Centenário de Athos Bulcão

22/nov

O CCBB Rio, exibe mostra retrospectiva de Athos Bulcão. A exposição celebra o centenário de Athos Bulcão, conhecido pela diversidade de sua obra e inegável importância histórica e cultural. A mostra apresenta mais de 300 obras, incluindo trabalhos inéditos, que tornam possível visualizar seu caminho no Brasil e exterior, desde sua inspiração inicial pela azulejaria portuguesa, seu aprendizado sobre utilização das cores de quando foi assistente de Portinari, até as duradouras e geniais parcerias com Niemeyer e João Filgueiras Lima.

 

Seus famosos painéis coloridos de azulejos estão no Aeroporto Internacional Juscelino Kubitschek, na Igreja Nossa Senhora de Fátima e no Congresso Nacional. Ele também foi assistente de Cândido Portinari na construção do painel de São Francisco de Assis na Igreja da Pampulha, em BH.

 

A mostra contempla a produção de Athos entre 1940 e 2005, além de trabalhos inéditos de jovens artistas inspirados por sua produção. A exposição investiga o trabalho do artista além da azulejaria, dividida em oito núcleos, como seu uso de cor e da poesia, destaca sua relação com a pintura figurativa, trabalho gráfico e até figurino. A curadoria é de Marília Panitz e André Severo.

 

 

Até 25 de janeiro de 2019.

Exposição de Fernando Campana

06/ago

Fernando Campana abre, pela primeira vez no Rio de Janeiro, seu laboratório individual na mostra “Macacos Robôs Furacões”. Uma imersão do designer no campo das artes, através de pinturas em aquarela, desenhos em grafite, colagens com peças automotivas, entre outras obras. A mostra conta com as séries “Macacos” e “Robôs” e a série “Furacões” que serão apresentadas na galeria Luciana Caravello Arte Contemporânea, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, a partir do dia 07 de agosto.

 

O designer traz um método dinâmico para se expressar na arte e uma capacidade quase sistemática de coletar informações e conectar-se às histórias. Muitas vezes, ele estabelece uma conexão momentânea a episódios de sua infância para inspirar suas criações. A abordagem para sua série ‘Robôs’ está em sua mente desde pequeno. Fernando queria se tornar astronauta e este alter ego é sua máquina que está em constante produção. A expressão de sua criatividade começa a partir daqui e o caráter dualista do robô é colecionar informações, sensações e memórias. Ele se lembra e esquece, porque a memória volta e se torna uma história histórica, bem como uma sensação futurista. A série se origina a partir de desenhos em grafite, enquadrados em molduras feitas de sobreposições de EVA, e se expande a inéditas colagens com peças automotivas, nunca antes trabalhadas em seus projetos.

 

A série “Macacos” começou a ser criada um pouco antes da verdadeira tragédia da matança, a partir de sua relação ingênua com os macacos na infância. Naquela época, ele trazia consigo a esperança de domesticá-los ou de estabelecer um relacionamento humano, o que acarretou em um aprendizado de tolerar e respeitar o comportamento irracional. Os macacos acusados de transmitir febre amarela já estavam lá no papel em seu ateliê pessoal, exatos e precisos; e os belos retratos da humanidade desses primatas foram desenvolvidos com a intenção de comunicar o conceito sem sentido da diversidade. Esta tragédia foi usada como uma metáfora para ver nos macacos uma crítica social que colocou o dedo na pequena vontade burguesa de punir a diversidade. Os desenhos são feitos em aquarela, enquadrados em um patchwork de pedaços de molduras, desconstruindo o padrão clássico de molduras e propondo um novo DNA a um objeto conhecido.

 

A inédita série “Furacões” surge a partir de um outro processo criativo, mais intuitivo, que é maturado pelo tempo, pelas relações e por seu entorno. Os sentidos tornam-se mais apurados e buscam expressar, inconscientemente, o que está por vir, como seus primeiros desenhos que originaram essa série e que antecederam os recentes furacões que aconteceram nos Estados Unidos. “Arte não se define, mas se decifra de acordo com a evolução mental ou espiritual ou amplitude de visão do observador”, destaca Fernando.

