Mostra original

01/jun

 

 

O convite – ressalte-se que original – é para o dia 04 de junho passar a tarde na loja Pra presente, no Instituto Ling, Porto Alegre, RS. Lá, estará a dupla Rodrigo Núñez e Adriana Daccache,  das 14 às 18 horas, atendendo à titulação da mostra/encontro, exibindo trabalhos de cada um e os que fazem juntos no projeto “Trabalhos de casal”.

 

As possibilidades da argila

27/abr

 

 

 

Sob a titulação de “poros e acúmulos”, entra em cartaz a exposição individual de Carla Santana no Aquário, espaço frontal da Carpintaria, Jardim Botânico, Rio de Janeiro, RJ, dedicado a introduzir novas vozes do circuito. A mostra reúne um conjunto de obras inéditas que reforça o interesse da artista carioca pela argila e suas possibilidades. A partir da mistura do barro com pigmentos naturais extraídos da terra, Carla Santana produz uma massa aquosa que ela deposita sobre o papel e trabalha por meio de um processo de subtração e acúmulo, criando um surpreendente vocabulário morfológico.

 

 

“A minha relação com a argila tem uma dimensão de materializar o imaterial. O barro é uma máscara de expurgação de dores internas, uma via para criar uma narrativa sobre o meu corpo”, explica a artista. O papel se transforma em pele sobre o qual ela cria texturas que se assemelham a poros, a veias e a vísceras, uma lupa sobre corpos – humanos e animais – tingidos de tons de mostarda, terracota, branco e preto, com inserções pontuais de azul.

 

 

Formada em teatro, tendo trabalhado nas companhias Terraço Artes Integradas e Mundé, Carla Santana adentra o universo artístico a partir do palco, refletindo acerca da dimensão narrativa do corpo. Referenciando essa fase formativa, ela esgarça a experiência sensorial e faz do elemento tátil peça primordial de sua prática. No início de sua trajetória depositou a argila sobre o próprio corpo; depois, adentrou ao processo de modelagem e escultura, para chegar a uma dimensão instalativa do material e então desmanchá-lo até transformá-lo em tinta. A foto-performance em preto e branco que integra a exposição sintetiza seu trabalho: um corpo imerso de cabeça na argila. “Eu preciso do acúmulo para subtrair e criar uma imagem, a foto também é sobre o acúmulo, uma montanha de argila. Da terra viemos, para a terra voltaremos”, conclui.

 

 

Sobre a artista

 

 

Carla Santana nasceu em São Gonçalo, Rio de Janeiro, 1995. Vive e trabalha no Rio de Janeiro. Dentre suas exposições destacam-se: Vou ao redor de mim, Centro Cultural Paschoal Carlos Magno (Niterói, Brasil, 2019); Submersiva – Ato 1, Auroras (São Paulo, Brasil, 2021); Crônicas cariocas, MAR – Museu de Arte do Rio (Rio de Janeiro, Brasil, 2021); Engraved into the Body, Tanya Bonakdar Gallery (New York, USA, 2021); Escrito no corpo, Carpintaria (Rio de Janeiro, Brasil, 2020) e Sob a Potência da Presença, Museu da República (Rio de Janeiro, Brasil, 2019).

 

 

Até 18 de junho.

 

 

Antonio Parreiras no MAC-Niterói

10/jan

 

 

Abrindo as comemorações dos 80 anos do Museu Antonio Parreiras (MAP), o Museu de Arte Contemporânea de Niterói, RJ, em parceria com a Fundação de Arte do Estado do Rio de Janeiro – FUNARJ, apresenta de até 23 de janeiro a exposição “Antonio Parreiras: paisagens e marinhas”.
Com curadoria de Vanda Klabin, a mostra reúne 37 telas realizadas pelo pintor, entre 1887 e 1937, e evidencia o pioneirismo do Museu Antonio Parreiras, como primeiro museu de arte do estado do Rio de Janeiro e o primeiro no Brasil, dedicado à memória de um artista.

