1 uma materialidade<\/p>\n<p>pict\u00f3rica e uma gestualidade na forma como a natureza das coisas nos \u00e9 apresentada. A<\/p>\n<p>c\u00e2mera aproxima-se da natureza, mudando a nossa perspectiva e escala sobre o mundo e<\/p>\n<p>transformando a pr\u00f3pria materialidade da superf\u00edcie em frestas, aberturas, descidas, pequenas<\/p>\n<p>depress\u00f5es e vales que se constroem e se desfazem na mesma velocidade. O artista nos alerta<\/p>\n<p>sobre uma velocidade e transforma\u00e7\u00e3o constante, mas que muitas vezes nos passam de forma<\/p>\n<p>impercept\u00edvel, e \u00e9 por essa escala de sil\u00eancio e suavidade que ele tamb\u00e9m se interessa.<\/p>\n<p>&nbsp;<\/p>\n<p>Os espa\u00e7os escavados ou apagados, marcados pela gestualidade, em Anna Maria Maiolino<\/p>\n<p>efetuam uma esp\u00e9cie de invers\u00e3o do plano. Ao mesmo tempo em que tanto a gera\u00e7\u00e3o<\/p>\n<p>anterior, a dos neoconcretos, quanto a gera\u00e7\u00e3o de Maiolino pesquisavam e inventavam uma<\/p>\n<p>sa\u00edda do plano em dire\u00e7\u00e3o ao espa\u00e7o tridimensional, Mais buracos (1975\/2000) n\u00e3o deixa de<\/p>\n<p>operar essa tarefa, mas o sentido \u00e9 outro: seu espa\u00e7o \u00e9 o interior, a cavidade, e n\u00e3o o ar ou a<\/p>\n<p>exterioridade. Ele n\u00e3o \u00e9 um desenho no espa\u00e7o, mas um corpo, ou melhor, as entranhas de<\/p>\n<p>um corpo, agora vis\u00edvel e irrefut\u00e1vel.<\/p>\n<p>&nbsp;<\/p>\n<p>Est\u00e3o presentes na exposi\u00e7\u00e3o discuss\u00f5es sobre a desmaterializa\u00e7\u00e3o do objeto e a no\u00e7\u00e3o de<\/p>\n<p>\u201cefic\u00e1cia\u201d, ou melhor, a apropria\u00e7\u00e3o de sentido e reflex\u00e3o da obra de arte como ideia e n\u00e3o<\/p>\n<p>mais objetualidade. Ademais, em um tempo em que o excesso de informa\u00e7\u00e3o parece ser uma<\/p>\n<p>t\u00f4nica incondicional e irrevers\u00edvel, a exposi\u00e7\u00e3o explora o outro lado: a partir de um \u201cnada\u201d, de<\/p>\n<p>\u201csil\u00eancios\u201d, podemos construir uma rede de significados e pot\u00eancias nunca antes imaginada.<\/p>\n<p>S\u00e3o os casos das obras de Br\u00edgida Baltar e Cao Guimar\u00e3es. Em Coleta da neblina (2002), Baltar<\/p>\n<p>investe no processo do artista como personagem e num contexto em que fic\u00e7\u00e3o e realidade<\/p>\n<p>convergem, embaralhando as nossas no\u00e7\u00f5es firmes e concretas sobre o que nos cerca. A<\/p>\n<p>artista age como uma coletora de imaterialidade, isto \u00e9, transmite volume, peso e densidade a<\/p>\n<p>algo que sempre foi identificado como et\u00e9reo. O fato de vagar por uma paisagem coberta pela<\/p>\n<p>neblina amplia ainda o senso de sil\u00eancio da obra. J\u00e1 em Guimar\u00e3es, suas obras ativam<\/p>\n<p>acontecimentos cotidianos triviais que s\u00e3o da m\u00e1xima expressividade. S\u00e3o trabalhos que o<\/p>\n<p>artista chama de \u201cmicrodramas da forma\u201d, ou seja, guardam em si uma potencialidade<\/p>\n<p>dram\u00e1tica qualquer. Uma bolha que vaga a esmo, ou ainda uma folha seca cercada pelo<\/p>\n<p>orvalho e vice-versa s\u00e3o imagens que possuem em si mesmas uma enorme dramaticidade. Em<\/p>\n<p>Nanofania (2003) e Concerto para clorofila (2004), \u00edndices de imaterialidade \u2013 bolha, luz e<\/p>\n<p>sombra \u2013 passam a deter texturas, formas, cores, uma estrutura de pele e carne. A