 

 

Sobre o artista

 

Em 1983, Fernando Campana (1961) em parceria com seu irmão Humberto Campana (1953) fundaram o Estúdio Campana em São Paulo. O estúdio se tornou famoso pelo design de mobiliário, por criações de peças intrigantes – como as poltronas Vermelha e Favela – e, também, por ter crescido nas áreas de Design de Interiores, Arquitetura, Paisagismo, Cenografia, Moda, entre outras. O trabalho dos Campana incorpora a ideia de transformação, reinvenção e integração do artesanato na produção em massa; tornando preciosos os materiais do dia-a-dia, pobres ou comuns, que carregam não só a criatividade em seu design, mas também características bem brasileiras – as cores, as misturas, o caos criativo e o triunfo de soluções simples. Os irmãos foram homenageados com o prêmio “Designer do Ano” pela Design Miami, em 2008 e os “Designers do Ano” pela Maison & Objet, em 2012. Neste mesmo ano, eles foram selecionados para o Prêmio Comité Colbert, em Paris; homenageados pela Design Week, em Pequim; receberam a “Ordem do Mérito Cultural”, em Brasília, e foram condecorados com a “Ordem de Artes e Letras” pelo Ministério da Cultura da França. Em 2013, eles foram listados pela revista Forbes entre as 100 personalidades brasileiras mais influentes. Em 2014 e 2015 a Wallpaper os classificou, respectivamente, entre os 100 mais importantes e 200 maiores profissionais do design.

 

 

De 07 de agosto a 06 de setembro.

Curadoria na IDA

04/jul

A IDA – Feira de Design do Rio ganha novo formato esse ano, o que vai possibilitar mais visibilidade ao segmento de design e integração com outros programas da ArtRio. O  evento, que acontece de 26 a 30 de setembro, na Marina da Glória, terá curadoria de Renato Tomasi.

 

Com a participação de galerias e estúdios de design, além de designers independentes, a IDA vai dar destaque para o design nacional, a utilização de matéria prima genuinamente brasileira, e o processo de desenvolvimento onde as peças são definidas não apenas pelo senso estético, mas por sua relevância dentro do projeto como um todo e sua usabilidade. Muitas das peças apresentadas na IDA são seriadas e, assim, colecionáveis.

 

O espaço ocupado pela IDA será contíguo ao programa Brasil Contemporâneo, que estreia na ArtRio em 2018. O programa é dedicado a galerias fora do eixo Rio de Janeiro – São Paulo, com a apresentação dos artistas que representam. Dessa forma, além de destacar o trabalho de artistas e designers brasileiros, será possível a leitura de como arte e design se complementam e conectam.

 

 

Sobre Renato Tomasi

 

Produtor cultural e curador, Renato Tomasi criou, em 2014, a semana de design de Belo Horizonte – a DMAIS Design. O evento é reconhecido como um dos mais importantes do cenário no país.

 

 

Sobre a ArtRio 2018

 

Reconhecida como uma das mais importantes feiras de arte, a ArtRio se destaca pelos bons resultados alcançados pelos galeristas que participam no evento. Além de receber importantes colecionadores e curadores brasileiros e internacionais, a feira desenvolve um importante trabalho de estimular o crescimento de um novo público através do acesso à cultura. O evento faz parte do calendário oficial da cidade do Rio de Janeiro.

 

Além da presença dos nomes de forte relevância já estabelecidos no segmento, a ArtRio possui como foco também apresentar novas galerias e jovens artistas, grandes apostas para o mercado de arte, trazendo frescor e inovação à feira.

 

Porfírio Valladares na Bergamin & Gomide

03/jul

Abertura da exposição “ (i) móveis “ por Porfírio Valladares na Galeria Bergamin & Gomide, Jardins, São Paulo, SP. A exposição é composta por 17 projetos do arquiteto de Minas Gerais, feitos em madeira pelo marceneiro Zé Dias.

 

As peças handcrafted são miniaturas de estilos arquitetônicos que incorporam um duplo significado: ambos são móveis-modelo e escultura-modelo. Por meio destes objetos, Porfírio cria uma analogia entre as gavetas e a habitação urbana e a vida em grandes cidades. Texturas e tons de sulcos, cortes e articulações da madeira, os elementos abertos e acabamento perfeito revelam a poética de obras utilitárias, que trazem à mente edifícios anônimos cujo estilo arquitetônico é considerado “comum”.

