22 artistas, uma antologia

03/out

O livro “Da arte e de 22 artistas brasileiros. Uma antologia.” de autoria do crítico de arte Jacob Klintowitz, ganhou lançamento na Pinacoteca da Associação Paulista de Medicina, São Paulo, SP, uma edição do Instituo Olga Kos. Klintowitz assina ensaio sobre arte e identidade nacional chamado de “No céu azul”, título – homenagem ao poeta Issa Kobayashi (1763-1827) cujo Hai Kai serve como epígrafe do novo livro.

 

 

Da arte e de 22 artistas brasileiros. Uma antologia. Por Jacob Klintowitz.

 

Artistas: Antonio Peticov, Caciporé Torres, Carlos Araujo, Célia Rachel RVK, Claudio Tozzi, Eduardo Iglesias, Emile Tuchband, Ermelindo Nardin, Gustavo Rosa, Inácio Rodrigues, Inos Corradin, Isabelle Tuchband, Ivald Granato, Marcello Grassmann, Neto Sansone, Newton Mesquita, Rubens Matuck, Sara Belz, Takashi Fukushima, Verena Matzen, Yugo Mabe, Yutaka Toyota.

 

 

A palavra do autor

 

“O notável desta seleção de artistas brasileiros é que o critério foi unicamente a qualidade de suas obras. Não buscamos neles a identidade cultural do Brasil, porque isto nos parece impossível. A nossa identidade será dada pela soma, nunca pela subtração. Esta pergunta, a da verdadeira identidade, tão comum em países novos ou emergentes, não tem sentido, pois o que caracteriza uma nação não é uma estrutura estática, mas um processo em permanente transformação. Todos os dias o nosso país nasce de novo. Esta mutação é um motivo de permanente entusiasmo e esperança. Nós faremos o nosso mundo. Neste conjunto antológico de arte felizmente temos várias tendências e processos criativos diferenciados. Cada artista é o seu próprio mundo. Não há uma corrente estética hegemônica. O que podemos afirmar é que estes artistas estão entre os mais atuantes do nosso país nas últimas décadas. A unidade desta mostra é a multiplicidade de vertentes. Aqui se privilegiou a individualidade. O outro elemento de unidade é a generosidade, pois todos eles estão profundamente envolvidos no Projeto do Instituto Olga Kos de Inclusão Cultural e foram mestres nas oficinas de criatividade do IOK. E, segundo os seus emocionados e emocionantes depoimentos, foram mestres que aprenderam com os seus alunos. Mestre é aquele que tem capacidade de aprender. Todos os dias aprendemos isto, não é?”.

 

Pinakotheke SP exibe Shiró

10/jul

Nos seus 90 anos, Flavio-Shiróo pintor ganha exposição panorâmica, acompanhada de livro com assinatura do crítico de arte Paulo Herkenhoff. No ano em que se comemora os 110 anos da Imigração Japonesa no Brasil, comemoram-se também os 90 anos de Flavio-Shiró. Para celebrar a data, a Pinakotheke, Morumbi, São Paulo, SP, realiza uma exposição que traça a trajetória do pintor – dos anos 1940 aos dias atuais. A mostra reúne uma seleção de pinturas, desenhos, fotografias e objetos, na sua grande maioria, inéditos, com curadoria de Max Perlingeiro e do artista. Na ocasião, será lançado o livro com texto de Paulo Herkenhoff e exibidos filmes em curta-metragem dirigidos por Adam Tanaka, neto do artista.

 

A exposição promove um mergulho no universo de Shiró, pintor oriundo de três universos distintos – nasceu no Japão, cresceu no Brasil e há mais de seis décadas divide seu ateliê entre Paris e Rio de Janeiro. “Trata-se de um artista polivalente e internacional, mas talvez coubesse melhor designá-lo como transcultural, pois a obra propõe a convivência do intercâmbio Ocidente/Oriente, Norte/Sul ou Sapporo/Tomé-Açu/Paris”, escreve Herkenhoff.

 

Com 26 pinturas, 12 obras sobre papel, além de fotografias, objetos pessoais e cinco curtas dirigidos por seu neto Adam Tanaka e Margaux Fitoussi e produção executiva de Josué Tanaka, filho do artista, a mostra traça um panorama da obra do pintor, do figurativismo presente até o princípio de sua vida em Paris (1953), a transição para o abstracionismo informal até a retomada da figuração, sempre tendo o gesto como expressão basilar.

