AGENDA CULTURAL

Tarsila em uma experiência tecnológica.

22/out

A exposição “O Brasil de Tarsila” é o cartaz do Nubank Arte Lab, Consolação, São Paulo, SP, A mostra conta com mais de 10 salas imersivas e cerca de 40 obras de Tarsila do Amaral, em uma experiência tecnológica, sensorial e interativa que comemora os 140 anos de nascimento da artista.

“O Brasil de Tarsila”, é a maior exposição imersiva já dedicada à trajetória de um dos principais nomes do Modernismo Brasileiro. Além de celebrar Tarsila do Amaral, a mostra reúne imagens de obras emblemáticas da artista como “Abaporu”, “Antropofagia” e “Operários”, combinando recursos sonoros, efeitos aromáticos e dispositivos interativos.

A temporada da exposição “O Brasil de Tarsila” percorre diferentes fases da trajetória da artista por meio de uma jornada que conecta arte, entretenimento e tecnologia.

“O Brasil de Tarsila” é apresentado pelo Ministério da Cultura, via Lei Federal de Incentivo à Cultura, com patrocínio master da EMS e TotalEnergies, apoio da Alelo, IRB(Re) e BNY. O projeto é uma realização da Tarsila S.A., liderada por Paola do Amaral Montenegro, e LIVEIDEA, de João Giani, em coprodução com a Aventura, sob a liderança dos co-CEOs Aniela Jordan, Luiz Calainho e Giulia Jordan, e pela Deeplab Project, de Felipe Reif.

Até 31 de outubro.

Apresentação internacional de Maxwell Alexandre.

21/out

A primeira exposição individual de Mawell Alexandre em Londres acontece na Galeria Carlos Ishikawa.

Para a ocasião, foi desenvolvido o print Londres 2026 – “pintor preto, figuração branca”, que marca um momento importante da série “Clube” e sua apresentação internacional, a primeira com a galeria. A seleção dessa obra foi feita a partir de uma produção prolífica e intensa de obras novas para a mostra, que resultou em 93 pinturas num período de 2 meses e meio.

Com pouco mais de um mês de antecedência à abertura da exposição, as vendas do print foram abertas exclusivamente em agosto no Brasil – presencialmente no MAM – Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro durante o evento @artecore e online, no site da @pavilhaoloja

Fim é o nome do que vem antes do começo.

J.P. Cuenca reúne cerca de 70 obras nascidas de 144 processos judiciais, com curadoria de Victor Gorgulho e texto crítico de Cipriano. A exposição abre em 24 de outubro na NND|AZECO, São Paulo, SP.

Em junho de 2020, um tuíte satírico sobre o então presidente da República e a Igreja Universal rendeu a João Paulo Cuenca 144 processos quase idênticos, movidos por pastores em cidades espalhadas pelo país, além de uma enxurrada de ameaças de morte, e foi dentro de casa, enquanto a defesa corria nos tribunais, que ele começou a desenhar os próprios símbolos de proteção.

Seis anos depois, esse repertório ganha as paredes da galeria em pinturas a óleo sobre colagens, mosaicos feitos de manuscritos e originais de livros, assemblages e uma série de 15 néons, com cruzes, tridentes e setas surgindo entre camadas de grafite, penas, sementes e spray, enquanto a luz dos tubos leva o desenho para o ar, “em grandes cores e alto contraste”, como define o artista.

Victor Gorgulho, que acompanha Cuenca há mais de dez anos e assina aqui a primeira colaboração formal entre os dois, vê um artista que “esgarça amarras estéticas” até alcançar “um território livre”, onde arte e magia caminham de mãos dadas, e uma série movida por algo mais próximo do diálogo do que do revide, “um convite à proximidade, um desejo de enxergar o outro”, que encontra no sincretismo religioso brasileiro o chão para essa conversa. “Não há lados vencedores, não há bom ou mau”, resume o curador.

É desse Brasil sincrético que parte a leitura de Cipriano em Riscar o segredado: encantar a intenção, texto que aproxima os desenhos de Cuenca dos pontos riscados da umbanda, herança africana que dá forma ao que não se vê, e reconhece no artista “aquele que desenha o invisível que protege o segredo que guarda”. Nessa chave, o néon, um gás preso num vidro transparente, vira quase uma prova material da ideia, “cheio de invisível”, capaz de acordar “o suporte de seu sono”.