 

“Eu sempre gostei de gavetas e acho um conforto em saber que os objetos que eu cuido estão escondidos nas gavetas, protegidos dos olhos curiosos”, afirma Porfírio Valladares.

 

O conceito da exposição reflete Porfírio mal-estar com habitação em grandes cidades. O título, (i) móveis, parece provocante a mim porque trata da idéia da mobília (móveis)- desde que são todas as caixas das gavetas na extremidade e também com os bens imobiliários (imóveis) lançados pelos construtores que colocam geralmente mock-ups dos edifícios a construção em suas vendas, stands, a fim de seduzir potenciais compradores. O arquiteto explica que há um certo desconforto em sua percepção, “esta coisa de ver apartamentos como gavetas, com as pessoas mantidas e empilhadas nos apartamentos/gavetas de edifícios estranhos, em acordos que se tornam cada vez mais bizarros a cada dia, que compõem as cidades em que vivemos.”

 

A exposição mostra madeiras de alta qualidade e presta homenagem ao trabalho dos marceneiros, que estão se tornando cada vez mais raros. A parceria de mais de 35 anos entre Porfírio e Zé Dias resultou nas obras mostradas em “ (i) móveis ”.

 

 

 

Até 04 de agosto.

Sergio Rodrigues no Itaú Cultural

22/jun

A partir de sábado 09 de junho, o Itaú Cultural, Avenida Paulista, São Paulo, SP, apresenta a exposição “SerEstar – Sergio Rodrigues” que homenageia o arquiteto e designer carioca que ganhou fama internacional com a icônica poltrona “Mole”. A mostra se propõe a apresentar outras faces de seu trabalho, muito além da cadeira, que se tornou principal referência quando se fala do designer.

 

Com curadoria de Daniela Thomas, Mari Stockler, Felipe Tassara e Fernando Mendes, a exposição evoca, já em seu título, o essencial do trabalho de Sergio – o estar como elemento inseparável do ser. Toda sua trajetória profissional foi marcada por uma preocupação em criar objetos e espaços para pessoas, priorizando o conforto e o aconchego.

 

Em três pisos do instituto estarão distribuídos móveis, maquetes, desenhos e plantas dos seus mais de 60 anos de carreira, todos conduzidos pela voz do próprio Sergio, através de diferentes trechos de textos, palestras e entrevistas dele fixados nas paredes. Com a descontração que se nota mesmo em um texto escrito, o homenageado encanta ao demonstrar seu cuidado e apreço pela arquitetura e pelo mobiliário genuinamente brasileiros, além de sua paixão por nossas matérias-primas.

 

A exposição se propõe a apresentar a extensão de sua obra e para isso se organiza por espaços temáticos que contemplam diferentes momentos de sua trajetória e produção. No piso -2, são apresentados sua história e sua família – Sergio foi filho do pintor Roberto Rodrigues e sobrinho do dramaturgo Nelson Rodrigues –, sua formação, o interesse pela arquitetura de interiores e o início da carreira.

 

Seguindo a visita, o piso -1 apresenta histórias e estudos de algumas de suas famosas obras de mobiliário, além de exibir as próprias – entre elas as poltronas “Mole” e “Chifruda” e o banco “Mocho”.

 

Por fim, o piso 1 propõe um mergulho no extenso trabalho de Sergio Rodrigues como arquiteto, apresentando o SR2 – seu sistema de casas pré-fabricadas – e as histórias, maquetes e plantas de alguns dos trabalhos que realizou com esse método, como o Iate Clube de Brasília, sua residência e seu escritório.

 

 

De 09 de junho a 05 de agosto.

Athos Bulcão, 100 anos

23/fev

Em comemoração à trajetória de Athos Bulcão o CCBB, Brasília DF, homenageia o multiartista Athos Bulcão com uma exposição que reúne  mais de 300 obras, incluindo material inédito, mostrando a  conexão entre suas obras e sua poética. Será possível visualizar  seu caminho no Brasil e exterior, desde sua inspiração inicial  pela azulejaria portuguesa, seu aprendizado sobre utilização das  cores, quando foi assistente de Portinari, até as duradouras e  geniais parcerias com Niemeyer e João Filgueiras Lima.