nossa<\/p>\n<p>perspectiva \u00e9 dirigida para a\u00e7\u00f5es, lugares e seres que mal percebemos em nosso cotidiano. S\u00e3o<\/p>\n<p>fen\u00f4menos cadenciados pelo seu tempo e escala pr\u00f3prios. Os pequenos dramas ou<\/p>\n<p>acontecimentos da vida que s\u00e3o desprezados nos lembram que eles s\u00e3o exatamente o que<\/p>\n<p>constituem a vida. Em \u00damido (2015), n\u00e3o sabemos o que se estabeleceu primeiro: a \u201caur\u00e9ola\u201d<\/p>\n<p>em torno da folha ou o pouso suave desta que depois foi recompensado pelo orvalho da<\/p>\n<p>chuva. Mais uma obra desse artista que chega ao mundo pelo prisma da delicadeza e por uma<\/p>\n<p>narrativa com fortes liga\u00e7\u00f5es com a literatura e o cinema. \u00c9 a ideia do acidente e da<\/p>\n<p>impossibilidade de se confirmar o que vemos com a exata certeza de que a ci\u00eancia ou a<\/p>\n<p>realidade quer nos impor que transmite \u00e0 obra de Cao Guimar\u00e3es um forte imagin\u00e1rio po\u00e9tico.<\/p>\n<p>&nbsp;<\/p>\n<p>A escala do mundo inverte-se em Sopro (2013), de Maria Laet: voltamos para aquilo que era<\/p>\n<p>dado como supostamente impercept\u00edvel, menor ou desprez\u00edvel. Presenciamos movimentos,<\/p>\n<p>leituras e sintomas de um mundo que acontece sem nos darmos conta. Ademais, a forma<\/p>\n<p>como opera a dura\u00e7\u00e3o do tempo em suas obras, realizadas por meio de a\u00e7\u00f5es perform\u00e1ticas<\/p>\n<p>extremamente singelas, convertendo-se em um ritmo mon\u00f3tono e lento, emprega uma<\/p>\n<p>circunst\u00e2ncia de investiga\u00e7\u00e3o sobre o seu pr\u00f3prio estado. O ato de soprar \u00e1gua-tinta sobre o<\/p>\n<p>papel acaba por provar que tempo e espa\u00e7o se aliam como pot\u00eancias que provocam um<\/p>\n<p>estado aleat\u00f3rio e de profunda poesia sobre as marcas do papel. Est\u00e3o ali impregnadas por<\/p>\n<p>entre suas tramas paisagens, vari\u00e1veis, nuances e fundamentalmente um corpo, que n\u00e3o \u00e9<\/p>\n<p>qualquer um, j\u00e1 que est\u00e1 ali contido tamb\u00e9m um registro imaterial do corpo da artista.<\/p>\n<p>Quando digo que \u00e9 corpo, n\u00e3o se trata de carne, mas efetivamente pele. E esta imagem ganha<\/p>\n<p>ainda mais preponder\u00e2ncia quando metaforicamente a imagem representada pelo sopro se<\/p>\n<p>assemelha a uma impress\u00e3o digital, \u00e0 superf\u00edcie da pele. Esta imagem cria uma conson\u00e2ncia<\/p>\n<p>perfeita com Vest\u00edgios na transpar\u00eancia (2006), de Maiolino, quando essa imagem metaf\u00f3rica<\/p>\n<p>do corpo, em geral, e da pele, em especial, se faz devido a uma sobreposi\u00e7\u00e3o de folhas em<\/p>\n<p>papel japon\u00eas, em que a artista realiza um desenho na primeira dessas folhas. O desenho em<\/p>\n<p>nanquim cria \u201crastros\u201d que s\u00e3o absorvidos pelas folhas subsequentes criando uma variedade<\/p>\n<p>de tons e formas derivados do aleat\u00f3rio, que \u00e9 o ind\u00edcio m\u00e1ximo da pr\u00f3pria vida.