 

As telas como Voo Noturno, Matéria III e Camargue, da década de 1950, presentes na exposição, estiveram também no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro em 1959, quando Shiró, ainda assinava Flavio S. Tanaka. “Um quadro de Shiró explodia como a convulsão da matéria do mundo na liberação daquilo que pareciam forças do caos; a massa pictórica incorpora-se em enervação, e a pintura é uma carnalidade vibrátil”, destaca o crítico.

 

Já na década de 1960, a obra de Shiró refere-se à pertinência positiva da pintura no campo cultural, como destaca Herkenhoff. “A obra de Flavio-Shiró, neste período, não discute apenas a guerra do Vietnã, mas toda guerra”.  Em meados dos anos 1970, o pintor sintetiza sua múltipla herança cultural e condensa seu imaginário em questões que explorará em profundidade nas décadas seguintes. “Pintar incluirá ativar a memória produtiva da fantasmática e deixá-la emergir perturbadora ao plano do visível”. Na década de 1990, a sua pintura reacende m nova chave cromática e se desprega da relação entre pincelada e desenho. “Paradoxalmente, este estágio barroco de sua pintura não tem a presença de monstros e fantasmagorias, como pode ter acontecido nas décadas anteriores”, afirma o crítico.

 

Por sua vez, no século XXI, o tema que anima os meus trabalhos continua evoluindo ao mesmo imaginário através de uma visão transfiguradora e poética, observa Shiró. “A isto, podemos chamar de arte como projeto de vida. Prossegue em sua trajetória e se depura como pintor sintético e denso. Seu imaginário pulsa pleno com o vigor da matéria e se move por vontade de experimentar ideias e por curiosidade técnica. Algumas questões plásticas têm envolvido a mente inquieta de Shiró: objetos; invenções; experiências com a xilogravura e a nova inflexão em sua pintura, com formas audaciosas”, completa Herkenhoff.

 

 

De 09 de julho a 11 de agosto.

 

Recorte contemporâneo

26/jun

A exposição que está em cartaz no Grande Hall do Santander Cultural, Porto Alegre, RS, denominada “RSXXI – o Rio Grande do Sul Experimental”, recebeu a assinatura de Paulo Herkenhoff na curadoria.

 

A exibição reúne 80 obras de 12 destacados artistas da nova cena contemporânea gaúcha.
Esta exposição, que parte de uma sigla de fácil memória e que provoca curiosidade, “RSXXI”, se propõe a articular a força do processo de criação contemporâneo de artistas locais. Ainda que sem a pretensão de um levantamento completo, a iniciativa se firma como um foro de reconhecimento com um relevante recorte: André Severo, Cristiano Lenhardt, Daniel Escobar, Laura Cattani e Munir Klamt (Ío), Isabel Ramil, Ismael Monticelli, Leandro Machado, Marina Camargo, Michel Zózimo, Rafael Pagatini, Romy Pocztaruk e Xadalu apresentam fotografias, livros, instalações, vídeos, objetos, esculturas, serigrafias e documentos.

 

 

Até 29 de julho.

O Imaginário de Carlos Araújo

05/jun

O Museu de Arte Brasileira da FAAP, Higienópolis, São Paulo, SP,  recebe, a partir do dia 07 de junho, a exposição “Revelação e luz das formas do imaginário”. A mostra é resultado do trabalho desenvolvido pelo artista Carlos Araújo com os participantes do projeto “Resgatando Cultura”, do Instituto Olga Kos de Inclusão Cultural (IOK)

 

Com curadoria de Silvana Gualda e Camilla Kury, a exposição reúne pinturas que apresentam particularidades em relação à luminosidade e à sensibilidade no uso das camadas de tinta.

 

O objetivo da exposição é mostrar como os participantes do projeto deixaram-se conduzir por imagens que se revelavam em manchas de tinta que foram aprimoradas,  com finas camadas, ou, ainda, retirando aos poucos o pigmento dos suportes.

 

A participação de Carlos Araújo nas oficinas do IOK foi uma contrapartida para a edição de um livro sobre a obra do artista. “A arte e a sacralidade na arte”, escrito por Jacob Klintowitz, é o 24º volume da série “Resgatando Cultura”, que tem o objetivo de apresentar o panorama artístico cultural do País, contribuindo para a democratização do acesso da sociedade aos bens artísticos nacionais.