 

Essa homenagem a Athos resgata o valor individual dessa arte  única, que foi produzida no Brasil; sua importância no panorama  da visualidade moderna, além da valorização e reconhecimento à  manutenção da memória nacional. Com curadoria de Marília Panitz e André Severo, a exposição “100  anos de Athos Bulcão”, realizada pela Fundação Athos Bulcão e  produzida pela 4 Art.

 

No dia 20 de março, às 19h, acontece o lançamento do catálogo da exposição.

 

Até 1º de abril.

BIENALSUR chega ao Rio

13/nov

A Fundação Getulio Vargas, Botafogo, Rio de Janeiro, RJ, está na BIENALSUR – Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur. A iniciativa conecta 32 cidades de 16 países do mundo, reunindo mais de 250 artistas e curadores dos cinco continentes com a ideia de gerar uma rede global de colaboração associativa institucional para eliminar distâncias e fronteiras e reivindicar a singularidade dentro da diversidade.

 

A partir de 14 de novembro, a exposição “Natatório de Dipierro” é abrigada pelas formas projetadas por Oscar Niemeyer na Esplanada do Centro Cultural FGV. A construção, impregnada pela tradição da abstração modernista, é formada por peças que se envolvem em diálogos fortuitos com o espaço que as contém.

 

Entre o funcional e o inútil. Entre arte e ornamento. Entre abstração e arquitetura. Assim pode ser definido o trabalho da artista Marcolina Dipierro. O “Natatório de Dipierro” é uma série de quatro instalações ou situações que remetem a um complexo aquático que inclui trampolim, área de descanso, raias e vestiário.

 

“Trata-se de um tributo irreverente, fresco e sincero ao grande arquiteto Oscar Niemeyer e, fundamentalmente, às aspirações utópicas de uma arte total que integra, sem distinção ou hierarquia, arte, design, arquitetura e urbanismo”, destaca a artista argentina.

 

Com um modelo completamente inédito, a BIENALSUR busca acompanhar o pulsar das demandas da atualidade a partir da participação de artistas, curadores, colecionadores, críticos, jornalistas e o público geral. Com eventos multidisciplinares que acontecem em várias cidades da América do Sul, a BIENALSUR permite que entidades e empresas parceiras cumpram a meta de promover a responsabilidade social por meio da arte e da cultura.

 

Organizada pela Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF), desde o final de 2015, a BIENALSUR conta com o reitor Aníbal Jozami como Diretor Geral e Diana Wechsler como Diretora Artístico-acadêmica. É uma bienal de arte que, pela primeira vez na história das bienais, coloca vários artistas e cidades do mundo em relação de igualdade. Multidisciplinar, destaca-se ainda pelo o ineditismo de contar com diversos países promotores de uma mesma iniciativa e pelo protagonismo das instituições universitárias: 20 universidades de todo o mundo participam do projeto. Mais de 95% das obras que fazem parte da Bienal foram escolhidas através de duas seleções internacionais abertas, que receberam mais de 2.500 propostas de 78 países.

 

No Brasil, o Memorial da América Latina, na capital paulista, é um dos ícones da BIENALSUR, além do Museu de Arte Contemporânea de Sorocaba (SP), Universidade Federal do Rio Grande do Sul, em Porto Alegre, Universidade Federal de Santa Maria (RS), Central do Brasil e Fundação Getúlio Vargas, no Rio de Janeiro. Nas sedes nacionais poderão ser apreciados trabalhos de artistas de Madagascar, Argentina, Espanha e França. Em paralelo, a arte de brasileiros como Eduardo Srur, Regina Silveira, Shirley Paes Leme, Ivan Grilo, Vik Muniz, José Bechara, Cildo Meireles, Hélio Oiticica e Anna Bella Geiger, entre outros, irá compor esse intercâmbio cultural, com mostras na Argentina e no Peru.

 

A abertura da exposição será dia 14 de novembro, às 17h. A intervenção artística fica aberta à visitação do público até o dia 15 de dezembro na Esplanada do Centro Cultural FGV, no Rio de Janeiro, Praia de Botafogo, 186- Botafogo.