<\/p>\n<p>&nbsp;<\/p>\n<p>As fotos de Caio Reisewitz e Luiza Baldan situam-se entre o sil\u00eancio e o (largo) intervalo entre a<\/p>\n<p>espera e o esquecimento. Um territ\u00f3rio preenchido pelo ind\u00edcio de que algo acabou de<\/p>\n<p>acontecer por ali ou h\u00e1 muito \u00e9 preenchido apenas por mem\u00f3rias. No caso de Baldan, \u00e9 uma<\/p>\n<p>imagem de qualquer lugar, exatamente pela sua imprecis\u00e3o espacial e temporal. Existe algo<\/p>\n<p>t\u00e3o pr\u00f3prio de n\u00f3s nesses dois espa\u00e7os (uma casa e uma garagem) por certo pelo fato de<\/p>\n<p>estarem se comunicando com a ideia de espa\u00e7o privado, mas que ambiguamente nos afasta de<\/p>\n<p>um comprometimento de estabilidade ou seguran\u00e7a, pois s\u00e3o espa\u00e7os abertos. Sil\u00eancio aqui<\/p>\n<p>n\u00e3o est\u00e1 diretamente ligado \u00e0 aus\u00eancia humana (at\u00e9 porque existe a possibilidade de<\/p>\n<p>\u201calgu\u00e9m\u201d ter acabado de passar por ali) nem \u00e0 economia de gestos, mas ao car\u00e1ter amb\u00edguo<\/p>\n<p>de presen\u00e7a e solid\u00e3o que Baldan e Reisewitz empregam nas imagens.<\/p>\n<p>&nbsp;<\/p>\n<p>Este mesmo car\u00e1ter reaparece em uma obra escult\u00f3rica na mostra. Trata-se de London Angles<\/p>\n<p>#1 (2014), de Pedro Cabrita Reis. Os materiais empregam simbolicamente uma caracter\u00edstica<\/p>\n<p>antropom\u00f3rfica \u00e0 estrutura met\u00e1lica. A luz \u00e9 puls\u00e3o de vida, registro de um corpo<\/p>\n<p>desamparado, triste, solit\u00e1rio, d\u00e9bil. Clama por algu\u00e9m. Eis um grito surdo que conclama ao<\/p>\n<p>outro para que percebam a sua apari\u00e7\u00e3o no mundo. Quer se fazer vidente e vis\u00edvel diante do<\/p>\n<p>sil\u00eancio.<\/p>\n<p>&nbsp;<\/p>\n<p>Intelig\u00eancia, comprometimento com a ruptura e intui\u00e7\u00e3o estavam na base da constitui\u00e7\u00e3o das<\/p>\n<p>po\u00e9ticas de Amilcar de Castro, Franz Weissmann, Lygia Clark e Lygia Pape, importantes<\/p>\n<p>refer\u00eancias para o trabalho de Waltercio Caldas, para conceber espa\u00e7os relacionados ao corpo,<\/p>\n<p>\u201cou melhor, ao olhar encarnado em um corpo em movimento a partir da revolu\u00e7\u00e3o de<\/p>\n<p>elementos puramente planares\u201d.[1] O que Caldas realiza caminha em outro sentido. Percebam<\/p>\n<p>que o observador n\u00e3o \u00e9 participante da a\u00e7\u00e3o, mas reconstr\u00f3i de forma subjetiva a condi\u00e7\u00e3o<\/p>\n<p>planar das esculturas e materializa-se naqueles s\u00f3lidos geom\u00e9tricos. Os planos vazados, ar<\/p>\n<p>enquanto volume, a rela\u00e7\u00e3o antropom\u00f3rfica, o espelho como um autorretrato e um elemento<\/p>\n<p>de transfer\u00eancia entre corpo do observador e mat\u00e9ria escult\u00f3rica constituem Eureca (2001)<\/p>\n<p>como um espa\u00e7o a ser inventado pelas m\u00faltiplas possibilidades de \u201cposi\u00e7\u00f5es de corpos\u201d:[2]<\/p>\n<p>sua, enquanto observador, e dela, escultura.<\/p>\n<p>&nbsp;<\/p>\n<p>Planos em movimento a partir da rela\u00e7\u00e3o entre cheios e vazios, figura e fundo, linhas<\/p>\n<p>horizontais e verticais s\u00e3o o motor da obra de Lygia Pape. Remetendo ao debate sobre a<\/p>\n<p>pintura, o minimalismo e a ilus\u00e3o gr\u00e1fica e pict\u00f3rica do grid que atravessou os anos 1950 e<\/p>\n<p>1960, Pape vai mais adiante: seu interesse, al\u00e9m de ampliar as caracter\u00edsticas formais e<\/p>\n<p>estruturais do desenho e da pintura \u2013 ela singularmente constr\u00f3i um espa\u00e7o cin\u00e9tico no plano<\/p>\n<p>\u2013, \u00e9 comprometer-se com o corpo. Estimular, especular, inventar um organismo por entre o<\/p>\n<p>espa\u00e7o geom\u00e9trico. Sua linha \u00e9 luz, corpo, mat\u00e9ria. Com sua economia de m\u00e9todos peculiar,<\/p>\n<p>vagarosamente constitui