Prêmio Marcantônio Vilaça

13/jun

: Adriana Varejão

: Beatriz Milhazes

: Gilvan Samico

: Hildebrando de Castro

: Leda Catunda

: Luiz Zerbini

Edição especial do “Prêmio CNI SESI SENAI Marcantonio Vilaça para as Artes Plásticas” celebra os dez anos do projeto com a inauguração de duas mostras comemorativas no dia 29 de maio no Museu Histórico Nacional, no Rio de Janeiro. Na noite de abertura das exposições, “Inventário da paixão e Cor, luz e movimento”, também será dada a largada da 5ª edição do prêmio com a divulgação do novo regulamento para os próximos anos.

Entre as inovações que serão apresentadas pelo atual curador e coordenador geral, Marcus de Lontra Costa, está o aumento do valor da bolsa de pesquisa conferida a cada um dos cinco artistas vencedores, que passa de R$ 30 mil para R$ 40 mil; e a ampliação do sistema de premiação, se torna mais plural com a inclusão de curadorias regionais no júri de seleção e uma exposição com trabalhos com os 30 artistas pré-selecionados.

Além dessas novidades, uma inédita premiação para curadores emergentes passa a integrar o Prêmio CNI SESI SENAI Marcantonio Vilaça, que se constitui uma das maiores ações de apoio do setor privado à arte brasileira. O novo formato propõe ainda ênfase especial aos processos pedagógicos que possibilitem a qualificação de trabalhadores, professores e estudantes por meio de ações que unam criatividade artística e pesquisa tecnológica.

O diretor de Operações do Serviço Social da Indústria (SESI), Marcos Tadeu de Siqueira, destacou a importância do Prêmio. “O investimento em artes contribui para uma interação entre as atividades culturais e o desenvolvimento econômico. Nenhum país pode se considerar desenvolvido, se não tiver um olhar para questões que envolvam cultura, educação e qualidade de vida do trabalhador”, disse.

Inventário da Paixão

As duas mostras comemorativas dessa edição especial reavivam as intenções que motivaram a Confederação Nacional da Indústria (CNI), o SESI e o Serviço Nacional de Aprendizagem Industrial (SENAI), a criarem o prêmio, em 2004. A panorâmica Inventário da paixão é uma homenagem ao galerista Marcantonio Vilaça, patrono do prêmio, que reúne 66 obras de 36 artistas surgidos a partir dos anos 80 e que tiveram mais projeção em suas trajetórias profissionais depois do trabalho em parceria com Marcantonio. Beatriz Milhazes, Adriana Varejão, Angelo Venosa, Luiz Zerbini e Cildo Meireles são alguns desses expoentes aliados a um expressivo núcleo de artistas internacionais, cujos trabalhos passaram a ser mais conhecidos no Brasil devido à ação de intercâmbio artístico realizada pelo galerista (veja lista completa abaixo). “A impactante presença dessas obras juntas em um mesmo espaço físico, com sua variedade de linguagens e propostas estéticas constitui um vibrante painel da arte no Brasil e no mundo e refletem a personalidade exuberante e inquieta daquele que empresta o seu nome à nossa iniciativa”, comenta Lontra.

Arte Indústria

As relações entre processos de criação artística e produção industrial são acentuadas no recém criado projeto Arte Indústria que acompanhará todas as edições do prêmio. A série se inicia com a coletiva Cor, luz e movimento em homenagem a Abraham Palatnik. A partir de trabalhos deste pioneiro da arte cinética, diversos artistas estabelecem pontos de contato com o conjunto de sua obra. A mostra apresenta uma sala especial com oito trabalhos de Palatnik e 38 obras de 14 artistas que se relacionam com sua poética. Entre eles Ana Linnemann, Eduardo Coimbra, Deneir e Emygdio de Barros. (Veja a lista completa abaixo). Para o idealizador da exposição, o projeto parte do pressuposto de que o aspecto definidor da arte do século 20 está na instigante relação entre o artista e a máquina.