 

 

Sobre o artista  

 

Carlos Araújo nasceu em São Paulo no ano de 1950 e fez sua primeira exposição individual no MASP, 1974. No decorrer de sua carreira, realizou várias exposições coletivas e individuais. Em 1980, sua obra “Anunciação” foi enviada pelo governo brasileiro ao Papa João Paulo II.  Em 1984, foi premiado pela Associação Paulista de Críticos de Arte – APCA. Iniciou, há 15 anos, um projeto ousado: pintar 900 telas retratando passagens de toda a Bíblia. O trabalho agradou ao Papa Bento XVI, a ponto de fazê-lo escrever um prefácio para a primeira edição, que foi lançada no dia 1º de dezembro de 2007, na Bienal de Arte Contemporânea de Florença, na Itália.  

 

 

Sobre o Instituto Olga  Kos 

 

Fundado em 2007, o Instituto Olga Kos de  de Inclusão Cultural (IOK) é uma associação sem fins econômicos, que desenvolve projetos artísticos e esportivos aprovados em leis de incentivo fiscal para atender, prioritariamente, crianças, jovens e adultos com  deficiência intelectual. Além disso, parte das vagas dos projetos é destinada a pessoas sem deficiência, que se encontram em situação de vulnerabilidade social e residem em regiões próximas aos locais onde as oficinas são realizadas. O Instituto Olga Kos conta com uma equipe multidisciplinar formada por artistas plásticos, arte-educadores, psicólogos, educadores físicos, fisioterapeutas, mestres em  Karate-Do e Tae kwon-do, profissionais multimídia e pedagogos.    

 

As oficinas de esportes buscam incentivar a prática esportiva (Karate-Do e Tae kwon-do), estimular o desenvolvimento motor e melhorar a qualidade de vida dos participantes. Já as oficinas de artes buscam divulgar a diversidade cultural e artística de nosso País, expandir o acesso à cultura, incentivar o exercício da arte e desenvolver os canais de comunicação e expressão dos participantes por meio dos programas “Pintou a Síndrome do Respeito” e “Resgatando Cultura”.

 

Todas essas atividades procuram garantir que a pessoa com deficiência intelectual reúna condições para participar de forma mais efetiva da sociedade da qual faz parte. Além disso, o IOK desenvolve redes de apoio para geração de renda e inclusão no mercado de trabalho por meio de parcerias com instituições que promovem o aprendizado de habilidades profissionais.

Jac Leirner, “Adição”

23/mai

A Fortes D’Aloia & Gabriel, Vila Madalena, São Paulo, SP, apresenta “Adição”, nova exposição de Jac Leirner. A mostra inclui esculturas com embalagens de sedas, uma instalação com pontas de cigarros de maconha e sequências fotográficas montadas sobre madeira. Compulsão e consumo, acúmulo e reorganização são questões recorrentes na obra de Jac Leirner. Ela utiliza materiais próximos do seu cotidiano, em sua maioria descartáveis ou sem valor. Assim, se no passado a artista usou cigarros, cartões de visita, sacolas de museus, talheres e cobertores de aviões, aqui ela emprega a imagem e os materiais associados ao consumo de cocaína e maconha. Nas imagens, pequenas pedras de cocaína são rodeadas por objetos pessoais como moedas, pinças e souvenirs.

 

Jac fez as fotos em 2010 e as editou seis anos depois, formando narrativas cinemáticas que se encerram em capítulos independentes. As pequenas esculturas retratadas transfiguram-se em cone, cabeça, roda, esfera e coração até desaparecerem. A disposição horizontal dos trabalhos, sobrepostos em cinco linhas ao longo da galeria, enfatiza essa vocação literária, ao mesmo tempo em que evidencia aspectos formais de cor e composição. Alguns objetos usados nas fotos retomam materiais previamente usados pela artista, ao passo que outros revelam um aspecto de intimidade absoluta, num grau máximo de justaposição entre vida e obra. “About Men and Animals”, por exemplo, cria uma história com objetos em miniatura, enquanto “Macbeth” faz referência direta à literatura. “Oh Yes Yes”, e “Round Ones” reúnem as imagens com moedas e cédulas de dinheiro. “Landscape”  por sua vez, forma uma cena quase abstrata. As esculturas intercalam-se às sequências fotográficas e, de maneira análoga, lidam com a matéria residual do fumo. “Freezing Flame”, “Sugar Baby”, “Statement”, entre outros, são criadas com embalagens de sedas para cigarro montadas sobre madeira.