 

 

 

Niemeyer na Pinakotheke Rio

30/out

A Pinakotheke Cultural Rio de Janeiro, Botafogo, RJ, apresenta a exposição “Oscar Niemeyer – Territórios da Criação”, que celebra os 110 anos de nascimento do genial arquiteto com um conjunto inédito de desenhos, pinturas, esculturas e peças de mobiliário feitos por ele. Com curadoria de Marcus Lontra, a mostra reúne ainda obras de artistas como Portinari, Bruno Giorgi, Burle Marx, Tenreiro, Athos Bulcão, Ceschiatti, Franz Weissmann e Tomie Ohtake, que foram amigos e trabalharam junto a Niemeyer em diversos de seus emblemáticos projetos.

 

“Oscar Niemeyer – Territórios da Criação” terá ainda uma sala especial com retratos do arquiteto assinados por reconhecidos fotógrafos como Antônio Guerreiro, Bob Wolfenson, Edu Simões, Evandro Teixeira, Juan Esteves, Luiz Garrido, Marcio Scavone, Nana Moraes, Nani Góis, Orlando Brito, Ricardo Fasanello, Rogerio Reis, Vilma Slomp, Walter Carvalho e Walter Firmo. As fotografias, em tamanho 50cm x 60cm, também constituirão uma caixa para colecionador, em tiragem limitada a trinta exemplares.

 

Oscar Niemeyer nasceu no Rio de Janeiro em 15 de dezembro de 1907, e morreu na mesma cidade em 05 de dezembro de 2012. “Ao longo de sua vida, Niemeyer produziu intensamente e afirmou-se não apenas como arquiteto, como a primeira referência estética brasileira reconhecida em todo mundo, mas também como artista e intelectual respeitado, atuando em várias frentes do conhecimento humano”, afirma Marcus Lontra.

 

 

De 09 de novembro a 19 de dezembro.

 

ArtRio & Parceria

03/ago

O Rio de Janeiro vai receber pela primeira vez uma edição do EARQ – Encontro de Arquitetura e Design. O evento, que acontece nos dias 15 e 16 de setembro e vai receber mais de 3.000 profissionais do setor, fechou parceria com a ArtRio e terá ações na Marina da Glória e no Museu do Amanhã. Entre as presenças confirmadas estão Arthur Casas, Thiago Bernardes, Ruy Othake, Miguel Pinto Guimarães, Sergio Conde Caldas, Carlos Motta e Zanini de Zanine.

 

Realizado desde 2010, o EARQ reúne profissionais de arquitetura, design de interiores e de ambientes, paisagistas, decoradores, engenheiros, fornecedores do segmento e estudantes dessas áreas.

 

 
Sobre a ArtRio

 

Em 2017, a ArtRio estreia em novo endereço: a Marina da Glória. O evento, que acontece de 13 a 17 de setembro, vai reunir importantes galerias brasileiras e internacionais. Chegando a sua 7ª edição, a feira tem entre suas metas ser um dos principais eventos mundiais de negócios no segmento da arte.

 

A ArtRio pode ser considerada uma grande plataforma de arte contemplando, além da feira internacional, ações diferenciadas e diversificadas com foco em difundir o conceito de arte no país, solidificar o mercado, estimular e possibilitar o crescimento de um novo público oferecendo acesso à cultura.

 

 

Serviço ArtRio 2017

Data: 14 a 17 de setembro (quinta-feira a domingo)

Preview – 13 de setembro (quarta-feira)

Horários: Dias 14 e 15 – quinta e sexta-feira – 14h às 21h

Dia 16 – sábado – 14h às 21h

Dia 17 – domingo – 14h às 19h

Ingressos: R$ 40 / R$ 20

Bilheterias no local nos dias de evento

Local: Marina da Glória – Av. Infante Dom Henrique, S/N – Glória

Estacionamento no local

Metrô – Estação Glória / Passarela em frente à Rua do Russel

A MEMO em Basel​

08/mai

Com preview para convidados marcado para o dia 12 de junho, a Design Basel recebe este ano a primeira galeria brasileira e de toda a América Latina: o Mercado Moderno, conhecido também como MEMO Galeria. Considerada uma das principais galerias de design do Brasil, o Mercado Moderno, tem à frente os sócios-fundadores Alberto Vicente e Marcelo Vasconcellos.