Novo Regulamento

A partir de sua quinta edição, o “Prêmio CNI SESI SENAI Marcantonio Vilaça” renova formato e regulamento de modo a se aproximar cada vez mais da investigação artística contemporânea, compreendida como ação fundamental para o desenvolvimento do conhecimento humano e da pesquisa tecnológica. A iniciativa do Sistema Indústria criada em 2004, ao longo desse tempo, realizou quatro edições consecutivas. Recebeu 2532 propostas e premiou 20 artistas, que atuam em diferentes pontos do país, com bolsas de trabalho e acompanhamento dos projetos por curadores designados. Ao conceber as duas mostras da edição especial, os novos curadores revigoram a proposta do “Prêmio CNI SESI SENAI Marcantonio Vilaça” no cenário artístico brasileiro e afirmam sua presença como uma referência entre as principais premiações nacionais no gênero.

Quem foi Marcantônio Vilaça

Marcantonio Vilaça, falecido precocemente em 2000 aos 37 anos de idade, tem sua trajetória cultural iniciada em Recife, PE. Influenciado pelos pais, conheceu a arte popular da região e fez visitas rotineiras a museus, igrejas e conventos de todo o Nordeste. Aos 15 anos, adquiriu sua primeira obra de arte, uma gravura de Samico. No início dos anos 80, Marcantônio e a irmã Taciana Cecília abriram sua primeira galeria de arte, a Pasárgada, na Praia de Boa Viagem, em Recife. Em 1991, instalou-se em São Paulo e inaugurou a Galeria Camargo Vilaça, junto com a sócia Karla Camargo. Aos 35 anos, possuía cerca de 500 obras dos mais representativos artistas contemporâneos brasileiros. Em sua trajetória como marchand, ajudou a projetar novos talentos no mercado brasileiro e internacional e doou diversas obras de sua coleção particular para diversos museus, tanto instituições nacionais quanto internacionais.

Artistas participantes da exposição:

FICHA TÉCNICA:

Coordenação Geral: Claudia Ramalho;

Curador: Marcus de Lontra Costa;

Curadora Adjunta: Daniela Name;

Produção: Maria Clara Rodrigues – Imago Escritório De Arte;

Produção Executiva: Andreia Alves | Marcia Lontra;

Expografia: Marcio Gobbi;

Identidade Visual: New 360;

Projeto Técnico Interativo: 32bits Criações Digitais;

Iluminação: Antonio Mendel;

Projeto Educativo: Rômulo Sales Arte Educação

De 30 de maio a 13 de julho.

Livro: As Donas da Bola

: Capa do livro

: Nair Benedicto

: Monica Zarattini

A editora Sýn Criativa lança o livro “As Donas da Bola”, com curadoria e edição de Diógenes Moura, reunindo 11 dos mais representativos nomes da fotografia brasileira: Ana Araújo, Ana Carolina Fernandes, Bel Pedrosa, Eliária Andrade, Evelyn Ruman, Luciana Whitaker, Luludi Melo, Marcia Zoet, Marlene Bergamo, Mônica Zarattini e Nair Benedicto. O livro acompanha a exposição homônima inaugurada em maio deste ano, no Centro Cultural São Paulo, e traz um conjunto de 110 imagens, cor/ preto e branco, as quais retratam a presença da mulher e suas relações com a cultura do futebol, esporte tão característico do universo masculino.

Especialmente neste momento em que tudo parece girar em torno da bola, é preciso desconcentrar o futebol do mundo masculino e intensificar a participação da mulher neste espaço, exibindo a diversidade das suas experiências e realidades. Superados os preconceitos e desigualdades de gêneros, a atenção se volta ao olhar feminino, aos detalhes que sua sensibilidade aguçada lhe permite captar. Para este projeto, as imagens foram feitas em diversos locais do país – como São Paulo, Rio de Janeiro, Pernambuco, Amapá e Bahia, entre outros -, mostrando, além das peculiaridades de cada região, que o fanatismo e o amor pelo time também pertencem ao universo feminino.

As Donas da Bola reúne fotógrafas profissionais com grande experiência no fotojornalismo, seja em trabalhos autorais ou em ensaios, e mostra o lado delas acerca desta tradição, por meio de um modo de ver especial, sensível, de um ponto de vista interior – sem a pretensão de considerá-lo material de consumo. “Essa iniciativa pretende preencher uma lacuna importante ao aplicar a percepção e a consciência social sobre a importância da mulher no futebol enquanto esporte, dentro de uma cultura nacional ainda em formação.”, comenta Diógenes Moura.

