AGENDA CULTURAL

A obra de Luana Vitra em Nova Iorque.

17/jul

A prática de Luana Vitra está profundamente enraizada em sua terra natal, Minas Gerais – região marcada pela extração mineral e pela intensa presença do ferro, elementos que atravessam sua produção de forma recorrente. Sua pesquisa se ancora em tradições filosóficas e espirituais da diáspora afro-brasileira, nas quais a terra é frequentemente compreendida como uma ancestral. Esta exposição no SculptureCenter, Nova Iorque, USA, amplia as investigações recentes de Luana Vitra em torno da materialização da força energética e simbólica de elementos naturais como a pedra, o barro e a areia. Aqui, ela entende os minerais como mediadores entre mundos seculares e espirituais – receptores, condutores, transformadores e sedimentadores de energia -, atribuindo-lhes forma por meio de uma nova instalação escultórica.

Em “Amulets”, Luana Vitra convida o público a olhar para além das propriedades materiais dos minerais e de sua circulação como mercadorias, e a imaginar as dimensões espirituais a que pertencem. As formas que emergem em sua prática se tornam orações visuais, encantamentos ou manifestações de uma energia ancestral. A exposição “Amulets” se abre com uma cortina ultramarina – tonalidade associada ao lápis-lazúli, mineral tradicionalmente utilizado em rituais espirituais. As esculturas verticais em ferro – formas que surgiram à artista em sonhos – são concebidas como manifestações corpóreas do espírito mineral; a areia ao seu redor atua como proteção para o fluxo desses movimentos.

Luana Vitra: Amulets é organizada por Jovanna Venegas, curadora. Por ocasião da mostra, o SculptureCenter publicará o primeiro catálogo da artista em inglês (lançamento previsto para a primavera de 2025), com ensaio comissionado de Gabi Ngcobo, diretora do Kunstinstituut Melly (Roterdã); uma entrevista entre Luana Vitra e Diane Lima, curadora e escritora independente baseada em Nova York; e um texto curatorial de Jovanna Venegas. O projeto gráfico é assinado pelo Studio Lhooq.

Blinded by the Light na Casa da Cultura de Comporta.

11/jul

A Fortes D’Aloia & Gabriel convidou a Mendes Wood DM para colaborar na quinta edição de sua mostra anual de verão em Comporta, Portugal. “Blinded by the Light” – em cartaz até 30 de agosto – é uma exposição coletiva que percorre a relação entre luz e sombra, explorando seu poder transformador como forças capazes de alterar tanto o ambiente físico quanto os estados psicológicos. Nesse contexto, a paisagem torna-se um espaço de transformação, onde fenômenos de percepção, memória e tempo convergem.

No cenário sociopolítico contemporâneo, experiências de sobrecarga sensorial e privação semântica se entrelaçam e disputam nossa apreensão da realidade. O ato de obscurecer e revelar torna-se não apenas uma exploração formal, mas também uma metáfora para as configurações turbulentas de Estados, fronteiras, logísticas sociais e imperativos políticos que regem o momento atual. As obras apresentadas em “Blinded by the Light” navegam pelo espectro entre o brilho e a sombra, o claramente definido e o nebuloso. A exposição abrange uma variedade de mídias, da pintura e fotografia à escultura e ao cinema.

A mostra apresenta obras inéditas de Laís Amaral, Paloma Bosquê, Rodrigo Cass, João Maria Gusmão, Marina Perez Simão, Marina Rheingantz, Maaike Schoorel, Pol Taburet, Antonio Tarsis e Janaina Tschäpe, além de trabalhos recentes de Nina Canell, Matthew Lutz-Kinoy, Leticia Ramos, Mauro Restiffe, Erika Verzutti, e pinturas históricas de Frank Walter.

