Arquivo da categoria: Exterior

Obras de Wanda Pimentel adquiridas pelo MoMA.

13/maio

Dois desenhos da série “Animais Preto e Branco” (1965-67) de Wanda Pimentel passaram a integrar o acervo do MoMA – Museu de Arte Moderna de Nova York. A aquisição foi realizada por meio da galeria Fortes D’Aloia & Gabriel, responsável pelo espólio da artista; Esta aquisição marca a segunda vez que o museu adquire obras de Wanda Pimentel, após a incorporação de uma pintura da série “Envolvimento” à coleção do MoMA em 2024.

“Esta aquisição reforça a presença de Wanda Pimentel na coleção do MoMA e representa um importante reconhecimento da singularidade de sua prática. Ver este conjunto de desenhos da década de 1960 entrar para a coleção do museu destaca a força experimental de um trabalho que foi fundamental para o desenvolvimento de uma linguagem pop profundamente brasileira e latino-americana. Também representa um passo significativo no reconhecimento internacional de Wanda Pimentel como uma das grandes vozes femininas da arte do século XX.” – Alexandre Gabriel, sócio e diretor da Fortes D’Aloia & Gabriel.

Sobre a artista.

Wanda Pimentel nasceu no Rio de Janeiro em 1943, onde viveu até sua morte em 2019. A prática de Wanda Pimentel se distingue por uma qualidade precisa e de contornos nítidos, abrangendo linhas geométricas e superfícies lisas em obras que frequentemente desafiam a categorização como abstratas ou figurativas. No final da década de 1960 e início da década de 1970, suas pinturas retratavam espaços domésticos e objetos do cotidiano em cores vibrantes, em consonância estilística com a Nova Figuração brasileira. Nas décadas seguintes, a artista incorporou a paisagem carioca circundante à sua composição formal, retratando montanhas e vistas através de uma moldura semelhante a uma janela; construiu esculturas de tampas de bueiro, direcionando seu olhar para baixo, para ambientes ocultos, e pintou sequências de animais geometricamente representados, ampliando seu escopo para incluir figuras não humanas.

O início da trajetória de Wanda Pimentel coincide com o começo de um longo período de opressão e violência estatal no Brasil após 1964, quando a Ditadura Militar foi instaurada e se consolidou até 1985. O paralelo destaca como sua obra reage e, ao mesmo tempo, subverte a atmosfera sufocante sentida durante os chamados “anos de chumbo”, marcados por comunidades cada vez mais isoladas, valores sociais conservadores, fortes barreiras políticas e uma relação turbulenta com a identidade nacional. Nesse sentido, a obra de Wanda Pimentel funciona tanto como um código visual forjado sob condições opressivas quanto como um mapa para ressignificar o isolamento.

Internacionalmente, a obra de Wanda Pimentel foi apresentada em algumas das exposições mais importantes dedicadas à revisitação da arte latino-americana do pós-guerra, incluindo Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 no Hammer Museum e no Brooklyn Museum, bem como International Pop, organizada pelo Walker Art Center e itinerante para o Philadelphia Museum of Art e o Dallas Museum of Art. Mais recentemente, seu trabalho foi apresentado em exposições como Vital Signs: Artists and the Body no MoMA – The Museum of Modern Art e Pop Brasil: vanguardia y nueva figuración, 1960s-70s no MALBA – Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Argentina. No Brasil, importantes apresentações de sua obra incluem Envolvimentos no MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, além de exposições recentes organizadas pela Fortes D’Aloia & Gabriel em São Paulo e Rio de Janeiro, reafirmando o lugar central de Wanda Pimentel na história da arte contemporânea brasileira.

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Lu Ferreira inaugura exposição em Nova York.

12/maio

O artista visual pernambucano Lu Ferreira, natural da Muribeca, inaugurou, a exposição individual “Estranhas Luzes no Bosque” na Tara Downs, localizada no distrito da Broadway, em Nova York. A mostra reúne 27 obras e segue em cartaz até o dia 06 de junho, marcando mais um passo na trajetória internacional do artista, que se destaca na cena contemporânea pernambucana por uma produção que atravessa abstração, memória e espiritualidade.

