Arthur Lescher em Portugal

10/nov

Abertura de exposição individual de esculturas de Arthur Lescher a partir do dia 13 de novembro na KubikGallery, Porto, Portuga

Há mais de trinta anos que Lescher apresenta um trabalho sólido como escultor, que resulta da pesquisa em torno da articulação de materiais, pensamentos e formas. Nesse sentido, o artista tem no diálogo particular, ininterrupto e preciso, com o espaço e o projeto arquitetônicos, e a escolha de materiais (que podem ser metal, pedra, madeira, feltro, sais, latão e cobre), elementos fundamentais para destacar o poder desse discurso. Mesmo que o trabalho de Lescher esteja fortemente ligado aos processos industriais, apresentando extremo requinte e rigor, a sua produção não tem a forma como único propósito, na verdade, vai além. Essa contradição abre caminho para o mito e a imaginação, elementos essenciais para a construção da sua Paisagem Minimal.

Sobre o artista

Artur Lescher nasceu em 1962, em São Paulo, SP, Brasil, onde reside e trabalha. Algumas de suas últimas exposições individuais são: Artur Lescher: suspensão, Estação Pinacoteca, 2019, São Paulo, Brasil; Asterismos, Almine Rech Gallery, 2019, Paris, França; Porticus, Palais d’Iéna, 2017, Paris, França; Inner Landscape, Piero Atchugarry Gallery, 2016, Pueblo Garzón, Uruguai. Participações em exposições coletivas recentes incluem: Tension and Dynamism, Atchugarry Art Center, 2018, Miami, Estados Unidos; Mundos transversales – Colección permanente de la Fundación Pablo Atchugarry, Fundación Pablo Atchugarry, 2017, Maldonado, Uruguai; Everything you are I am not: Latin American Contemporary Art from the Tiroche DeLeon Collection, Mana Contemporary, 2016, Nova Jersey, Estados Unidos; El círculo caminaba tranquilo, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, MAMBA, 2014, Buenos Aires, Argentina; The Circle Walked Casually, Deutsche Bank KunstHalle, 2013, Berlim, Alemanha. Tem obras em importantes coleções como: Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA), Buenos Aires, Argentina; Museum of Fine Arts Houston (MFAH), Houston, Estados Unidos; Philadelphia Museum of Art, Filadélfia, Estados Unidos; Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo, Brasil.

Com o apoio do programa InResidence, uma iniciativa da Ágora – Cultura e Desporto do Porto, E.M.

Carlos Mélo na Galeria Kogan Amaro

16/ago

O artista multimídia Carlos Mélo reflete sobre o Nordeste em exposição inédita na Galeria Kogan Amaro. Obras em diferentes suportes utilizam-se de jogos de imagens e palavras para desmontar o estereótipo da região brasileira. As flexões semânticas são características marcantes no trabalho processual de Carlos Mélo. É a partir delas que o artista articula e ativa determinados assuntos, como a questão do lugar, especificamente o Agreste e o Nordeste, locais investigados pelo artista na exposição “Transes, rituais e substâncias”, cartaz da Galeria Kogan Amaro, Jardim Paulistano, São Paulo, SP.

Pinturas, fotografias, esculturas, desenhos e painel de neon são alguns dos suportes do conjunto de 16 obras inéditas exibidas na mostra. Em comum, elas buscam desfazer a ideia de nordeste, construindo um novo campo simbólico. “Todo meu trabalho artístico em torno das questões do nordeste tem como objetivo desmontar o estereótipo do Nordeste como o lugar com determinada comida, um sotaque determinado e com o chão rachado. A minha perspectiva é de uma região contemporânea, industrial e tecnológica, aonde as questões se dão a partir de uma realidade que não depende necessariamente da localização geográfica, mas sim de um campo simbólico.”, explica o artista.

Três esculturas têxtis da série “Overlock”, apontam para a forte produção da indústria de jeans no Agreste do Pernambuco. As obras são produzidas com diversos tecidos produzidos artesanalmente por uma cooperativa de costureiras que utilizam resíduos de fabricas de confecções. As esculturas criam uma forte referência às golas do maracatu, a mantos cerimoniais, e trazem uma reflexão em torno da modelagem e customização (paetês e spikes) das confecções de jeans na indústria no interior do estado.