Reconhecido como um dos principais paisagistas brasileiros, Antonio Diogo da Silva Parreiras nasceu em Niterói, em 1860. Em 1884, quando aluno do artista alemão Georg Grimm, abandonou a Academia Nacional de Belas Artes, acompanhando o mestre e outros colegas para formar o Grupo Grimm, no bairro de Boa Viagem.

 

Realizou diversas viagens de aperfeiçoamento à Europa, pintou paisagens, nus, retratos e quadros de temas históricos, sendo escolhido como o maior pintor brasileiro em votação realizada pela revista Fon-Fon, em 1925. No ano seguinte, amplamente consagrado como artista, publicou o livro autobiográfico “História de um pintor contada por ele mesmo”.

Sobre a obra de Parreiras, Vanda Klabin destaca a forte relação do artista com a paisagem: “Sua sensibilidade pictórica e o constante fascínio que a natureza observada de perto exerceram no seu vocabulário visual traduzem a sua contribuição inovadora para o universo da arte brasileira”.

A intepretação singular da natureza pelo pintor poderá ser conferida, no salão principal do MAC, em telas como “A tarde”, vendida em 1887 para a Academia Imperial de Bellas Artes, para financiar a primeira viagem de estudo do artista à Europa, e “O fogo”, integrante da última exposição de Antonio Parreiras, em 1936, e que denuncia as queimadas nas florestas brasileiras.

Antonio Parreiras faleceu a 17 de outubro de 1937, deixando viúva a Dona Laurence Palmyre Martigué Parreiras, sua segunda esposa. Por sugestão dela, o governo do Estado do Rio fundou o Museu na casa onde o artista morou por 43 anos, na rua Tiradentes, 47, bairro do Ingá. A inauguração, com caráter solene, foi realizada a 21 de Janeiro de 1942. Como primeiro diretor, foi designado o arquiteto e pintor italiano, naturalizado brasileiro, Pedro Campofiorito.

A mostra “Antonio Parreiras: paisagens e marinhas”, que é patrocinada pela SPE Praia de Boa Viagem, conta também com duas obras do artista alemão George Grimm, mestre de Parreiras, e um retrato do homenageado, por Numa-Camille Ayrinhac.

Em cartaz na Silvia Cintra + Box4

05/set

A artista plástica mineira Ana Maria Tavares inaugura no próximo dia 17 de setembro sua terceira mostra individual na galeria Silvia Cintra + Box4, Gávea, Rio de Janeiro, RJ. Em “O Real Intocável”, Ana Maria Tavares apresentará dez trabalhos inéditos que exploram a relação entre arte e arquitetura, temática constante de toda a sua obra. Além da arquitetura que é sempre o ponto de partida da artista, outro aspecto que é fundamental em sua produção é a cultura industrial presente na feitura de suas obras, que são sempre criadas em fábricas. “O território que mais me inspira é a indústria. Os lugares que me levam realmente a ter grandes ideias são sempre esses das técnicas, porque quanto mais eu sei como fazer, mais eu posso expandir aquilo que eu quero fazer”, ressalta a artista.
Embora esse rigor industrial seja visível nas obras, o fazer das mesmas obedece outro ritmo, quase artesanal. Ana entra na fábrica e altera o que seria uma produção em série, criando novas cores, novos materiais e técnicas. O resultado final são obras de aspecto industrial, mas com um caráter único, próprio de uma obra de arte. Para a mostra da galeria os materiais trabalhados pela artista são impressões fotográficas sobre materiais espelhados e transparentes e filetes e placas de mármores. A partir deles são criadas obras que Ana considera como “ruínas do futuro, cartografias contaminadas, a fim de criar um universo que transita entre o arqueológico, o urbanismo antinatural, a geometria e a vida orgânica.”