uma a\u00e7\u00e3o, um m\u00e9todo para a apari\u00e7\u00e3o de uma linha que se converte<\/p>\n<p>em desejo, a\u00e7\u00e3o e liberta\u00e7\u00e3o do plano. Quer se fazer corpo, portanto. Interessante perceber o<\/p>\n<p>quanto esse debate sobre a opera\u00e7\u00e3o gr\u00e1fica e ilus\u00f3ria do plano se faz em uma gera\u00e7\u00e3o mais<\/p>\n<p>recente de artistas, como \u00e9 o caso de Carolina Martinez. Operando com uma esp\u00e9cie de<\/p>\n<p>sombra e luz da madeira, Martinez cria espa\u00e7os de cor e campos de luz (assim como de sua<\/p>\n<p>aus\u00eancia), combinando um jogo de formas e espa\u00e7os que se convertem ora em janelas ora em<\/p>\n<p>horizontes, criando, portanto, fortes la\u00e7os com a pr\u00e1tica pict\u00f3rica. E tudo isso regido por<\/p>\n<p>elementos precisos.<\/p>\n<p>&nbsp;<\/p>\n<p>Nas obras de Isa Genzken e Otavio Schipper, em que especialmente o som \u00e9 um referente, o<\/p>\n<p>di\u00e1logo delas se d\u00e1 pelo seu negativo, ou seja, pela a\u00e7\u00e3o de obstruir o som e evocar o seu<\/p>\n<p>(suposto) sil\u00eancio. O que existe, ou melhor, aquilo que se expande pelo espa\u00e7o, \u00e9 a imagem do<\/p>\n<p>som, isto \u00e9, as mais distintas suposi\u00e7\u00f5es que podemos ter sobre qual som poderia ser ouvido<\/p>\n<p>se finalmente aquilo que o impede (um bet\u00e3o, uma solda) fosse solto ou reinterpretado. O<\/p>\n<p>som, portanto, \u00e9 evidenciado pela forma, mas a nossa expectativa pelo seu acontecimento \u00e9<\/p>\n<p>negada pelo sil\u00eancio. N\u00e3o necessariamente a impossibilidade de o som se converter em<\/p>\n<p>audi\u00e7\u00e3o se constitui como drama ou fal\u00eancia, mas como um fen\u00f4meno que nos possibilita criar<\/p>\n<p>in\u00fameras met\u00e1foras para o que pode ser qualificado como som. Parafraseando o pensamento<\/p>\n<p>de John Cage de que o sil\u00eancio n\u00e3o existe e, portanto, ele n\u00e3o se reduz \u00e0 quest\u00e3o ac\u00fastico-<\/p>\n<p>musical, estas duas obras n\u00e3o afirmam um significado \u00faltimo e derradeiro para o sil\u00eancio; ao<\/p>\n<p>contr\u00e1rio, pois mostram sua abertura, complexidade e multiplicidade e apontam finalmente<\/p>\n<p>para o fato de que sil\u00eancio e som est\u00e3o em constante muta\u00e7\u00e3o e interpenetra\u00e7\u00e3o.<\/p>\n<p>&nbsp;<\/p>\n<p>Em uma perspectiva de tempo na qual vivemos em um transbordamento de imagens em que o<\/p>\n<p>excesso revela tamb\u00e9m o afogamento em dados in\u00fateis e a banaliza\u00e7\u00e3o da imagem (ela fica<\/p>\n<p>vagando num mundo onde ela n\u00e3o sabe se \u00e9 um an\u00fancio de publicidade ou uma obra de arte),<\/p>\n<p>as obras desta mostra operam exatamente contra essa automatiza\u00e7\u00e3o. Trazendo as<\/p>\n<p>monotipias de Mira Schendel como um norte poderoso para a discuss\u00e3o, estas obras<\/p>\n<p>despertam outra forma de perceber o mundo, de criar um alfabeto que se caracteriza n\u00e3o pelo<\/p>\n<p>pragmatismo que dele por ora se espera, mas pelo vi\u00e9s da poesia, da delicadeza e<\/p>\n<p>substancialmente de uma rela\u00e7\u00e3o de opostos (cheio e vazio, dentro e fora, branco e preto,<\/p>\n<p>retil\u00edneo e torto) que se revela como a s\u00edntese da condi\u00e7\u00e3o humana. \u00c9 um alfabeto que<\/p>\n<p>constantemente precisa ser decifrado, pois ele nunca se completa e \u00e9 exatamente