Durante o período em que se aprofundava sobre a indústria têxtil, Carlos constatou o número crescente de motos com a finalidade de transporte de mercadoria, tanto no agreste, como no interior do Brasil, além do grande número de motoboys na cidade devido à pandemia. O resultado é a escultura com capacetes “Cascos”, produzidas com resíduos de capacetes em desuso pelos motoboys de Itu onde o artista residiu e coletou em cooperação com a Associação de Motoboys da cidade.

A série “Abismos” apresenta três autorretratos que carregam referências ao Nordeste. Em um deles, a figura com cabeça de carranca, cria uma forte relação com as mitologias do Rio São Francisco e seus projetos de transposição representado com a cabeça de uma carranca, em outro desenho o homem parece flutuar coberto de ossos bovinos carregando entres as mãos um ramalhete de flores, e a terceira imagem traz um corpo barroco onde é possível notar um conjunto de ossos, capacete e flores sobre parte do corpo vestido com uma calça jeans.

Uma série de fotografias e um backlight, advindos de uma performance de longa duração compõem a série “Sapukaia” (ave que grita ou galinha, no vocabulário tupi). Nela, o artista aparece vestido com um paletó em meio a uma paisagem com galinhas vivas sobre o seu corpo. “Os meus trabalhos artísticos ocorrem a partir do ritual e do transe. Eles surgem a partir da ativação deste lugar, deste território. No caso, este trabalho ativa novos campos simbolistas em meio ao impacto cultural e ambiental causado pela presença das indústrias na região.”, pontua Carlos Mélo.

Texto curatorial

Carlos Melo é uma invenção de si mesmo. Artista, humanista, escritor e poeta. Pernambucano, estudioso, de fala branda. Carlos é uma fera! Conquistou prêmios, bolsas e reconhecimentos públicos. Seu trabalho fala com as vísceras. Essa exposição revela uma parte da sua obra. Desenhos, pinturas, fotografias, esculturas, vídeos e performance. Tudo para nos fazer sentir o gosto da sua terra. Carlos incorpora mitos e tradições religiosas em sua poética visual. Retomando ritos e costumes dos povos originários. Carlos é um pesquisador e desbravador da nossa língua. Expandindo significados e interpretações. Carlos Melo é um artista completo. Dos pés a cabeça. Seu legado é uma esfinge. Tenho muito orgulho e admiração pelo seu trabalho e pela nossa amizade.

Marcos Amaro – julho de 2021

Sobre o artista

Riacho das Almas, Pernambuco – Brasil, 1969.
Carlos Mélo é um artista plástico brasileiro, nascido em Permanbuco, uma região formada por uma cultura complexa vista por várias nações africanas, algumas tribos indígenas e europeias de origem Moura. Seus trabalhos passam por vídeo, fotografia, desenhos, instalação, escultura e performance, em uma investigação do lugar que o corpo ocupa no mundo. Através de anagramas e ações de performance, o artista aborda imagens e palavras praticando o contorcionismo semântico. Busca convergir o corpo em situações de interação com o ambiente e imagens conceituais que sugerem que seja definido de forma relacional, operando simultaneamente um resgate de aspectos da formação cultural brasileira. Para Suely Rolnik, “a obra de Carlos demarca um território, ou melhor, o estabelece. Como nos animais, isso é feito por meio de dispositivos sempre ritualizados, que são, sobretudo, ritmos. No entanto, diferentemente dos animais. Aqui, o ritual e seu ritmo mudam constantemente; são inventados a cada vez, dependendo do ambiente em que são feitos e do campo problemático que procuram enfrentar, para isso o artista se instala na imanência do mundo, aos pés do real vivo, apenas apreensível pelo carinho.”

Idealizou e realizou a 1ª Bienal do Barro do Brasil, Caruaru (2014). Participou de exposições coletivas como a 3ª Bienal da Bahia, Salvador (2014); No Krannert Art Museum, Universidade de Illinois, Champaign, EUA. (2013); No Museu de Arte Moderna Aloísio Magalhães, Recife (2010 e 1999); No Itaú Cultural, São Paulo (2008, 2005, 2002 e 1999); Entre outras. Exposições individuais foram realizadas na Galeria 3 + 1, Lisboa, Portugal (2010); No Paço das Artes, São Paulo (2004); E na Fundação Joaquim Nabuco (Recife, Brasil, 2000). Foi vencedor do Prêmio CNI SESI Marcantonio Vilaça de Artes Plásticas (2006). Vive e trabalha em Recife.