 

Essas obras ganham corpo a partir do formato irregular das embalagens quando desmontadas e se organizam em composições cromáticas. A artista insere ainda níveis de precisão nos suportes, revelando o sentido de equilibro tão essencial a esses trabalhos. As noções de consumo e acúmulo dos materiais ganham contornos arquitetônicos na obra “High and Low”. Ocupando o segunda andar da galeria, cabos de aço dão estrutura a pontas de cigarros de maconha. A escultura se define por linhas que tensionam o espaço, alcançando o grau mínimo da matéria, sintetizada em seu menor elemento.

 

Na ocasião da abertura, a publicação “Three White Nights” será lançada no Brasil. O livro de artista, realizado em parceria com a designer holandesa Irma Boom, reúne todas as imagens da série fotográfica que integram a exposição.

 

 

Sobre a artista

 

Jac Leirner nasceu em São Paulo em 1961, onde vive e trabalha. Entre suas exposições individuais recentes em instituições, destacam-se: Institutional Ghost , IMMA (Dublin, 2017); Add it up , The Fruitmarket Gallery (Edimburgo, 2017); Borders are drawn by hand , MoCA Shanghai (Xanghai, 2016); Funciones de una variable , Museo Tamayo (Cidade do México, 2014); Pesos y Medidas , CAAM (Las Palmas de Gran Canaria, Espanha, 2014), Hardware Seda – Hardware Silk , Yale School of Art (New Haven, 2012); Jac Leirner , Estação Pinacoteca (São Paulo, 2011). Seu extenso 

 

currículo de exposições inclui ainda participações em: Bienal de Sharjah (2015), Bienal de Istambul (2011), Bienal de Veneza (1997 e 1990), Documenta de Kassel (1992), Bienal de São Paulo (1989 e 1983). Sua obra está presente em diversas coleções importantes ao redor do mundo, como: Tate Modern (Londres), MoMA (Nova York), Guggenheim (Nova York), MOCA (Los Angeles), Carnegie Museum of Art (Pittsburgh, EUA), MAM (São Paulo), Pinacoteca do Estado de São Paulo (São Paulo), Museo Reina Sofía (Madri), entre outras. 

 

 

 

De 26 de maio a 28 de julho.

 

Mesa redonda no MAM-Rio

22/mai

O MAM Rio, Parque do Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, realiza no próximo dia 26 de maio, às 14h, mesa-redonda sobre a trajetória de Victor Arruda com o artista Paulo Bruscky, a crítica de arte Marisa Flórido César, e Adolfo Montejo Navas, curador da retrospectiva do artista em cartaz no Museu. Na ocasião, será exibido o documentário “Esta pintura dispensa flores” (2010), de Luiz Carlos Lacerda, sobre a obra de Victor Arruda, e será lançada a publicação “You are still alive”, sobre a série homônima do artista, com texto de Adolfo Montejo (2018, Limiar Edições), port/ing, 44 páginas e 24 imagens-trabalhos, 500 exemplares, numerados e assinados. Na Cinemateca do MAM, com entrada gratuita.

 

Diz Adofo Montejo Navas que ” sãopoucos os trabalhos artísticos que se posicionam em territórios fronteiriços da vida, no meio-fio entre a vida e a morte, sem cair no reduto da enfermidade ou da clínica, ou então nos paraísos artificiais, cada vez mais numerosos e vulgarizados. You are still alive, obra em curso de Victor Arruda desde 2015 até hoje, já provoca desde seu aqui e agora outro tempo e destino, extrapolando o local inicial da ação. Transfere seu alvo estético para além do campo previsível, inclusive como imagética associada à pintura (algo, diga-se de passagem, que o artista tem provocado várias vezes, o curso de alguns limites com a pintura para ser pisada ou até dançada, comida ou utilizada como pintura-performace de obra-anúncio).”

