AGENDA CULTURAL

Formas humanas e geológicas.

11/set

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A Fortes D’Aloia & Gabriel, Barra Funda, São Paulo, SP, exibe a exposição Onda Avalanche Vulcão, uma série de fotografias colaborativa de Mauro Restiffe e Maria Manoella.

Este novo conjunto de obras apresenta uma exploração sensível da relação entre o corpo humano e a paisagem natural. A série reúne retratos íntimos e eróticos junto a fotografias dos vastos ambientes percorridos pelos artistas, registrando o desejo e o tempo como elementos centrais da criação de imagens. Juntas, essas fotografias estabelecem um diálogo simbólico entre a corporeidade e as forças da natureza.

As imagens mostram corpos revelados e sugeridos que operam como metáforas para os processos de transformação observados no mundo físico. Montanhas cobertas de neve, cachoeiras, gêiseres e formações rochosas aparecem ao lado dessas figuras, evocando ideias de desejo e erupção por meio de suas transformações viscerais. Tanto o sexo quanto essas paisagens selvagens implicam certo grau de volatilidade e incontrolabilidade. No centro da série está a ênfase na experiência sensorial como forma de apreensão do mundo. O erotismo se manifesta a partir da textura e da luz, em diálogo com o drama físico do contato amoroso e da presença atmosférica. A esfera íntima do envolvimento tátil e das sugestões de toque e sensação interagem com as amplas dimensões físicas e temporais das paisagens, moldando correspondências sensuais entre formas humanas e geológicas.

Um livro de artista homônimo, publicado pela Familia Editions, foi lançado no dia da abertura.

Os caminhos da construção do racismo.

08/set

Exposição em cartaz no Paço Imperial, Rio de Janeiro, RJ, apresenta a obra de Voluspa Jarpa. Em sete anos de pesquisas, a artista chilena reconstrói, a partir das exibições de zoológicos humanos, os caminhos da construção do racismo por meio de dispositivos coloniais e dominação cultural.

“Cartografia Incógnita” nos defronta com os zoológicos humanos que exibiram, entre 1858 e 1958, exemplares humanos de povos ditos “exóticos” em várias exposições, realizadas em capitais europeias e também em outras cidades do continente.

As célebres Exposições Internacionais tinham, por objetivo, anunciar o progresso da indústria de cada país. Em contraponto, ofereciam ao público o espetáculo dos chamados “zoológicos humanos”: pessoas de distintas origens e de pele escura ou amarela, que eram apresentadas em cenários compostos com animais e plantas nativas, de modo a emular o que era considerado “a vida selvagem”.

A mostra faz parte da BIENALSUR. As exposições abordam os temas mais urgentes do nosso tempo: meio ambiente, memória, direitos humanos, migrações, inteligência artificial e futuros possíveis. A Bienal renova, assim, seu compromisso com o desenvolvimento de um humanismo contemporâneo. É por isto mesmo que a realização da BIENALSUR 2025 tem o apoio oficial da UNESCO.

Até 16 de novembro.

Exposições no Museu do Amanhã.

22/jul

Claudia Andujar ganha exposição inédita com 130 obras no Museu do Amanhã com Destaque da Ocupação Esquenta COP, a mostra – em cartaz até 04 de novembro – mescla fotos do povo indígena Yanomami, seu trabalho mais conhecido, a cliques raros de Clarice Lispector e de imigrantes de São Paulo

Aclamada por seu trabalho documental do povo indígena Yanomami, a fotógrafa Claudia Andujar exibe uma grande exposição inédita no Museu do Amanhã, Rio de Janeiro, RJ. Com 130 obras da suíça naturalizada brasileira e peças de 40 artistas que se relacionam ao seu trabalho, a mostra “Claudia Andujar e seu universo: ciência, sustentabilidade e espiritualidade” é o destaque da Ocupação Esquenta COP, iniciativa que discute os temas da conferência que ocorre em Belém em novembro com exposições, seminários, aulões e mais.

A mostra observa como ela lidou com questões de ciência, conservação e natureza, e busca ser um periscópio que focaliza diversos pontos de sua obra – conta o curador Paulo Herkenhoff. Uma celebração ao legado da artista, de 94 anos, a exposição é dividida em cerca de 30 núcleos temáticos, que vão de séries célebres que retratam a Amazônia, como “A floresta” (1972-1974) e “A casa” (1974), a retratos de Clarice Lispector e de migrantes de São Paulo.