Dois na Capa e Contracapa

25/mai

A Anexo LONA, Centro, São Paulo, SP, recebe (de 29 de maio a 28 de julho) exposição, com curadoria e conceito de Marcio Harum – “CAPA e CONTRACAPA” – cuja sugestão de unicidade, é “2”. O espaço abre as mostras simultâneas dos artistas Fabio Menino e Viviane Teixeira que exaltam o pictorialismo, cada um à sua maneira, utilizando-se da técnica de representação artística mais antiga do mundo: a pintura. O conceito expositivo pensado por Marcio Harum subverte paradigmas uma vez que o conteúdo é sempre buscado no miolo e não nas capas e contracapas.

“As duas exposições individuais simultâneas (…..) irrompem no espaço como som, com dois lados dissonantes, mas complementares. A proposição surge movida pela inspiração gráfica do ato de se criar uma incerta e possível ligação tátil; como frente e verso de um álbum musical, em que pinturas exibidas nas paredes são as próprias gravações sonoras” explica o curador.

CAPA, com a artista plástica carioca Viviane Teixeira, permite um passeio por seu universo pictórico ficcional, onde uma corte fantasiosa possui figuras femininas como soberanas. Referências históricas da Família Real Brasileira, games, contos dos irmãos Grimm, as cartas de baralho, os jogos de tabuleiro, o jogo de xadrez, músicas, músicos, livros e artistas como Philip Guston, Paula Rego, Louise Bourgeois, Pia Fries, Laura Lima, Cristina Canale, etc., permeiam os questionamentos que gestam a obra. “Tais questões estão vinculadas às escolhas cromáticas contundentes, aos objetos associados ao desenho e às formas híbridas e fluidas que remetem a cenas e personagens arquetípicos saídos dos contos de fadas e que travam intensos duelos e diálogos”, diz Viviane Teixeira.

“A produção da artista vem sendo publicamente acompanhada mais de perto desde sua participação no edital Programa de Exposições do CCSP em 2015, e de lá pra cá tem marcado em suas obras de pintura uma vívida sucessão de alter egos e avatares anacrônicos, estando fixados em uma mise-‐en-‐scène bastante singular de cenários e figurinos voltados aos jogos, rituais, hábitos e costumes de outrora”, diz Marcio Harum.

Em “CONTRACAPA”, o artista paulistano Fabio Menino apresenta telas figurativas com forte apelo realista onde as cores e formas definidas de objetos do cotidiano, ou não, mas conhecidos e quase comuns, produzidos em escala industrial, mas agora vistos por suas funções, significados e potencias pictóricas. As escolhas não são aleatórias. Os objetos representados por Fabio Menino possuem um ponto de convergência. Como explica o artista: “são suas funções: de proteção, segurança ou mesmo como ferramenta; executando um papel que um coro sozinho não pode realizar”.

“Há entre o conjunto de telas do artista uma menção a ‘99,00’ -‐ se tal cifra é sobre o preço da carne, o valor de materiais artísticos ou um mal-‐entendido visual qualquer,na realidade não importa. Com a seleção exposta de pinturas, a indagação que fica acerca do vínculo identitário com o mundo físico das imagens de Fabio Menino traduz-‐se por ser pura ficção, ou não”, elucida Marcio Harum.

Sobre o curador

Marcio Harum vive em São Paulo. Trabalha na interseção entre curadoria, programas públicos e educação. Coordenou o programa “CCBB – Arte e Educação” no Centro Cultural Banco do Brasil, São Paulo, entre 2018 e 2020. Foi curador de artes visuais do Centro Cultural São Paulo entre 2012 a 2016 e dirigiu o programa “experiências dialógicas” no Centro Cultural de España, São Paulo, entre 2009 a 2011. Tem participado de comissões julgadoras dos mais diversos editais de artes visuais do país. Vem realizando cursos, interlocuções, laboratórios e acompanhamentos artísticos em diversos formatos on-line. Integra o comitê curatorial da 1ª Bienal de Arte Contemporânea SACO no Chile.

