AGENDA CULTURAL

Como funcionam os vulcões.

10/mar

A Fortes D’Aloia & Gabriel apresenta “Como funcionam os vulcões”, exposição coletiva que inaugurou o programa de 2026 da Carpintaria, Jardim Botânico, Rio de Janeiro, RJ.

A mostra “Como funcionam os vulcões” toma a imagem do vulcão como metáfora para uma formação cultural complexa. Longe de um fenômeno visível ou imediato, a exposição evoca processos que se desenvolvem ao longo do tempo, acumulando pressões, desejos, conflitos e fantasias até alcançar um ponto de liberação. Nesse sentido, o Carnaval é proposto não apenas como espetáculo, mas como a manifestação de um longo processo de gestação moldado por forças sociais, materiais e simbólicas.

Percorrendo escultura, instalação, desenho, vídeo, pintura e técnicas mistas, a exposição enfatiza como o sentido se produz por meio da duração e da persistência material. As obras reunidas lidam com dinâmicas de acúmulo, transformação e emergência. Reunindo artistas de diferentes gerações e posições, a mostra apresenta práticas atentas a estados de latência e erupção, suspensão e excesso. Materiais são reunidos, sobrepostos, esticados, comprimidos ou colocados em movimento, registrando tensões entre controle e imprevisibilidade, estrutura e instabilidade. O encontro com as obras se dá entre o maravilhamento e a tensão, entre o que é encenado e o que permanece em estado latente.

As formas sugerem processos prolongados de fazer e desfazer, enquanto as disposições espaciais evidenciam limiares – entre interior e exterior, contenção e transbordamento, antecipação e liberação. Em vez de ilustrar um fenômeno social ou natural, essas obras operam em condições análogas de pressão e transformação.

Até 11 de abril.

Antonio Dias nos anos de exílio em Milão.

09/mar

Lançamento de publicação acompanhado de debates marca a última semana da exposição Antonio Dias/Image + Mirage na Gomide&Co, Avenida Paulista, até 21 de março. O lançamento acontece no Instituto de Arte Contemporânea (IAC) no dia 14 de março (sábado), das 11h às 17h.

Na ocasião do lançamento, serão realizadas duas rodas de conversa sobre Antonio Dias e a exposição. A primeira acontece às 11h com a participação de Gustavo Motta, Sérgio Martins e Lara Rivetti, com mediação de Deyson Gilbert. A segunda será às 15h com a presença de Paulo Sergio Duarte e Luiz Renato Martins, com mediação de Gustavo Motta. Ambos os debates serão realizadas no auditório do IAC, no espaço do subsolo da instituição.

Resultado da colaboração entre a Gomide&Co e a Sprovieri, a publicação apresenta um conjunto de pinturas realizadas por Antonio Dias durante seus primeiros anos de exílio em Milão, entre 1968 e 1971, além de documentação complementar proveniente do Fundo Antonio Dias do IAC. O volume acompanha e registra as exposições ANTONIO DIAS: THE ILLUSTRATION OF ART, 1969-1971, apresentada pela Sprovieri, em Londres (15 de outubro a 19 de dezembro de 2025), e ANTONIO DIAS / IMAGE + MIRAGE, na Gomide&Co, em São Paulo (10 de fevereiro a 21 de março de 2026).

Entre as obras reproduzidas, destacam-se pinturas exibidas na primeira exposição individual de Antonio Dias no antigo Studio Marconi, em Milão, em 1969. Na sua ampla maioria, trata-se de trabalhos preservados por Gió Marconi, filho de Giorgio Marconi. À frente da Galleria Gió Marconi desde 1990 – após ter trabalhado com o pai no espaço experimental Studio Marconi 17 (1987-1990)-, Gió também é responsável pela Fondazione Marconi, fundada em 2004 com o objetivo de dar continuidade ao legado do pai.

Rubiane Maia com intervenção artística inédita.

06/mar

A artista mineira Rubiane Maia chega ao Instituto Ling, Bairro Três Figueiras, Porto Alegre, RS, para realizar uma intervenção artística inédita em uma das paredes do centro cultural. De 09 a 13 de março, o público poderá acompanhar ao vivo a criação da nova obra, produzida durante o horário de funcionamento do prédio, com acesso livre e gratuito. Ao longo da semana, será possível observar de perto o processo criativo e as técnicas utilizadas, assistindo em tempo real ao que acontece no ateliê temporário montado em frente à parede.