O 144 vem do Apocalipse, doze tribos vezes doze apóstolos, a conta dos selados no Juízo Final. O caso que dá nome à série também deixou rastro fora do ateliê, ao contribuir para que o STF reconhecesse, em 2024, o assédio judicial contra jornalistas e levar o MPF a mover, no anoseguinte, uma ação civil pública contra a Igreja Universal, e a viagem que Cuenca fez pelo país atrás dos pastores virou o longa “144 – Apocalipse Não”, premiado no Festival do Rio com a Menção Honrosa da Associação dos Correspondentes de Língua Estrangeira e em cartaz na 50ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo.

Sobre os artistas e o curador.

J.P. Cuenca é escritor, cineasta e artista visual, nasceu no Rio de Janeiro, em 1978. É autor de seis livros traduzidos para oito idiomas e vencedor do Prêmio Machado de Assis da Fundação Biblioteca Nacional. Foi eleito um dos 20 melhores jovens romancistas brasileiros pela Granta. “144 – Apocalipse Não”, que integra a 50ª Mostra Internacional de Cinema em São Paulo, é seu segundo longa-metragem.

Victor Gorgulho, curador, jornalista e pesquisador, mestre em Literatura, Cultura e Contemporaneidade pela PUC-Rio. Foi curador-chefe do Instituto Inclusartiz, realizou projetos ao lado de nomes como Hans Ulrich Obrist e Paulo Herkenhoff. Assinou exposições na Tanya Bonakdar Gallery, em Nova York, na Fortes D’Aloia & Gabriel e na Carpintaria; coeditou o livro “Paula Rego e Adriana Varejão: Entre os vossos dentes” (Lenz Press, 2025). Escreveu textos críticos para mais de cem artistas.

Cipriano, artista e pesquisador, nasceu em Petrópolis, RJ, em 1981. Sua macumba pictórica parte da gramática dos cultos afro-brasileiros, como a Umbanda, e combina materiais ligados às práticas espirituais de matriz bantu, como pemba, carvão e tecido. Mestre em Educação pela UFJF, participou de exposições no MASP, no MAR, no MAC Bahia e no Sesc. Tem obra no acervo do MASP e em 2027, estará na Bienal de Sharjah.

Até 20 de fevereiro de 2027.

Exposição interativa desafia a imaginação.

E se um fogão cantasse e as cores tivessem sabor? O Museu Vale, Galeria Gabinete, Parque Cultural Casa do Governador, Praia da Costa, Vila Velha, ES, abriu exposição interativa que desafia a imaginação. A inédita “Imaginalivre!”, do coletivo Opavivará! ocupa três espaços da Grande Vitória.

Até onde a imaginação pode ir? Na exposição “Imaginalivre!”, ela é desafiada a cada obra. Um fogão canta, cadeiras de praia deixam de ser individuais, redes aproximam histórias e as cores podem até ganhar sabor. Na mostra gratuita e inédita do coletivo carioca Opavivará!, produzida pelo Museu Vale, cada instalação convida o público a participar, mostrando que, quando a arte rompe com o óbvio, o visitante também deixa de ser apenas espectador. Ao longo de sua temporada, até dezembro de 2026, a exposição ocupa três espaços da Grande Vitória, transformando a visita em uma experiência coletiva, sensorial e lúdica.

A exposição reúne instalações, vídeos e dispositivos relacionais que atravessam mais de duas décadas de produção do coletivo. A mostra se expande para o Parque Botânico Vale e o Parque Costeiro Vale, em Vitória, onde duas obras ganham novos diálogos com a paisagem natural e permanecem em cartaz até 13 de dezembro.

Uma exposição especial.

20/out

Até 20 de dezembro, a Casa Baka, Cidade Baixa, Porto Alegre, RS, recebe a exposição “No fundo da superfície”, que reúne obras do artista, professor e pesquisador de Santa Vitória do Palmar, Lauer Santos, e artistas convidados de diferentes gerações, como Cris Bierrenbach, Mariana Lemmertz e Rafa Curtinovi. As produções destes artistas estabelecem diálogos com a pesquisa de Lauer Santos.

Com curadoria de Andrei Moura e Diego Groisman, a exposição parte de um conjunto de trabalhos de Lauer Santos sobre intimidades, olhares e desejos. Essa estrutura aparece em sua recente série “Vestiários”, composta por pinturas que capturam a atmosfera destes espaços, nos quais as fronteiras entre público e privado são diluídas e as interações pessoais ganham outros contornos; e também na série “Reflexos”, que explora a aparição de formas em superfícies especulares. Para além de pensar a superfície em oposição ao que está em profundidade, a mostra articula relações e tensionamentos sugeridos pelos termos, considerando essas dimensões como constituintes da experiência dos corpos, da subjetividade e das relações humanas.