Sobre os artistas

Fabio Menino vive e trabalha em São Paulo. Bacharelando em Arte e Design na Universidade Federal de Juiz de Fora-MG. Possui cursos de apoio e aperfeiçoamento em artes plásticas – Arte no Brasil, Relatos Alternativos | Tadeu Chiarelli; Arte Contemporânea | Pedro França; Conversa Circular | Leda Catunda (Instituto Tomie Ohtake, SP); Arte Contemporânea: História | Mirtes Marins, entre muitos, além de atuar como assistente direto de artistas como Stephan Doitschinoff, Paulo Nimer PJ e Hildebrando de Castro. Em sua trajetória artística, participou de mostras coletivas em galerias e instituições, tais como Cartografias , Instituto de Artes e Design, UFJF , Juiz de Fora-MG, SAV – Salão de Artes Visuais de Vinhedo, Vinhedo-SP, 15º Salão Nacional de Arte de Jataí, Museu de Arte Contemporânea de Jataí – Jataí-GO, Prêmio aquisitivo – 45º Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto, Santo André-SP, 26º Salão de Artes Plásticas de Praia Grande, Praia Grande-SP, 44º SARP – Salão de Arte de Ribeirão Preto Nacional – Contemporâneo – MARP, Ribeirão Preto, SP, Mostra de Arte da Juventude-MAJ – SESC Ribeirão Preto, Ribeirão Preto, SP, Sauna Mística – Galeria AM – São Paulo, SP, Casa Carioca – MAR | Museu de Arte do Rio, Rio de Janeiro, RJ.

Viviane Teixeira vive e trabalha no Rio de Janeiro. Bacharel em Pintura pela EBA, UFRJ (2003) e cursou EAV do Parque Lage, RJ (2004-12). Foi selecionada para as exposições individuais: The Queen seated inside her Castle – A Rainha Suplente, Capítulo II, CCSP/SP (2015-16) e The Queen seated inside her Castle – A Sala do Trono, Paço Imperial, RJ (2016) e para as coletivas: Arte Londrina 7 (2019), 14° Salão de Artes de Itajaí, SC (2018), 18° Festival Internacional de Arte Contemporânea Sesc_Videobrasil, Panoramas do Sul, Sesc Pompéia, SP (2013-14), 4° Salão dos artistas sem galeria, Zipper Galeria e Casa da Xiclet, SP (2013), 36° SARP, Salão de Arte de Ribeirão Preto Nacional-Contemporâneo, SP (2011), 17° Salão UNAMA de Pequenos Formatos, Galeria de Arte Graça Landeira, Belém, PA (2011), Abre Alas 5, Galeria A Gentil Carioca, Barracão Maravilha, RJ (2009), Artistas selecionados na Universidarte XIV, Intervenção no Museu da República, RJ (2007), Novíssimos 2007, Galeria de Arte IBEU, RJ e Selecionados Universidarte XIV, Casa França-Brasil, RJ (2006) além de participar de outras exposições em galerias e centros culturais no Brasil ao longo desses anos, como a individual As múltiplas faces da Rainha, na Galeria Movimento,RJ (2017).

Novo artista na Kogan Amaro

22/mar

A Galeria Kogan Amaro, São Paulo, Zurich, anuncia Josafá Neves como novo artista representado.

Sobre o artista

Autodidata. Artista plástico afrobrasileiro, nascido em Brasília em 1971. Há 24 anos de dedicação integral ao ofício das artes, participou de exposições coletivas e individuais com óleo sobre tela, desenho, escultura, cerâmica e instalações, em cidades como Brasília, Rio de Janeiro, São Paulo, Paris, Massachusetts, Havana e Caracas. A prática da pintura para o artista é de um valor incontestável e efetivo. Um dos encantos dos trabalhos de Josafá está justamente na proposta consciente de criar as pinturas a partir de uma pele negra: as telas são sempre pintadas de preto antes da aplicação de outras cores. A atmosfera e riqueza gerada é única.