A intervenção integra o projeto Ling Apresenta | Por uma “geografia da ação”: corpo, matéria, território, com curadoria de Galciani Neves, que busca aproximar o Rio Grande do Sul da arte contemporânea produzida na região Sudeste, a partir de um olhar plural. Ao longo do ano, quatro artistas serão convidados a ocupar a parede com projetos inéditos.

O projeto Ling Apresenta percorreu, nos últimos anos, as regiões Sul, Nordeste, Norte e Centro-Oeste, encerrando esse ciclo agora com a temporada dedicada ao Sudeste. Ao longo desse trajeto, compôs um amplo panorama da produção de artistas do cenário nacional das artes visuais. A curadoria também acompanhou essa perspectiva territorial, contando com a participação de Luísa Kiefer, Bitu Cassundé, Vânia Leal e Paulo Henrique Silva.

Sobre a curadora

Galciani Neves nasceu em Fortaleza, CE, 1978. Curadora, professora e pesquisadora no campo das artes visuais. É mestre e doutora em Comunicação e Semiótica pela PUC-SP. Atuou em instituições como a Fundação Bienal de São Paulo, o Instituto Tomie Ohtake, o Museu Brasileiro da Escultura e da Ecologia (MuBE) e o Museu Oscar Niemeyer (MON), em Curitiba (PR). Atualmente, é professora do Curso de Artes Visuais na Fundação Armando Alvares Penteado (FAAP) e coordenadora da Bolsa de Pesquisa do Instituto de Arte Contemporânea. Vive e trabalha em São Paulo (SP).

Até 16 de maio.

Para atravessar o território do desejo.

05/mar

O Festival Vórtice torna pública a abertura das inscrições para sua 5ª edição, reafirmando seu compromisso como evento anual dedicado à difusão e ao fomento de práticas artísticas visuais que exploram as múltiplas dimensões da sexualidade na arte contemporânea.

A curadoria desta edição é assinada por Leonardo Maciel e Paulo Cibella, idealizadores da iniciativa, e contempla obras em diferentes linguagens, incluindo pintura, fotografia, escultura, audiovisual, performance e publicações independentes. Pessoas maiores de 18 anos, do Brasil e do exterior, poderão se inscrever entre os dias 02 e 29 de março no site do Vórtice Cultural. Serão oferecidos três prêmios em dinheiro aos artistas escolhidos pelo público e pela curadoria. A 5ª edição será realizada entre os dias 29 de maio e 27 de junho, em São Paulo.

O festival propõe-se como um espaço de liberdade e experimentação artística, incentivando produções que investiguem os atravessamentos entre corpo, desejo e identidade, em diálogo crítico com contextos de censura institucional e de mercado. Nas edições anteriores, o Festival Vórtice reuniu mais de 250 artistas de 10 países e recebeu aproximadamente 8 mil visitantes, ampliando progressivamente sua escala e seu alcance internacional.

Cerca de 160 obras de mais de 100 artistas.

O Paço Imperial, Centro, Rio de Janeiro, RJ, inaugura, no dia 28 de março, a grande exposição “Constelações – 40 anos do Paço Imperial”, que celebra as quatro décadas do mais antigo centro cultural da região central. Com curadoria de Claudia Saldanha e Ivair Reinaldim, em parceria com a equipe da instituição, a mostra ocupará 12 salões e os dois pátios internos com cerca de 160 obras de mais de 100 artistas, de diferentes gerações, que fazem parte da história do centro cultural, como Antonio Dias, Adriana Varejão, Amilcar de Castro, Anna Bella Geiger, Anna Maria Maiolino, Antonio Manuel, Arthur Bispo do Rosário, Beatriz Milhazes, Cildo Meireles, Denilson Baniwa, Hélio Oiticica, Iole de Freitas, Ivens Machado, Luiz Aquila, Luiz Zerbini, Lygia Clark, Lygia Pape, Marcela Cantuária, Maxwell Alexandre, Roberto Burle Marx, Tunga, entre muitos outros. Completam a mostra uma série de vídeos feitos pela Rio Arte com alguns artistas nas décadas de 1980 e 1990. No dia da inauguração, haverá uma mesa de abertura com convidados e, ao longo do período da exposição, serão realizados seminários, oficinas e atividades educativas, valorizando a importante trajetória da instituição.