Fronteira entre o reconhecível e o incerto.

Em sua primeira exposição individual, “O Enigma da Pedra”, na Gomide&Co, Cerqueira César, São Paulo, SP, Nilda Neves apresenta um novo conjunto de pinturas em que grutas e paisagens noturnas ocupam lugar de destaque. O que ainda é possível enxergar quando quase não há luz? Nesse limite da visão, o olhar passa a operar de outra maneira: reconhece silhuetas, entrevê personagens, encontra sinais, símbolos e presenças que permanecem entre o visível e o imaginário, enquanto a luminosidade intensa da lua, das estrelas e dos pequenos pontos de luz atravessa paisagens onde a noite ainda é verdadeiramente escura.

É nessa fronteira entre o reconhecível e o incerto que Nilda Neves dá continuidade à sua observação da natureza, fazendo conviver aquilo que viu e viveu com o que ouviu, lembrou e imaginou, em uma espécie de cartografia do sertão, de suas histórias, mitos, fauna, flora e formas de vida. Macambiras, mandacarus, barrigudas e baobás, fósseis, ninhos de aves, casas de abelha, armadilhas e um conjunto de elementos compõem um sertão que não é apenas geográfico, mas também afetivo, narrativo e mental. Artista multidisciplinar, Nilda Neves estudou contabilidade e foi professora de matemática, comerciante, cabeleireira, entre outras profissões, antes de se dedicar às artes visuais e à literatura, com a pintura surgindo mais tarde na sua vida, e o amplo reconhecimento vindo em torno de 2015. Hoje, suas obras integram as coleções do Museu de Arte do Rio – MAR, do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo – MAC USP, do Museu de Arte Contemporânea de Sorocaba – MACS e da Pinacoteca de São Paulo. Além da ascensão institucional, sua produção construiu ao redor de si uma comunidade de admiradores. A exposição inédita da Gomide&Co traz um novo olhar para este universo já conhecido e a oportunidade de acompanhar seus novos desdobramentos. Com texto crítico de Renato Menezes, curador da Pinacoteca, a exposição abre em 29 de outubro, encerrando a programação expositiva de 2026 da Gomide&Co.

Até 22 de janeiro de 2027.

Últimos dias de Vonta de vi dada dada.

16/out

A Fortes D’Aloia & Gabriel apresenta “Vonta de vi dada dada”, em seus últimos dias, a nova exposição individual de Ernesto Neto, que foi inaugurada simultaneamente nos espaços Barra Funda e Jardins da galeria, em São Paulo.

Reunindo um novo conjunto de instalações escultóricas, trabalhos sobre papel e intervenções textuais, a mostra amplia a investigação de longa data do artista sobre a interdependência entre corpos, materiais e sistemas vivos. Distribuídas entre os dois espaços, esculturas em crochê de algodão, cordas trançadas, bambu, aço corten e argila assumem configurações orgânicas que evocam insetos, raízes, montanhas, florestas e outras formas híbridas, propondo a escultura como um campo de relações, movimento e transformação contínuos.

Em conjunto, as obras transformam a galeria em um ecossistema permeável, mais do que em um espaço expositivo neutro. Escultura, desenho, escrita e som articulam-se como manifestações de uma visão de mundo marcada pelo pensamento cosmológico, pela interdependência ecológica e pelo conhecimento incorporado. Em vez de estabelecer separações entre natureza e cultura, ou entre arquitetura e corpo, a exposição propõe um ambiente em que formas humanas e não humanas coexistem em constante intercâmbio, reafirmando a compreensão de Neto de que a vida se sustenta por meio das relações, da reciprocidade e da vitalidade compartilhada entre todos os seres.

Um Brasil observado por quem o habita.

15/out

A Zipper, Jardim América, São Paulo, SP, exibe até 18 de dezembro, a exposição coletiva “Brasil em Camadas”.

A mostra, propõe romper com a tradição de distanciamento, partindo de um ponto de vista situado no território em questão e descartando a paisagem-espetáculo. Um Brasil observado por quem o habita, com suas dores e conflitos, mas também com seus prazeres, afetos e imaginações.

Nas telas de Miguel Chiquitano, o tema remete à tradição que fascinou os viajantes europeus durante o período colonial. Suas pinturas eliminam a linha do horizonte, e sem ele. E sem horizonte, não há distância: a contemplação é conduzida para dentro da mata, para o emaranhado de raízes e sombras.

