Publicação de Waltercio Caldas

29/nov

 

Material impresso faz parte da exposição “Livro Espelhos Consequências” em cartaz na galeria do Leblon até 02 de dezembro. Além de fotos dos trabalhos, a publicação inédita traz anotações do artista, surgidas no decorrer do processo de criação. Lançado pela Mul.ti.plo Espaço Arte, no Leblon, o material impresso faz parte da mostra “Livros Espelhos Consequências”. Além de fotos das 14 obras inéditas, a publicação traz anotações de Waltercio Caldas, retiradas de sua caderneta de trabalho. A publicação é gratuita e está disponível para todos que visitarem a exposição.

A exposição na Mul.ti.plo traz a assinatura poética do artista, de relacionar objetos que à sua visão pertencem à mesma família, entre eles os livros e os espelhos. As consequências ficam por conta da reverberação da mostra em outras atitudes, como na publicação, por exemplo. É a terceira vez que o artista expõe na galeria carioca – a primeira foi em 2012, com múltiplos; e a outra em 2017, com desenhos.

Waltercio Caldas trabalha a partir do conhecimento poético dos objetos e das coisas. Na mostra, ele chega a formas extremamente rigorosas e precisas, carregadas de sugestões impossíveis de serem traduzidas em outras linguagens. “A obra de arte entra em nossa vida de forma transversa, como algo que não conhecemos, inaugurando sua própria presença. Me interessa esse aparecimento, essa perplexidade inicial”, diz ele, que prioriza em sua prática artística a tridimensionalidade. “Por enfatizar novos aspectos da gravidade, do peso e das matérias, as obras surgem pondo entre parêntesis sua inserção no mundo”, afirma.

O reconhecimento da obra de Waltercio Caldas não encontra fronteiras. Sua arte é tanto poética quanto precisa. Segundo texto do crítico e professor Paulo Sérgio Duarte, “não existe arte contemporânea que não seja experimental. Sabemos disso desde Adorno e sua Teoria Estética. Mas existe algo em Waltercio Caldas além do experimentalismo: um ascetismo que não se confunde com aquele da Minimal Art. Trata-se de uma economia que não é avessa ao campo semântico, à polissemia dos significados. Isso estimula a experiência da obra”.

 

 

 

Artistas populares

17/nov

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A Galeria Jacques Ardies, Vila Mariana, São Paulo, SP,  fecha a agenda de 2022 com a “Coletiva de Arte Popular” que apresenta obras de 16 artistas brasileiros, e exibe um recorte da produção recente no campo da arte popular nacional, destacando temas da vida cotidiana, experiências pessoais, festas, paisagens campestres e urbanas, além da beleza da natureza.
Visto que a missão da galeria é incentivar a Arte Popular Brasileira, foram selecionados artistas contemporâneos para “um evento festivo para comemorar o fim do ano e apresentar os artistas vivos e pintando sem parar”, diz Jacques Ardies. “Esses artistas têm em comum a sutileza com que retratam os temas ligados à natureza e ao dia a dia. Usando as cores com habilidade, eles transmitem em cada um de seus quadros a alegria, o lirismo e o otimismo característicos do povo brasileiro”, explica o curador. São eles: Ana Denise, Ana Maria Dias, Barbara Rochlitz, Bebeth, Cristiano Sidoti, Edivaldo Barbosa, Edna de Araraquara, Enzo Ferrara, Francisco Sevetino, Helena Coelho, Isabel de Jesus, Lucia Buccini, Luiz Cassemiro, Mara Toledo, Sônia Furtado, Vanice Ayres.
A humanidade e a arte não podem funcionar um sem o outro. Temos o desejo ardente de criar com qualidade ações culturais. A arte popular é definida como a expressão representativa da cultura de um país. No Brasil encontramos vários artistas populares espalhados por todas as regiões do país. As obras do segmento são de altíssimo reconhecimento estético e artístico. Os artistas se inspiram em sua regionalidade, crenças, lendas e costumes típicos de sua cultura.
A cultura popular é a principal raiz dessa arte. Autodidata, o artista popular dedica seu tempo livre, sua folga do trabalho para criar sua arte. Se conseguir sucesso, ele acaba se profissionalizando e vivendo da sua arte. Seu papel é fundamental para o desenvolvimento intelectual, formação de opinião, inclusão social, educação e por fim, é a forma mais incrível de fazer com que as pessoas enxerguem o mundo mais civilizado. “Comemorando o fim do ano de 2022 com uma exposição coletiva dos melhores artistas ativos da nossa arte popular, temos trabalhos artísticos multifacetados que representam os variados costumes regionais do Brasil”, diz Jacques Ardies.
Até 22 de dezembro.

Variações técnicas de Ricardo Villa

 

Luciana Caravello Galeria SP, Itaim Bibi, São Paulo,  apresenta “Tudo está Acontecendo”, primeira exposição individual do multiartista paulistano Ricardo Villa na cidade, no Espaço GEMA, com 15 trabalhos com suportes plurais resultantes de uma pesquisa iniciada em 2006 onde o artista ‘busca compreender as implicações e determinações do capital na construção da realidade social’.