esse<\/p>\n<p>exerc\u00edcio de descoberta incessante que o \u201capaga\u201d da sua \u201cfun\u00e7\u00e3o original\u201d e converte essas<\/p>\n<p>obras em discurso silencioso, lento e impactante sobre como ver e sentir o mundo. As linhas<\/p>\n<p>de suas monotipias, que se convertem continuamente em ideogramas e imagens pl\u00e1sticas,<\/p>\n<p>devem ser interpretadas sob a luz das pr\u00f3prias intemp\u00e9ries da vida. Est\u00e3o l\u00e1 o drama, o riso, o<\/p>\n<p>sil\u00eancio, a vida, o fim. Tudo contido em uma economia surpreendente e m\u00e1gica.<\/p>\n<p>&nbsp;<\/p>\n<p>Finalmente, esse conjunto de obras n\u00e3o deve ser pensado como testemunho de um tempo,<\/p>\n<p>mas como compromisso com a vida. N\u00e3o s\u00e3o obras \u201cdatadas\u201d ou \u201chist\u00f3ricas\u201d: possuem vida e<\/p>\n<p>tempo pr\u00f3prios cujas proje\u00e7\u00f5es s\u00e3o voltadas para a constru\u00e7\u00e3o de novos olhares sobre o<\/p>\n<p>mundo.<\/p>\n<p>&nbsp;<\/p>\n<p>&nbsp;<\/p>\n<p><strong>De 29 de agosto a 26 de setembro.<\/strong><\/p>\n","protected":false},"excerpt":{"rendered":"<p>Com curadoria de Felipe Scovino, \u201cAtributos do Sil\u00eancio\u201d faz refer\u00eancia \u00e0s poss\u00edveis qualidades ou atmosferas que o sil\u00eancio emana, tais como a delicadeza, o vazio,\u2026<\/p>\n","protected":false},"author":6,"featured_media":0,"comment_status":"closed","ping_status":"closed","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"footnotes":""},"categories":[3,6,8,11,15],"tags":[736,6320,83,913,2255,154,283,979,294,958,451],"class_list":["post-8779","post","type-post","status-publish","format-standard","hentry","category-arte-contemporanea","category-exposicoes","category-fotografia","category-oparalelo","category-sao-paulo","tag-anna-maria-maiolino","tag-bergamingomide","tag-brigida-baltar","tag-caio-reisewitz","tag-cao-guimaraes","tag-felipe-scovino","tag-leonilson","tag-luiza-baldan","tag-lygia-pape","tag-mira-schendel","tag-waltercio-caldas"],"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/www.bolsadearte.com\/oparalelo\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/8779","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/www.bolsadearte.com\/oparalelo\/wp-json\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"https:\/\/www.bolsadearte.com\/oparalelo\/wp-json\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.bolsadearte.com\/oparalelo\/wp-json\/wp\/v2\/users\/6"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/www.bolsadearte.com\/oparalelo\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=8779"}],"version-history":[{"count":1,"href":"https:\/\/www.bolsadearte.com\/oparalelo\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/8779\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":8781,"href":"https:\/\/www.bolsadearte.com\/oparalelo\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/8779\/revisions\/8781"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/www.bolsadearte.com\/oparalelo\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=8779"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.bolsadearte.com\/oparalelo\/wp-json\/wp\/v2\/categories?post=8779"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"https:\/\/www.bolsadearte.com\/oparalelo\/wp-json\/wp\/v2\/tags?post=8779"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}