A revisão decolonial segue na obra “Mundus Hodiernus”, de Camille Kachani, na qual o artista reconstrói um mapa mundi, inspirado pelo contato com um do século XVII que representava o chamado “mundo moderno”. Os vastos oceanos azuis são compostos por cordas náuticas, miçangas e fragmentos de azulejos encontrados em antiquários de Lisboa, alguns datados de cerca de 1750.

Nas fotografias de João Castilho, a cor ocre-avermelhada, próxima da ferrugem e do minério, afasta a flora brasileira do exotismo tropical vendido no imaginário exterior. Já a escultura de Marco Tulio Resende, composta por madeira e barro de diferentes municípios mineiros.

As fotografias da série “Cabanagem”, de André Penteado, trazem à superfície conflitos históricos brasileiros pouco populares. O título remete à Revolta da Cabanagem (1835-1840), que ocorreu na Província do Grão-Pará, uma das rebeliões mais violentas da história do país, quando populações negras, indígenas e ribeirinhas se levantaram contra domínio econômico dos portugueses na região amazônica, que persistiu mesmo após a independência do Brasil.

A camada do conflito reaparece em chave mais recente na xerografia “Sufoco” (1979), de Mario Ramiro, realizada quando o país ainda vivia sob os efeitos da ditadura militar. Pioneiro do uso de impressões xerográficas e logo depois integrante do coletivo 3NÓS3, Mario Ramiro registra um corpo comprimido contra a superfície da máquina, num gesto em que a precariedade técnica do meio se faz medida do cerceamento político.

No presente, a construção do território avança para o espaço urbano nas pinturas de Ian Salamente. Em um contexto em que as periferias brasileiras são fetichizadas, o artista as toma como pretexto para composições marcadas pelo afeto.

Essa atenção ao Brasil habitado se prolonga nas pinturas de Rodrigo Cunha, que recolhe o país na escala do cotidiano e do interior doméstico. Em telas de tonalidades rebaixadas, figuras solitárias surpreendidas em poses contidas dividem o quadro com paisagens emolduradas dentro da própria pintura..

Em suas composições digitais, Marcelo Tinoco parte da fotografia para reinventar tais cenários naturais por meio de cores intensificadas, contornos acentuados e intervenções que misturam realidade e fantasia. Nas pinturas de Felipe Góes, pinceladas expressivas e paletas vibrantes criam paisagens de “não-lugares”, que fazem da natureza uma experiência sensorial. Já Flávia Junqueira constrói suas instalações justamente em lugares associados ao imaginário turístico brasileiro.

Por fim, a fotografia de Rodrigo Braga projeta a paisagem para um horizonte mítico. Nascido na região amazônica, o artista desenvolve há mais de vinte e cinco anos uma pesquisa sobre as relações entre os seres vivos e o ambiente que os circunda. Em conjunto, as obras discorrem sobre como as imagens do país foram historicamente construídas e continuamente reinventadas. Dessa posição, emerge a densidade de um território assumido em sua própria complexidade.

Até 18 de dezembro.

O exercício da pintura como estrutura e forma.

A Galeria Mercedes Viegas Arte Contemporânea, Jardim Botânico, Rio de Janeiro, RJ, realizou a abertura da exposição coletiva “Desestruturas”.

“A exposição Desestruturas, na Galeria Mercedes Viegas Arte Contemporânea, reúne obras dos artistas visuais Daniel Feingold, Patrícia Norman e Gaya Rachel. Em comum, o exercício da pintura que se revela como estrutura e forma, indissociavelmente. Se as estruturas de Feingold endossam a ortogonalidade da própria superfície inicial, as de Norman não possuem tal rigor, materializando, de algum modo, subjetividades. Já as aquarelas de Gaya, apresentam uma estrutura que é diluída na própria representação, ou seja, se em Feingold e Norman suas estruturas existem per si, em Gaya está atrelada à representação de uma imagem (natureza).”

Zalinda Cartaxo

Nova data de abertura.

Em razão da previsão de chuvas fortes em São Paulo, a abertura de “Anatomia da nossa circunstância”, exposição individual de Alexander Pilis, na Sala Medeiros da Galeria Eduardo Fernandes, Vila Madalena, São Paulo, SP, foi transferida para sábado, 17 de outubro, das 11h às 15h. O texto de apresentação traz a assinatura de Ivo Mesquita.

Alexander Pilis é um investigador de arquitetura, trabalhando sob a égide da “Architecture Parallax”. Pilis nasceu no Rio de Janeiro, vive e trabalha em Barcelona, Toronto e São Paulo.

Agradecemos a compreensão e esperamos vocês para a abertura da exposição.