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Daniel Feingold na Cassia Bomeny Galeria

07/dez

 

Cassia Bomeny Galeria, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, apresenta a exposição individual de pinturas do artista plástico Daniel Feingold. São vinte e quatro obras inéditas, sendo oito pinturas em esmalte sintético sobre tela, que apresentam sua pesquisa sobre trama e estrutura, e dezesseis pinturas em bastão oleoso sobre papel, nas quais a estrutura desconstruída dá lugar a um novo espaço de investigação, numa potente expansão de sua pesquisa construtiva.

 

Os trabalhos foram produzidos este ano, – um panorama da mais recente produção do artista -, que tem trinta anos de trajetória. “A obra que Daniel Feingold vem realizando há cerca de três décadas, de modo extremamente coerente no que tange à sua impecável metodologia de trabalho e consistência intelectual, o afasta dos modismos estéticos e conseqüentemente do marketing promocional, que costuma devastar a produção de tantos artistas”, afirma o crítico de arte Frederico Morais no texto que acompanha a exposição.

 

Para realizar as pinturas, Daniel Feingold não utiliza o tradicional pincel. Em uma técnica desenvolvida por ele em 2013, a pintura é feita entornando as tintas sobre a tela. Ele a coloca na vertical e, através de latas que ele mesmo retorce, criando bicos de diversos tamanhos, derrama a tinta, que escorre verticalmente por toda a tela, formando linhas retas. Ao secar, o artista vira o quadro e repete o procedimento, resultando em diversas linhas coloridas, com espessuras variadas, que se cruzam, se sobrepõem e se entrelaçam. “Não é por acaso, também, que Feingold tenha descartado o emprego de matérias primas, ferramentas e técnicas tradicionais como óleo, vinil, acrílica, pincéis ou espátulas na realização de suas pinturas, optando por usar o esmalte sintético sobre um tecido mais encorpado e resistente, o “terbrim”, não sem antes criar na própria embalagem metálica do produto uma espécie de canaleta que lhe permite controlar a quantidade da matéria a ser liberada e, simultaneamente, impedir que ela se esgarce comprometendo a precisão de seu percurso – que é sempre o de uma queda – na definição das linhas que atravessam o suporte de uma extremo a outro”, diz Frederico Morais.

 

Logo na entrada da exposição estará uma grande pintura, um díptico, em tons de preto, vermelho e branco. Cada uma das telas que compõem a obra possui uma espessura diferente, formando um “degrau”, mas com linhas que se juntam, em uma ideia de continuidade. “As pinturas são planos cromáticos e dobras que se expandem e se entrelaçam. Elas têm a característica de expansão, a ideia é romper a superfície”, conta o artista, que ressalta que essa obra foi o ponto de partida para toda a exposição.

 

Nas obras de Daniel Feingold, a lateral da tela, onde o terbrim dobra no chassi, também é pintada. Lá estão as mesmas linhas contínuas presentes na frente do quadro. “Um visitante mais apressado ou menos atento às sutilezas de sua obra, talvez não se dê conta de que seus quadros não se esgotam nos limites da superfície plana que têm à sua frente. Não porque careçam de molduras, mas porque esse plano costuma ser dobrado nos seus quatro lados. E a rigor poderia prosseguir por traz – o que seria um desperdício, um lesa-prazer. Assim como se juntar a outro, como já aconteceu.  Ou outros mais, iguais ou parecidos, mantendo-se a mesma estrutura linear, porém mudando-se cores. O ponto de encontro entre elas criando módulos, ou apenas uma pausa, uma fresta, um ponto de fuga, parte de um jogo de simetrias e assimetrias. Ou indefinidamente – cobrindo paredes de corredores, túneis, dando a volta ao mundo, quem sabe”, ressalta Frederico Morais.

 

 

Pinturas sobre papel

 

Além das pinturas sobre tela, no primeiro andar da galeria também estarão três pinturas sobre papel, que se relacionam com as demais obras, pois possuem a mesma palheta de cores. No segundo andar, estará mais uma série de trabalhos sobre papel, todos em preto e branco. Para realizar essas obras, Daniel Feingold usa bastão oleoso – com cores firmes, opacas e sem transparência -. que ele desliza, friccionando sobre o papel. Nesses trabalhos, não há uma preocupação tão grande do artista com o rigor técnico. Ele utiliza algumas réguas para fazer linhas retas, mas também permite “manchas” no desenho, como riscos mais finos, borrões e até marcas de dedo. “São trabalhos de luta, que mostram a intensidade do artista, a tensão interna durante a produção, que trazem uma vivacidade menos intelectualizada, uma despreocupação com o sujo”, diz Daniel Feingold. “Quando se trata de papéis, Feingold faz uso de grande variedade de materiais, superpondo faixas coloridas, ou como em fascinante série negra, ainda em curso, provocando com seus instrumentos de trabalho, que não raro também usa de forma pouco ortodoxa, ranhuras, incisões, manchas ou grafismos que se contrapõem a formas-signos vigorosas e intrigantes”, conta Frederico Morais. As pinturas (tanto sobre tela como sobre papel) foram feitas pelo artista sem um projeto prévio, sem esboço. “A cor demarca a situação. O que busco é um equilíbrio”, afirma.