Ao longo de sua história, o Paço Imperial realizou exposições com diversas vertentes, que vão desde arte contemporânea até arte popular, passando por arquitetura, design, paisagismo, história e patrimônio. Desta forma, a exposição “Constelações – 40 anos do Paço Imperial” abrange esse conceito e traz a ideia de reunião, sem hierarquia, juntando os artistas contemporâneos aos artistas populares, unindo diferentes gerações, técnicas e suportes em uma única mostra, dividida por núcleos temáticos. “Se a palavra constelação define um agrupamento de estrelas, cosmologicamente distantes umas das outras, mas conectadas pela imaginação humana, constituindo uma forma reconhecível com finalidades diversas, aqui reunidas, as obras produzidas por diferentes gerações de artistas procuram reforçar sua singularidade, assim como sua interação por proximidade”, afirmam os curadores, que ressaltam também a importância da constelação institucional, com obras emprestadas por diversos parceiros, como Instituto Moreira Salles, Museu Bispo do Rosário, Museu de Imagens do Inconsciente, Museu de Arte do Rio, Museus Castro Maya, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Museu do Folclore e Sítio Roberto Burle Marx.

Até 07 de junho.

Claudio Dantas apresenta nova série de pinturas.

A Sergio Gonçalves Galeria, Jardim América, São Paulo, SP, exibe “Afinidades do Inconsciente”, mostra individual de Claudio Dantas, que reúne cerca de 22 pinturas inéditas realizadas em 2025, sob curadoria do marchand Sergio Gonçalves, com abertura em 10 de março. A exposição evidencia a maturidade de uma pesquisa pictórica construída ao longo de quase quatro décadas. O conjunto apresentado reafirma o interesse do artista pelos territórios do imaginário, da fabulação e das imagens que emergem em zonas limítrofes entre o real e o onírico, sem se prender a narrativas fechadas ou leituras unívocas.

A pintura de Claudio Dantas parte de uma escuta atenta do inconsciente, entendida menos como método e mais como estado de disponibilidade. Suas imagens operam como campos abertos de projeção, nos quais figuração, memória e imaginação convivem em tensão permanente. Essa liberdade formal e conceitual se manifesta tanto na diversidade temática quanto nas escolhas de escala, suporte e soluções compositivas. “A beleza é subjetiva, mas fundamental”, afirma o artista, sintetizando um princípio que atravessa o conjunto apresentado.

Em “Afinidades do Inconsciente”, os trabalhos dialogam com diferentes momentos de sua trajetória, sem assumir o formato de retrospectiva. Permanências e deslocamentos convivem lado a lado, revelando um processo contínuo de depuração poética e formal. O processo criativo parte sempre da concepção da obra para, em seguida, definir os materiais e técnicas mais adequados – majoritariamente óleo ou acrílico sobre tela ou madeira. “Felizmente as ideias brotam com muita facilidade. O mais trabalhoso é concretizá-las na tela”, comenta Claudio Dantas. O caráter figurativo de sua pintura envolve um longo percurso de elaboração, que inclui desenho, pesquisa de referências visuais e sucessivas camadas de construção pictórica.

A curadoria de Sergio Gonçalves propõe uma leitura que privilegia a liberdade e o risco como valores centrais da exposição. Para o curador, afinidade não é repetição, mas confiança no processo artístico. “Quando existe sintonia, o artista se permite ir mais longe. A galeria precisa ser esse lugar de escuta, onde a obra pode se afirmar sem concessões”, afirma. Para Claudio Dantas, o contexto expositivo é parte fundamental da experiência. “O trabalho ganha muito quando está exposto em um ambiente com peso no mercado. É um aval importante”, afirma o artista.

Mais do que um ponto de chegada, “Afinidades do Inconsciente” confirma a vitalidade de uma pesquisa em permanente movimento. As pinturas reunidas convidam o público a uma experiência aberta, em que a imagem atua como espaço de encontro entre o visível e o invisível – território onde a arte segue operando como exercício de liberdade.

Até 30 de março.

Uma obra com forte senso de liberdade.

Para marcar o início das celebrações de sua primeira década de atuação no mercado de arte contemporânea brasileiro e internacional, a Janaina Torres Galeria apresenta a exposição individual “Deborah Paiva (1950-2022): Uma Antologia”, com curadoria de Tadeu Chiarelli. A mostra tem abertura prevista para 07 de março, das 14h às 18h, e permanecerá em cartaz até 30 de abril, em São Paulo.

A exposição reúne um conjunto inédito de obras que atravessa diferentes momentos da trajetória de Deborah Paiva (Campo Grande, 1950), artista cuja produção se consolidou a partir de uma investigação rigorosa da pintura como linguagem e campo de reflexão. A sul-mato-grossense, radicada em São Paulo, construiu uma obra com forte senso de liberdade, mantendo-se fiel à experimentação e à margem de tendências e modismos do circuito artístico.