 

Sobre a artista

 

Ana Maria Tavares (Belo Horizonte, 1958) vive e trabalha em São Paulo. Graduada em Artes Visuais pela FAAP (São Paulo, 1982) é mestre pela School of the Art Institute of Chicago (1986) e doutora pela Universidade de São Paulo (2000). Em 2001, ganhou a bolsa da Guggenheim Foundation, Nova York; em 2005 foi convidada pela Rijksakademie de Amsterdã e em 2007 pelo Programa de Residência da Universidade Nacional de Bogotá, Colômbia como residente e artista palestrante. Neste mesmo ano, foi nomeada para a Ida Ely Rubin Artist-in-Residence pelo MIT – Massachusetts Institute of Technology (EUA), onde orientou alunos de mestrado, realizou pesquisa e palestras sobre seu trabalho. Em 2013 recebeu o prêmio Lynette S. Autrey Visiting Scholars pelo Humanities Research Center da Rice University, Huston (EUA), para desenvolver a pesquisa Natura In-Vitro: Interrogando a Modernidade e atuar como professora visitante. Em 2016 Recebeu da APCA – Associação Paulista de Críticos o prêmio Melhor Retrospectiva com a exposição “No Lugar Mesmo: uma Antologia da obra de Ana Maria Tavares” na Pinacoteca do Estado em São Paulo. Dedica-se desde 1982 a atividades didáticas em nível superior atuando em inúmeras escolas de arte e programas de orientação de artistas em São Paulo. Entre 1993 e 2017 foi docente e orientadora na Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo onde atualmente colabora no Programa de Pós Graduação. Sua primeira individual, Objetos e Interferências, foi realizada na Pinacoteca do Estado de São Paulo em 1982. Dentre as exposições individuais realizadas no Brasil, destacam-se: Porto Pampulha (1997); Relax’o’vision (1998); Visiones Sedantes (2000); Numinosum (2002); Enigmas de uma Noite com Midnight Daydreams (2004); Desviantes (2011); Tautorama e Natural-Natural: Paisagem e Artificio em 2013; Atlântica Moderna: Purus e Negros (2014). Em 2015 realizou duas individuais em São Paulo: Sinfonia Tropical para Loos, na Galeria Vermelho e Cárceres a Duas Vozes: Piranesi e Ana Maria Tavares, no Museu Lasar Segall. Realizou, em 2016 a individual Forgotten Mantras na Galeria Silvia Cintra e a retrospectiva na Pinacoteca do Estado em São Paulo. Dentre as exposições individuais realizadas no exterior destacam-se: Middelburg Airport Lounge com Parede Niemeyer (The Vleeshal. Holanda, 2001), Entrückte Körper – GRU/TXL (Vostel Galerie. Alemanha, 2002), Landscape for Exit I and Exit II (Culturgest. Portugal, 2005), Cristal Waters (Kroller Muller Museum. (Holanda, 2008) e Deviating Utopias (Frist Center for the Arts. EUA, 2013). Em 2015 foi comissionada pela Rolls Royce para desenvolver um projeto inédito, intitulado Deviating Utopias with Victorias Regias (Gallery Weekend. Alemanha, 2015). Tavares participou de várias exposições coletivas em museus internacionais, entre eles: Modernité, Art Bresiliènne du XX Siècle, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris (França, 1987); Ultramodern: The Art of Contemporary Brazil, National Museum for Women in the Arts, (EUA, 1993); ES 97 Tijuana, (México, 1998); VII Bienal de la Habana (Cuba, 2000); Istanbul Biennial (Turquia, 2001); Côte à Côte, Art Contemporain du Brésil, capc Musée d’art contemporain, (França, 2001); Living Inside the Grid, The New Museum of Contemporary Art (EUA, 2003); The Straight or Croocked Way, Royal College of Art (Inglaterra, 2003); Auf Eigene Gefahr/At your Own Risk, Schirn Kunsthall (Alemanha, 2003); Conceptualisms: Zeitgenossische Tendenzen in Musik (Alemanha, 2003); The Encounters in the 21st Century: Polyphony – Emerging Resonances, 21st Century Museum of Contemporary Art (Japão, 2004); Farsites: Urban Crisis and Domestic Symptoms in Recent Contemporary Art, San Diego Museum of Art (EUA, 2005); Belief, Singapore Bienalle (2006); Grandeur: Sonsbeek_10 (Holanda, 2008); Blooming Now: Brasil – Japão, o seu lugar. Toyota Municipal Museum of Art (Japão, 2008); When Lives Become Form: Creative Power from Brazil, Hiroshima City Museum of Contemporary Art e Museum of Contemporary Art Tokio (Japão, 2009); After Utopia, Centro per l’arte contemporanea Luigi Pecci.Prato. (Itália, 2009); NeoTropicália. Yerba Buena Center for the Arts (EUA, 2009); Colección IX. Colección Fundación ARCO, Centro de Arte Dos de Mayo, (Espanha, 2014); Spots, Dots, Pips, Tiles: An Exhibition About Dominoes, Perez Museum (Miami, 2017). Suas obras estão em várias coleções privadas e em acervos públicos, como: Kröller Müller Museum (Holanda); FRAC-Haute Normandie – Fonds Régional d’Art Contemporain, (França); Fundação de Serralves (Portugal); Culturgest (Portugal); Fundação Arco (Espanha); Museum of Fine Arts Houston (EUA); MuHKA – Museum van Hedendaagse Kunst Antwerpen. Bélgica; e, no Brasil, na Pinacoteca do Estado de São Paulo; Museu de Arte Contemporânea da USP; Museu de Arte Moderna de São Paulo; MAC- Museu de Arte Contemporânea de Niterói, RJ; Museu de Arte de Brasília; Coleção de Arte da Cidade de São Paulo do Centro Cultural São Paulo; MAP – Museu de Arte da Pampulha, MG; Museu Nacional da República; Universidade Federal de Uberlândia; Casa da Cultura de Ribeirão Preto; e SESC Belenzinho.