“O conjunto de trabalhos que será apresentado, procura demonstrar como a economia se estabeleceu como “ciência oficial”, onde a vida passa a ser tratada como uma questão numérica, descartando tudo fora do escopo do cálculo; ilustrando como a lógica neoliberal busca invadir todos os aspectos das relações sociais e reduzi-los a sua função econômica”, explica o artista. Para Marcio Harum, “em uma era de hegemonia das narrativas econômica, enquanto vai sendo constantemente reafirmada a construção de mundo, o artista Ricardo Villa reflete sobre a ideia de civilização, ao chamar a nossa atenção para outras possibilidades de organização das mentalidades em um planeta cada vez mais ciente de sua própria vulnerabilidade.”

“Tudo está Acontecendo” é o momento em que Ricardo Villa dedica-se a destacar a simultaneidade e determinação das metodologias econômico/sociais que constroem a experiencia social. As obras escolhidas, derivadas de uma pesquisa ativa a 16 anos e ainda em andamento, mantém a utilização do papel moeda dialogando com alguns trabalhos anteriores em concreto e tecido. Segundo o artista, “os trabalhos que produzo são muito variados em termos de técnica; trabalho com vídeo/animação, desenho, colagem, tecelagem, dobradura, tradução, fotografia, etc. A pesquisa/tema tende a variar na medida em que avança, compondo um mesmo campo de interesse.”

Para dar feitio às suas obras, no momento de sua concepção, Ricardo Villa “parte da necessidade de compreender o que determina nossas vidas, nossas convicções, pontos de vista sobre o mundo. O método para isso é viver e buscar estratégias de conversação e construção de afetos.”

“O pensamento por trás da pesquisa artística e o universo das relações do capital que afetam a vida e a produção de artistas no sistema de arte são a tônica deste trabalho.” Marcio Harum

 

Sobre o artista 

Ricardo Villa (São Paulo, 1982) – Vive e trabalha em São Paulo. Formado em Arte e Cultura fotográfica pelo Centro Universitário Senac (bolsista Prouni). Entre suas principais exposições estão: “Até Começar a parecer ordem” (individual), Luciana Caravello Arte Contemporânea (2017). “São Paulo não é uma cidade, Invenções do centro”, Sesc 24 de maio (2017); “ Modos de Ver o Brasil: Itaú Cultural 30 anos” (2017), OCA/SP; “Como Atravessar Paredes”, Prêmio CCBB Contemporâneo (individual) Centro Cultural Banco do Brasil/RJ (2016); ArtePará (2016); Encontro de Mundos, Museu de Arte do Rio/MAR (2015); “Falso Movimento” Luciana Caravello Arte Contemporânea (2014); “Vanitas” Central Galeria de Arte (2011); “Abre-Alas15”, A Gentil Carioca (2018) e residência Re:uso JACA Centro de Arte e Tecnologia BH/SA.

 

Até 17 de dezembro.

 

 

A relevância de Magliani

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A obra da pintora Magliani em debate no próximo dia 26 de novemrbo em Santa Teresa. Os quase 50 anos de plena dedicação às artes desde suas ilustrações para jornal até suas pinturas passando pelo desenho, figurinos, cenários, e teatro. É o tema do encontro entre Denise Mattar, curadora da exposição “Magliani” que esteve em cartaz na Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre, RS, entre março e abril desse ano, Osvaldo Carvalho, curador da exposição “Magliani é infinito agora” em curso no Estudio Dezenove, e Julio Castro, diretor do espaço e coordenador do Núcleo Magliani. Aspectos diversos da obra e vida da artista, falecida há 10 anos, serão discutidos em um bate-papo descontraído, porém focado em apontar sua relevância para a cena artística brasileira.

 

Lançamento do folder

Galeria aberta à partir das 17h

Bar em funcionamento

 

Dois novos espaços

 

Com o nome inspirado pela palavra que abre uma das obras fundamentais da literatura brasileira, “Grande Sertão: Veredas”, de Guimarães Rosa, Nonada ocupa dois espaços: um em Copacabana e outro em um galpão industrial na Penha, subúrbio do Rio de Janeiro. A mostra inaugural reuniu obras de 32 artistas de diversas cidades brasileiras, com pesquisas que abrangem temas atuais, entre os quais racismo, questões políticas, sociais e de gênero. Em Copacabana as obras de “A Palavra: Prosa”, e na Penha “A Palavra: Verso”. Na Penha, a artista e DJ Marta Supernova realizou uma apresentação no dia da abertura. O texto crítico é do artista, poeta e compositor André Vargas. Nonada é uma galeria dedicada a dar visibilidade à excelência da produção artística, e local de pesquisa e debate plural.