Salão Online de Artes Visuais do Ibeu

11/jan

Pela primeira vez desde que foi concebido, há quase 50 anos, o Salão de Artes Visuais Galeria Ibeu será realizado em formato digital. Após seleção aberta em novembro de 2020, a 1ª edição do “Salão Online de Artes Visuais Galeria Ibeu” reabre o calendário de exposições em janeiro. Tendo como objetivo divulgar a produção de artistas brasileiros realizada em 2020, em meio às medidas de prevenção ao contágio pelo Coronavírus, o Salão acontece até o dia 5 de fevereiro através das plataformas Instagram (@galeriaibeu) e Blog da Galeria Ibeu (ibeugaleria.blogspot.com).

Naturais do Rio de Janeiro, São Paulo, Brasília, Bahia, Pernambuco, Rio Grande do Sul, Goiás e Espírito Santo, foram ao todo 32 artistas selecionados: Alexandra Ungern, Aline Moreno, Ana Klaus, Antônio Freire, Bruno Alves, Bruno Lyra, Camille Fernandes, Claudia Lyrio, Edson Macalini, Fabi Cunha, Fava da Silva, Fernando Brum, Fernando Correia, Júnior Franco, Larissa Camnev, Laura Villarosa, Leo Stuckert, Liliana Sanches, Lucas Ribeiro, Luísa Prestes, Maria Eugênia Baptista, Mariane Germano, Mateus Morbeck, Myriam Glatt, Nina Maia, Patricia Pontes, Paulo Juno, Raul Leal, Rodrigo Westin, Sandra Gonçalves, Thomaz Meanda, Vicente Brasileiro. Entre as mídias utilizadas encontram-se pinturas, esculturas, instalações, desenhos, colagens, vídeos e fotografias.

ARTE DA QUARENTENA

27/jul

Um momento único refletido
em mais de 600 obras inéditas
produzidas nos últimos 120 dias.

Todas elas estarão disponíveis para compra e 10% do valor será revertido para 3 instituições indicadas pelas galerias participantes: ABACT, IAC e Projeto Horizontes.

Prepare-se, abriremos as portas
às 00h01 do dia 27.

E para você não perder nada, segue a programação dos “Talks da Quarentena”, uma série de bate-papos que acontecerão via Zoom com transmissão simultânea pelo Instagram

Objetos na Kogan Amaro

12/fev

A Galeria Kogan Amaro, Jardim Paulista, São Paulo, SP, exibe até 21 de março, “Arapuca”, mostra individual de objetos de Marcia Pastore com apresentação de Ricardo Resende.

Há coerência em sua obra dos primeiros trabalhos aos mais recentes. Marcia Pastore engendra formas escultóricas e instalativas dotadas de compreensibilidade e de autonomia próprias, como atos puros de invenção. A articidade, por sua vez, está na escolha dos materiais e articulações desses no espaço que lhe é dado. Trabalha com a fisicidade dos materiais, dos mecanismos, das forças energéticas, do peso, do equilíbrio, do obstáculo e das linhas visíveis e invisíveis resultantes dessas forças. O vazio do campo é preenchido por essas linhas e energias que cria, fazendo reviver a experiência do fruidor nas suas arapucas espaciais. É assim que executa a obra.

Essa execução é um tentar, um proceder e um planejar mental. É sua forma peculiar de pensar e fazer arte. Não esboça sobre uma folha de papel a ideia física. Essa fica no plano mental e é executada em tempo real no espaço. Pode dar certo como pode não dar. A artista vai para o campo com suas ideias e para executá-las debruça-se sobre os materiais e as articula, cria engrenagens, tensões e distensões espaciais.

É um corpo a corpo que pode tornar-se um embate exaustivo, tamanha a fisicalidade, movimentos espaciais, peso dessas articulações e esforço físico desprendido nas ações. Os trabalhos tornam-se pacientes interrogações da matéria, é o que deixa entrever.

Pedras, pó de gesso, gesso endurecido, cabos, roldanas, materiais inusitados como a rede de pescar. Física, energia, linhas, formas e desformas, água, vidro, cabos, anzóis, grafite, metais, pesos de halterofilistas, e assim por diante, em uma diversidade calculada dos materiais, elementos e forças que formam sua obra. Forças que desenham, claramente, o espaço. De alguma maneira, tenta evitar as evidências dos corpos.

Forças concêntricas, pendulares, de tensão e de equilíbrio ao buscar a estabilidade no vazio a ser preenchido por essas linhas de força. É sua forma de construção ao inventar desenhos espaciais que criam centros, perspectivas e preenchem todo o espaço expositivo.