Idealizado por Maria Ana Pimenta, sócia e diretora internacional da Fortes D’Aloia & Gabriel, o projeto Comporta estreou em 2021 e desde então se consolidou como uma plataforma vibrante de intercâmbio artístico, indo além dos modelos tradicionais de exposição. Instalado na Casa da Cultura – um antigo celeiro de arroz transformado em espaço cultural, parte da Fundação Herdade da Comporta – o projeto mistura arte contemporânea com a atmosfera única da região, proporcionando um ritmo mais lento e contemplativo de fruição. Enraizado na abertura e no diálogo, o projeto reflete o espírito colaborativo da galeria, fomentando parcerias significativas com instituições que compartilham dessa mesma visão. Esse formato flexível permite um processo curatorial mais intuitivo e cultiva sinergias únicas, incentivando novas conversas com parceiros afins. Ao longo dos anos, a Mostra de Verão de Comporta tornou-se um ponto de encontro para colecionadores, curadores, artistas e galeristas, oferecendo um ambiente mais espontâneo e orgânico do que os circuitos formais de feiras e galerias de arte.

A exposição de 2025 será acompanhada por um ensaio de Cindy Sissokho, curadora e produtora cultural que co-curou o Pavilhão Francês na 60ª Bienal de Veneza em 2024.

Tadáskía exibe seu vocabulário plástico.

08/jul

Para sua primeira exposição individual na França, a artista brasileira Tadáskía ocupará uma das salas históricas do Castelo de Rochechouart.

Nascida no Rio de Janeiro em 1993, Tadáskía é uma artista multidisciplinar cuja prática abrange desenho, pintura, escultura e poesia. Mulher trans afrodescendente, Tadáskía nutre seu trabalho com histórias pessoais, que reflete por meio de um vocabulário abstrato, orgânico e extravagante. Seu universo nos mergulha em paisagens místicas, verdadeiras odes à natureza e suas transformações.

Em Rochechouart, a artista fará sua exibição nos painéis de madeira de um salão do século XVIII. Ela improvisará uma composição em carvão e spray, inspirada em borboletas noturnas (mariposas), símbolos da união entre iluminação e escuridão, e da busca pela liberdade. Esse ambiente nos transporta para territórios diurnos e noturnos, onde tudo é um jogo de equilíbrio e movimento, como na tela suspensa b.trans.f. I (2025), que sugere seres voadores se movendo pelo espaço.

Este evento é organizado como parte da Temporada Brasil-França 2025. Com o apoio da Galeria Fortes D’Aloia & Gabriel, São Paulo e Rio de Janeiro.

A arte de Maiolino no Museu Picasso.

03/jul

A mostra é uma coletânea das principais obras da artista nascida na Calábria, em 1942, que cresceu na Venezuela, antes de se instalar no Brasil. Ao longo de 65 anos de carreira, Anna Maria Maiolino explora múltiplas linguagens artísticas, como disse em entrevista à RFI Fernanda Brenner, que divide a curadoria da exposição com o francês Sébastien Delot. “A ideia é fazer uma amostragem da complexidade e da coerência do trabalho dela”, explica a curadora.

“Esta exposição não é cronológica, não é montada em eixos temáticos de acordo com as décadas ou as mídias que ela trabalha, mas busca apresentar para o público como a Anna tem um vocabulário muito coeso, muito coerente e, ao mesmo tempo, absolutamente experimental em todas as mídias que ela resolve trabalhar”, diz. “Pode ser esculturas em argila, desenhos, pinturas, vídeo, fotografia, performances. Ela transitou por todas as mídias possíveis em arte contemporânea, mas sempre com um vocabulário muito específico e muito ligado com a própria origem dela, como corpo feminino migrante”, continua.

“Ela que saiu da Itália no pós-guerra, quando o país vivia uma situação de precariedade, de fome. Chegou primeiro na Venezuela, ao fim da infância, e depois no Brasil, aos 20 anos, (onde) encontra a cena brasileira e se faz artista a partir desse encontro com o Brasil”, pontua. Parte de sua formação Anna Maria Maiolino cursou na escola Nacional de Belas Artes Cristóbal-Rojas, em Caracas. Em 1960, ela se mudou com os pais para o Rio de Janeiro, onde continuou sua formação artística, estudando pintura com Henrique Cavalleiro e xilogravura com Adir Botelho. Em paralelo, ela frequentou o curso de estética de Ivan Serpa, no Museu de Arte Moderna. A artista diz que não trabalha com a intuição, mas pensa e repensa cada passo de sua criação. Em entrevista à RFI, Anna Maria explicou o título da mostra parisiense: “Estou aqui”. “Você busca um discurso próprio, diferente, mas isso é uma grande mentira, porque você vem do passado, com todas as culturas do passado. Isso é uma coisa muito forte para mim, porque eu era imigrante no Brasil”, lembra. “Ao chegar no Rio de Janeiro, que é uma cidade incrível, eu percebi a liberdade que a arte brasileira tinha”, completa. Em 1968, Maiolino obteve a cidadania brasileira. Durante a ditadura, ela e o marido, Rubens Gerchman, se mudaram para Nova York, onde ela realizou parte das obras expostas em Paris. Nos Estados Unidos, a dificuldade por não falar inglês também acabou virando objeto de pesquisa, especialmente em desenhos e poemas. “Eu estive em vários países, em vários lugares. E sempre quando você muda de fronteira, o que existe é a sua presença no lugar. Então, para mim, este título significa que, mais uma vez, eu estou atravessando a fronteira, eu estou na França, estou em Paris, no Museu Picasso, que para mim é mais um território, pois sou uma andarilha, com alma de imigrante”, define.