A Ocupação tem mais duas mostras. Em “Água Pantanal fogo”, fotos de Lalo de Almeida e Luciano Candisani apresentam o bioma e sua destruição. E a coletiva “Tromba d’água”, que tem entrada gratuita, reúne 27 obras em diferentes suportes de 14 mulheres latinas, entre nomes como Rosana Paulino e Suzana Queiroga, que tratam da relação do feminino com a natureza.

A exposição “Tromba d´Água” exibe vinte e sete trabalhos de catorze artistas latino-americanas, Alice Yura, Azizi Cypriano, Guilhermina Augusti, Jeane Terra, Luna Bastos, Marcela Cantuária, Mariana Rocha, Marilyn Boror Bor, Natalia Forcada, Rafaela Kennedy, Roberta Holiday, Rosana Paulino, Suzana Queiroga e Thais Iroko. Com entrada gratuita, as obras estão expostas na Galeria Leste: são pinturas, esculturas, fotografias e videoarte, que refletem sobre histórias e saberes transmitidos por mulheres que enfrentam e rompem barreiras.

De acordo com o Instituto Aristas Latinas, que organizou a mostra, o fenômeno natural Tromba D’Água serve como metáfora de transformação coletiva. “Todas as catorze artistas convidadas para ocupar este espaço traduzem, em poéticas próprias, a relação direta e subjetiva com a principal fonte da vida humana e suas principais controvérsias e desdobramentos sociais, raciais e econômicos”, dizem as curadoras Ana Carla Soler, Carolina Rodrigues e Francela Carrera, destacando a relação do feminino com a Natureza.

Conversa com Ernesto Neto.

08/jul

Nesta terça-feira, dia 08 de julho, o Farol Santander, Porto Alegre, RS, recebe o artista Ernesto Neto para a palestra “Os pássaros gêmeos do bambu do conhecimento éter é nós”.
Em um formato de conversa, Ernesto Neto apresentará um panorama sobre a sua trajetória e sobre a sua obra que dá título à palestra e faz parte da exposição “Cinco Elementos”, em exibição no Farol Santander POA.
A atividade acontece a partir das 18h30, na Arena do Farol Santander, é gratuita e aberta ao público em geral. As vagas serão preenchidas por ordem de chegada, com prioridade para estudantes e professores da rede pública. A palestra contará com a presença de intérprete de LIBRAS.

Um retrospecto para Jorge Selarón.

30/jun

O Gabinete Selarón de Curiosidades em cartaz no Espaço Cultural da Justiça Federal, Centro, Rio de Janeiro, RJ, – os degraus para a gestão compartilhada da Escadaria Selarón é uma exposição que homenageia o multifacetado artista chileno Jorge Selarón, cuja obra transformou a Escadaria Selarón em um dos pontos mais visitados e conhecidos do Rio de Janeiro. A mostra reúne cerca de 300 obras, entre pinturas, azulejos, rascunhos e fotografias, revelando o olhar cosmopolita de Selarón. Mais do que um ponto turístico, a escadaria tornou-se um motor da dinâmica econômica e social da cidade, atraindo visitantes do mundo inteiro, gerando renda para o comércio local e valorizando o patrimônio cultural carioca. Estando localizada a poucos metros do Centro Cultural Justiça Federal, instituição que abriga a exposição, a escadaria estabelece um diálogo simbólico e visual com o espaço, fortalecendo o vínculo entre arte, território e cidadania.

Com curadoria coletiva de Andre Andion Angulo, Marcelo Esteves, Ceci Maciel, Ester Galleguillos, Guilherme Guimarães e Gerardo Millone, a exposição destaca a faceta de pintor de Jorge Selarón e irá propor uma reflexão sobre a preservação e a gestão compartilhada desse patrimônio cultural. O projeto convida o público a pensar formas colaborativas de cuidar da escadaria, ampliando o conceito de gabinete de curiosidades e reconhecendo seu valor como espaço de memória, diversidade e expressão coletiva.

Últimas exibições da obra de Tunga em Londres.