 

Artistas expositores

Os artistas da exposição inaugural de Nonada são: 13unituh (André Moura), de Realengo, Rio; Agrippina, de São Gonçalo, Rio; Alan Oju, de Santo André, São Paulo; Allan Pinheiro, do Complexo do Alemão, Rio; André Barion, de São Paulo; Andy Villela, Rio; Bruno Alves, Cidade Júlia, São Paulo; Bruno Lyfe, de Ramos, Rio; Carlos Mello Carvalho, de Jundiaí, São Paulo; Carmen Garcia, São Paulo; Castiel Vitorino Brasileiro, de Fonte Grande, Vitória, Espírito Santo; Darks Miranda, de Fortaleza, e vive no Rio; Diambe, Rio; Emerson Freire, de São Paulo; Fabio Menino, de São Paulo; Fernanda Gomes, de Porangaba, São Paulo; Gabriel Branco, São Paulo; Guilherme Almeida, Salvador; Gustavo Magalhães, de Goioerê, Paraná, e vive em Curitiba; Guto Oca, de São Paulo, e mora em João Pessoa; Jorge Cupim, do Rio; Juan Casemiro, vive entre Conceição das Pedras, Minas, e São Paulo; Link (Diego Jesus Bezerra), de São Paulo; Lucas Almeida, de São Paulo; Maria Pia Garcez, do Rio; Marta Supernova, do Rio; Melissa Oliveira, do Morro do Dendê, Rio; Miguel Afa, do Complexo do Alemão, Rio; Pazza Pennello, de Odessa, Ucrânia, e vive em Kiev; Renan Aguena, do Rio; Siwaju, de São Paulo, e vive no Rio; e Vika Teixeira, do Morro do Inferninho, Niterói. Rua Ministro Armando de Alencar, 35/506 – 22471-080 – Rio de Janeiro RJ

 

Política e Lirismo

Em Copacabana, no espaço de 70 metros quadrados da Nonada ZS na Rua Aires Saldanha, próximo à Rua Bolívar, área boêmia e perto do futuro Museu da Imagem do Som, em exibição obras com um teor maior de crítica política e social. Na Penha, na Nonada ZN, na área de mais de 200 metros quadrados e 4,5 metros de altura, os trabalhos serão mais líricos. São variadas as linguagens dos artistas, em diversos materiais e suportes – pinturas, esculturas, fotografias, poesia, vídeos, entre outros – que percorrem várias pesquisas, discutindo temas de nosso tempo.

 

“A palavra: Prosa” / “A palavra: Verso”

André Vargas, em seu texto crítico, escreve sobre “A Palavra: Prosa” – “Também celebramos em convulsão a realidade, como quem não se fia em depressões e nostalgias. E, talvez, sejamos os que mais festejam as cisões da cidade no terror mais concreto de todo santo dia. É o paliativo, um antitérmico, a alegria. Apaga-se com ela uma barricada em chamas num futuro de rebeldias, mas rebela-se com ela no presente de extremo frio das agonias. Uma fuga, uma aventura, uma brisa. A grande alegoria.” E sobre “A Palavra: Verso” – “Respondemos mal à medicação, porque não criamos a doença. Quem a criou segue imune e impune de seu caráter maligno.

Acrônica das classes é a sua consciência, e o sintoma mais comum éo vigor da poesia. (…) Num mundo que gira padrões, que sejamos a altera presença. Pois quando nos encantamos em um mundo desencantado, dando razão à loucura, nesse mundo desconcertado, arruinamos as bases de uma hegemonia, que ainda não sabe, mas agoniza engasgada com o próprio rabo.”

A iniciativa da criação de Nonada é de Paulo Azeco e João Paulo Balsini, a que se juntaram os dois irmãos Ludwig e Luiz Danielian, donos da Danielian Galeria, na Gávea. “Há uma qualidade impressionante de trabalhos feitos por artistas que não têm tanto acesso ao circuito de galerias, que trazem temas atuais, entre eles questões políticas, sociais, de racismo e gênero. Queremos apresentar de forma plural novos talentos, visões e força criativa”, comenta Paulo Azeco, graduado em Artes Visuais na Universidade Federal de Goiás com pós-graduação em “Métiers d’art: lesArtsAppliqué”, na École Boulle”, em Paris, e uma longa trajetória em galerias importantes em São Paulo. Ludwig Danielian conta que sempre desejou ter um espaço de arte no subúrbio, diferente do perfil da galeria na Gávea. Com o projeto de Paulo Azeco e João Paulo Balsini – colecionador de arte e advogado com atuação em políticas públicas – revitalizou, junto com seu irmão Luiz Danielian, a fábrica de moda praia e lingerie aberta por seu pai em 1968, e desativada há sete anos.

Por um ano, os quatro sócios pesquisaram artistas e seus trabalhos, em um processo “extremamente orgânico, que abrange desde nossa experiência como também indicações de artistas, curadores, e de buscas que fizemos em mídias sociais”, diz Paulo Azeco. “Não queremos levantar bandeiras, rótulos, e sim valorizar a arte boa, que independe de estereótipos. Queremos ter esta proposta de galeria em Copacabana, bairro popular, e no subúrbio,na periferia do circuito de arte, para que se leve excelentes trabalhos a todos. Pretendemos promover discussões livres, contemporâneas, abertas, sem julgamentos prévios”, complementa Ludwig Danielian.