Com curadoria da pesquisadora Elizabeth Bandeira, a exposição parte do livro homônimo de Stela Carr, referência afetiva da infância de Lu Ferreira, para construir um percurso visual atravessado por mistério, sincretismo religioso e experimentação estética. As obras dialogam com experiências vividas em territórios como Assaré, no Cariri cearense, e Olinda, onde o artista reside, revelando uma pesquisa marcada por um sincretismo barroco negro e por um intenso estudo das cores. O texto curatorial destaca a relação do artista com a religiosidade brasileira para além de uma perspectiva dogmática, apontando para uma construção sensorial e simbólica que atravessa sua trajetória desde a infância. Essa dimensão aparece nas obras como uma espécie de fluxo imagético que amplia as possibilidades de percepção e leitura.Ele relembra que, ainda na infância, guardava objetos que pareciam “falar” com ele e que, mais tarde, decidiu revisitá -los, incorporando-os à sua prática artística. A escolha por abandonar o pincel tradicional se tornou, então, uma forma de tensionar o próprio fazer, deslocando o foco do controle técnico para a experimentação e a consequência do gesto.

“Estranhas Luzes no Bosque” é a segunda exposição individual de Lu Ferreira em Nova York, sucedendo “Tropical Nada”, apresentada em junho de 2025. Assim como na ocasião anterior, o artista não estará presente fisicamente na abertura. Mesmo com documentação e convite formal da galeria, o visto para entrada nos Estados Unidos foi negado. A exposição “Estranhas Luzes no Bosque” pode ser visitada até 06 de junho, na galeria Tara Downs, em Manhattan.

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A Baró Paris exibe Lygia Clark.

11/maio

“Este retângulo, despedaçado, nós o engolimos, o absorvemos. Demolir o plano como suporte para a expressão é tomar consciência da unidade como um todo vivo e orgânico.”

A Baró Paris apresenta Lygia Clark: “Anatomie d’une ligne”, a segunda exposição dedicada à artista brasileira pela Galeria Baró e a exposição inaugural de seu novo espaço permanente em Paris. Com curadoria de Rolando J. Carmona, a exposição concentra-se em momentos-chave da prática de Lygia Clark, examinando a relação entre abstração geométrica, corpo e psicanálise. A apresentação reúne estudos, fotografias, maquetes de papelão produzidas na década de 1950 e “Bicho Desfolhado” (579), destacando uma fase decisiva na transição da artista de estruturas geométricas para propostas participativas. Uma parte significativa das  obras e propostas apresentadas na exposição foi concebida durante o período em que Lygia Clark viveu em Paris. Entre 1950 e 1952, ela estudou na cidade com Isaac Dobrinsky, Fernand Léger e Arpad Szenes, e posteriormente retornou a Paris em autoexílio durante a Ditadura Militar Brasileira. De 1968 a 1976, Lygia Clark desenvolveu um intenso conjunto de obras que integraram o pensamento psicanalítico à sua prática artística.

Durante esse período, Lygia Clark foi convidada a ministrar um curso sobre comunicação gestual na Sorbonne, onde desenvolveu a série de proposições conhecida como “Corpo coletivo”. Obras como “Baba Antropofágica” e “La Red”, também apresentadas nesta exposição, surgiram dessas experiências. Em “La Red”, a grade moderna é desestabilizada e transformada em uma estrutura flexível ativada pela interação corporal coletiva.

Em sua sede parisiense, a Baró Galeria desenvolve uma programação que reúne obras históricas e artistas emergentes do Sul Global. A exposição inaugural, dedicada a Lygia Clark, insere o espaço parisiense em um diálogo internacional entre práticas históricas e pesquisa artística contemporânea.

Sobre a artista.

Lygia Clark nasceu em 1920 em Belo Horizonte, MG, Brasil, e tornou-se uma figura central do movimento Neoconcreto no final da década de 1950. Seu trabalho integra importantes coleções internacionais, incluindo o Museu de Arte Moderna de Nova York, a Tate em Londres, o Centro Pompidou em Paris e o Museu Reina Sofía em Madri. Entre suas exposições institucionais recentes, destaca-se uma grande retrospectiva na Nationalgalerie em Berlim, atualmente em cartaz na Kunsthaus Zürich.

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Comigo ninguém pode.

06/maio

Comigo ninguém pode é o nome, em português, da Dieffenbachia, uma das plantas mais comuns nas casas brasileiras, escolhida como símbolo de proteção espiritual. A ambiguidade e o sincretismo do termo original, que também se tornou um ditado popular, podem ser interpretados como “Ninguém pode me domar”, “Ninguém pode me derrotar” ou até mesmo “Não me desafie!”, em alusão à toxicidade da planta. Na evocação espacial de “Comigo ninguém pode”, a mostra coloca em diálogo duas artistas contemporâneas engajadas na reescrita performativa das histórias coloniais: Rosana Paulino (São Paulo, 1967) e Adriana Varejão (Rio de Janeiro, 1964). Juntos, seus trabalhos abrem a possibilidade de perceber o transcendente no visível.