A artista retornou ao Brasil em 1972, se instalando primeiro no Rio de Janeiro, antes de se mudar para São Paulo, após o divórcio. Suas obras são inspiradas em diferentes línguas, culturas e contextos políticos em que viveu. “Voltar a Paris é voltar para aquilo que eu sou. Eu nasci na Itália, sou uma europeia do Mediterrâneo, mas pertenço a várias camadas dos países onde vivi”, afirma. “Meu coração é brasileiro, é carioca. São Paulo não tem linha do horizonte, então me sinto prisioneira em São Paulo”, diz. Leão de Ouro em Veneza em 2024, a artista foi recompensada com o Leão de Ouro na Bienal de Veneza pelo conjunto de sua carreira. Na ocasião, Anna Maria Maiolino dedicou o prêmio à arte brasileira e ao país que a acolheu. “Uma das coisas básicas da minha obra é a memória. A memória física e emocional”, diz. “É óbvio que a minha chegada ao Brasil me ajudou a encontrar um discurso particular meu”, continua. “Porque o brasileiro começa a sua arte com o Barroco, que é modernidade, não tem uma arte do passado. Tem a arte dos negros africanos, tem a arte dos índios e grande parte da arte brasileira carrega em si um ritual”, observa. No Museu Picasso, no bairro do Marais, a exposição de Anna Maria Maiolino dialoga com a obra do artista espanhol. Ela mesma traça semelhanças com ele. “Qual é a minha relação com o Picasso? Mesmo sendo de épocas diferentes, ele sendo homem e eu uma mulher, nós temos em comum uma coisa: a curiosidade, pois mudamos de suporte”, compara. “Picasso experimentou e “comeu” a arte de todo o mundo e “defecou” Picasso”, analisa. “Picasso foi um grande comilão, antropófago das culturas dos outros, mas transformou tudo em Picasso”, reforça. “Eu acho que eu e ele, com a diferença de idade e de séculos, temos a curiosidade de nos movermos de um suporte a outro, do desenho para a pintura, para a escultura, isso que eu tenho em comum”, afirma. A exposição “Anna Maria Maiolino: Estou Aqui” fica em cartaz no Museu Picasso, em Paris, até 21 de setembro.

Fonte: Maria Paula Carvalho, de Paris para o Terra.

Artistas brasileiros contemporâneos em Paris.

25/jun

A mostra coletiva “Le Brésil illustré” é uma revisão histórica. A exposição, sediada na Maison de l’Amérique Latine, em Paris, reúne obras de 15 artistas brasileiros contemporâneos que confrontam, ressignificam e desviam a iconografia do pintor francês Jean-Baptiste Debret – autor da célebre “Viagem pitoresca e histórica ao Brasil”.

Com curadoria de Jacques Leenhardt e Gabriela Longman, a exposição propõe um mergulho crítico sobre como a imagem do Brasil foi construída a partir de um olhar europeu. E mais: mostra como artistas indígenas, negros e mestiços brasileiros vêm hoje subvertendo esse imaginário, criando novas narrativas para os corpos antes silenciados ou exotizados por Debret.