Evento: Lançamento do livro As Donas da Bola

Data: 14 de junho de 2014, sábado, às 16h

Local: Centro Cultural São Paulo

Endereço: Rua Vergueiro, 1.000 – São Paulo, SP

* Na ocasião, haverá uma conversa aberta com o curador e as fotógrafas do projeto.

LIVRO: As Donas da Bola

Fotógrafas: Ana Araújo, Ana Carolina Fernandes, Bel Pedrosa, Eliária Andrade, Evelyn Ruman, Luciana Whitaker, Luludi Melo, Marcia Zoet, Marlene Bergamo, Mônica Zarattini e Nair Benedicto

Curadoria e edição: Diógenes Moura

Editora: Sýn Criativa

Patrocínio: Petrobrás e Caixa Econômica Federal

Número de páginas: 192

Dimensão: 28 x 28 cm

Preço de venda: R$ 60,00

Livro de Jorge Zalszupin

10/jun

Jorge Zalszupin foi um designer visionário, formado em arquitetura na Romênia. Sua obra até então carecia de um estudo digno de suas ideias vanguardistas, mas a autora Maria Cecilia Loschiavo nos brinda com esta edição minuciosa de toda a obra de um dos ícones do design brasileiro. Zaslzupin liderou uma iniciativa ímpar; coordenou uma equipe de designers que trabalhavam para quatro distintas fábricas de um mesmo grupo empresarial, o grupo Forsa. Esta é uma experiência rara e talvez única no mundo. A autora nos traz as origens de grandes clássicos, como a poltrona Dinamarquesa, a Paulistano entre outros móveis, que hoje são reeditados pela marcenaria Etel Carmona. Este livro é uma obra indispensável a todos os estudantes e amantes do design de móveis brasileiros.

Fonte: Livraria Cultura

O futebol de Eduardo Coimbra

09/jun

O Paço Imperial, Centro, Rio de Janeiro, RJ, inaugura a exposição “Futebol no Campo Ampliado”, individual de Eduardo Coimbra. Às vésperas do início da Copa do Mundo no Brasil, a mostra, reúne oito maquetes de estádios de futebol fictícios, onde se realizam jogos inventados pelo artista. A Copa, diz Coimbra, foi determinante para a realização desta exposição agora, mas não para a criação de suas obras. A primeira desta série é de 2001, outras três são de 2010 e os outros quatro estádios presentes na mostra foram realizados este ano.

Nos estádios imaginários, o que se vê são competições que ressaltam propriedades intrínsecas ao futebol tradicional: o drible, o equilíbrio, o toque de bola, a precisão dos chutes etc. Coimbra pensa as novas propostas como desvios do futebol original, com desenhos diferentes de linhas demarcatórias do campo e novas regras para o jogo. As regras mudam, mas o objetivo continua sendo o mesmo: marcar um gol no adversário. Cada estádio foi projetado levando em conta as características formais e dinâmicas das pelejas. A arquitetura assume o papel principal dos jogos, uma vez que sua forma transfere para a audiência as situações espaciais vividas pelos jogadores no campo. Em “Futebol no Campo Ampliado”, as maquetes estão instaladas verticalmente nas paredes para a visão frontal do espectador, tornando explícitos o desenho do campo, as arquibancadas e o volume do objeto. Junto cada maquete, um texto explica as regras do jogo, evidenciando a relação das arquiteturas com os jogos propostos.

O artista convidou também oito pessoas de áreas profissionais variadas, que têm em comum a paixão pelo futebol, para escreverem comentários sobre cada um dos estádios e jogos: Aldir Blanc, Adolfo Montejo Navas, Cássio Loredano, Hilário Franco Jr, Luis Fernando Veríssimo, Luiz Antonio Simas, Paulo Bruscky e o jornalista Sérgio Cabral.

– Achei que seria curioso ouvir o que diversas pessoas, para as quais o futebol desperta profundo interesse, pensariam dessas situações. Seriam pareceres sobre o futebol, não sobre arte. Incluir os textos na exposição constrói mais uma camada de leitura para aquelas proposições espaciais, diz Eduardo Coimbra.