 

 

Sobre o artista

 

Daniel Feingold nasceu no Rio de Janeiro, em 1954. Formou-se em Arquitetura na FAUSS, RJ, (1983), estudou História da Arte e Filosofia na UNIRIO/PUC (1988-1992) e teoria da Arte & Pintura e Núcleo de Aprofundamento, na EAV Parque Lage, RJ, (1988-1991). Morou em Nova York, onde fez Mestrado em Fine Arts no Pratt Institute (1997). Dentre suas exposições individuais estão: “Acaso Controlado”, no MAM – Rio de Janeiro (2013), MON – Curitiba (2017), Museu Vale – Vitória (2017), “Fotografia em 3 séries” Paço Imperial do Rio de Janeiro (2016), Centro Universitário Maria Antonia | USP, São Paulo (2003), entre outras. Participou de diversas exposições coletivas destacando-se “Arte Brasileira e Depois na Coleção Itaú”, Paço Imperial – Rio de Janeiro, (2011), “Football, Art & Beer”, Centro de Arte Maria Teresa Vieira – Rio de Janeiro (2010), “Escape from NY”, SNO – Sidney (2007), RMIT School of Art – Melbourne, (2009), Minus Space – Nova York (2009) e Massey University – Wellington (2010), “Minus Space”, PS1 Contemporary Art Center – Nova York (2008), “Crossing Lines”, Art in General – Nova York (1998) entre outras.

 

 

Sobre a galeria

 

Cassia Bomeny Galeria (antiga Um Galeria) foi inaugurada em dezembro de 2015, com o objetivo de apresentar arte contemporânea, expondo artistas brasileiros e internacionais. A galeria trabalha em parceria com curadores convidados, procurando elaborar um programa de exposições diversificado. Tendo como característica principal oferecer obras únicas, associadas a obras múltiplas, sobretudo quando reforçarem seu sentido e sua compreensão. Explorando vários suportes – gravura, objetos tridimensionais, escultura, fotografia e videoarte. Com esse princípio, a galeria estimula a expansão do colecionismo, com base em condições de aquisição, bastante favoráveis ao público. Viabilizando o acesso às obras de artistas consagrados, aproximando-se e alcançando um novo público de colecionadores em potencial. A galeria também abre suas portas para parcerias internacionais, com o desejo de expandir seu público, atingindo um novo apreciador de arte contemporânea, estimulando o intercâmbio artístico do Brasil com o mundo.

 

 

De 12 de dezembro a 31 de janeiro de 2018.

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Cartaz na Oscar Cruz

04/dez

Obedecendo ao título geral de “Marron Azul”, a Galeria Oscar Cruz, Itaim-Bibi, São Paulo, SP, apresenta a exposição individual de Ramon Martins. A apresentação é assinada por Débora Lopes.

 

A força bruta das mulheres negras na exposição Marrom Azul, de Ramon Martins

 

 

Por Débora Lopes

 

A cabeça pende para trás, forçando o músculo do pescoço a demonstrar uma elasticidade mágica, quase aflitiva. Essa força bruta e meramente humana habita as mulheres negras pintadas pelo artista plástico Ramon Martins em sua nova exposição, Marrom Azul. Com as clavículas ressaltadas, uma delas está de sutiã branco, envolta em um xale estampado. Sua beleza extrema e o olhar distraído foram inspirados na modelo angolana Maria Borges. Filho de mãe negra, Ramon retornou às próprias raízes para pesquisar e produzir as obras, compostas por tinta acrílica sobre tela – uma delas alcançando dois metros de altura. Lábios grossos, cabelos crespos, sobrancelhas arqueadas, a cor marrom pulsando na composição do pigmento de pele. A beleza e a força dessas mulheres remetem a um universo orgânico e fértil, tal qual a terra.

 

 

Até 23 de fevereiro de 2018.

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Pássaros do Brasil e algumas histórias

01/dez

Adriana Varejão convida para o lançamento do livro “Colorindo com Adriana Varejão – Pássaros do Brasil e algumas histórias”, neste sábado, 02 de dezembro, às 11 horas na Carpintaria, Jardim Botânico, Rio de Janeiro, RJ. A artista convida todas as crianças a darem cores a alguns dos pássaros mais queridos do país. Adriana Varejão apresenta aves como o bem-te-vi, a ararinha-azul e o joão-de-barro, com textos que voam pelas páginas e despertam a curiosidade dos pequenos sobre as diferentes espécies. O selo editorial é da Cobogó.