Entre os participantes estão nomes como Denilson Baniwa, Gê Viana, Jaime Lauriano, Livia Melzi e Anna Bella Geiger. Utilizando linguagens diversas – fotografia, vídeo, escultura, instalação -, suas obras não apenas comentam Debret, mas inserem-se como resposta direta ao projeto colonial que ele, ainda que involuntariamente, ajudou a consolidar. A proposta não é destruir o passado, mas criar novos significados a partir dele – muitas vezes com humor, ironia e potência simbólica. A mostra integra a programação do Ano do Brasil na França e deve chegar ao Museu do Ipiranga, em São Paulo, no segundo semestre deste ano. “…Mas o mais importante é o que ela revela: uma geração que não aceita ser apenas retratada. Uma geração que reivindica o direito de imagem – e que faz disso um gesto político”, diz Matheus Paiva, internacionalista, formado pela Universidade de São Paulo, e produtor cultural.

Elementos do cotidiano do artista.

12/jun

O artista Allan Weber apresenta a itinerância da individual “My Order” no De La Warr Pavilion, em Bexhill-on-Sea, Inglaterra, com abertura no dia 12 de junho. Em seu segundo ato, a mostra ganha um novo subtítulo: “My Order: existe uma vida inteira que tu não conhece”, inspirado no fotolivro homônimo que o artista lançou em 2020. Com curadoria de Joseph Constable, Pablo León de la Barra e João Conceição, a exposição fica em cartaz até 14 de setembro.

A mostra é co-comissionada com a Nottingham Contemporary, onde foi apresentado o seu primeiro ato, chamado “My order: nenhum lugar no mundo é igual ao nosso lugar no mundo”. Ela resulta de um mês de residência artística que Allan Weber realizou em Nottingham em novembro de 2024, durante o qual retomou e complexificou a sua pesquisa em torno do trabalho com entregas por aplicativo e das conexões estabelecidas dentro do caos urbano e do trânsito pelas ruas e culturas.

A nova exposição expande o conjunto apresentado na primeira com obras inéditas. Entre elas, está uma instalação escultórica e fotográfica site-specific na galeria do andar térreo do De La Warr, pensada em diálogo com a arquitetura do edifício e com os seus arredores. A instalação procura trazer para o campo da arte elementos do cotidiano do artista, como assentos de moto de entregadores, mochilas de entrega e capacetes.

O título da mostra alude tanto ao período no qual Allan Weber trabalhou como entregador de comida, levando “pedidos” (“orders”) aos clientes, quanto às regras internas que operam as comunidades e sistemas que atravessaram a vida do artista. “My Order” é a resposta de Allan Weber a essas regras: uma afirmação de autonomia e agência.

Luiz Zerbini como ativista ambiental.

09/jun

LUIZ ZERBINI/Os Comedores de Terra – (The Earth Eaters) – ART BASEL UNLIMITED – Stand U48

Entre os dias 16 e 22 de junho.

Os Comedores de Terra (2025), de Luiz Zerbini, é uma instalação de 360 graus que reúne uma pintura de cinco metros e esculturas de cores vibrantes, emulando pedras preciosas e minérios. Juntos, eles criam um espaço imersivo no qual uma narrativa apocalíptica se desenrola, condensando imagens de destruição com texturas e efeitos visuais hipnotizantes. Luiz Zerbini constrói sua composição a partir de documentos sobre garimpos ilegais de ouro na Amazônia, transformando-os em uma visão assombrosa de uma paisagem que carrega as cicatrizes de atividades extrativistas, como a exploração madeireira e a agricultura de corte e queima. Em um poço, encontra-se uma massa de gasolina escorrendo, com as cores do arco-íris, formando uma película cintilante sobre a superfície de um corpo d’água, enquanto colunas de fogo se erguem entre as árvores derrubadas. O primeiro plano é marcado por folhagens e flores exuberantes, em forte contraste com as cenas fantasmagóricas de devastação que ocupam o fundo.

Elementos escultóricos e um escopo espacial tridimensional acompanham a obra do artista há muito tempo, dando forma a um ecossistema vivo, em Árvores, na Fundação Cartier (2019), ou replicando a vegetação, como na expografia de sua ampla pesquisa no MASP, em São Paulo (2022). O título da instalação faz alusão ao nome indígena Yanomami para os garimpeiros e madeireiros, que extraem as substâncias e energias vitais da Terra de suas entranhas. A peça condensa os componentes essenciais de um conflito centenário e consolida a posição de Luiz Zerbini como ativista ambiental. Ela denuncia a violência contra as populações nativas, seus territórios e os ecossistemas brasileiros. Nesta investigação política e ecológica, o artista reflete sobre como as economias industriais ameaçam a sobrevivência dos povos indígenas e seus modos de existência.