 

Para a Design Basel, que estará aberta ao público entre os dias 13 e 18 de junho, a MEMO vai levar peças selecionadas criteriosamente como a “Namoradeira” assinada por Zanine Caldas. Trata-se de uma das mais emblemáticas obras do importante designer produzida no início dos anos 1970. A peça foi feita especialmente para a casa construída nesta mesma década em Ilhéus, no sul da Bahia. Esta peça foi exibida no início dos anos 1980 em Brasília em exposição individual de Zanine. Entre outras surpresas que serão expostas pela galeria estão a emblemática “Poltrona Feijão”, obra recente, de 2017, de Rodrigo Simão, e a “Espreguiçadeira Linha Z”, também de Zanine Caldas, que se destaca por ter o assento original feito em plástico azul.

 

Vale lembrar que a MEMO participou da Design/Miami, no último ano, levando apenas trabalhos de um designer contemporâneo, aposta da galeria que representa um design brasileiro bem atual, Hugo França. Em 2016 a MEMO também expôs na SP Arte e Art Rio.

 

Para Alberto Vicente, participar de uma feira internacional, tão exclusiva como a Design Miami/Basel, na Basiléia, Suíça, possibilita ir de encontro direto com colecionadores e galeristas europeus, além de outras nacionalidades. “Temos em nosso acervo peças raras, algumas exclusivas e apostamos no lançamento de designers contemporâneos brasileiros para o mercado internacional”, conta Alberto.

 

Entre os designers contemporâneos representados pela galeria estão Hugo França, Zanini de Zanine, Ronald Sasson e Rodrigo Simão, além do designer italiano Giorgio Bonaguro. Todos estarão com peças expostas no estande da Basel.

 

 

Sobre Mercado Modeerno – MEMO Galeria

 

Sua fundação, em 2001, coincidiu com o momento em que se iniciava, após duas décadas de ostracismo, uma revisão da história no Brasil sobre esta rica produção do período entre os anos 1940 e 1970. Grande parte de seu acervo foi adquirido em leilões de antigas empresas, em que poucas peças eram especificadas e não havia parâmetros de valor. A empreitada envolvia um árduo trabalho de investigação, em contato com designers, herdeiros e especialistas, contraposto pelo deslumbre de descobrir pequenos tesouros a cada dia. E se desdobrou em diversas ações, para registrar, ampliar e disseminar o conhecimento adquirido, como a organização e apoio de algumas das obras fundamentais da literatura sobre o assunto e a curadoria de exposições em instituições de referência de diversas cidades brasileiras.

 

Nesta trajetória, a galeria se aproximou também dos principais nomes da produção contemporânea de design brasileiro, e hoje representa algumas das iniciativas mais criativas e consistentes neste segmento, entre eles Domingos Tótora, Zanini de Zanine, Gustavo Bittencourt, Hugo França, Paulo Alves e Flávio Franco. A partir de sua filial americana, o Mercado Moderno amplia sua presença global e está apto a comercializar diretamente seu catálogo em todo o mundo. Em seu casarão na Lapa, no Rio de Janeiro, a galeria continua a receber clientes, aficionados por design, arquitetos, designers de interiores e colecionadores que podem apreciar um conjunto único de móveis, peças únicas e objetos raros, garimpados pelos proprietários. Visite nosso portfólio e veja as últimas aquisições, além de criações de designers-artistas como Joaquim Tenreiro, Jorge Zalszupin, Sergio Rodrigues, Oscar Niemeyer, Lina Bo Bardi e José Zanine Caldas.

 

Sobre a Art Basel

 

Fundada em 1970 na cidade suíça da Basiléia, foi iniciativa de três galeristas: Trudi Bruckner, Balz Hilt e Ernst Beyeler (da Fundação Beyeler). Não demorou muito para se tornar a meca do mercado de arte europeu. Depois de se impor também nas Américas, em 2013 a Art Basel partiu para a conquista da Ásia, passando a acontecer também em Hong Kong. Durante a semana da feira, que acontece sempre em junho, a Basiléia se torna a capital mundial da arte contemporânea, atraindo galerias, colecionadores, curadores de museus e aficionados de todo canto. Paralelamente à exposição, a Art Basel oferece uma programação intensa com filmes, eventos, mostras paralelas, shows e até mesmo cardápios inspirados na arte. A parte de design na Art Basel começou em 2014. E teve início em Miami. Por isso a feira se chama Design/Miami Basel. Em Hong Kong ainda não há uma parte de design, apenas de arte.