Obra inédita de Angelo Venosa 

17/mai

Novos horizontes de investigação e pesquisas estéticas do escultor Angelo Venosa serão exibidos ao público pela primeira vez, a partir de 23 de maio no Museu Vale, Antiga Estação Pedro Nolasco, Argolas, Vila Velha, ES. Na exposição (e lançamento do catálogo), que comemora os 20 anos da instituição, o artista apresentará esculturas incorporadas às próprias sombras, conferindo um instigante universo poético ao espaço. Seis das esculturas foram criadas especialmente para a mostra. Madeira, alumínio, acrílico, parafina, vidro, aço, ossos são alguns dos materiais que compõem as esculturas de Venosa e a singularidade de seu fazer artístico, desenvolvido a partir de sua experiência vinda de trabalhos artesanais (herdou do pai o conhecimento do trato com o design e a madeira). De natureza expansiva, desenvolveu atalhos históricos e tornou-se um dos maiores expoentes do cenário cultural contemporâneo. Sintonizado com novas tecnologias, passou a trabalhar também com impressões em 3D, trazendo para suas esculturas infinitas possibilidades combinatórias.

 

Inquietas e interrogativas, as obras de Angelo Venosa problematizam a visão do espectador – diz Vanda Klabin, ao revelar que o artista irá explorar no Museu Vale a equivalência entre as áreas cheias e vazias, através da projeção de sombras nas superfícies arquitetônicas da instituição. “- Na medida em que esses trabalhos são desenvolvidos, as formas emergem e adquirem uma plasticidade inesperada. Toda uma noção de movimento se faz presente nessas sombras movediças, onde brotam as formas mais variadas e ambíguas e essas zonas de indeterminação adquirem uma presença plástica que se constrói e se experimenta no próprio espaço – conclui a curadora.

 

A mostra de Angelo Venosa nas comemorações dos 20 anos do Museu Vale reitera o compromisso da instituição de promover a arte e a cultura como fenômeno de transformação e de formação dos jovens, diz Ronaldo Barbosa, diretor do Museu: “…Venosa é um artista que caminha em paralelo com o seu tempo, sempre dedicado ao experimento de novos materiais, tecnologias e seus desdobramentos no seu processo criativo. No Museu Vale, o escultor irá surpreender ao exibir uma nova possibilidade de se perceber os seus trabalhos”.

 

Após o período de exposição no Museu Vale, “Penumbra” segue para o Memorial Minas Gerais Vale, em Belo Horizonte, como parte do Programa de Itinerância Cultural. O programa prevê a troca de conteúdo artístico e cultural entre os quatro espaços culturais patrocinados pela Vale, localizados em quatro das cinco regiões brasileiras, além de ações de valorização da identidade cultural em munícipios pelo interior do país.

 

 

Sobre o artista

 

Angelo Venosa (São Paulo, 1954. Vive e trabalha no Rio de Janeiro) surgiu na cena artística brasileira na década de 1980, tornando-se um dos expoentes dessa geração. Desde esse período, Venosa lançou as bases de uma trajetória que se consolidou no circuito nacional e internacional, incluindo passagens pela Bienal de Veneza (1993), Bienal de São Paulo (1987) e Bienal do Mercosul (2005). Hoje, o artista tem esculturas públicas instaladas no Museu de Arte Moderna de São Paulo (Jardim do Ibirapuera); na Pinacoteca de São Paulo (Jardim da Luz); na praia de Copacabana / Leme, no Rio de Janeiro; em Santana do Livramento, Rio Grande do Sul e no Parque José Ermírio de Moraes, em Curitiba. Possui trabalhos em importantes coleções brasileiras e estrangeiras, além de um livro panorâmico da obra, publicado pela Cosac Naify, em 2008.

 

 

Sobre o Museu Vale

 

Desde a sua inauguração, em outubro de 1998, o Museu Vale se tornou um dos principais polos de arte contemporânea e de formação cultural do Estado do Espírito Santo e do país. Instalado na Antiga Estação Ferroviária Pedro Nolasco, às margens da baía de Vitória, em uma área tipicamente industrial e portuária no município de Vila Velha, o Museu Vale preserva também a memória da construção da Estrada de Ferro Vitória a Minas. Ao longo de 20 anos sediou 46 exposições de arte contemporânea de 194 artistas. Em 2005, criou o Programa Aprendiz, que beneficia jovens das comunidades carentes do seu entorno, capacitando-os em funções relacionadas a montagem de exposições, bem como aproveitando sua mão de obra durante a montagem das mostras que realiza anualmente. Até o momento 120 jovens foram beneficiados através desse projeto.

 

 

De 24 de maio a 09 de setembro.