 
Sobre a autora

 
Adriana Varejão é carioca, mãe da Catarina (11 anos) e da Violeta (4 anos). Pintora, também trabalha com escultura, desenho e instalações. Para criar suas obras, a artista inspira-se, com frequência, nas tradições culturais de povos de diferentes países. Seus trabalhos integram as coleções dos principais museus do mundo como Tate Modern (Londres), Fondation Cartier pour l’art contemporain (Paris), Hara Museum (Tóquio) e Guggenheim e Metropolitan (Nova York). Participou de exposições em importantes instituições e bienais como São Paulo (1994 e 1998), Sydney (2000), Istambul (2011), Liverpool (1999 e 2006) e Mercosul (1997 e 2005). No Brasil, um pavilhão é dedicado aos trabalhos da artista no Inhotim, em Minas Gerais, onde foi instalada a obra Passarinhos – de Inhotim a Demini, em que retratou em um banco azulejado cerca de 500 espécies de pássaros.

 

Adriana Varejão ISBN: 978-85-5591-0432 Encadernação: Grampeado Formato: 23,5 x 30 cm Ano de edição: 2017 R$ 39,90

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Celina Portella na Inox

A Galeria Inox, Shopping Cassino Atlântico, Copacabana, Rio de Janeiro, RJ, abriu a exposição “Dobras” de Celina Portella. A artista mostra uma nova série de foto-objetos e outros trabalhos em fotografia e vídeo. Ao usar o corpo e sua interação com o espaço físico em que se encontra, Celina propõe a ação entre a expressão corporal e a mídia e com isso torna a fotografia e o vídeo partes estruturais do próprio trabalho.

 

Na exposição, a artista explora as possibilidades a partir do 2D, da fotografia impressa. Por meio de uma dobra, ela confere volume e movimentação à figura e assim busca provocar a percepção do espectador. Tratam-se de imagens de partes do corpo que se transformam em foto-objetos, esculturas e interagem com o espaço ao se acoplarem na arquitetura. As obras são fixadas em cantos, no chão, no teto e ocupam o ambiente em função do gesto expresso em cada trabalho.

 

“Dobras” apresenta uma metáfora sobre o funcionamento orgânico do corpo, que se subdivide em linhas que nunca são retas. Em contrapartida, temos a arquitetura e tudo aquilo que é criado a partir de linhas retas e quadrados métricos. Celina transporta esse corpo orgânico para fotografias chapadas e métricas inserindo-o em quadros que questionam as curvas e movimentações naturais.

 

 

Sobre a artista

 

Celina Portella vive e trabalha no Rio de Janeiro, estudou design na Puc-Rio e se formou em artes plásticas na Université Paris VIII. Trabalha com artes plásticas e dança. A partir do vídeo e da fotografia, suas obras dialogam com a arquitetura, o cinema, a performance e ultimamente com a escultura, caracterizando-se especialmente por um questionamento sobre a representação do corpo e sua relação com o espaço. Foi contemplada recentemente pela Bolsa do Programa de Estímulo à Criação, Experimentação e Pesquisa Artística SEC + Faperj e também pelo I Programa de Fomento a Cultura Carioca em Artes Visuais, com a Bolsa de Apoio a Criação da Secretaria de Estado de Cultura e com a bolsa do Núcleo de Arte e Tecnologia da EAV Parque Lage no Rio de Janeiro. Recebeu indicação ao prêmio da Bolsa ICCO/sp-arte 2016, ao prêmio de aquisição EFG Bank & ArtNexus na SP Arte 2015 e ao prêmio Pipa 2013 e 2017. Foi premiada na XX Bienal Internacional de Artes Visuales de Santa Cruz na Bolivia em 2016, assim como no II Concurso de Videoarte da Fundação Joaquim Nabuco em Recife. Participou da residência no Centre international d’accueil et d’échanges des Récollets em Paris, da residência LABMIS, do Museu da imagem e do Som em São Paulo, na Galeria Kiosko em Santa Cruz de La Sierra na Bolívia, entre outras. De participações em mostras coletivas, destacam-se a Frestas Trienal de Artes no Sesc Sorocaba, São Paulo, Dublê de Corpo na Galeria Carbono, Esboço para uma coreografia na Galeria Central, Verbo na Galeria Vermelho, III Mostra Do Programa de Exposições do Centro Cultural São Paulo, o 60°  Salão de Abril, Fortaleza, e o 15º Salão da Bahia. Como bailarina e co-criadora trabalhou com os coreógrafos Lia Rodrigues e João Saldanha.

 

 

Até 23 de dezembro.

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Diálogos na Carpintaria 

29/nov

Dando continuidade ao programa experimental da Carpintaria, espaço da Fortes D’Aloia & Gabriel, Jardim Botânico, Rio de Janeiro, RJ, a exposição “Opening Night” propõe um diálogo entre três artistas de diferentes gerações cujas práticas orbitam majoritariamente em torno da escultura. A norte-americana Lynda Benglis, a brasileira Erika Verzutti e o inglês Jesse Wine apresentam, em conjunto, quinze obras de suas produções recentes. A “noite de abertura” sugerida no título refere-se livremente ao filme homônimo do diretor norte-americano John Cassavetes de 1977, lançado no Brasil como “Noite de Estreia”. Na trama, uma atriz de meia-idade – vivida por Gena Rowlands – enfrenta uma crise de identidade enquanto ensaia sua nova peça de teatro. A exposição alude ao palco em que se desenrola a história ao apresentar uma única base para dispor todo o conjunto de trabalhos do trio. A plataforma transforma as esculturas em veículos análogos aos atores, ao mesmo em que borra o gap geográfico e geracional dos três artistas para sublinhar suas afinidades. Relacionando-se entre si, os trabalhos de Lynda, Erika e Jesse transmutam-se em poderosas alegorias da condição da escultura na contemporaneidade – munidas, nesta reflexão, de artifícios como a ironia, o experimentalismo na manipulação dos materiais e um vasto léxico de referências, diretas e indiretas, à história da arte.