 

Até 19 de outubro.

Unidos pela cor.

30/ago

Assim podemos colocar a relação dos artistas Ana Luiza Rego, Bruno Schmidt e Roberto Barciela. Com linguagens e poéticas completamente díspares, eles se juntaram na exposição “Margens e Confluências”, que abre no dia 1º de setembro, na galeria principal do Parque das Ruínas, Santa Teresa, Rio de Janeiro, RJ. Com curadoria de Isabel Sanson Portella, a exposição será composta por cerca de 15 obras e uma instalação e poderá ser visitada até 30 de setembro.

 

“A arte contemporânea legitima a cor despojando-a das técnicas tradicionais da pintura e transgride plataformas ao pensar em novas modalidades da imagem: coloca o espectador e o espaço como elementos centrais da experiência cromática”, analisa Isabel Portella.

 

Nos trabalhos de Ana Luiza Rego, representações bem humoradas de objetos que se tornaram ícones de consumo, ascensão social e luxo compõem um cenário para a história de personagens inspiradas na figura bíblica de Salomé, independentes, poderosas e atemporais, que transitam por diferentes épocas. Entre estes elementos, representações masculinas inspiradas em João Batista apresentam um tipo de homem descartável, que já não cabe mais no mundo feminino contemporâneo da mulher independente. A técnica utilizada, óleo sobre tela, resulta em uma pintura matérica, rítmica, onde o olhar circula pela obra acompanhando as pinceladas e os pontos de cor.

 

Com desdobramento da série “Extrativista Urbano”, Bruno Schmidt utiliza fragmentos de revestimentos sintéticos resgatados de escombros, buscando nas ruas o suporte físico para seus trabalhos e invertendo o olhar para o chão, tirando dos abandonos e entulhos a base para o projeto intransitável. Pisos desgastados e descartados formam um grande mosaico com as intervenções geométricas. Invertidos em sua concepção, mostra o improvável como protagonista, a indigência resgatada da forma, reposicionando para as paredes do Parque das Ruínas.

 

Na série “Réguas”, Roberto Barciela proporciona uma alternância ao intensificar o colorismo industrial com a descoberta da imagem no plano, fazendo emergir a tridimensionalidade que leva o espectador a exercer um jogo entre imagem e impacto cromático. O artista utiliza materiais e suportes diversos como acrílico, isopor, espuma, madeira e ferro, levando a ideia de pintura ao espaço. Além disso, o artista levará ao espaço uma instalação inédita que pertence à Cena Poética, da série “Maquetes”, um projeto de instalação construído em espaços específicos. Como base, o chão será forrado de fragmentos de espelho e areia lavada e, sobre esses espelhos, colunas de ferro, elementos vazados, gerando verticalidade, preenchendo o espaço com um pequeno núcleo de grama esmeralda na qual será plantado um bonsai, colocado quase ao centro da obra.