13/mai

A Lisson Gallery, 67 Lisson Street, London, England, apresenta em seus últimos dias – até 17 de maio – sua primeira exposição dedicada à obra de Tunga (1952-2016), cujo acervo é representado pela galeria desde setembro de 2024. Reconhecido internacionalmente como um dos mais importantes artistas brasileiros de sua geração, esta foi a primeira vez que o trabalho de Tunga esteve exibido em Londres desde 2018, quando a Tate Modern apresentou uma de suas performances lendárias, Xifópagas Capilares Entre Nós. Aclamado principalmente por suas esculturas, inspiradas na alquimia e na mitologia, Tunga chamou atenção para o potencial psicológico dos objetos tridimensionais, que começou a produzir nos anos 1970 utilizando materiais como correntes de ferro, malhas de nylon, lâmpadas e borracha.

A exposição destaca dez esculturas criadas entre 2004 e 2014 – um período fundamental em que Tunga continuou a experimentar materiais cada vez mais diversos, como garrafas, cristais, portais, dentes e tripés. Enquanto suas composições anteriores frequentemente consistiam em um ou dois elementos, como uma trança feita de arame ou feltro unido por cordões de algodão e ferragens, essas obras posteriores revelam sua propensão a criar formas mais corpóreas, incorporando múltiplos componentes e equilibrando densidade e efemeridade.

Quatro séries importantes foram apresentadas na exposição. A obra mais antiga, Fração de Luz (1981-2010), está incluída – uma estrutura elegante que remete aos mecanismos físicos de uma marionete e sua relação com o marionetista que a controla. Presa por ferragens negras na parede, uma corda metálica multipartida sustenta longos fios de cabelo. Acompanhando essa obra temos também Sem Título (2008), peça central da exposição. Composta por um peso maciço de alumínio suspenso no ar ao lado de uma cortina de tecido translúcido que desce até o chão, essa instalação de grande escala utiliza a dinâmica do suspenso para reforçar as ilusões criadas quando uma marionete se move, sua vivacidade dependendo de uma intervenção humana que permanece invisível.

Três obras da série Phanógrafo Policromático de Deposição (2004-2009) destacam o impulso do artista em explorar como os materiais podem se relacionar energeticamente ou permanecer distintos uns dos outros. Fixadas na parede, essas caixas de madeira compactas, quando abertas, revelam uma cena que lembra um experimento alquímico. Forradas internamente com tecido branco em relevo, o centro desses misteriosos recipientes abriga um frasco de vidro com líquido cromatizado, sustentado por uma armação de metal e resina. Espelhos também são parte dessas construções semelhantes a gabinetes, que continuam a borrar os limites entre o real e o imaginário.

A série Estojo (2008-2012) está representada por duas iterações. Esses pequenos recipientes de ferro escuro foram vistos por Tunga como portais capazes de transmitir paisagens únicas por meio de uma combinação de materiais terrenos, como quartzo cristalino e ferro, que o artista preenchia até a borda em cada unidade quadrada. Ímãs são outro elemento central – uma adição posterior à sua linguagem visual, permitindo-lhe comunicar ideias sobre forças invisíveis e a transmissão de energias. Com a série mais recente na exposição, Morfológicas (2014), Tunga voltou sua atenção para representações abstratas da anatomia humana, utilizando meios escultóricos arquetípicos como bronze e argila. Esses objetos sensuais, com tendências clássicas em sua forma e composição, aludem à fisicalidade do corpo e sua conexão com o reino terreno.

Diálogo e conexões formais.

25/abr

“Mirage”, exposição individual de Marina Rheingantz no Musée des Beaux-Arts, abrirá na próxima semana em Nîmes, França.

A mostra estabelece um diálogo entre os trabalhos de Marina Rheingantz e obras históricas da coleção permanente do museu, revelando conexões formais e simbólicas entre a abstração paisagística da artista e diversos períodos e gêneros da História da Arte.

Com curadoria de Barbara Gouget, “Mirage” integra a programação da Temporada Brasil-França 2025, realizada pelos Ministérios das Relações Exteriores e da Cultura do Brasil e da França.

Até 05 de outubro.

Obra em contínua reinvenção.

17/abr

Uma trajetória artística marcada por transformações, em que se misturam ironia, política, crítica de arte e memória, é tema de uma exposição no Itaú Cultural (IC), em São Paulo. A mostra Carlos Zilio: uma retrospectiva de 60 anos de criação – A querela do Brasil oferece uma visão panorâmica do artista visual e professor Carlos Zilio. A exposição segue até 06 de julho.