Comigo ninguém pode reflete sobre a manifestação da fé e da espiritualidade na cultura brasileira, destacando sua estreita relação com a natureza e com dimensões além do humano. O projeto propõe um visceral jogo de perguntas e respostas sobre como espiritualidade e natureza são capazes de gerar um imaginário público que, ao reescrever a história, reconstrói os muros da memória e ressignifica as ruínas e feridas coloniais por meio de seres fantásticos e mágicos. Por meio de obras novas e históricas, a exposição apresenta uma realidade que desafia o racionalismo universal e os percursos predeterminados moldados pelo capital racial global.

Situada entre o tempo em espiral e as ondas tumultuosas propostas por Varejão, a mostra inclui a instalação difusa Aracnes (1996-2026), de Paulino, um muro de concreto inacabado no qual habita uma frágil rede de fios intercalados por fotografias impressas de corpos subjugados. Esta é envolvida por Still Life amid Ruin (Natureza-morta em meio à ruína) (2026), de Varejão, uma escultura pintada que expõe noventa metros lineares de transmutação voluptuosa: por meio de uma tática barroca que a artista desenvolve desde os anos 1980, o concreto torna-se carne, ouro; a madeira torna-se cerâmica, que se transforma em solo e planta. Essas metamorfoses constituem Comigo ninguém pode (2026), desenho de Paulino que dá título à mostra.

A longa tradição da cerâmica brasileira não apenas dá forma às tecelãs de Paulino, entrelaçadas com ninfas e casulos, mas também sustenta os motivos de flores-flechas e o gesso seco sobre tela deixado por Varejão ao longo do tempo, criando fissuras que atravessam a história, os azulejos e os anjos. Suspensos no alto, parecem flutuar e despencar do céu de concreto, tumultuado e moderno. Figuras ambíguas, são testemunhas das experiências de terror suturadas pelo passado colonial em Varejão, com Paisagem canibal (2003), e em Paulino, com Atlântico vermelho (2026). Ambas também observam uma mulher transformar-se em búfala e perturbam a grade do cânone ocidental ao dialogar com Une petite mort (2005), de Varejão. Juntamente com as muitas outras composições possíveis presentes nesta exposição, a cena recorrente de mulheres negras reduzidas a estereótipos ativa uma experiência regenerativa, enquanto representação das veias, sementes e raízes da sociedade brasileira.

Diane Lima, curadora.

De 09 de maio até  22 de novembro.

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As cores naturais de Tito Terapia.

04/maio

A Galatea tem o prazer de apresentar “Terra, cores naturais e a potência de pertencer pelos tons”, primeira individual internacional do artista Tito Terapia (1977, São Paulo, Brasil) que abre no dia 12 de maio na Kevin Kramer Gallery, em Nova York.

A exposição reúne trabalhos inéditos de pequeno e médio formato, em que Tito mobiliza referências tanto da tradição da pintura clássica quanto da arte popular brasileira, dialogando com gêneros centrais do cânone figurativo, como a paisagem e a natureza-morta.

Suas pinturas entrelaçam memórias pessoais enquanto evocam as idiossincrasias de sua comunidade e de seu contexto social. O uso de pigmentos naturais coletados nos arredores de sua casa, na Zona Leste de São Paulo, aprofunda essa relação, incorporando a materialidade da paisagem em cada obra e reforçando a conexão entre sua produção e o território, atribuindo às telas um sentido de pertencimento e resistência.

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Atuação em projetos de arte pública.

30/abr

Reforçando a presença brasileira no circuito internacional, Marcello Dantas é nomeado curador da Bienal de Vancouver, ampliando sua atuação em projetos de arte pública, como curador sênior da edição 2027–2029. A mostra, dedicada à arte pública e realizada ao ar livre na cidade canadense, terá detalhes de datas e artistas divulgados nos próximos meses. A nomeação marca o retorno de Marcello Dantas ao projeto. Entre 2013 e 2015, ele já havia participado da bienal com um trabalho de Vik Muniz, desenvolvido em colaboração com comunidades locais e grupos das Primeiras Nações.