 

 

 

Sobre Ana Luiza Rego

 

 

Ana Luiza Rego tem a vida dividida entre Rio e Nova York, além de frequentes idas à Europa, onde mantém laços familiares, foram anos de pesquisas visitando exposições e museus pelo Brasil e exterior. Entre as exposições mais marcantes, destacam-se “Geraçōes” – Ana Luiza Rego e Rubens Gerchman – Museu da República – Rio; “Rio” – Galeria Patricia Costa; “Brasilialaniche Knust auf Papier” – MOYA – Museum of Young Art – Vienna; “Arte Brasileira Sobre Papel” – Fundação Medeiros e Almeida – Lisboa; “Arte Brazilleña sobre papel” – Palacio Maldonado – Madrid.

 

 

 

Sobre Bruno Schmidt

 

 

Bruno Schmidt é artista plástico, carioca e nascido em 1967. Estudou na Faculdade de Comunicação Hélio Alonso e na Escola de Artes Visuais do Parque Laje EAV. Participou de residência na França, onde expôs três vezes.

 

 

 

Sobre Roberto Barciela

 

 

Roberto Barciela é artista plástico, nasceu no Rio de Janeiro, onde mora e vive atualmente. Suas obras fazem parte de coleções particulares. Participou de exposições e salões de arte no Brasil e no exterior, onde recebeu prêmios e menções honrosas: Premiado no Novíssimos IBEU 2008; Prêmio SESC de Fotografia Marc Ferrez – edição 2009; Prêmio Aquisição no 7o. Salão de Acubá – Cuiabá MT, 2011. Participa pelo quarto ano consecutivo de exposições no exterior. Fez residência artística na França, Provence, Saint Véran, no ano de 2016. Roberto atua como Artista Visual desde os anos 1980, formado pela Escola de Artes Visuais EAV. Roberto Barciela atualmente trabalha no ateliê do Vale das Videiras, Petrópolis, Rio de Janeiro / RJ.

Paulo Bruscky em Paris

09/jan

Paulo Bruscky durante a montagem de sua exposição no Centre Pompidou, Paris. A mostra, integra o programa “L’oeil écoute”, apresenta um recorte panorâmico da produção do artista desde o final dos anos 60, incluindo poemas/processo, filmes de artista, poesia sonora/áudio arte, classificados, arte correio, poesia visual, projetos conceituais, etc. Há ainda uma seção em homenagem/diálogo com o multiartista pernambucano Vicente do Rego Monteiro.

 

Parte dos trabalhos expostos será incorporada ao acervo da instituição francesa após o término da exposição, em cartaz até abril de 2018.

Suzana Queiroga no MNBA

15/mai

Completando dez anos de criação, o projeto “Ver e Sentir através do toque” do Museu Nacional de Belas Artes, Rio de Janeiro, RJ, voltado para a acessibilidade e a sustentabilidade, inaugura uma nova fase: o foco agora se volta para a arte contemporânea.

 

Nesta nova etapa a convidada é a artista visual Suzana Queiroga, integrante da famosa Geração 80 do Parque Lage, cuja exposição o MNBA abre na Sala Mario Barata, no dia 16 de maio, às 12h, em evento integrante da 15ª Semana dos Museus, promovida pelo IBRAM.

 

Um dos destaques da mostra é a obra “Topos”, um relevo em gesso doado em 2009 ao MNBA, produzida já com a intenção de participar de um projeto educativo, no qual a relação com a obra pudesse ser estimulada a partir da percepção tátil.

 

Além desta, serão exibidas outras três obras, sendo que uma delas será produzida na abertura da exposição, focando no desenvolvimento de uma rica experiência sensorial com cegos e videntes. Suzana Queiroga vai apresentar um mapa interativo da região onde se localiza o Museu Nacional de Belas Artes, além de outras obras que poderão ser tateadas.