Seus primeiros trabalhos surgem tridimensionais, a maioria deles em grandes dimensões e com caráter quase instalativo. Ao longo do tempo, sua pesquisa vai, gradualmente, voltando-se para a linguagem pictórica, passando por investigações fortemente matéricas – com procedimentos próximos à arte povera, utilizando elementos como areia, palha, encáustica e diferentes densidades de tinta – e, posteriormente, se concentra na depuração da pintura, com formatos mais reduzidos e obras menos matéricas, mais silenciosas e introspectivas.

A artista, ao longo de sua trajetória, foi reconhecida por críticos renomados como Tadeu Chiarelli, Lorenzo Mammì, Angélica de Moraes e Alberto Tassinari – construiu um percurso de rigor estético e sensibilidade, mantendo-se fiel à pintura como campo de reflexão e experiência. Sua obra foi apresentada em instituições como o MAM São Paulo, MAC USP, Museu Lasar Segall, Instituto Figueiredo Ferraz, MAC Campinas, Centro Cultural São Paulo, Paço das Artes, Palácio das Artes, Centro Universitário Maria Antônia, além de exposições individuais em galerias de referência. A obra de Deborah Paiva está representada nos acervos do MAM SP e MAC USP. Deborah Paiva também foi colaboradora da Ilustríssima, suplemento da Folha de S.Paulo, publicando suas pinturas durante o período aproximado de 10 anos, com presença marcante entre 2012 e 2022.

Paralelamente à sua produção artística, Deborah Paiva construiu uma trajetória sólida como educadora. Atuou na formação de professores sob a orientação de Stela Barbieri e, por mais de uma década, conduziu o Ateliê Livre de Pintura Contemporânea no Instituto Tomie Ohtake, formando gerações de artistas e mediadores culturais. Em 2010, integrou o setor educativo da 29ª Bienal Internacional de São Paulo, ampliando o diálogo entre arte contemporânea e educação pública.

A ancestralidade e o divino.

A mostra “A Cabeça de Zumbi”, abre nesta quinta-feira, 05 de março, a programação de 2026 da Galeria Estação, Pinheiros, São Paulo, SP, com a segunda exposição individual do artista Rafael Pereira.

Composta por dois núcleos expositivos, a mostra reúne 22 pinturas no 2º andar da galeria – sendo 20 retratos e duas naturezas-mortas – e, no mezanino, apresenta a série “Nbimda”, formada por 16 pinturas de cabeças de dimensões variáveis. Cada obra representa uma divindade (nkisi) cultuada no candomblé de Angola de matriz Bantu. Ao abordar esse conjunto, o historiador de arte Renato Menezes, autor do texto crítico do catálogo da mostra, destaca a centralidade simbólica da cabeça como elo entre o corpo, a ancestralidade e o divino:

“O que para os europeus se apresentou unicamente como fisionomia, isto é, como emanação da personalidade, revela-se, na pintura de Pereira, como elo com o divino: a cabeça, orí para os Iorubá e mutuê para os Bantu. É na cabeça onde reside a força vital do indivíduo; está ali sua conexão com o nkisi, a energia ancestral e destino individual que cada sujeito traz consigo ao nascer. O tema da cabeça ancestral organiza a série Nbimda”, destaca Renato Menezes.

Ao exaltar e ressignificar a ancestralidade afrodiaspórica que constitui parte majoritária da sociedade e da formação cultural brasileira, Rafael Pereira também explicita sua intenção de dar maior complexidade às discussões sobre racialidade, afastando-se de leituras reducionistas em favor da construção de uma subjetividade negra.

Novo artista representado pela Gomide&Co.

04/mar

Marcel Broodthaers nasceu em Bruxelas em 1924 e morreu em 1976, em Colônia. Atuou principalmente como poeta até 1963, quando, nos últimos doze anos de sua vida, desenvolveu um corpo de trabalho amplo e multifacetado. Reconhecido por explorar as relações entre linguagem, objeto, retórica e imagem, sua produção inclui poesia, filme, fotografia, desenho, pintura, escultura e instalações.

Entre 1968 e 1972, fundou o Musée d’Art Moderne, Département des Aigles, concebido como um museu ficcional e itinerante, inicialmente instalado em sua residência em Bruxelas e posteriormente apresentado em diversos contextos. Nesse âmbito, produziu os Poèmes industriels, placas de plástico termoformadas a vácuo que combinam texto e imagem por meio de uma linguagem visual informada pela sinalização urbana e pela comunicação de massa. Nos últimos anos de sua vida, Broodthaers desenvolveu os Décors – ambientes expositivos imersivos e de grande escala que, em determinados momentos, incorporavam e rearticulavam elementos de trabalhos anteriores.