Eduardo Coimbra aponta que, diferente dos estádios comuns, onde o lugar da torcida é a arquibancada ao redor do campo, assistindo à partida “do lado de fora”, nas maquetes apresentadas no Paço Imperial, não há neutralidade da audiência. Em Estádio III (2010), por exemplo, há dois tipos de arquibancada: um mais próximo do tradicional, acompanhando o contorno do campo (que, nesse caso, não tem o formato convencional de retângulo), e outro, localizado em dois pontos no meio do campo, permitindo ao espectador um ponto de vista “de dentro” da partida e, ao mesmo tempo, obrigando que o jogo incopore a presença desse elemento arquitetônico no meio da área.

Como em outros trabalhos do artista, essas maquetes não são etapas de projetos a serem realizados na escala real. São ideias espaciais que finalizam em si mesmas a proposta de pensar de uma maneira extrema a relação entre um objeto arquitetônico e sua função. Nelas a relação “palco x plateia” é atravessada por uma noção de espaço onde o movimento de jogo e a solidez da arquitetura são protagonistas de uma narrativa sem hierarquia, num cenário sem figura e sem fundo. Completam a exposição textos inéditos do professor e crítico de arte Agnaldo Farias e da crítica de arte Daniela Name.

Sobre o artista

Eduardo Coimbra nasceu no Rio de Janeiro em 1955, cidade onde vive e trabalha. Iniciou sua carreira no começo dos anos 1990. O foco da ação do artista tem se deslocado gradualmente para trabalhos em grande escala, culminando com a realização de instalações públicas, como a realizada na Praça XV, no Rio, em 2008, e na Praça Charles Muller, em São Paulo, em 2012; e a do Espaço de Instalações Permanentes do Museu do Açude, no Rio, em 2008. Em paralelo a essa produção em grande escala, Coimbra mantém práticas artísticas mais intimista, como a da grande série de maquetes realizadas a partir de 1999 ou as fotografias/colagens em que ilhas aparecem flutuando no céu, num cenário quase onírico (série Asteroides). Seus desenhos, pinturas, maquetes e objetos têm referência recorrente na paisagem, nas questões de percepção espacial e nos desdobramentos que essa reflexão pressupõe.

Coimbra participou da 29ª Bienal de São Paulo (2010) e da 3ª Bienal do Mercosul, em Porto Alegre (2001). Exposições coletivas recentes incluem: Coleção Itaú de fotografia brasileira no Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, 2013; Palácio das Artes, Belo Horizonte, 2013; Bola na rede, Funarte, Brasília, 2013; Espelho refletido, Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica, Rio de Janeiro, 2012; Höhenrausch 2, Offenes Kulturhaus Oberösterreich, Linz, Áustria, 2011; Lugar algum, SESC Pinheiros, São Paulo, 2010; e After utopia, Centro per l’Arte Contemporanea Luigi Pecci, Prato, Itália, 2009.

Até 10 de agosto.

Téti Waldraff no MAC-RS

O Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul, Centro Histórico, Porto Alegre, RS, inaugura a exposição “JARDIM EM FLOR”, uma panorâmica de 25 anos da artista Téti Waldraff. A mostra entra em cartaz na Galeria Xico Stockinger, 6º andar da Casa de Cultura Mario Quintana, Porto Alegre, RS. A curadoria é da crítica de arte Paula Ramos.

Texto do diretor do MAC-RS

A exposição JARDIM EM FLOR da Téti Waldraff é uma intensa e radiante ode a vida, aquela que pulsa na natureza e é apreendida com sensibilidade pela artista em centenas de desenhos e objetos, com múltiplas formas e cores, traduzindo na sua arte, cheia de força e verdade próprias, o significado do “exercício experimental de liberdade”, como Mario Pedrosa conceituava o fazer artístico. O que também podemos sentir na obra da Téti é a capacidade infinita que o verdadeiro artista tem de se deslumbrar com a natureza e a vida.

André Venzon

Texto da curadoria

Uma das lembranças mais vívidas de Téti Waldraff (Sinimbu, RS, 1959) é do período em que, menina, percorria e observava o primoroso jardim mantido pela mãe. O amor que Dona Íris devotava às plantas e o modo como distribuía as espécies, harmonizando formas e cores, foram alimentando desde cedo o olhar e a sensibilidade de Téti, que, quando percebeu, também cultivava jardins. Reais ou fictícios, eles são como a própria artista: lúdicos, desembaraçados, obsessivos. E, fundamental: plenos de memórias e afetos.