As esculturas, se é que poderíamos chamar de esculturas pensando nos cânones dessa linguagem, na sua apresentação clássica e moderna, monolíticas, simulam forças sobre si mesmas. Pode ser uma roldana, um pêndulo com uma pedra cortada toscamente. Uma pedra cavada da parede, uma rede de pesca prendida nas paredes da sala e esticada ao ponto de criar um desenho aéreo delicado nessa tensão exercida sobre a matéria esbranquiçada e translúcida. Um processo formativo da escultura de aproximações e retornos, de puxar e distender, de cruzar e tensionar até virarem armadilhas concretas e abstraídas de sentido, obrigando quem as observa a desviar da natureza dessas coisas no ambiente real, criado pela artista.

Não é escultura como monólito esculpido…Também não pensa a escultura como uma pintura, representando um corpo (humano, animal ou vegetal). São esculturas de superfícies, de movimento, de articulações, das engrenagens dos mecanismos, de organicidade controlada e das relações de corpos no espaço arquitetônico.
Equilíbrio e estabilização no espaço atravessados por linhas motrizes. O vazio do espaço da sala expositiva ou o espaço arquitetônico são preenchidos por essas forças concêntricas, pendulares e gravitacionais que formam linhas que desenham no espaço. Traços visíveis e traços invisíveis da relação entre os corpos e linhas que descrevem e preenchem pacientemente o espaço.

O vídeo da ação, as fotos still do vídeo são como imagens das ações gravadas no tempo. Gravuras que carimbam o espaço aéreo e a camada de gesso acumulada no chão. A cena montada vira paisagem cósmica no vídeo-ação. Imagens congeladas transformam–se em uma quase figuração de galáxia no simples gesto de jogar bolas coloridas e espirrar o pó branco do gesso. Traz cor para a exposição e deixa a obra aberta para a incorporação do outro.

Os trabalhos são interrogações dos materiais e suas forças que evitam a figuração. Apenas índices abstratos da fisicalidade e do real e do irreal. Não há interpretação definitiva e exclusiva, não há também interpretação provisória e aproximativa. Não há narrativas.

É a pessoa que observa quem faz o acesso à obra, revelando a sua natureza e exprimindo a si mesma. Torna-se ao mesmo tempo, diríamos, a obra e o seu modo de ver a obra (Umberto Eco), nas articulações e desarticulações dos objetos e das linhas no espaço da exposição. A obra mostra-se como modo de pensar.________________________________________

Ricardo Resende
Diretor Artístico

Marcelo Guarnieri/SP-Foto

19/ago

Na SP-Foto 2019, Shopping JK/Iguatemi, Vila Olímpia, São Paulo, SP, a Galeria Marcelo Guarnieri apresentará obras de Arlete Soares, Claudia Jaguaribe, Cristiano Mascaro, Edu Simões, Flávia Ribeiro, Flávio Damm, João Farkas, Julio Le Parc, Lew Parrella, Marcel Gautherot, Mario Cravo Neto, Pedro Hurpia, Pierre Verger, Vincent Ciantar e Yamamoto Masao.

Na quarta-feira serão apresentados trabalhos de todos os artistas. De Verger e Gautherot serão apresentadas fotografias vintages, tomadas na década de 1930 (assinada pelo autor) e na década de 1950, respectivamente. Será exibida pela primeira vez na SP-Foto a obra de Vincent Ciantar, fotógrafo anglo-egípcio naturalizado brasileiro, cujas fotografias – a maior parte delas guardadas em acervo pessoal até então – estarão em exposição na sede da Galeria em São Paulo durante o mês de agosto. Ciantar se estabeleceu no Brasil na década de 1960, trabalhando para revistas, empresas e indústrias e desenvolvendo, em paralelo, um trabalho autoral que circulou pelo Egito, Brasil e Inglaterra enquanto esteve vivo. Claudia Jaguaribe apresenta uma de suas foto-esculturas da série “Horror Vacui”, de 2017. A série, composta por fotografias feitas em Pequim, que em algumas obras se tridimensionalizam, propõe uma reflexão sobre a estética do excesso, parte integrante da cultura chinesa.