 

O trabalho “Topos” será ambientado num novo contexto, onde a percepção visual pode ser minimizada e outros sentidos precisam ser ativados, o relevo, junto a outras obras, ganha novas dimensões e um espaço ampliado. Em um ambiente com pouca iluminação e sem informação textual, pretende-se acionar outros sentidos, que as cores ganhem som, cheiro, textura, sentimentos e sensações.

 

“É um caminho a ser percorrido com o corpo, onde o tempo é ativado e uma narrativa se inicia. Aqui, dar espaço aos outros sentidos é uma oportunidade singular de reaprender o mundo”, explicam os curadoes Daniel Barretto, Simone Bibian e Rossano Antenuzzi, todos técnicos do Museu Nacional de Belas Artes/Ibram/MinC.

 

Paralelamente, haverá uma mesa-redonda com a artista e seus convidados, discutindo o tema da ciência e arte, incluindo a participação de uma neurocientista.
Iniciado em 2007, o projeto previu a possibilidade do toque em reproduções em baixo relevo e algumas maquetes, feitas a partir do acervo artístico do museu, de obras especialmente selecionadas para este trabalho. O objetivo foi possibilitar a experimentação estética e o conhecimento sobre história da arte e processos artísticos, tornando-os acessíveis às pessoas cegas e com baixa visão, de forma a democratizar o acesso à cultura.

ArtRio!

21/set

Falta pouco para a sexta edição da ArtRio! A sexta edição da Feira Internacional de Arte do Rio de Janeiro que acontece de 29 de setembro a 02 de outubro, no Píer Mauá, Centro, Rio de Janeiro,  RJ. Participe.

A Missão Artística Francesa

15/set

A Pinakotheke Cultural Rio, Botafogo, Rio de Janeiro, RJ, apresenta a exposição “A Missão Artística Francesa e seus discípulos”, que comemora o bicentenário da chegada Missão Artística Francesa (1816-2016) ao Brasil. Com curadoria de Maria Eduarda Marques e Max Perlingeiro, a mostra reúne pinturas, desenhos, gravuras esculturas, documentos, além de peças de Numismática. São obras raramente vistas, produzidas por artistas que integraram a “Missão”, seus discípulos e também de seu antecessor Nicolas Poussin (1594-1665), cuja pintura em óleo sobre tela “Himeneu travestido assistindo a uma dança em honra a Príapo, 1634-1638”, da coleção do MASP é vista, pela primeira vez, em exposição no Rio de Janeiro.

 

Como sempre nas exposições da Pinakotheke Cultural, a mostra será acompanhada de uma publicação, com as imagens das obras e textos dos dois curadores, e ainda do filósofo, sociólogo e crítico francês Jacques Leenhardt, que recentemente publicou o livro “Viagem Pitoresca e Histórica ao Brasil – Jean-Baptiste Debret” (Imprensa Oficial do Estado de São Paulo), resultado de mais de dez anos de pesquisa.

 

A vinda da “Missão Francesa ao Brasil”é o fato fundamental da história da pintura no século XIX. A corte portuguesa, fugindo à invasão das tropas francesas de Napoleão, sob o comando do general Jean-AndocheJunot (1771-1813), aportou na Bahia no início de 1808, transferindo-se em seguida para o Rio de Janeiro. O fato é que a “Missão Francesa” – o grupo de artistas e artífices reunidos por seu líder Joachim Lebreton (1760-1819) – chegou ao Rio de Janeiro a bordo do brigue de três mastros “Calpe”, de bandeira norte-americana, na data de 20 de março de 1816.