A obra de Broodthaers foi apresentada em importantes exposições internacionais, incluindo a Documenta (1972, 1982 e 1997), em Kassel, bem como a Venice Biennale (1976, 1978, 1986 e 2015) e a Bienal de São Paulo (1994 e 2006). Em 2016, uma grande retrospectiva foi organizada pelo Museum of Modern Art (MoMA), Nova York, que itinerou para o Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madri, e foi concluída na KunstsammlungNordrhein-Westfalen (K21), Düsseldorf, em 2017. Exposições individuais também foram realizadas na Tate Gallery, Londres (1980); no Palais des Beaux-Arts, Bruxelas (2000); no Kunstmuseum Basel (2014); no Fridericianum, Kassel (2015); no M HKA – Museum of Contemporary Art Antwerp (2019); na WIELS, Bruxelas (2021); na Kunsthaus Zürich (2023); e, em 2022, Marcel Broodthaers: Décor, apresentada na Gomide&Co, sua primeira exposição individual na América do Sul.

Sua obra integra importantes coleções públicas, incluindo o MoMA – The Museum of Modern Art, Nova York; a Tate Modern, Londres; o Musée National d’Art Moderne – Centre Georges Pompidou, Paris; a Bourse de Commerce – Pinault Collection, Paris; o Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madri; o Glenstone Museum, Potomac, EUA; o Hamburger Bahnhof – Nationalgalerie der Gegenwart, Berlim; a Staatsgalerie Stuttgart, Stuttgart; a K21, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf; o Van Abbemuseum, Eindhoven; o S.M.A.K. – Stedelijk Museum voor Actuele Kunst e a Foundation Anton & Annik Herbert, Ghent, Bélgica; os Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelas; a Scottish National Gallery of Modern Art, Edimburgo; o Philadelphia Museum of Art, Filadélfia; a Samsung Collection, Seul; o Museum Voorlinden, Wassenaar, Países Baixos; o GES-2 (VAC Foundation), Moscou; entre muitas outras.

Os 40 Anos de exposições no Paço Imperial

Convertendo memória e território em linguagem visual, o artista Luiz Aquila ressignifica a experiência vivida na viagem de 15 dias que fez ao México, em outubro do ano passado, na série inédita “Impregnação e sensação”. Reinterpretados como construções sensíveis entre memória, formas e cores, Luiz Aquila produziu sobre cartão, usando pastel, tinta guache e bastão de óleo, os seis novos trabalhos que integrarão a coletiva “Constelações – 40 Anos do Paço Imperial”, celebrando no dia 28 de março os 40 anos do Paço Imperial como centro cultural. A mostra comemorativa reunirá cerca de 100 artistas, sob curadoria da diretora da instituição, Claudia Saldanha (com equipe), e Ivair Reinaldim, membro do Comitê Brasileiro de História da Arte e do Conselho do Paço Imperial.

Além de Luiz Aquila, outros nomes consagrados – como Anna Bella Geiger, Cildo Meireles, Carlos Vergara, Luiz Pizarro, Iole de Freitas, Adriana Varejão, Beatriz Milhazes – estarão presentes através de suas obras, bem como artistas de várias gerações: Tiago Sant’Ana, Siwaju e Denilson Baniwa, e os participantes do Prêmio Pipa, Maxwell Alexandre, Cadu, Aline Motta e Enorê. Não se trata, portanto, de uma retrospectiva; o público verá algumas obras já mostradas antes, uma seleção de arte popular do Museu do Folclore e peças escolhidas do acervo do Museu do Inconsciente, fundado pela Dra. Nise da Silveira, e também do Museu Bispo do Rosário. Haverá, ainda exibição de vídeos de alguns artistas.

Sobre Luiz Aquila

Luiz Aquila é um dos mais ativos artistas brasileiros. Foi professor em Évora, Portugal; Universidade de Brasília; Centro de Criatividade da Unesco-DF e EAV Parque Lage-RJ, da qual foi diretor. Participou de mais de cem exposições individuais e coletivas, como Bienal de Veneza; 17ª e 18ª Bienais SP e Brasil Século XX, 1994; retrospectivas no MAM-RJ; MASP-SP; Paço Imperial; além de mostras individuais em museus e galerias de 1963 a 2026.

Até 07 de Junho.