Esta pintura reflete o espetáculo do colapso – como o fim do mundo pode parecer visualmente deslumbrante. Ela se desenrola como um épico, destinado a ser visto e admirado, mesmo que a maioria das pessoas permaneça incapaz ou relutante em responder à sua narrativa. Parecemos cair em uma espécie de transe diante da beleza da nossa própria ruína.

Entre as exposições individuais recentes do artista estão Afinidades III – Cochichos, MON – Museu Oscar Niemeyer, Curitiba, Brasil (2024); Paisagens Ruminadas, CCBB – Centro Cultural Banco do Brasil, Brasília, Brasil (2024); CCBB – Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro, Brasil (2024); A mesma história nunca é a mesma, MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, São Paulo, Brasil (2022); e Razão Intuitiva, South London Gallery, Londres, Reino Unido (2018). O artista também participou das exposições coletivas Lugar de estar – o legado de Burle Marx, MAM – Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brasil (2024); Siamo Foresta, Triennale Milano, Milão, Itália (2023), Nous les Arbres, Central Elétrica de Arte, Xangai, China (2021); Árvores, Fundação Cartier, Paris, França (2019). As coleções públicas incluem Fondazione Sandretto re Rebaundengo per l’Arte, Torino, Itália; Fundação Cartier pour l’art contemporain, Paris, França; Instituto Inhotim, Brumadinho, Brasil; Instituto Itaú Cultural, São Paulo, Brasil; MAM – Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brasil; MAM – Museu de Arte Moderna de São Paulo, São Paulo, Brasil, MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, São Paulo, Brasil e Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo, Brasil.

A dança como símbolo multifacetado.

06/jun

Para a Art Basel 2025, A Gentil Carioca propõe um olhar sensível sobre a dança, entendida não apenas como expressão artística, mas como elemento central nas vivências coletivas, nos rituais sociais e nas formas de resistência ao longo dos séculos. A dança surge aqui como símbolo multifacetado: linguagem do corpo, ferramenta de transmissão de saberes, modo de narrar histórias e preservar tradições. As obras selecionadas dialogam com essas múltiplas dimensões, ressaltando a importância da dança na construção de identidades culturais, na delicadeza das relações humanas e na constante busca por pertencimento. Participam desta edição: Agrade Camíz, Ana Silva, Arjan Martins, Denilson Baniwa, João Modé, Kelton Campos Fausto, Laura Lima, Misheck Masamvu, Miguel Afa, Novíssimo Edgar, O Bastardo, OPAVIVARÁ!, Pascale Marthine Tayou, Renata Lucas, Rodrigo Torres, Rose Afefé, Sallisa Rosa, Vinicius Gerheim, Vivian Caccuri, Mariana Rocha, Rafael Baron.

Apresentamos também um Kabinett que propõe um diálogo inédito entre as obras de João Modé, Ivan Serpa e Max Bill. Pioneiro do concretismo, Max Bill teve influência decisiva na arte latino-americana e, em 1951, recebeu o prêmio de escultura na primeira Bienal Internacional de São Paulo, impactando gerações de jovens artistas. Em ressonância com esse legado, João Modé desenvolve desde 2013 a série “Construtivo (Paninho)”, na qual utiliza costura e bordado para homenagear a tradição geométrico-abstrata da arte brasileira, criando formas “construtivo-afetivas”. No espaço, obras inéditas de João Modé dialogam com peças emblemáticas de Ivan Serpa e Max Bill.

Lygia Clark na Alemanha.

20/mai

A Neue Nationalgalerie exibe até 12 de outubro a primeira retrospectiva da artista brasileira Lygia Clark na Alemanha. A exposição abrangente apresenta cerca de 120 obras de arte que representam toda a sua produção artística do final da década de 1940 até a década de 1980, desde pinturas geométricas e abstratas até esculturas participativas e trabalhos performáticos. Um aspecto central da exposição é a abordagem interativa no trabalho de Lygia Clark. Os visitantes podem interagir com uma variedade de réplicas criadas especialmente para a exposição.