O surfe brasileiro

14/mai

O fotógrafo Gustavo Malheiros lança seu novo livro: “Tempestade”. O projeto reúne registros de grandes nomes do esporte, dos jovens surfistas às lendas brasileiras em momentos que vão além de campeonatos. Família, superação, desafios, treinos, choros e alegrias revelam o cotidiano de uma tribo que roda o mundo em busca das melhores ondas e do mar perfeito.

 

A ideia do livro aconteceu em 2014, durante o mundial de surfe no Havaí, inspirado no primeiro campeonato mundial do WCT vencido por um brasileiro, Gabriel Medina. Gustavo Malheiros estava em Pipeline assistindo a final ao lado de Kelly Slater, Mick Fanning, Jadson André e Tom Caroll. A mistura de sensações foi o estopim para o fotógrafo unir sua paixão pelo esporte com o ímpeto de querer registrar todas as belas imagens que ele proporciona.

 

O projeto reúne fotos de diferentes campeonatos, assim como imagens das grandes lendas do esporte nacional, e não traz apenas fotos em movimento, ou em pódios e campeonatos. Gustavo Malheiros busca também retratos, momentos entre amigos, cenas do cotidiano em família e viagens ao redor do mundo para mostrar a paixão que liga todos a esse esporte e ao mar.

 

“Este livro é sobre o momento histórico que estamos vivendo. É também sobre os surfistas que conheci em minhas viagens pelo mundo, sobre histórias de superação desses atletas impressionantes.”, completa o fotógrafo.

 

A capa de “Tempestade” busca resumir o que o leitor vai sentir ao abrir o livro. Gabriel Medina, um dos maiores surfistas mundiais e um dos maiores nomes do surfe brasileiro da atualidade, em cima da prancha mar a dentro, e uma imensidão a sua frente.

 

 

Sobre Tempestade

 

O livro começou em 2014 e reúne fotos de diferentes cidades, países e continentes. Foi inspirado pelo primeiro campeonato mundial do WCT vencido por um brasileiro, Gabriel Medina, conquistado em Pipeline.

 

“Este livro começou por causa de Gabriel Medina, Adriano de Souza, Filipe Toledo – o surfe deles transcendeu a água e encantou a todos. Junto com outros surfistas incríveis”, comenta Gustavo Malheiros.

 

“Chegamos ao litoral norte de Oahu para assistir ao Pipe Masters Pro no dia 08 de novembro de 2014. A praia foi invadida por brasileiros e eu não sabia se pulava ou tirava fotos, acho que fiz os dois. Posso afirmar, sem a menor sombra de dúvida, que senti a mesma felicidade em 2002, quando o Brasil venceu a Copa do Mundo”, conta Malheiros. Gustavo selecionou imagens de temporadas no Havaí, Califórnia, Rio de Janeiro, França, África do Sul e Portugal.

 
Sobre o artista

 

Formado pela School of Visual Arts de Nova York, Gustavo Malheiros trabalhou com o renomado fotógrafo Bruce Weber no início de sua carreira. Já realizou exposições de seus trabalhos em Londres, Hong Kong, Madri, Turim, Paris e Nova York, além de Rio e São Paulo. No segmento publicitário, trabalhou com grandes agências como WMcCann, Lew Lara\TBWA, Giovanni DraftFCB, entre outras. Reconhecido pelos trabalhos de Moda, tem editoriais e ensaios em publicações como Vogue, Trip, TPM e GQ, com registros de modelos como Gisele Bundchen e Alessandra Ambrósio desde o início da carreira. Seus livros publicados são: Verão Passado, Superação, O Coração do Brasil, Anônimos Famosos 1 e 2, O Livro das Águas, Ilhas Brasileiras, Amazônia, Foi no Carnaval que Passou, Pedra e Luz, Backstage, O Circo, Todos os Tons do Cerrado e Brazilyorkers.Sobre o artista

 

Atualmente, está trabalhando com filmes documentais: Anônimos Famosos, a série com mesmo tema de seus livros, atualmente sendo exibida no Canal Cine Brasil; Brazilyorkers, série também baseada em livro de mesmo nome, sobre brasileiros que moram em Nova York; e Tempestade, longa metragem que retrata o momento atual do surfe brasileiro, ainda em produção.