 

Guimarães Rosa

Nonada é a palavra que abre uma das obras fundamentais da literatura brasileira, “Grande Sertão: Veredas”, de Guimarães Rosa (27 de junho de 1908 – 19 de novembro de 1967), “um neologismo criado para representar o não-lugar ou a negação de existência”, escrevem os sócios no texto de apresentação do novo espaço de arte. “Nonada é um lugar híbrido: pesquisa, acolhe, expõe e dialoga. Deixa de ser nada e passa a ser essência por acreditar que o mundo precisa de arte, e que a arte por si só já é lugar.Parte da ideia do não-lugar para ilustrar uma visão que, ao se afastar de rótulos, amplia diálogos, se norteando pela pesquisa,o debate e a importância da curadoria. A galeria de arte enquanto agente promotor de encontros e descobertas com anseio pela experimentação”.

 

Sobre Nonada

Um neologismo criado para representar o não lugar ou a negação de existência. Nonada é a palavra que abre uma das obras fundamentais da literatura brasileira, “Grande Sertão: Veredas”, de Guimarães Rosa, e que representa o pensamento que alicerça este projeto. Parte da ideia do não-lugar para ilustrar uma visão que ao se afastar de rótulos, amplia diálogos, se norteando pela pesquisa e debate sociológico e na importância da curadoria. A galeria de arte enquanto agente promotor de encontros e descobertas com anseio pela experimentação. Sua forma concreta se dá quando rompe padrões dos circuitos sociais e culturais. Entende a pluralidade como necessidade para sua pertinência enquanto personagem contemporâneo, e que é motivo e condição de se ser .Nonada é híbrido, pesquisa, acolhe, expõe e dialoga. Deixa de ser nada e passa a ser essência por acreditar que o mundo precisa de arte…e arte por si só já é lugar.

 

Até 04 de março de 2023.

 

 

Formas diferentes de retratar a paisagem

16/nov

 

A galeria samba arte contemporânea, Shopping Fashion Mall, apresenta até 11 de dezembro, as exposições “Primavera em Júpiter”, do artista carioca Fernando Mello Brum, e “Mario Baptista Street”, do premiado fotógrafo paulistano Mario Baptista, em seus dois espaços em São Conrado. Em comum, as exposições trazem formas diferentes de retratar a paisagem, em obras com cores fortes e vibrantes. As duas exposições que tem a paisagem como tema, Fernando Mello Brum apresenta desenhos e pinturas inéditos que marcam uma nova fase em sua obra e o fotógrafo Mario Baptista fará sua primeira exposição individual no Rio de Janeiro.

“Apesar de um ser pintura e o outro fotografia, a paisagem é um tema comum na pesquisa dos dois artistas. São olhares diferentes, formas diferentes de se retratar a paisagem. Fernando tem o olhar para o micro, Mario para o macro”, afirma Cali Cohen, sócia da galeria samba arte contemporânea.

Fernando Mello Brum apresentará 40 trabalhos inéditos, sendo 20 pinturas em óleo sobre tela e 20 desenhos, alguns em pastel oleoso e outros em nanquim. As obras são fruto da observação do artista sobre o cotidiano e marcam uma nova fase de maturidade pictórica em seu trabalho, com cores fortes, marcantes e vibrantes, que trazem o embate entre a paisagem real e fragmentada.

“Pego ideias, coisas que interessam ao meu olhar, sempre voltado para a paisagem e para os pequenos detalhes, que muitas vezes passam despercebidos ao olhar dos outros”, conta Fernando Mello Brum, que em suas obras amplia detalhes do que vê a sua volta, dando a elas, através de um olhar particular um novo sentido.

As obras se aproximam mais do universo lúdico e infantil, o que se deve à convivência com o sobrinho de três anos, exaltando além das cores, as características físicas da tinta, como peso e maleabilidade, que o artista explora sobrepondo, raspando, misturando, criando volumes e deixando marcas de pinceladas aparentes, nos dando a sensação de movimento.

Já Mario Baptista apresentará 13 fotografias inéditas, produzidas entre 2018 e 2022, que retratam detalhes captados pelo olhar atento do fotógrafo em grandes metrópoles pelo mundo, em imagens que quase parecem pinturas, com cores fortes e vibrantes. Para conseguir o efeito desejado, o artista usa a técnica de longa exposição e trabalha com contrastes. A exposição integra a 15ª edição do FotoRio. As fotografias da exposição apresentam momentos efêmeros e detalhes que não escaparam ao clique do fotógrafo. “Para fotografar, procuro ir a lugares de grande concentração de cores, geometria, grafite, luzes, néon, coisas que chamam atenção. Eu costumo dizer que eu não tiro fotos, são elas que me tiram”, afirma Mário Baptista, que apesar de fotografar desde os 13 anos, somente há três resolveu se dedicar exclusivamente à fotografia. Autodidata, já coleciona diversos prêmios em seu currículo, como o PX3 – Prix de la Photographie Paris. Feitas em São Paulo, Oxford, Paris e Los Angeles, as imagens são um retrato das grandes metrópoles. “O lugar geográfico é mero acaso do destino. Todos esses lugares estão dentro de mim. O meu olhar naturalmente busca referências que conversam”, conta Mário Baptista.