 

Veterana do trio, a produção de Lynda Benglis, está profundamente enraizada na história da arte norte-americana. Seus trabalhos começam a ganhar notoriedade no fim da década de 60, quando sua obra surge como uma resposta à predominância masculina na prática da fusão entre pintura e escultura, oriunda de movimentos como o Minimalismo e o Process art. Marcadas por uma forte fisicalidade, as esculturas da série “Elephant Necklace” criam relações dinâmicas entre massa e superfície, onde a matéria maleável se torna rígida e vice-versa, em um processo de congelamento do gesto. Também integram a exposição duas obras com bronze e pedra da década de 90, “Man/Landscape” e “Landscape II.”

 

Na produção da paulistana Erika Verzutti o gesto também ocupa uma posição elementar. O seu fazer escultórico revela-se na investigação da natureza de objetos mundanos, dentre frutas, vegetais e materiais próprios da prática artística. Repleto de humor, seu exercício de livre associação dá origem a trabalhos que distanciam-se de uma identificação imediata, frequentemente evocando narrativas pessoais e relacionadas à história da arte. “Mulher Fruta”, por exemplo, alude à idealização do corpo em uma escultura de papier machê e isopor, ao passo que “Dieta ” retrata, em bronze, uma curiosa torre com ovos e bananas.

 

A ênfase no material manifesta-se também na obra de Jesse Wine. O jovem artista elege a cerâmica como material predominante e através de técnicas tradicionais desafia noções de composição, forma e narrativa. Trabalhos como “Modern Emotion” e “So Human” , ambos de 2017, fazem alusão crítica à representação do corpo na escultura moderna, enquanto “Santa Fe” e outros da mesma série trazem arranjos que flertam com a paisagem.

 

 

De 28 de novembro a 27 de janeiro de 2018.

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Nuno Ramos “Los Desastres de la Guerra”

Euforia e Cinzas

 

Após reunir uma série de desenhos da série “Rocha de gritos” e pinturas em larga escala para sua individual “Grito e Paisagem”, na Galeria Anita Schwartz (de setembro a novembro deste ano), Nuno Ramos apresenta “y Lucientes”, um projeto solo inédito em homenagem a Goya que será apresentado na feira de arte Art Basel, em Miami Beach.

 

Nuno aponta nas pinturas de sua individual “Grito e Paisagem” uma “euforia raivosa”, onde cores e excessos suscitam uma reação criativa positiva frente ao contexto negativo que rege o ânimo brasileiro contemporâneo. Já em seu projeto para a seção Nova de Miami Basel – que exibe apenas projetos realizados a partir de 2015 –, a instalação “y Lucientes” é feita a partir de “Los Desastres de la Guerra”, série de gravuras de Goya com cenas da invasão napoleônica e da resistência madrilenha, presenciadas pelo próprio artista durante a Guerra da Independência Espanhola. Trata-se de um dos mais pungentes documentos sobre a perda de qualquer parâmetro civil ou humanitário atingindo toda uma população em seus direitos mais elementares.

 

A instalação é composta por 80 impressões das gravuras de Goya expostas à fumaça e à fuligem liberadas por uma solda de acetileno, “desregulada” de forma a soltar este estranho fumo. Trata-se, portanto, de desenhos únicos de fumaça e fuligem sobre gravuras, como monotipias, com atuações feitas pelo artista sobre o trabalho de Goya – o “y Lucientes” do título alude a isto. A fumaça negra impregna o papel como um gesto, mas não de tinta e sim de fuligem, cinzas, fumaça, detrito, como se as cenas de destruição e horror ganhassem uma nova materialidade, mais literal e similar ao que Goya retratou.

 

Posicionada no centro da sala, uma escultura em forma de lápide e feita de granito escuro complementa a instalação. No topo desta lápide é possível ver o livro “Los Desastres de la Guerra”, de onde foram retiradas as imagens, imerso agora em breu e resina, como um inseto pré-histórico numa goma translúcida de tonalidade âmbar avermelhada, que quer trazer alguma reflexão temporal sobre aquilo que está ali submerso.

 

Como as cores que despertaram a “euforia raivosa” de sua exposição “Grito e Paisagem”, cenas em branco e preto cobertas de cinzas parecem anoitecer esta euforia e raiva em breu e solitude. Em Miami, Flórida, apelidada pelos americanos de capital do alvorecer (the sunshine capital) onde a confiança e a liberdade de expressão voam juntas aos pink flamingos, Nuno Ramos parece provocar o contexto local ao exibir sua densa instalação.