Pode-se dizer que tudo, na sua obra, é resultado de encontros. Para Téti, é essencial vaguear pela cidade, deixar-se surpreender pela natureza, respirar o mato verde do distrito de Faria Lemos, no interior de Bento Gonçalves, onde mantém ateliê. Os registros desses percursos, depois elaborados, manifestam-se nos diários da artista, nos quais escreve, projeta, risca, colore, fixa imagens e impressões. Anotações pessoais e, ao mesmo tempo, documentos de trabalho, esses cadernos revelam procedimentos similares aos verificados em seus desenhos e objetos: sobreposição, aglutinação, colagem, costura, embrulhamento, amarração.

Tais processos despontaram no final dos anos 1990, quando, perguntando a si mesma se ainda poderia pintar uma paisagem, Téti trocou os materiais tradicionais por uma miríade de tecidos, lantejoulas, flores de plástico, botões e artefatos hodiernos frequentemente qualificados como kitsch. Fascinada por seus brilhos, transparências e texturas, passou a construir jardins ambulantes, cujos títulos sugerem a capacidade de ressignificação de nossas bagagens cotidianas.

Organizada como uma pequena antologia, a mostra articula trabalhos de mais de 25 anos de perseverante e contínua produção, escancarando o transbordamento de emoções dessa artista e arte-educadora que resolveu fazer da vida um ato potente de arte.

Paula Ramos

Mediação educativa para a exposição

A artista ministrará ainda a oficina: “TRIPADEIRAS… EXTENSÕES QUE ANIMAM!” para professores, estudantes de arte e interessados inaugurando o Espaço Vasco Prado do MACRS, no 6º andar da CCMQ, como espaço educativo do Museu. A atividade pedagógica tem como objetivos principais: Atiçar a observação cotidiana para que seja possível constituir memórias afetivas dos espaços que habitamos e a partir desta percepção recriar /inventar/propor novas geo-grafias; Buscar a essência do convívio com a natureza, sem o compromisso de imitar ou reproduzir o real; Explorar a forma, a cor e a linha da natureza, ativando as memórias já constituídas; Construir metáforas singulares; Experimentar o exercício de pintura/desenho expandido, visando procedimentos construtivos artísticos contemporâneos;

Desencadear questionamentos sobre intervenções artísticas no espaço. A oficina será desenvolvida no turno da tarde, das 13h30min às 17h30min (4 horas), em sete momentos de trabalho em grupo, partindo de uma visita guiada com a artista à exposição, passando pela processo de criação de “tripadeiras” individuais até a troca destes trabalhos entre os participantes ao final do processo. As datas e inscrições da oficina serão divulgadas no facebook.com/contemporanears, a partir do dia 11 de junho.

Sobre a artista

Téti Waldraff nasceu em Sinimbu, RS, 1959. ) Possui Licenciatura em Educação Artística, Feevale, Novo Hamburgo, RS, 1979; Licenciatura em Artes Plásticas, Instituto de Artes da UFRGS, Porto Alegre, RS, 1984; Bacharelado em Artes Plásticas – Habilitação Desenho, Instituto de Artes da UFRGS, Porto Alegre, RS, 1986. Com formação complementar em curso de desenho com Carmen Moralles, Atelier Livre, Porto Alegre, RS, 1980/1982; Curso de desenho com Marcos Coelho Benjamim, 16º Festival de Inverno, Universidade Federal de Minas Gerais, Diamantina, MG, 1983; Curso de pintura com Karin Lambrecht, Instituto Goethe, Porto Alegre, RS, 1983; entre as exposições individuais realizadas destacam-se: “Finitus… ou configurar a geografia por um instante”, intervenção no Espaço Cultural de Arte Contemporânea Torreão, Porto Alegre, RS, 1994; e “Téti Waldraff.- Bagagem de Jardim”, Kunsthalle Köln-Lindenthal, Kulturgalerie Bi Pi´s Köln, Alemanha, 2006.

De 10 de junho a 10 de agosto.

Bate papo na Athena Contemporânea

Amanhã, dia 10, ás 20h, Alexandre Mury, artista conhecido pelos seus irreverentes autorretratos, que atualmente apresenta 12 trabalhos inéditos em sua primeira exibição individual na Galeria Athena Contemporânea, Shopping Cassino Atlântico, Copacabana, Rio de Janeiro, RJ, recebe para bate papo com Elisa Byington, curadora da exposição. Nessa mostra – “Eu sou Pintura” – realziada a partir de releituras de ícones da pintura, escultura, cinema, literatura e outras referências da cultura universal, usando a fotografia como suporte, Alexandre Mury encanta com seus personagens de caráter performáticos, dirigindo e produzindo todo o processo. “A proposta é um deslocamento de significados no tempo e no espaço, inspirado nas variadas possibilidades de perceber as cores, de uma forma divertida e intrigante”, avalia o artista, que costuma dizer que se multiplica em vários “eus” em seus trabalhos.