 

Sobre Fernando Mello Brum

Fernando Mello Brum é formado em Design pela PUC-Rio. Trabalha através da observação do cotidiano no campo pictórico. Busca explorar o conceito de paisagem de modo nostálgico, onde é possível compreender a dinâmica dela: incluindo a manipulação de seus efeitos e os limites do espetáculo. Suas pinturas criam uma relação com a realidade da paisagem e aquela que pode vir a ser imaginada pelo espectador. Em 2015 e 2016, participou da feira Art Lima, Peru, com a Galeria TAC. Em 2017, realizou exposição individual na Galeria TAC em Lima, Peru. Em 2019, realizou uma residência artística em Berlim, Alemanha, finalizada com uma individual na Galeria coGalleries na mesma cidade. Neste mesmo ano fez mais uma exposição individual na Z42 Arte no Rio de Janeiro, com curadoria de Fernando Cocchiarale. Em 2020, participou de uma exposição coletiva na Galeria Simone Cadinelli no Rio de Janeiro, em 2021, do Salão de Artes Visuais na Galeria Ibeu Online, no Rio de Janeiro e da Coletiva Da Pintura, com curadoria de Isabel Portella e Patrícia D’Angelo na Z42 Arte em 2022.

 

Sobre Mario Baptista

Mario Baptista recebeu os seguintes prêmios: Grande Prêmio Fotografe 2022 – Finalista – série “O que vemos, o que nos olha”. Setembro, 2022 International Photography Awards IPA – Finalista – “His own paths”. Setembro,22. Monovisions Photography Awards – Menção Honrosa – “His own paths”. Passaram-se três décadas para que Mario Baptista realizasse uma exposição individual desde que ganhou sua primeira máquina fotográfica. Apesar do longo período de convivência com câmeras, ele passou a se dedicar exclusivamente à fotografia somente em 2019. O fruto dessa imersão plena na captura de imagens foi conhecido em 2021, quando abriu, em São Paulo, a mostra “Cidade Errante”. Fruto de seu olhar sensível e apurado diante da paisagem urbana e humana da metrópole, a exposição reuniu 17 imagens selecionadas sob a curadoria do jornalista, fotógrafo e crítico Eder Chiodetto. Desde então, Mario Baptista segue produzindo novos trabalhos e ressignificando seu acervo pessoal de fotos anteriores junto a curadores que trazem outros olhares sobre a produção do artista. Esse desenvolvimento pode ser apreciado em sua participação em março de 2022, na nova feira paulista ArtSampa 22 no museu OCA do Ibirapuera, como também pelos ensaios curatoriais: Diálogos… e o que vem depois; O que vemos, o que nos vê; Paisagens Mediadas; Alquimia fotossensível; Imaginários Urbanos; e outros. Baptista também tem uma intensa atividade com o projeto social Feito Formiguinhas.

 

Sobre a galeria

A samba arte contemporânea, fundada em 2015 por Arnaldo Bortolon e Cali Cohen, é um espaço que privilegia o diálogo contínuo entre artistas renomados e emergentes de diferentes gerações e regiões brasileiras. Com seu variado acervo em exposição permanente, apresenta de forma singular as obras desses artistas, que colocados lado a lado, nos oferecem inúmeras possibilidades de apresentação e percepção, independentemente de escala, suporte e técnica. A galeria possui dois espaços expositivos, sua ocupação se alterna entre as exposições de acervo, as individuais dos artistas representados e as de projetos curatoriais particulares. Com o intuito de divulgar, promover e difundir a produção contemporânea, a galeria se propõe também a ser um espaço de pesquisa, experimentação e educação através de ações relacionadas. Atua em cooperação com projetos de integração da arte com o entorno, extrapolando o espaço expositivo da galeria e aproximando as obras dos artistas do público circulante. A galeria trabalha com Antonio Bandeira, Antonio Dias, Adriana Lerner, Anna Maria Maiolino, Ascânio MMM, Bruna Amaro, Erinaldo Cirino, Diogo Santos, Elisa Arruda, Fernando Mello Brum, Franz Weissmann, Ione Saldanha, José Rezende, Jota Testi, Manfredo de Souzanetto, Roberval Borges, Thiago Haidar, Washington da Selva, entre outros.

 

 

Filme sobre vida e obra de Di Cavalcanti

14/nov

 

A Danielian Galeria exibirá um documentário inédito. A projeção está marcada para o próximo dia 19 de novembro, às 15h, trata-se de “Di Cavalcanti – Entre tempos e lirismos” (2022, 25 min), de Ludwig Danielian e Marcela Akaoui, que farão um bate-papo após a projeção do filme. O evento integra o Festival de Gastronomia, Arte e Jazz do Baixo Gávea, BG Arte e Jazz.

O documentário foi feito durante a exposição “Di Cavalcanti – 125 anos”, realizada pela Danielian Galeria entre 06 de setembro e 22 de outubro, e que reuniu aproximadamente 40 obras raras do grande artista, com destaque para duas obras-primas recentemente descobertas em Paris – as pinturas em óleo sobre tela “Carnaval” (década de 1920) e “Bahia” (1935) – vistas em público pela última vez em 1936, na galeria francesa Rive Gauche, durante o exílio do artista na França.