Com trajetória que atravessa exposições, documentários e projetos imersivos, Marcello Dantas construiu uma prática ligada à relação entre arte, espaço e participação. Ao longo da carreira, organizou mostras de artistas como Ai Weiwei, Bill Viola, Shirin Neshat e Tunga, além de atuar na direção artística de projetos de grande escala. Recentemente, co-curou a edição de 2024 do Desert X AlUla, na Arábia Saudita, e mantém atuação como diretor artístico do Sfer Ik, no México. Sua experiência também inclui projetos ligados a grandes eventos, como a exposição Pelé Station, apresentada durante a Copa do Mundo de 2006 em Berlim.

Vancouver como território curatorial.

A proposta para a próxima edição da Bienal de Vancouver parte de uma leitura direta do território. Segundo Marcello Dantas, a cidade exige um olhar atento à relação entre urbanização, paisagem natural e história local, incluindo a presença das comunidades indígenas. A bienal, fundada em 2002, opera como uma plataforma de esculturas, instalações e projetos de arte pública distribuídos pela cidade. Parte das obras exibidas ao longo dos anos foi incorporada de forma permanente ao espaço urbano, consolidando o evento como um dos principais programas de arte pública da América do Norte. Para 2027-2029, o curador sinaliza interesse em projetos colaborativos e em formatos menos permanentes, com obras pensadas como experiências em transformação, ligadas a temas como pertencimento, deslocamento e ecologia.

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Diálogo com um cenário internacional.

29/abr

A Gentil Carioca anuncia a participação da artista Ana Silva na 17ª edição da Sharjah Biennial, que acontecerá de 21 de janeiro a 13 de junho de 2027, em múltiplos espaços no emirado de Sharjah.

Com curadoria de Angela Harutyunyan e Paula Nascimento, a Bienal parte do tema What remains, sits restive para refletir sobre as reverberações de passados não vividos e os desdobramentos contemporâneos de projetos de emancipação.

É nesse contexto que se destaca a participação de Ana Silva, convidada por Paula Nascimento – ao lado de 109 artistas de diferentes geografias – para desenvolver um trabalho comissionado para a Bienal. Sua presença reafirma a força e a relevância de sua pesquisa, agora em diálogo com um cenário internacional ampliado e com debates urgentes em torno de história, território e imaginação política.

Sobre a artista.

“Ao bordar nossas humanidades sublimes e obscuras nesses rostos semi-abstratos, Ana Silva nos lembra gentilmente que a reapropriação de nossas memórias para melhor construir nosso futuro é um trabalho de corpo a corpo, de coração a coração.”

Charlotte Diez-Bento

Ana Silva vive e trabalha em Lisboa, Portugal, expressa sua criatividade por meio da diversidade de materiais que utiliza. Tela, madeira, metal, tinta acrílica e tecido são elementos que compõem e dão forma à sua arte. Durante suas caminhadas pelos mercados de Luanda, começou a distorcer o uso primário de sacos de ráfia e outros artefatos para um trabalho de memória; de objetos abandonados a objetos revividos: “Não consigo separar meu trabalho da minha experiência em Angola, em uma época em que o acesso a materiais era difícil devido à guerra de independência e à guerra civil. Minha criatividade nasceu da exploração de meu ambiente imediato. Essa experiência teve um grande impacto em minha maneira de trabalhar e em minha vida de modo geral.”

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Adriana Varejão e Rosana Paulino em Veneza.

23/abr

Brasil aposta em força feminina e espiritualidade no Pavilhão de Veneza. O projeto curatorial reúne duas das artistas mais importantes do país em um diálogo inédito sobre memória, fé e colonialidade.

A Fundação Bienal de São Paulo anunciou o projeto curatorial do Pavilhão do Brasil na Biennale Arte 2026, que será ocupado integralmente pelas artistas Adriana Varejão e Rosana Paulino. Intitulada “Comigo ninguém pode”, a exposição tem curadoria de Diane Lima e propõe um encontro inédito entre duas trajetórias fundamentais da arte contemporânea brasileira. Realizada em parceria com o Ministério da Cultura e o Ministério das Relações Exteriores, a participação brasileira conta com patrocínio da Petrobras.

Inspirada na planta popular que dá nome à mostra – símbolo de proteção e resiliência -, a exposição parte de uma dimensão sensível e simbólica para articular questões ligadas à história, espiritualidade e natureza. Em uma abordagem instalativa, o projeto rompe com a linearidade do tempo e coloca em diálogo obras históricas e produções inéditas das artistas, abordando feridas coloniais, processos de transformação e a construção de imaginários no Brasil.