Na quinta e sexta-feira a galeria apresentará fotografias das séries “Pantanal”, “Amazônia” e “Sertão” do fotógrafo João Farkas. A série “Amazônia”, desenvolvida entre 1986 e 1990, traz um extenso registro da atividade dos garimpos na região e sua relação com as centenárias comunidades indígenas que viviam ali. São imagens que contemplam não somente as paisagens e suas transformações, mas também seus personagens: garimpeiros, madeireiros, indígenas, crianças, prostitutas, forasteiros e máquinas. “Pantanal”, iniciada em 2014 e desenvolvida em seis expedições, pretende retratar a importância e a fragilidade desta que é a maior planície inundável do mundo. Tido como distante e indestrutível pela maioria dos brasileiros, o Pantanal vem sofrendo já há algum tempo uma destruição silenciosa, pondo em risco ecossistemas e populações. Farkas explora a grandiosidade e beleza da paisagem pantaneira para promover, por meio de suas fotografias, uma sensibilização sobre a urgência da luta pela preservação deste patrimônio. Uma parte dessa pesquisa foi apresentada na mostra “Brazil Land & Soul” que ficou em cartaz na Embaixada Brasileira em Londres, entre novembro e dezembro de 2018 e na Casa do Brasil – Embaixada do Brasil na Bélgica, entre maio e julho de 2019.”Sertão”, sua série mais recente, integra o conjunto do trabalho do fotógrafo que vem se baseando no interesse pela riqueza dos sistemas ecológicos do país e pelas transformações causadas pelas intervenções humanas, sejam elas predatórias, ancestrais ou sustentáveis. As imagens, que retratam vegetações desde uma vista aérea e pessoas a partir de encontros casuais, foram feitas a partir de 2018 nos estados de Alagoas e Bahia.

No sábado e domingo a galeria apresentará a série “Amazônia” do fotógrafo Edu Simões, realizada em cinco expedições durante os anos de 2001, 2005 e 2011 pelos estados do Amazonas, Acre, Pará, Amapá, Roraima e Rondônia. As fotografias, em preto e branco e médio formato, foram feitas com uma Hasselblad, câmera que Simões já utilizava há mais de 20 anos. A série nos brinda com imagens vigorosas e oníricas, feitas sobre as águas de florestas de mangues, dos majestosos Rio Negro e Amazonas, do interior de matas fechadas ou de casas de madeira. As fotografias de troncos de árvores em suas complexas ramificações quando intercaladas às imagens dos habitantes da região parecem ganhar o status de retrato, dando às árvores identidade semelhante àquela dada às casas, quartos e rostos dos retratados, cujos nomes conhecemos pelos títulos das obras. Esta seria uma das características que evidenciam um trabalho que foi resultado da relação afetiva que Simões construiu com a floresta e com as pessoas durante os anos que por ali esteve.

Além das exposições, a galeria apresentará uma edição composta por nove fotografias da série Mulher-Dama (1966) do fotógrafo Flávio Damm. A série foi fruto de uma convivência de quase dois meses entre Damm e prostitutas do bairro do Maciel em Salvador e do Meia-Três, famoso bordel da cidade. As fotos haviam sido encomendadas por Jorge Amado para integrar o livro “Mulher-Dama”, que acabou não sendo publicado na época por conta das limitações do AI-5.

De 21 a 25 de agosto.

Legendas: Arlete Soares

Claudia Jaguaribe

Cristiano Mascaro

Flávio Damm

Arte-veículo

05/jun

O SESC/Santos, São Paulo, SP, apresenta a exibição coletiva com 40 artistas e grupos estudados na pesquisa Arte-veículo, da curadora Ana Maria Maia. Desde a televisão, inaugurada em 1951, e a Internet, difundida no início dos anos 2000, diferentes artistas e grupos figuraram no agendamento midiático para nele experimentar e praticar “inserções em circuitos ideológicos”, como alegou Cildo Meireles em 1970. Ou disseminar “ideias vírus”, conforme Giseli Vasconcelos prescreveu já em 2006, fazendo ressoarem ao longo das décadas os termos de uma relação que se dá entre os veículos de comunicação como hospedeiros e os artistas como parasitas.