“Di Cavalcanti – Entre tempos e lirismos” aborda vida e obra de Emiliano Di Cavalcanti (1897-1976) e seu legado para a arte brasileira, com depoimentos de Denise Mattar, curadora da exposição e pesquisadora da obra do artista desde os anos 1990; Elizabeth Di Cavalcanti, filha do artista e pesquisadora; Jones Bergamin, marchand; Marcus de Lontra Costa, diretor artístico da Danielian Galeria, e Miguel Afa, artista visual e muralista.

Individual de Denilson Baniwa

 

A Gentil Carioca realizou a abertura da exposição  “Frontera”, primeira mostra individual de Denilson Baniwa na sede da galeria no Rio de Janeiro.

O artista realiza uma imersão em torno da história dos “descimentos”, processos de migração compulsória de indígenas da Amazônia que se deslocaram para trabalhar em indústrias extrativistas, num regime de exploração de sua mão de obra e saberes. Em exibição obras inéditas feitas especialmente para a mostra, que sublinha como este é um processo inextricável das problemáticas territoriais – da persistente invasão dos territórios indígenas, que nunca cessaram de acontecer, ao abissal atraso na demarcação de seus territórios. Na inauguração foi aberta uma pista de dança na encruzilhada ao som de Zulu Anápuàka Tupinambá, fundador da primeira rádio indígena do país, comunicador e ativista.

Até 21 de janeiro de 2023.

Dois artistas na Z242

13/nov

 

No dia 19 de novembro, a Z42 Arte inaugura as exposições “Nascer de Terras”, da artista brasiliense radicada no Rio de Janeiro, Amanda Coimbra, e “Esqueça de mim”, do artista carioca Marcelo Albagli. Com curadoria de Fernanda Lopes, as mostras ocuparão todo o espaço expositivo do casarão no Cosme Velho com obras inéditas, que partem de fotografias de momentos históricos e de personalidades importantes da história para criar, através do desenho, poéticas distintas.

Amanda Coimbra parte da icônica fotografia “Earthrise” (1968), do astronauta William Anders, que mostra o planeta Terra visto da Lua, para criar as cerca de 20 obras da exposição “Nascer de Terras”. Considerada como uma das 100 fotografias que mudaram o mundo, a imagem serviu de base para a artista começar a fotografar o céu noturno de forma analógica, e arranhar os negativos com objetos pontiagudos, fazendo desenhos, criando novos planetas, desenhando estrelas, luas e repensando o nosso lugar no mundo.

Partindo de fotografias de personalidades históricas, Marcelo Albagli apresenta cerca de 25 desenhos em grafite sobre papel do século 19, que tratam de memória – afetiva, nacional e histórica.  As folhas antigas trazem marcas do tempo, como mofo, manchas e amarelados, que se integram às obras. A série de trabalhos que dá nome à exposição retrata o rosto de cinco presidentes da ditadura militar. Também farão parte da exposição 15 trabalhos da série “Brasília 19:00”, que retratam signatários do AI-5. O nome da série faz alusão a Voz do Brasil e ao rádio e esta sala será ambientada com spots originais da Rádio Relógio, com a voz do locutor Tavares Borba. Nesta mesma sala também estarão trabalhos que retratam outros políticos brasileiros, mas nos quais o artista faz intervenções, como manchas e borrões, chegando a derreter o grafite em algumas, quase apagando o desenho, criando uma espécie de fantasma da figura.

“Independentes entre si, as exposições de Amanda e Marcelo revelam a pesquisa recente e inédita de dois jovens artistas que vivem e trabalham no Rio de Janeiro, e, vistas em conjunto, permitem a reflexão sobre questões atuais como o estatuto da imagem, a prática do desenho na arte contemporânea e a construção/invenção da memória”, diz a curadora Fernanda Lopes.

 

Sobre os artistas

Amanda Coimbra nasceu em Brasília, 1989 – Vive e trabalha no Rio de Janeiro. Graduada em Artes Visuais pelo School of the Art Institute of Chicago (2011).  Participou das residências artísticas Casa da Escada Colorida (2021-2022), DESPINA (2017), Espacio de Arte Contemporáneo (Montevidéu, 2017), Proyecto ‘ace (Buenos Aires, 2012) e Picture Berlin (Berlim, 2009). Desde 2010 mostra seu trabalho em exposições coletivas e individuais no Brasil, Estados Unidos, Alemanha, Suíça, Uruguai, Argentina e Perú. Em 2016 publicou o foto livro “A Memória de um Álbum de Viagem”, com texto crítico da curadora argentina Ana María Battistozzi. Em 2021 seu projeto “Nascer de Terras” foi contemplado pelo edital Retomada Cultural RJ (Lei Aldir Blanc – SECECRJ).