 

 

Sobre a obra

 

 

Título: Tempestade / Editora: Arte Ensaio / Preço sugerido: R$ 80,00 / Formato: 33cm x 27cm/ 280 páginas / capa dura

Impressão: Ipsis Gráfica e Editora / ISBN: 9788560504589

 

 

Ficha Técnica

 

Editores: Gustavo Malheiros / Silvana Monteiro de Carvalho / Paula Paixão / Maria Duprat / Fotografias: Gustavo Malheiros / Prefácio: Gustavo Malheiros / Direção de arte: Felipe Luchi / Assistente Editorial: Rebecca Mattos / Pato Vargas/ Sandra Tami / Produtora: Gabriela Lima / Tratamento de imagens: Pato Vargas / Assistente de fotografia: Andre Fontes / Rebeca Dourado / Fernando Cazaes / Revisão de texto: Kathia Ferreira

 

Verões marcantes 

12/abr

Momentos marcantes de verões passados, desde a adolescência nos anos 80 até hoje. Esse é o fio condutor do novo livro do fotógrafo Gustavo Malheiros. O projeto reúne em 280 páginas imagens do cotidiano de praias – e festas – ao redor do mundo. Uma época onde é possível aproveitar o esporte, a natureza, a música e os amigos como se o Sol não fosse se pôr jamais. Gustavo selecionou imagens de temporadas na Indonésia, Havaí, Califórnia, Rio de Janeiro, Hossegor (França), Costa Rica e Guarda do Embaú, em Santa Catarina).Sempre em busca do verão perfeito, o fotógrafo eternizou momentos com os amigos, pessoas locais que foi conhecendo, novos costumes e paisagens.

 

 

Sobre o artista 

 

Formado pela School of Visual Arts de Nova York, Gustavo Malheiros trabalhou com o renomado fotógrafo Bruce Weber no início de sua carreira. Já realizou exposições de seus trabalhos em Londres, Hong Kong, Madri, Turim, Paris e Nova York, além de Rio e São Paulo. No segmento publicitário, trabalhou com grandes agências como WMcCann, Lew Lara\TBWA, Giovanni DraftFCB, entre outras. Reconhecido pelos trabalhos de Moda, tem editoriais e ensaios em publicações como Vogue, Trip, TPM e GQ, com registros de modelos como Gisele Bundchen e Alessandra Ambrósio desde o início da carreira. Seus livros publicados são: Superação, O Coração do Brasil, Anônimos Famosos 1 e 2, O Livro das Águas, Ilhas Brasileiras, Amazônia, Foi no Carnaval que Passou, Pedra e Luz, Backstage, O Circo, Todos os Tons do Cerrado e Brazilyorkers. Atualmente, está trabalhando com filmes documentais: Anônimos Famosos, a série com mesmo tema de seus livros, atualmente sendo exibida no Canal Cine Brasil; Brazilyorkers, série também baseada em livro de mesmo nome, sobre brasileiros que moram em Nova York; e Tempestade, longa metragem que retrata o momento atual do surfe brasileiro, ainda em produção.

 

 

Sobre a obra

 

Título: Verão Passado / Preço sugerido: R$ 100,00

 

Formato: 26,6 x 32,6 cm / 280 páginas / capa dura / Impressão: Ipsis Gráfica e Editora

 

ISBN: 9788560504909

 

 

Ficha Técnica

 

Editores: Gustavo Malheiros / Silvana Monteiro de Carvalho / Paula Paixão / Maria Duprat

 

Fotografias: Gustavo Malheiros / Prefácio: Gustavo Malheiros / Design: Frederico Farina

 

Assistente Editorial: Rebecca Mattos / Pato Vargas / Produtora: Gabriela Lima / Stylist: Lucas Magno

 

Tratamento de imagens: Pato Vargas / Assistente de fotografia: Andre Fontes / Rebeca Dourado / Fernando Cazaes

 

Revisão de texto: Kathia Ferreira

Dois no Galpão

A Fortes D’Aloia & Gabriel tem o prazer de apresentar duas exposições individuais simultâneas: “Hiato” de Rodrigo Matheus e “Cartas na mesa” de Sara Ramo ocupam o Galpão, Barra Funda, São Paulo, SP. Na ocasião da abertura, Rodrigo Matheus lança ainda seu livro monográfico pela Editora Cobogó, uma publicação com textos de Matthieu Lelièvre, Philip Monk e Kiki Mazzucchelli que abrange sua trajetória artística dos últimos 10 anos.

 

De 12 de abril a 19 de maio.