A maior característica desta série é o foco na cor. “Por serem quase monocromáticos o efeito é praticamente uma camuflagem, onde não só aspectos plásticos são mimetizados mas toda uma provocação com ambiguidades de paradoxos que exigem um olhar atento para cada obra”, avalia Mury. Entre os destaques desta mostra estão os trabalhos inspirados nas obras Arranjo em cinza e preto, no. 1 (James Whistler), A escala em amarelo (Frantisek Kupka), O bebedor de absinto (fase azul de Pablo Picasso) e Pallas Athena (fase dourada de Gustav Klimt).

Fajardo e Iole de Freitas na Raquel Arnaud

06/jun

: Carlos Fajardo

: Iole de Freitas

A galeria Raquel Arnaud, Vila Madalena, São Paulo, SP, exibe simultaneamente dois artistas contemporâneos: Carlos Fajardo e Iole de Freitas. Em “No aberto”, Carlos Fajardo desdobra questões apresentadas em sua mostra anterior na galeria. O artista reforça a ideia de Helio Oiticica de que o público é participador e não espectador. “Ele (público) se insere nos trabalhos e, dessa forma, os influencia pela presença e refletividade”, diz Fajardo.

As onze obras apresentadas na exposição foram criadas a partir de diversos materiais como espelhos, vidros laminados coloridos, tecidos e fotografias, em dimensões que correspondem à escala humana. Os trabalhos, além de abordar multiplicação da imagem do visitante, exploram a relação da superfície plástica com suas possíveis reflexões visuais quando associadas aos materiais utilizados. A mostra conta, ainda, com uma instalação que se assemelha a um labirinto em linha reta.

Iole de Freitas, apresenta-se com sete obras em “Sou minha própria arquitetura”. A mostra decorre da pesquisa realizada pela artista durante sua residência na Casa Daros, no Rio de Janeiro, entre 2011 e 2013, que deu origem ao livro “Para que servem as paredes do museu?”. Neste período, Iole trabalhou em meio à instabilidade da restauração da instituição carioca e tal condição influenciou a criação de sua grande instalação com a qual o espaço foi inaugurado.

Na presente mostra Iole amplia os conceitos arquitetônicos existentes nos prédios dos museus onde atuou como, Casa Daros, Pinacoteca de São Paulo, Casa França Brasil, entre outros, e apresenta obras em formatos menores que enfocam os mesmos conceitos estéticos elaborados em suas grandes instalações.

Obras construídas em chapas de aço opaco ou refletor que constituem as “paredes” do ambiente e recebem intensas torções das chapas coloridas de policarbonatos.”Em uma nova linguagem, o trabalho desloca as paredes originais dos prédios e implanta uma intervenção plástica diferente, reiterando aquela das grandes instalações previamente realizadas”, afirma a artista.

Até 12 de julho de 2014

O Brasil na Copa

05/jun

: Alina Cubas Fonteneau

: Gustavo Nackle

: Herton Roitman

O Brasil, agora situado como sede da Copa do Mundo, é o tema da exposição apresentada na Galeria de Arte André, Jardim América, São Paulo, SP. Foram convidados 24 artistas para que criassem obras alusivas ao país e ao evento que sedia o mundial de futebol. A exposição, denomina de “O Brasil na Copa”, apresenta cerca de 32 obras distribuídas entre pinturas e esculturas, e exibe o Brasil como um todo em trabalhos assinados pelos artistas Inos Corradin, Antonio Bontempo, Alina Cubas Fonteneau, Sonia Menna Barreto, Herton Roitman, Alex Orsetti, Anita Kaufmann, Antonio Miranda, Cássio Lázaro, Eduardo Kobra, Fernando Cardoso, Gustavo Nackle, Marco Stellato, Margarita Farré, Walmir Teixeira, Fernando Cardoso, Heloize Rosa, Moysés Mellim, Élon Brasil, Eduardo Petry, João César de Mello, Marcos Garrot, Rafael Resaffi, Tania Corsini e Kenji Fukuda.