Marcelo Albagli vive e trabalha no Rio de Janeiro. É mestre em design pela University of Arts London, no Reino Unido. Frequentou oficinas de pintura, desenho e litografia na EAV Parque Lage, onde atualmente é professor, e estudou gravura e teoria da arte na Kunsthøjskolen i Holbæk, na Dinamarca, país onde se formou em vídeo e cinema pela Københavns Mediecenter. Possui cursos livres em diversas instituições, como Escola Sem Sítio, PUC-Rio, Instituto Adelina e Berlin Art Institute, este último na Alemanha. Em 2021, participou das coletivas Dobras (Paço Imperial / RJ), Coleção de Pedras Vivas (Casa da Escada Colorida / RJ) e Movimentos laterais, de afastamento e de colisão (Galeria Quarta Parede / SP). Ainda no mesmo ano, foi selecionado para o 46° Salão de Arte de Ribeirão Preto Nacional-Contemporâneo, para o 17° Salão Nacional de Arte Contemporânea de Guarulhos e para o Trinity Buoy Wharf Drawing Prize, em Londres. Em 2022, foi artista residente na DRAWinternational, em Caylus, França.

 

Sobre a curadora

Fernanda Lopes é curadora, crítica de arte e pesquisadora. Doutora pela Escola de Belas Artes da UFRJ, é Diretora Artística do Instituto Pintora Djanira e professora da Escola de Artes Visuais do Parque Lage, onde foi aluna. Organizou, ao lado de Aristóteles A. Predebon, o livro “Francisco Bittencourt: Arte-Dinamite” (Tamanduá-Arte,2016). Escreveu os livros “Área Experimental: Lugar, Espaço e Dimensão do Experimental na Arte Brasileira dos Anos 1970” (Bolsa de Estímulo à Produção Crítica, Minc/Funarte, 2012) e “Éramos o time do Rei – A Experiência Rex” (Prêmio de Artes Plásticas Marcantonio Vilaça, Funarte, 2006). Entre as curadorias que vem realizando desde 2009 está a atuação como curadora adjunta do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (2016-2020), curadora associada do Centro Cultural São Paulo (2010-2012), e curadora convidada da Sala Especial do Grupo Rex na 29ª Bienal de São Paulo (2010). Em 2017 recebeu, ao lado de Fernando Cocchiarale, da Associação Brasileira dos Críticos de Arte (ABCA) o prêmio Prêmio Maria Eugênia Franco (curadoria de exposição em 2016) pela curadoria da exposição “Em Polvorosa – Um panorama das coleções MAM-Rio”. É membro do Conselho Editorial da revista Concinnitas (UERJ).

 

 

Fulgor na Noite

08/nov

A Galeria de Arte Mamute, Centro Histórico, Porto Alegre, RS, promove a abertura da exposição “Fulgor na Noite”, da artista representada Camila Elis, dia 10 de novembro, 19h. Com a curadoria de Mario Gioia essa mostra reúne um conjunto de obras inéditas em pintura sobre tela, e integra até 30 de dezembro o roteiro de exibições da Bienal do Mercosul 2022, no projeto Portas para a Arte.

 

Texto curatorial de Mario Gioia

Em paredes, pisos, vazios, enquadramentos, extracampos, curvaturas, superfícies, traços, texturas e proposições de Fulgor na noite, segunda individual de Camila Elis na Galeria de Arte Mamute, diversos eixos poéticos se coadunam num corpus de obra provocativo e inquieto. Numa investigação que não cessa, ela não se esquiva de embates próprios do fazer diário de ateliê e, ao mesmo tempo, passeia por fantasmagorias e temporalidades, se aproxima dos âmbitos da cosmologia e do fenomenológico, forjando uma bem amalgamada reunião de conceito e matéria a explorar o campo ampliado e contemporâneo da pintura.

“O meu trabalho poético gira em torno das tensões entre corpo, imagem e fantasia. Acredito que, como me utilizo de signos abstratos para tanto, essas relações se dão de maneira rápida e direta. Quero dizer, quando alguém encontra um trabalho meu (e agora descrevo em função de relatos) vê, sente, traduz e simboliza em pouco tempo. Isso se dá por conta do meu interesse maior em sensações físicas, táteis. Utilizo, além dos sonhos, de temas fundamentados em romances e mitologia grega para produzir coisas muito simples, mas muito diretas no espaço” (1), sintetiza a artista acerca do recorte apresentado neste final de 2022.

Fulgor na noite é formada apenas por pinturas, um dado importante na trajetória da artista gaúcha, que desenvolve uma faceta gráfica na produção bem relevante. O conjunto de 14 Sleeping pills, telas em escala mais reduzida – a maioria, seis, de 50 cm x 50 cm -, vem acrescido de cinco recentes peças de maior tamanho. Parte fulcral da exibição de agora se fundamenta em Veladuras, inspirada dissertação de mestrado da artista para a ECA-USP (Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo).

Nas conversas com Camila, por e-mail, o título da mostra foi sugerido pelo autor por conta da leitura havia pouco de Relâmpagos, coletânea de críticas de Ferreira Gullar (1930-2016). Nela, Goeldi: Fulgor na noite, lançava conexões não tão óbvias do texto sobre o grande mestre do expressionismo e da xilogravura no Brasil e o recorte atualíssimo da artista emergente. “A cor que costuma ser festa, alegria, seria uma ameaça à voz dramática (de contrabaixo) das gravuras de Goeldi. Mas ele, com mão de mestre, doma-a, dá-lhe raiz em sua linguagem noturna e a faz ali brotar poderosa e verdadeira”(2), escreve Gullar. Na edição, Céu vermelho (1950) ilustra o texto sobre Goeldi (1895-1961).