 

Ironia é uma ferramenta recorrente na obra de Nuno, e tanto aqui como nas pinturas mais uma vez acessa a instabilidade contemporânea, representada pela multiplicidade de suas técnicas e matérias – do viscoso, da pelúcia, do óleo e vaselina, à pedra, ao breu, à fumaça e às cinzas. Se este antagonismo material encharca a obra de ironia, temporalidade e instabilidade, sopra ao mesmo tempo no ouvido do observador o seguinte credo do artista: “a arte no fundo corresponde ao desejo inconsciente que têm os homens de não pertencer a credo nenhum”.

 

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Raro Percurso – 52 anos da Galeria de Arte Ipanema

24/nov

A Galeria de Arte Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, abre no próximo dia 28 de novembro, às 19h, a exposição “Raro Percurso – 52 anos da Galeria de Arte Ipanema”, marcando a inauguração de sua nova sede em prédio com projeto arquitetônico de Miguel Pinto Guimarães. Dirigida por Luiz Sève e sua filha Luciana Sève, a Galeria de Arte Ipanema passará a ocupar o andar térreo e metade do primeiro andar da construção com quatro andares e dois subsolos, que abriga ainda três unidades destinadas a escritórios empresariais. Ao longo do período de exposição será lançado o livro “Raro Percurso – 52 anos da Galeria de Arte Ipanema”, pela Barléu, com texto do crítico Paulo Sergio Duarte, capa dura, formato de 21cm x 25cm, e 100 páginas. “Espero que um jovem que começa sua coleção, um jovem artista ou, mesmo, crítico possam ter uma ideia, embora tênue, do contexto em que nasce a Galeria de Arte Ipanema”, escreve Paulo Sergio Duarte. Para ele, o percurso de Luiz de Paula Sève no mercado de arte e de sua galeria é “coisa raríssima, para não dizer única no Brasil”.

 

Com atividades ininterruptas, a Galeria de Arte Ipanema volta assim ao seu tradicional endereço no número 27 da Aníbal de Mendonça, onde se instalou em 1972, e mostra nesta exposição inaugural de seu novo espaço sua íntima relação com a história da arte, e a força de seu acervo. Serão exibidas cerca de 60 obras de mais de 50 artistas de várias gerações e diferentes pesquisas, expoentes da Arte Contemporânea e do Modernismo, entre eles grandes mestres da Arte Cinética, do Concretismo e do Neoconcretismo. Junto a pesos-pesados da arte, a exposição também reunirá pinturas de artistas mais jovens, como a norte-americana Sarah Morris, conhecida por suas pinturas geométricas de cores vibrantes, inspiradas principalmente na arquitetura das grandes metrópoles – e os paulistanos Henrique Oliveira e Mariana Palma.

 

Em uma verdadeira festa para o olhar, a exposição se inicia com seis pinturas cinéticas da série “Physichromie” de Cruz-Diez – artista representado pela galeria -, que oferecem três diferentes conjuntos de cores de acordo com a posição do espectador: de frente, caminhando da esquerda para a direita, ou no sentido contrário. Esses trabalhos se juntam a outros grandes nomes da arte cinética, como um óleo sobre tela da década de 1970 e um móbile dos anos 1960 de Julio Le Parc; uma versão em formato de 55 cm da espetacular “Sphère Lutétia” , uma das três obras de Jesús Soto na mostra; uma pintura de mais de 1,60m da série “W” de Abraham Palatnik , entre trabalhos de outros cinéticos, como o relevo de quase três metros de largura de Luis Tomasello.

 

 

Construtivismo e Neoconcretismo

 

De Sérgio Camargo estarão três significativos relevos em madeira pintada, e um deles, “Relief 13-83”, participou da Bienal de Veneza em 1966, onde o artista tinha uma sala especial com 22 obras. De Waltercio Caldas, integrará a mostra a escultura “Fuga”, esmalte sobre aço inox e lã. Um núcleo da exposição é composto por uma gravura de Richard Serra, pela obra “Maquete para interior”, de Lygia Clark, uma escultura em aço pintado de Franz Weissmann, uma escultura e uma pintura de Amilcar de Castro, duas pinturas de Aluísio Carvão e dois trabalhos de Ivan Serpa. A “Pintura nº 355”, do argentino Juan Melé , também integrará a mostra.

 

 

Mais pinturas – Abstracionismo, Expressionismo, Nova Figuração

 

Quatro pinturas de Alfredo Volpi – uma dos anos 1960 e três da década seguinte – também estarão na exposição, bem como conjuntos das famosas séries “Ripa” e “Bambu”, dos anos 1970, de Ione Saldanha, em têmpera sobre madeira. “52 anos – Um raro percurso” mostrará óleos sobre tela dos anos 1960 e 1950 de Tomie Ohtake e Manabu Mabe, dois artistas que participaram da exposição inaugural da Galeria Ipanema, em 1965. Arcangelo Ianelli, Abelardo Zaluar e Paulo Pasta também terão obras na mostra. A exposição apresentará pinturas de Iberê Camargo, Milton Dacosta, Maria Leontina, Jorge Guinle e Beatriz Milhazes. Raymundo Colares, artista que fez sua primeira individual na Galeria de Arte Ipanema, estará representado pela pintura “Midnaite Rambler”, em tinta automotiva sobre madeira. Wesley Duke Lee terá na exposição três pinturas em nanquim, guache e xerox sobre papel: “Nike descansa ”, “O Alce (Sapato com fita amarrando), e “Os mascarados”. “Tô Fora SP”, de Rubens Gerchmann, e duas pinturas de Wanda Pimentel, das décadas de 1970 e 90, se somam a quatro obras de Paulo Roberto Leal, artista que também teve sua primeira individual realizada pela Galeria Ipanema. Outros grandes nomes da arte contemporânea que integrarão a mostra são Frans Krajcberg, Cildo Meireles, Nelson Félix, Antonio Manuel e Vik Muniz.