A expografia, assinada por Daniela Thomas, foi concebida em diálogo direto com a arquitetura modernista do Pavilhão do Brasil, projetado em 1964 por Giancarlo Palanti, Henrique Mindlin e Walmyr Lima Amaral. A proposta é ativar o espaço como parte da experiência, com obras que se distribuem de forma não convencional, criando percursos sensoriais e aproximando pintura, escultura e desenho de uma dimensão quase performativa.

Ao reunir mais de três décadas de produção de ambas as artistas, “Comigo ninguém pode” enfatiza tensões e aproximações simbólicas, materiais e cromáticas. Enquanto Rosana Paulino investiga memória, corpo e reconstrução a partir da experiência da mulher negra, Adriana Varejão explora, por meio da pintura, simulações de materiais como carne, azulejo e concreto. O encontro entre as duas artistas constrói uma narrativa potente sobre identidade, história e imaginação, projetando o Brasil no centro do debate contemporâneo internacional.

Fonte: Das Artes.

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O vídeo comissionado de Rose Afefé.

A Gentil Carioca noticia que a artista Rose Afefé participa da 61ª edição da Bienal de Veneza como parte de The Message Is in the Pattern, terceira edição do Post-National Digital Pavilion – programa digital desenvolvido pelo Institute of International Visual Arts (iniva) em colaboração com o British Council.

Desenvolvido em diálogo com a comissão do Pavilhão Britânico de Lubaina Himid, o projeto reúne artistas convidados a desenvolver novas obras digitais que exploram práticas sociais e artísticas, engajamento comunitário e processos de tradução cultural.

Nesta edição, Rose Afefé participa com mais duas artistas Anya Paintsil (Reino Unido) e Rajyashri Goody (Índia). Com curadoria de Beatriz Lobo, Rose apresenta um novo trabalho em vídeo comissionado no âmbito do programa.

Para quem não sabe, ela é a mulher que construiu uma cidade sozinha. Luiz Zerbini, 2024.

Rose Afefé nasceu em Varzedo, no interior da Bahia, em 1988. A partir do resgate de memórias da infância, a artista trabalha em várias mídias, incluindo instalação, pintura e fotografia. Iniciou em 2018 a construção da obra Terra Afefé, uma microcidade em escala humana construída com terra, utilizando a técnica do adobe (tijolo de barro cru) e pintada com cal. Situada na zona rural de Ibicoara, Bahia, na região da Chapada Diamantina, Terra Afefé se apresenta como um lugar de encontro e convivência, que relaciona arte e vida e fomenta perspectivas locais a fim de potencializar os saberes do território. A observação e a interação com a natureza são empregadas para conduzir produções de vida mais pulsantes e espontâneas. A poética desse território desdobra-se, por fim, na produção e fabulação imagética que cerca o fazer artístico de Rose Afefé.

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Exposição internacional de Dani Cavalier.

22/abr

A Galatea tem o prazer de apresentar “Dani Cavalier: Tramadas”, primeira exposição internacional de Dani Cavalier, que abre no dia 23 de abril na LLANO, na Cidade do México. Realizada no contexto de um intercâmbio entre a LLANO e a Galatea, galeria que representa a artista, a mostra reúne trabalhos que integram a pesquisa de Dani Cavalier em torno das chamadas “pinturas sólidas”; Nelas, os limites entre pintura, escultura e instalação são tensionados por meio da justaposição de blocos de cor em tecidos reaproveitados.

Ao mesmo tempo em que partem de elementos estruturais da pintura convencional, como tela, chassi, cor e composição, as pinturas sólidas os subvertem. No lugar de tinta e pincel, a artista utiliza retalhos coloridos de Lycra, vindos da coleta de resíduos da produção do período em que esteve à frente de uma marca de moda praia.

Na mostra na LLANO, destacam-se séries que ampliam as possibilidades formais e conceituais de sua prática. Em “As Tensas”, Dani Cavalier trabalha com pedaços maiores de Lycra. As linhas não são recortadas, mas construídas pela força elástica do material ao ser grampeado ao chassi – gesto tradicional do preparo da tela que, aqui, antecede e já constitui a própria pintura. As transições entre cores evocam tanto a fisicalidade investigada pelo neoconcretismo, em diálogo com Lygia Clark, quanto a proximidade com as dobras e inflexões do corpo.

Já a série “Marquinha” parte da observação de que mesmo em materiais industriais, variações sutis de tonalidade podem ocorrer entre as produções dos lotes de lycra. A partir dessa constatação, a artista desenvolve composições que exploram variações de branco sobre branco e preto sobre preto, incorporando no título a referência às marcas deixadas pelo sol na pele.

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