 

Um dos destaques da mostra é o quadro de Nicolas Poussin (1594-1665), um dos mestres da pintura francesa, que pertenceu à família real espanhola. O painel de grandes dimensões da coleção MASP, que mede 167cm x 376cm.  A grande surpresa do processo da restauração foi a aparição de um falo ereto na figura central do quadro, o “Príapo”, deus da fecundidade e dos jardins, que sofreu, em séculos anteriores, “repinte de pudor”. A tela “Himeneu travestido assistindo a uma dança em honra a Príapo” mostra o deus grego do casamento, vestido de mulher, em uma dança para Príapo, que costuma ser representado com o falo em perpétua ereção. Sua pintura repercutiu nos pintores neoclássicos dos séculos XVII ao XIX. Considerado fundador do classicismo francês, Poussin influenciou todo o classicismo europeu, em especial a arte de Jacques Louis David, que adotou o rigor formal de suas composições. David acrescentou o sentido da virtude revolucionária ao ideal clássico de Poussin. Os artistas franceses que integraram a chamada “Missão Artística” de 1816, formados nos cânones do neoclássico, e contemporâneos de David, eram filiados à arte de Poussin, que lhes serviu de referência estética.

 

A exposição terá, ainda, obras de artistas da Missão Francesa, como Nicolas-Antoine Taunay (1755-1830), Jean Baptiste Debret (1768-1848), Auguste Taunay (1768-1824), Auguste Grandjean de Montigny (1776-1850), Charles-Simon Pradier (1783-1847), Marc Ferrez (1843-1923), ZépherinFerrez (1797-1851), Hippolyte Taunay (1793-1864), Adrien Taunay (1803-1828), Félix Émile Taunay (1795-1881). Completam a mostra pinturas feitas pelos discípulos da Missão Francesa, como August Muller (1815-1883), Charles-Simon Pradier (1783-1847), Manuel de Araújo Porto-Alegre (1806-1879) e Simplício Rodrigues de Sá (c. 1800-1839).

 

As obras que compõem a exposição pertencem a importantes coleções públicas e particulares do Rio de Janeiro, de São Paulo e do Ceará, como o Museu de Arte de São Paulo (MASP), o Instituto Moreira Salles, o Museu Dom João VI, e o Museu Histórico Nacional, no Rio de Janeiro, Museu Imperial, em Petrópolis, Fundação Edson Queiroz, em Fortaleza, o Instituto São Fernando, em Vassouras, no Estado do Rio, e a Coleção Hecilda e Sergio Fadel, no Rio de Janeiro.

 

 

Sobre Max Perlingeiro

 

Editor e empresário no setor cultural. Nasceu no Estado do Rio de Janeiro, em 1950, graduando-se em Engenharia pela Universidade Federal do Rio de Janeiro (1973) e Engenharia de Segurança pela Escola de Engenharia da Universidade do Brasil (1974). Organizou diversas exposições de arte no Rio de Janeiro, São Paulo, Belo Horizonte, Fortaleza, Brasília, Londres, Lisboa, Buenos Aires e Paris. Em 1980, criou a primeira editora especializada em livros sobre arte brasileira no país – Edições Pinakotheke, cujas publicações têm conquistado premiações nacionais como o Prêmio Jabuti (Câmara Brasileira do Livro), Prêmio Gonzaga Duque (Associação Brasileira de Críticos de Arte), Prêmio de Literatura (Instituto Nacional do Livro) e Prêmio Triomus (Comitê Brasileiro do Conselho Internacional de Museus). As publicações educacionais voltadas para o público infantil recebem a chancela de “altamente recomendável”.

 

Nessas três décadas à frente da Pinakotheke, planejou empresarialmente projetos culturais como “História da Pintura Brasileira no Século XIX” (Vera Cruz Seguradora e Fundação Roberto Marinho), “Seis Décadas de Arte Moderna – Coleção Roberto Marinho” (Fundação Roberto Marinho, no Rio de Janeiro, Fundação Gulbenkian, em Lisboa, e Ministério das Relações Exteriores, em Buenos Aires), “Pintores alemães no Brasil durante o século XIX” (Siemens S/A, premiada pela Associação Paulista de Críticos de Arte), “Portinari em Londres”, comemorativa do centenário de nascimento de Candido Portinari, “José Pancetti, marinheiro, pintor e poeta”, “Alberto da Veiga Guignard”, “Emiliano Di Cavalcanti”, “Bruno Giorgi”, comemorativa do centenário de nascimento do artista, “Antonio Bandeira”, “Lasar Segall, Corpo Presente”, Franz Weissmann”, comemorativa do centenário de nascimento do artista, e mais recentemente, “ManabuMabe – obras dos anos 1950 e 1960” e “Arte Contemporânea Brasileira dos anos 1950 aos dias atuais”.