Para repercutir intervenções midiáticas no contexto de uma instituição cultural, a curadoria pretende misturar diferentes suportes na organização espacial da exposição, de documentos impressos e registros em vídeo a objetos e instalações. O projeto foge de uma narrativa cronológica para priorizar o entendimento de estratégias recorrentes dos artistas e grupos no decorrer desse intervalo histórico. Desse partido, surgem seus seis núcleos, denominados a partir de verbos que denotam um conjunto de ações: duvidar da verdade, perder-se, duelar, “ouviver”, hackear e ficcionalizar. A exposição propõe também um programa público de performances, conversas e laboratórios, e ainda a reinserção de trabalhos em espaços de imprensa e mídias, como jornais, revistas e programas de rádio, e mesmo redes sociais. Destaque para o Grupo Manga Rosa: Carlos Dias, Francisco Zorzette e Jorge Bassani.

Até 28 de julho.

Na Marcelo Guarnieri

09/mar

A exposição coletiva apresentada na Galeria Marcelo Guarnieri, Jardins, São Paulo, SP, explora os aspectos encontrados na produção de artistas que tratam do gênero “Natureza-morta”. A mostra não se dedica a traçar um compêndio de artistas que trabalham ou trabalharam com o tema, mas em realizar um recorte específico dentro da produção de Ana Sario, Eleonore Koch, Flávia Ribeiro, Gabriela Machado, Iberê Camargo e Masao Yamamoto. Através da interseção de práticas diversas – pintura, desenho, escultura e fotografia – são exibidos alguns caminhos e interpretações a partir da tradição pictórica.

Sobre os artistas e a exposição

A exposição se inicia com Iberê Camargo (1914 – Restinga Seca, RS, Brasil / 1994 – Porto Alegre, RS, Brasil) e seu interesse por objetos prosaicos – carretéis e dados – que aparecem nas obras do artista como o elemento central, tudo gira em torno dessa busca em esgotar a imagem, de trazer para o plano a memória de infância e dar aos objetos um privilégio de existência.

No mesmo sentido, Eleonore Koch (1926 – Berlim, Alemanha) toma como assunto prosaicas estruturas contemplativas – vasos, flores, mesas, cadeiras – com as quais, a artista sacraliza tais narrativas, como bem aponta Theon Spanudis em correspondência com a artista: “(…) Eleonore sacraliza os objetos de uso diário. Contra a nossa mania profana de usar tudo como objeto de imediato consumo, ela reganha para o simples objeto sua dimensão sacral. Os amplos espaços sensíveis (que não são os espaços vazios e mortos dos matemáticos e cientistas), fazem parte integral de sua intenção de ressacralizar o objeto perdido no fluxo constante do consumo mecânico. Uma secreta poesia emana dos seus coloridos, objetos, configurações estranhas e seus espaços amplos e humanos.”

Flávia Ribeiro (1954 – São Paulo, Brasil) apresenta esculturas da série “Campos de acontecimentos e aproximações”, onde objetos de madeira e de bronze banhados a ouro são dispostos em cima de mesas de gesso. Uma composição onde a ordenação se dá pelos conjuntos de materiais com pesos, formas e funções díspares, todo o conjunto se aproxima de um desenho concebido no espaço, quase como um campo lunar.

Ana Sario (1984 – São Paulo, Brasil) exibe uma série de pequenas pinturas a óleo produzidas nos últimos meses, a escala diminuta do trabalho aproxima o espectador da imagem. A artista retrata com pincelada espessa um universo prosaico e interiorano – pato, árvore, varal, casa – há um embate entre a sutileza da cena retratada e a matéria densa da tinta. As pinturas se apresentam como frames de uma cena panorâmica.

Gabriela Machado (1960 – Joinville, SC, Brasil) tem realizado nos últimos anos esculturas em porcelana que, paralelo a produção pictórica, tem exibido seu interesse pela natureza em outras formas de execução. Os mesmos elementos encontrados nas pinturas aparecem nas esculturas – cor, gesto, camada – e principalmente a curiosidade da artista pelas possibilidades do material.

Masao Yamamoto (1957 – Gamagori, Japão) tanto na série “A Box of Ku” quanto “Nakazora” coloca em primeiro plano o ordinário, que se revela em sua produção sempre como algo de extrema importância. A partir de um olhar não ocidental o artista capta o que escapa aos olhos, o que sempre esteve lá e nunca foi percebido – penas, pedras, pratos são retratados com sutileza e poesia.

Até 30 de março.

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