 

 

Modernismo

 

Luiz Sève teve um contato privilegiado com grandes artistas, entre eles sem dúvida está Di Cavalcanti, de quem serão exibidas três óleos sobre tela. Outros grandes nomes do modernismo que estarão na exposição são Portinari, com a pintura “Favela”, Djanira, com “Sala de Leitura”, e Pancetti , com “Farol de Itapoan”.

 

 

Breve história de um raro percurso

 

A história da Galeria Ipanema se mistura à da arte moderna e sua passagem para a arte contemporânea, e seu precioso acervo é fruto de seu conhecimento privilegiado de grandes nomes que marcaram sua trajetória. Fundada por Luiz Sève, a mais longeva galeria brasileira iniciou sua bem-sucedida trajetória em novembro de 1965, em um espaço do Hotel Copacabana Palace, com a exposição de Tomie Ohtake e Manabu Mabe, entre outros. Até chegar à casa da Rua Aníbal de Mendonça, em Ipanema, em 1972, passou por outros endereços, como o Hotel Leme Palace e a Rua Farme de Amoedo.

 

 

Presença em São Paulo

 

De 1967 a 2002, Frederico Sève – irmão de Luiz – foi sócio da Galeria Ipanema, onde idealizou e dirigiu de 1972 a 1989 uma expansão em São Paulo, inicialmente na Rua Oscar Freire, em uma casa construída e especialmente projetada pelo arquiteto Ruy Ohtake. A Galeria Ipanema foi uma das precursoras a dar visibilidade ao modernismo, e representou, entre outros, com uma estreita relação, os artistas Volpi e Di Cavalcanti , realizando as primeiras exposições de Paulo Roberto Leal e Raymundo Colares. Nascido em uma família amante da arte, Luiz Sève aos 24 anos, cursando o último ano de engenharia na PUC, decidiu em 1965 se associar à tia Maria Luiza (Marilu) de Paula Ribeiro na criação de uma galeria de arte. Na família amante de arte, outro tio, o pneumologista Aloysio de Paula, médico de Pancetti, havia sido diretor do MAM. Luiz Sève destaca que é na galeria que encontra sua “fonte de prazer”. Uma característica de sua atuação no espaço de arte é “jamais ter discriminado ou julgado qualquer pessoa pela aparência”. “Há o componente sorte também”, ele ressalta, dizendo que já teve acesso a obras preciosas por puro acaso. A Galeria Ipanema mantém em sua clientela colecionadores no Brasil e no exterior, e já atendeu, entre muitas outras, personalidades como o mecenas da arte David Rockefeller, Robert McNamara – Secretário de Defesa do Governo Kennedy -, e o escritor Gabriel Garcia Marquez.

 

 

Até 23 de dezembro.

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Magliani – cartas e impressões

17/nov

Em Jaguarão, cidade fronteiriça com o Uruguai, no Rio Grande do Sul, iniciativa visa dar visibilidade à trajetória de uma das principais artistas do estado. A ação norteada pela Universidade Federal do Pampa – UNIPAMPA, Campus Jaguarão, pode ser considerada como um território acadêmico de mobilidade e de transitoriedade de indivíduos advindos de diversos lugares do Brasil. Nesse sentido, percebeu a necessidade de criar uma Galeria Intercultural, que venha a facilitar o diálogo com os estudantes através das artes visuais, de maneira a proporcionar uma maior integração cultural entre a comunidade acadêmica e a comunidade externa. Maria Lídia dos Santos Magliani (Pelotas/RS/1946 – Rio de Janeiro/RJ/2012) foi escolhida para ser a homenageada, por sua irreverência e luta, com o nome da Galeria Intercultural Magliani – GIM, que agora inaugura na UNIPAMPA.

 

A homenagem tem o intuito de dar visibilidade à obra da artista e manter viva a sua história, estimulando que mais mulheres produzam e façam arte. Magliani nasceu em Pelotas e ainda criança se mudou para Porto Alegre com a família. Pintora, desenhista, gravadora, ilustradora, escultora, figurinista, cenógrafa e atriz. Na década de 1960 cursou Artes plásticas, e pós-graduação em pintura no Instituto de Artes da Universidade Federal do Rio Grande do Sul – UFRGS, sendo a primeira artista negra a ser formada pela Instituição embora tenha havido um artista anterior. Pioneiro, Djalma Santos, formou-se na década de 1950. Sua arte está voltada às temáticas da solidão humana, do corpo e da mulher. A exposição “Magliani – cartas e impressões” reúne um conjunto de 14 trabalhos, entre xilogravura, monotipia e gravura em metal, que se constituem como um pequeno diário visual. A série “Cartas” é o retorno da artista às cores intensas na sua pintura com um certo lirismo – embora mais dramático – mas que remete a seus primeiros trabalhos.