Com curadoria de Paulo Miyada, são apresentadas cerca de cem obras, entre pinturas, objetos e instalações, criadas entre 1966 e 2023, abrangendo todas as fases do trabalho do artista: sua militância contra a ditadura civil-militar de 1964, que o levaria à prisão; sua tese de doutorado, intitulada A querela do Brasil – a questão da identidade da arte brasileira, feita no exílio; seu retorno ao Brasil, quando passa a se dedicar ao ensino; e sua experimentação com a forma e a geometria, a abstração e a subjetividade.

Como disse Pualo Miyada ao Itaú Cultural, é “uma trajetória de muitas vidas”. Carlos Zilio estudou pintura com Iberê Camargo, no começo da década de 1960, período em que integrou mostras importantes como Opinião 66 e Nova Objetividade Brasileira. Em 1975, após produzir obras com o objetivo de promover agitação política e conscientização social e ter se envolvido com a luta armada, é preso. No cárcere, com recursos limitados, cria desenhos. Pouco depois de ser solto, exila-se. De volta ao Brasil, também se dedica ao ensino.

Pinturas inéditas de Paulo Pasta.

15/abr

A Almeida & Dale inaugura no próximo dia 26 de abril mais um espaço expositivo na Vila Madalena, São Paulo, SP, marcando o início de uma nova etapa em sua trajetória. Para celebrar esse momento, apresenta a exposição Paulo Pasta: Viagem ao redor do meu quarto. Concebida por André Millan, diretor artístico da galeria, a mostra reúne uma série inédita de pinturas do artista, e abre oficialmente as portas do novo endereço ao público.

No processo de elaboração da mostra, André Millan percebeu uma semelhança surpreendente entre o formato do novo espaço expositivo e o ateliê de Paulo Pasta. Essa coincidência acabou por influenciar a natureza introspectiva da exposição e inspirou o artista a nomeá-la com o título do livro homônimo de Xavier de Maistre (1763–1852). Escrita durante o confinamento compulsório do autor francês em seu próprio quarto, a obra literária propõe uma viagem interior por meio da observação minuciosa dos objetos e das sensações provocadas pelo espaço íntimo – movimento que ecoa na produção pictórica do artista paulista. Aqui, no entanto, o ateliê é menos um lugar de reclusão do que de liberdade: espaço onde tempo e pintura se entrelaçam, onde a repetição se torna método, e o silêncio, matéria de trabalho.

As obras – majoritariamente óleos sobre papel ou tela, de pequenos formatos – revelam um pensamento visual rigoroso, que se constrói por sobreposições e pausas, como se cada cor e cada gesto fossem fruto de escuta. É essa arquitetura interior, derivada da experiência concreta do ateliê, que dá forma ao conjunto da exposição. No entanto, mais do que tema, a arquitetura do ateliê atua como matriz estrutural desses trabalhos: é a partir da vivência cotidiana e dos rituais do espaço de criação que a forma se organiza, como se a pintura herdasse a lógica interna do lugar onde nasce.

O crítico e jornalista Antônio Gonçalves Filho, diretor cultural da galeria e autor do texto de apresentação do catálogo, destaca esse elo entre o espaço de trabalho e a organização das pinturas. As telas, observa ele, “são como paisagens interiores que registram o trânsito do corpo no tempo”. Ao fazer da pintura um gesto contínuo de atenção e presença, Paulo Pasta reafirma a permanência de uma prática que resiste ao ruído do mundo.

Além do texto de apresentação, o catálogo da mostra – com projeto gráfico de Raul Loureiro – reúne depoimentos de cinco artistas que foram alunos e atuaram como assistentes de Paulo Pasta ao longo de sua trajetória: Alexandre Wagner, Bruno Baptistelli, Lucas Arruda, Renato Rios (atual assistente) e Rodrigo Bivar. Os textos trazem memórias de trabalho, cenas do cotidiano no ateliê e observações delicadas sobre o modo como Paulo Pasta habita o tempo e a pintura. Outro destaque da exposição são as fotografias de Bob Wolfenson, que registrou tanto o ateliê de Paulo Pasta quanto o novo galpão da galeria durante as obras de reforma. Parte dessas imagens integra o catálogo e também estará presente na exposição, conectando dois espaços – o privado e o institucional – que compartilham, de certo modo, o mesmo silêncio luminoso.