 

Integrou o conselho curador da Coleção Roberto Marinho, da Coleção Cultura Inglesa, e o conselho consultivo do Museu Nacional de Belas Artes. Atualmente integra também o conselho das instituições Paço das Artes e Museu da Imagem e do Som de São Paulo, ligados à Secretaria de Cultura do Estado de São Paulo, e o Instituto Lina e Pietro Maria Bardi, em São Paulo. Hoje, dedica-se com exclusividade à gestão da empresa Pinakotheke Cultural, que inclui três sedes: Rio de Janeiro, São Paulo e Fortaleza. É especialista na administração de relevantes coleções particulares no Brasil. Tem participado de debates e conferências sobre Editoração (Bienal do Livro, em São Paulo), Direitos autorais (ECAD) e especialmente sobre seguro de obras de arte (Instituto de Resseguros do Brasil), área na qual tem prestado consultoria a seguradoras e museus oficiais. Em 1989 foi condecorado com o título de Cavaleiro da Ordem de Rio Branco, por relevantes serviços prestados à cultura brasileira, pelo Ministério de Relações Exteriores do Governo Federal.

 

 

 

De 22 de setembro a 26 de novembro.

Rio setecentista

02/jul

Com a abertura da exposição “Rio Setecentista, quando o Rio virou capital”, o MAR, Museu de

Arte do Rio, comemora os 450 anos de fundação da cidade “…propondo um trajeto visual para

adentrar esse século de sua história” com obras de José Leandro de Carvalho, Mestre

Valentim, Johann Moritz Rugendas, Carlos Julião, Nicolas Taunay, Agostinho de Santa Maria,

André Thevet, Joaquim José da Silva Xavier, René Duguay-Trouin e Jean Baptiste Debret. A

curadoria do evento é de Miryan Andrade Ribeiro, Ana Maria Monteiro de Carvalho,

Margareth Pereira e Paulo Herkenhoff.

 

 

Rio Setecentista, quando o Rio virou capital

 

No século XVIII, o Rio de Janeiro torna-se capital do Vice-reino do Brasil e efetivamente se

transforma na grande cidade que conhecemos: área de encontro entre cultura e comércio,

polo de urbanidade e símbolo privilegiado de brasilidade frente ao mundo. Com a exposição

Rio Setecentista, quando o Rio virou capital, o MAR comemora os 450 anos de fundação da

cidade propondo um trajeto visual para adentrar esse século de sua história.

 

Do Rio setecentista, do Rio do ouro, do barroco e rococó, dos escravos do Valongo e do Paço

dos Vice-reis restam sobrevivências. O que desse Rio foi destruído, o que é herança ingrata?

Certamente foi no século XVIII que o Rio assegurou sua fama estética. A cidade maravilhosa

une beleza natural a beleza urbana, ideia recorrente em propagandas, propostas políticas ou

mesmo críticas. Também naquele momento, a população negra expandiu-se, ainda que

sempre à margem, e os índios, tão importantes na luta pela posse e fundação da cidade junto

aos portugueses, simplesmente desapareceram do registro do desenvolvimento carioca.

 

O encontro da cidade com o poder público é um dos aspectos mais fortes de sua história

setecentista: capital por quase 200 anos, o Rio percebeu o envolvimento do poder com o

dinheiro, com a religião, com a cultura e com a exclusão social. Deixamos de ter vice-reis ou

eles apenas mudaram de nome? Mais de um século após a abolição, estamos livres das

sombras da escravidão? Essas são perguntas que esta exposição não permite calar,

questionando qualquer pretensão a uma ordem natural das coisas. O Rio de Janeiro é um lugar

privilegiado por natureza, mas é também reflexo de sua complexa e contraditória história.

 

Carlos Antônio Gradim (Diretor-Presidente do Instituto Odeon)

 

 

A partir de 07 de julho.