 

Essa exposição se tornou possível graças a uma parceria que a equipe gestora do projeto. Em reconhecimento da importância do conjunto de sua obra, a Câmara de Vereadores de Porto Alegre, inaugurou a Rua Maria Lídia Magliani, artista plástica gaúcha, no dia 30 de setembro desse ano, também uma importante iniciativa de um círculo de amigos da artista junto ao poder público visando preservar sua memória.

 

GIM configura-se como a proposta de uma galeria de arte no âmbito acadêmico, como um Programa de Extensão, ressaltando a importância desses espaços culturais na construção e na estruturação de novos poderes simbólicos, que dialoguem e sejam reflexo do convívio entre a comunidade acadêmica e a comunidade do entorno da UNIPAMPA, possibilitando a integração e o compartilhamento da produção cultural em diversas esferas do conhecimento e das linguagens artísticas. Nesta lógica, os objetivos da Galeria são: possibilitar, com a criação do espaço intercultural e multiuso, a produção e a propagação de outras linguagens estéticas dentro das artes e visuais; promover a experiência à comunidade acadêmica e fronteiriça, a expor seu trabalho de arte resultantes do diálogo integrador; estimular o trânsito da comunidade externa à UNIPAMPA para a visitação da GIM, bem como o olhar contemplativo e crítico do público para com as obras expostas.

 

 

De 20 de novembro a 05 de dezembro.

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Carla Chaim na Athena Contemporânea

14/nov

A galeria Athena Contemporânea, Copacabana, Shopping Cassino Atlântico, Rio de Janeiro, RJ, apresenta, a partir do dia 21 de novembro, a exposição “Carla Chaim – óleo fita carbono”, com obras inéditas, pensadas especialmente para esta mostra, a partir do espaço da galeria. As obras buscam ultrapassar os limites da concepção tradicional de desenho, explorando-o não como traço, mas como pensamento. Será apresentada uma videoinstalação, composta de dois vídeos, na qual a artista usa o próprio corpo como ferramenta para o desenho, explorando o espaço expositivo da galeria. Serão apresentados, ainda, desenhos-objetos, feitos em papel-carbono a partir da arquitetura do espaço.

 

A ideia da exposição parte de uma pesquisa da artista, iniciada em 2015, usando espaço como matéria-prima para as obras. A planta da galeria chamou a atenção de Carla Chaim por ter a forma de U, com dois lados separados e iguais no tamanho. A partir disso, ela criou as obras da exposição. Os desenhos-objetos, intitulados “Desenhos falsos”, foram feitos com várias camadas de papéis-carbono recortados nesse formato. “Penso o desenho não como linha, mas como forma, como pensamento. É o mesmo processo do desenho, é um esboço, um exercício de pensamento”, afirma a artista.

 

“Trata-se de uma exposição basicamente em preto-e-branco e que se utiliza de uma das linguagens mais tradicionais da história da arte, porém de uma maneira mais experimental onde noções de controle e acaso se chocam”, diz o curador Raphael Fonseca.

 

Para a videoinstalação, ela percorreu todo o espaço da galeria, com um bastão oleoso na mão, riscando as paredes por onde passava, fazendo com o seu próprio corpo o desenho do U. Em cada uma das salas havia uma câmera registrando a ação. O desenho foi apagado em seguida e na mostra será apresentado apenas o registro em vídeo. Os filmes das duas salas serão colocados “um de costas para o outro”. Para vê-los, será necessário circular as imagens, fazendo também um movimento com o corpo, assim como o que foi feito pela artista. “O espectador tem parte no trabalho, dando a volta nas projeções para compreender o todo. É um labirinto cíclico”, diz a artista.

 

Mais do que um suporte para o desenvolvimento de uma ideia, ou um esboço inicial de um trabalho a ser criado, o desenho na obra de Carla Chaim aparece essencialmente como um vestígio da ação de um corpo em um determinado suporte, um rastro de sua presença ou mesmo o remanescente sinal de um gesto. A artista usa o próprio corpo como uma ferramenta de trabalho, pensando-o também como um lugar de discussão conceitual, explorando seus limites físicos e sociais. “Uso o espaço e o movimento do corpo para imprimir um desenho, que é o próprio movimento em si”, ressalta Carla Chaim, que diz que os trabalhos não tentam criar narrativas ou contar histórias, eles são o próprio fazer. “O mais importante é o processo, os trabalhos não são pensados para ter uma forma final, isso vai depender do processo de execução”.