Com a inauguração da nova estrutura, a Almeida & Dale reafirma seu projeto de expansão física e conceitual, ampliando o alcance de sua atuação no circuito artístico nacional e internacional. O galpão de três andares, recém-reformado, passa agora a integrar a sede da galeria na Rua Fradique Coutinho, 1360. No térreo, entra em funcionamento o novo espaço expositivo; no segundo andar serão instaladas, em breve, as áreas de vendas e produção; e no terceiro, um pequeno auditório dedicado a encontros, lançamentos e atividades de formação. Assim, a galeria se consolida como um centro dinâmico de reflexão e intercâmbio em torno da arte contemporânea. A conexão entre os dois prédios será feita por meio do jardim interno já existente.

A Almeida & Dale vem se consolidando como uma plataforma ampla, aberta ao diálogo entre diferentes tempos, linguagens e gerações. Viagem ao redor do meu quarto soma-se às exposições simultâneas de Thiago Hattnher (Beira do tempo) e a coletiva Nossa Senhora do Desejo (com curadoria de Lisette Lagnado, centrada na obra de Pedro Moraleida), ambas em cartaz nos espaços vizinhos da galeria, compondo um instigante conjunto de mostras que atravessa o passado recente e as potências do presente na arte brasileira. Ao promover o encontro entre diferentes gerações e poéticas, a Almeida & Dale reafirma seu papel como plataforma viva de circulação, reflexão e escuta artística.

Sobre o artista

Paulo Pasta nasceu em Ariranha, SP, 1959. Vive e trabalha em São Paulo. Reconhecido como um dos principais nomes da pintura brasileira contemporânea, sua trajetória teve início nos anos 1980, com uma obra pautada pela tensão entre cor, tempo, figuração e abstração. É Doutor em Artes Plásticas pela ECA-USP e lecionou por mais de três décadas em instituições como FAAP, ECA-USP e Instituto Tomie Ohtake. Suas obras integram coleções como as do Museo Reina Sofía (Espanha), Kunstmuseum Schloss Derneburg (Alemanha), Kunsthalle Berlin (Alemanha), Pinacoteca de São Paulo, MAM São Paulo, MAM Rio de Janeiro e MAC USP.

Até 14 de junho.

Um gesto de desejo e pertencimento.

10/abr

No meu jardim tudo se mistura

A Ocre Galeria, bairro São Geraldo, 4° Distrito, Porto Alegre, RS, apresenta a exposição individual “no meu jardim tudo se mistura”, de Téti Waldraff (Sinimbu, RS, 1959), com curadoria de Paula Ramos. A mostra revela o profundo vínculo da artista com a Natureza, que se manifesta em sua prática de desenhar, pintar e criar a partir das formas orgânicas e dos ciclos de vida observados em seus jardins.

Para Téti Waldraff, o ato de desenhar e pintar é também um gesto de desejo e pertencimento. É no cotidiano entre Porto Alegre e Faria Lemos, cercada por árvores, arbustos e flores, que ela encontra matéria e inspiração. O jardim é espaço de cultivo e de criação, um território onde o natural e o artístico se fundem. Ali, o ato de observar o desabrochar das flores se transforma em linhas, cores e formas. Seu ateliê é móvel, adaptável: um banco, um bloco de notas, papéis soltos. Em cada gesto, emerge o desejo de registrar o instante e a matéria viva que o compõe.

A exposição expande essa experiência sensível, ao mesmo tempo em que desdobra pesquisas formais e conceituais realizadas em projetos anteriores, a exemplo da série “Nos rastros do Jardim de Giz”. Produzidos durante o período de isolamento social, imposto pela Pandemia, os desenhos da série surgiram a partir do painel produzido por pela artista junto ao Centro Cultural da UFRGS, em março de 2019.

No dia 12 de abril, às 11h, a Ocre Galeria promove uma conversa com Téti Waldraff e mediação da curadora Paula Ramos, crítica, historiadora de arte e professora do Instituto de Artes da UFRGS. O evento é uma oportunidade para o público conhecer mais sobre o processo criativo da artista e os caminhos que levaram à construção da exposição. A entrada é franca e o espaço tem acessibilidade.

Até 03 de maio.