Na discreta série das 14 pinturas de Camila, há pulsões nada olvidáveis de cor em meio ao negror. Surgem laranjas e avermelhados robustos e assertivos, porém não explosivos. São como existências que não querem sucumbir e que lançam um brilho vital, que não é parco, e, no entanto, não é ostensivo. Quase que como resistências em um ambiente que pode não ser favorável. Resiliências que se revelam pouco a pouco estratégias essenciais para tal matéria.

“O processo de elaboração destes trabalhos é trazer a temática da materialidade, conferindo a cada uma qualidades específicas. Porque, sempre a partir da mancha, começava a pensar as formas com a cor, criando luz dentro da escuridão. São todas fragmentos de movimentos, de sensações, de coisas com dimensões internas e oníricas, inventariadas na memória”(3), relata a artista sobre o conjunto em sua dissertação. “Para além de serem exercícios de cor e de luz, tornam-se exercícios de fantasia.  14 Sleeping pills concernem o sono, o sonho também.”(4) Camila também conta a influência da vista ao vivo da obra-prima A morte de Sardanapalo (1844), de Delacroix (1798-1863), e é evidente na tela do romântico o duo desfoque/vibração, habilmente lidado hoje por ela – é bom frisar que, para Camila, viver e estudar em 2016 no Reino Unido pôde gerar repertório importante em sua formação. Também deve se comentar que Da alma, e as coisas suspensas, individual da artista no mesmo espaço, em 2019, tinha lastro em mitologia grega e na Renascença, a partir da história de Psiquê e Eros retratada nos afrescos de Rafael realizados na Villa Farnesina, em Roma, nos anos de 1517-18.

Já a configuração dos trabalhos mais atuais apresentados em Fulgor na noite poderia ganhar o título de Pinturas moles pela autora. Formalmente se ligam a quadros já vistos em momentos anteriores expositivos dela. Reflexo da aurora e O úmido medem 150 cm x 140 cm. Calor lunar e O macio são de 137 cm x 150 cm. E 4 horas da madrugada tem 95 cm x 80 cm. Exceto o último, são óleo e carvão mineral sobre linho (Em 4 horas…, não é utilizado carvão). Nos três citados inicialmente, há destacada presença daquele laranja-avermelhado citado. Ao lado de O macio, que se mostra já no próprio título, podem ser encarados como peças solares, otimistas. “Mole é uma matéria que tem corpo e por isso pesa”(5), salienta Camila sobre as novas telas.

Assim, a artista acredita que conseguiu ir em direção de uma mais nítida divisão entre desenho e pintura, além de articular mais uma poética da encenação e do drama junto de explorações sobre corpo, matéria e olhar. Nessa perspectiva entre, híbrida e multifacetada, tal pictórico mais flexível e permeável pode ficar perto de visadas e investigações tão nacionais como a levantada pelo neoconcretismo, da série Obra mole, de Lygia Clark (1920-1988), dos anos 1960 iniciais, por exemplo. Ou seja, essa fragilização da racionalidade do concreto, esse tipo de geometria sensível, brilhantemente desenvolvida por grandes nomes da arte brasileira, provoca ecos não literais sobre pensamentos e práticas dos artistas do agora, que são atravessados e contaminados por contextos atuais críticos.

No caso de Camila, o isolamento deflagrado pela pandemia, a virtualidade das relações humanas, a superficialidade, o esvaziamento e o franco combate ao debate público mais racional, entre variadas chagas novíssimas, disparam procedimentos e situações outros na produção, mesmo que ainda difíceis de se determinar com exatidão. “Sempre utilizei memória para pintar e desenhar, mesmo antes da pandemia. A diferença é que, durante este período, a memória crescentemente parecia ser o que nos restava”(¨6), conta a artista.

E é gratificante perceber no conjunto de Fulgor na noite exemplos plástico-visuais que fogem de uma interpretação linear, estanque e lógica. 4 horas da madrugada abriga algo do matérico palpável em 14 Sleeping pills, se vale do basilar óleo sobre linho e é um objeto que não tem óbvia leitura. Distancia-se e, num mesmo golpe, pode coexistir com as Pinturas moles do mesmo período. Atesta a liberdade persistente da práxis de Camila Elis, que consegue ler Cy Twombly, Luc Tuymans, Daria Martin, Merleau-Ponty e uma certa melancolia da pintura do Sul, em tempos que incensam solipsismos vazios e encenações cotidianas desprovidas de razão. Não é pouco.

 

Mario Gioia – Curador e crítico de arte

 

Entrevista da artista para o autor, via e-mail, outubro de 2022.

Gullar, Ferreira. Relâmpagos – Dizer o ver. São Paulo, Cosac Naify, 2003, p. 120

Schneider, Camila Elis. Veladuras: Notas sobre a prática em pintura e desenho. Dissertação de mestrado – Escola de Comunicações e Artes, Universidade de São Paulo. São Paulo, p. 95, 2022.

Schneider, Camila Elis. Op. cit., p. 95.

Entrevista da artista para o autor, via e-mail, outubro de 2022.

Schneider, Camila Elis. Op. cit., p. 25.