 

 

Sobre a artista

 

Carla Chaim (São Paulo, 1983. Vive e trabalha em São Paulo). Graduada em Artes Plásticas pela Fundação Armando Álvares Penteado – FAAP (2004), onde também fez pós-graduação em História da Arte (2007). Carla participou de diversas residências artísticas, entre elas Arteles, Finlândia (2013) e The Banff Centre for the Arts, Canadá, (2010). Dentre suas exposições individuais mais recentes estão “White Flag”, este ano, no LambArts, em Londres; “Objetos notáveis”, na Galeria do Lago, Museu da República, no Rio de Janeiro; “Colapso de Onda”, no CCBB Rio de Janeiro, entre outras. Seu trabalho foi apresentado em exposições coletivas incluindo: Frucht & Faulheit, Lothringer13 Halle, Munique, Alemanha; CODE, Osnova Gallery, Moscou, Rússia (2017); Ao Amor do Público I, Museu de Arte do Rio – MAR, Rio de Janeiro, Brasil (2016); Film Sector, Art Basel, Miami, EUA (2015); Ichariba Chode, Plaza North Gallery, Saitama, Japão (2015); Impulse, Reason, Sense, Conflict, Cisneros Fontanals Art Foundation – CIFO, Miami, USA (2014). Carla Chaim recebeu diversos prêmios, como CCBB Contemporâneo, Prêmio FOCO Bradesco ArtRio, Prêmio Funarte de Arte Contemporânea e Prêmio Energias na Arte. Em 2016, Carla foi nomeada para o Future Generation Art Prize, onde em 2017 apresentou instalações e fotografias no Pinchuk Art Centre, Kiev, Ucrânia, e no Palazzo Contarini Polignac, Veneza, Itália, em um evento colateral à Bienal de Veneza. Sua obra faz parte de coleções como Ella Fontanals-Cisneros, Miami, USA; Museu de Arte do Rio – MAR, RJ, Brasil; e Ministério das Relações Exteriores, Itamaraty, Brasília, Brasil.

 

 

Sobre a galeria

 

A Athena Contemporânea foi fundada em 2011 pelos irmãos Eduardo e Filipe Masini como um espaço inovador de criação, discussão e divulgação de arte contemporânea. Mais do que um espaço expositivo, a galeria se posiciona como lugar de pesquisa, de aprofundamento conceitual e de trocas artísticas, buscando sempre iniciativas inovadoras. A galeria vem se firmando como uma das mais destacadas no cenário brasileiro, representando conceituados e promissores artistas nacionais e internacionais, e investindo em parcerias com curadores e instituições para o desenvolvimento da carreira de seus artistas.

 

 

De 21 de novembro a 27 de janeiro de 2018.

 

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É preciso ver no escuro

13/nov

Na exposição “É preciso ver no escuro”, o artista Laercio Redondo retoma a questão da memória coletiva e seus apagamentos em quatro diferentes leituras feitas a partir de fragmentos do seu arquivo pessoal, colecionados nos últimos 17 anos. Os fragmentos foram coletados em diferentes ocasiões, nas quais esses materiais, destinados ao descarte, se encontravam legados à deterioração ou ao desaparecimento por completo.

 

A exposição é composta de fotografias, cartas, textos e um filme que constrói uma teia delicada de supostos ecos do passado que ressoam no presente. Todos os elementos da exposição têm seu contexto e suporte reelaborados: uma carta escrita em alemão, datada de 1942, que boiava no mar em um porto grego, encontrada pelo artista em 2006; uma série de fotos de um casal que se fotografa mutuamente durante as férias; retratos de uma filha que jamais chega a retornar para casa dos pais durante a segunda Guerra Mundial; ou um fragmento de um filme em Super 8 de um baile de debutantes em 1974. Histórias de pessoas e lugares remotos que se conectam e potencializam a história do coletivo sob o ponto de vista individual atribuído a cada um destes personagens.

 

A exposição, que inaugura dia 23 de novembro, na Galeria Silvia Cintra + Box 4, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, traz ainda um texto do filósofo Pedro Duarte em torno das questões dos vestígios do passado no presente, num diálogo com o trabalho do artista.

 

 

Sobre o artista

 

Laercio Redondo nasceu em 1967, no Paraná, e atualmente divide o seu tempo entre o Rio de Janeiro e a Suécia. Pós – graduado na Konstfack, University College of Art, Crafts and Design em Estocolmo, Suécia, o artista se dedica a pesquisa da memória coletiva e seus apagamentos na sociedade, e seu trabalho é frequentemente motivado pela interpretação de eventos específicos relacionados com a cidade, a arquitetura e representações históricas. Dentre as exposições individuais, se destacam: “Past projects for the future”, Dallas Contemporary, EUA; “O que termina todos os dias” no MAM-RJ, Brasil (ambas com curadoria de Justine Ludwig); “Contos sem Reis, Casa França-Brasil, Brasil, Fachada. Das coletivas, a da Galeria Nacional de Arte de Zachêta, Varsóvia; “O direito à cidade”, Stedelijk Museum Bureau, Amsterdã; “Os interiores estão no exterior” no SESC Pompeia, São Paulo (com curadoria de Hans Ulrich Obrist) e a Bienal do Mercosul, Porto Alegre, Brasil.

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