Lygia Clark é considerada uma inovadora radical do conceito de arte porque redefiniu fundamentalmente a relação entre artista e espectador, bem como entre obra e espaço. Como principal representante do movimento Neoconcretismo iniciado no Rio de Janeiro em 1959, Lygia Clark entendia a obra de arte como um fenômeno orgânico. Ela exigia uma experiência subjetiva, corporal e sensual da arte e fez da participação ativa do espectador um componente elementar de sua arte. A retrospectiva na Neue Nationalgalerie permite que os visitantes vivenciem essa abordagem participativa na obra da artista por meio da interação com cópias da exposição. Além disso, são realizadas regularmente apresentações que valorizam a obra desta importante artista do século XX.

No início de sua carreira, Lygia Clark criou pinturas em estilo geométrico-abstrato. Contudo, a partir de 1954 ela começou a desbravar a tela. Foram criados painéis em relevo que criam uma conexão com o espaço. Com a fundação do Movimento Neoconcreto, deu-se o passo em direção ao espaço tridimensional. Os representantes do Neoconcretismo entendiam a obra de arte como um fenômeno orgânico e vivo. Esses princípios são expressos nos Bichos (Animais) de Clark. São esculturas geométricas e móveis que podem ser dobradas em posições sempre novas pelo observador. Como resultado, foram criados seus Objetos Sensoriais, incluindo óculos, máscaras e trajes, que estendiam a experiência sensorial dos receptores para todo o corpo. No final da década de 1960, ela desenvolveu seu conceito de Corpo Coletivo, que descreve ações performáticas de construção de comunidade. Perto do fim de sua carreira, finalmente desenvolveu uma abordagem de terapia corporal que utilizou em seus objetos de arte.

A retrospectiva na Neue Nationalgalerie reúne cerca de 120 empréstimos de coleções particulares e museus internacionais, incluindo a Pinacoteca do Estado de São Paulo, o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro e o Museu de Arte Moderna e a Coleção Cisneros de Nova York.

Catálogo da exposição

Um catálogo bilíngue em alemão e inglês será publicado pela E. A. Seemann Verlag para acompanhar a exposição. É a primeira publicação em língua alemã sobre Lygia Clark e oferece uma visão geral abrangente de seu trabalho.

A exposição tem curadoria de Irina Hiebert Grun e Maike Steinkamp, pesquisadoras associadas da Neue Nationalgalerie.

Cores vibrantes e texturas de Sophia Loeb.

16/mai

“Através da pintura, quero mostrar uma nova forma de enxergar o mundo”, diz a artista Sophia Loeb. Nascida em São Paulo e baseada em Londres, Sophia Loeb retrata com cores vibrantes e texturas uma maneira específica de ver o mundo através de um olhar que transita entre o micro e o macro.

Sophia Loeb obteve seu diploma de Artes Plásticas (Fine Art) e História da Arte na Goldsmiths University, em Londres, e fez seu mestrado na Royal College of Art, também em Londres. Suas obras compõem coleções internacionais renomadas e conceituadas, como o Institute of Contemporary Art em Miami, Green Family Art Foundation em Dallas e o Museu de Arte Moderna em Fort Worth, nos Estados Unidos.

A artista utiliza a cor em suas obras de forma intuitiva, e a escolha de cores vivas fazem referência a uma natureza exótica. Para Sophia Loeb, cor é celebração: “A cor transmite alegria de viver e gratidão pela vida. Quero que as pessoas sintam isso ao ver minhas pinturas”, explica.

Próximas exposições

A obra “Peregrinos a você” (2024) participa da quarta edição da exposição “Aberto”, em cartaz em Paris até 08 de junho na Maison La Roche, casa projetada pelo arquiteto modernista Le Corbusier (1887-1965). Sophia Loeb realizará sua primeira exposição individual no Brasil na Carpintaria, no Rio de Janeiro, apresentada pela Galeria Fortes D’Aloia & Gabriel. A abertura acontece no dia 05 de junho.

Fonte: VEJA por Vitoria Monteiro de Carvalho.