Até 28 de junho.

Julia Kater na SIM galeria

A SIM galeria, Curitiba, Paraná, exibe nova série de trabalhos fotográficos realizados por Julia Kater. A apresentação desta mostra individual da artista é apresentada por Eder Chiodetto. Julia Kater exibe um conjunto especial de imagens em sua particular técnica constituída de relevo seco sobre fotografia impressa em algodão.

O elogio do encontro

Uma garota se curva até o solo e nesse movimento suas costas desenham um arco que casualmente ecoa e dá novo sentido ao conjunto de árvores que estão ao fundo. Figura e fundo, assim captados, não podem mais se dissociarem diante de nossa visão. Ambos passam a ter uma conexão física tão intensa, que tendem a deixar de ser primeiro e segundo plano, para se manifestarem como uma superfície homogênea.

Julia Kater cria, em diversos momentos de sua trajetória como artista visual, hiatos que interrogam a fotografia no seu nascedouro. A linguagem que surgiu com a intenção de mimetizar a realidade por meio da perspectiva renascentista – criando assim a ilusão de tridimensionalidade num suporte plano – vê-se desvelada dessa pseudo potência nas várias estratégias criadas por Kater.

Kater parece sequestrar as distâncias entre aqui e acolá, entre o que está próximo e o que parece distante. Ao subtrair esses espaços que distam figura e fundo, os corpos se amalgamam em sobreposições que sugerem novos desenhos, novas intersecções que criam um novo e inesperado organismo. Inesperado? Talvez nem tanto para quem, no desafio de observar atentamente a paisagem e seu entorno, perceba cenários em movimentos contínuos, que se alternam e se recombinam o tempo todo. As séries de Kater nos dizem que nada é estático, tudo está apto a ser recriado com novas informações, cores e texturas.

Ao raptar os espaços que a fotografia, de fato, não nos mostra – mas para os quais nossa percepção visual foi culturalmente treinada pela história da arte e da representação para assimilá-los – Kater cria colisões que geram o que podemos nomear de eventos escultóricos efêmeros.

As inéditas obras da série “Um e Outro”, criadas para essa primeira individual de Kater na SIM Galeria, apontam novos desdobramentos na busca incessante por esses eventos escultóricos fortuitos, que a artista tem apreendido nos últimos anos. Os planos fotográficos agora se rebelaram a ponto de escaparem da moldura que os encerravam, como nas séries “Ao Mesmo Tempo” e “Lugar do Outro”, por exemplo.

Essa inesperada cisão, que gera dois corpos isolados, traz elementos renovados para as relações entre figura e fundo e parece criar um novo foco de interesse da artista, que consiste na fatura quase impossível de se representar no mesmo plano, que é a relação entre o observador e o que este observa na paisagem.

Novamente uma garota – será a mesma que curvou as costas diante das árvores? – sugere com sua postura, que está observando algo num horizonte que não nos é possível enxergar. Apenas sugere porque Kater oblitera nossa visão do rosto da garota interceptando-a bruscamente com outro quadro, outro plano. Somos levados instintivamente a pensar em causa e efeito: a garota flerta com a paisagem e, nessa deambulação, ela é envolvida quase inteiramente por aquilo que vê.

Se nas séries anteriores o evento escultórico se dava pelo confronto e justaposição de dois corpos distintos, que tendiam a criar um novo desenho-organismo, agora em “Um e Outro”, temos um observador que é tomado por aquilo que ele observa. É ele quem elege na paisagem o elemento que irá transformá-lo. Nessa inversão sutil de ponto de vista, a artista parece se ausentar momentaneamente e deixar de orquestrar os encontros entre figura e fundo, para que o observador fotografado por ela lhe indique aquilo que tem o poder de transformá-lo pelo sentido da visão.

O estilete com o qual a artista criou as conhecidas incisões na superfície das suas fotografias, para revelar novas camadas significantes sob a paisagem, nesse instante foram transferidos para os olhos dos personagens que ela encontra em seu cotidiano.

Escultóricos, orgânicos e desafiadores, esses novos trabalhos de Julia Kater fazem uma espécie de elogio ao encontro entre pessoas, paisagens e histórias. Afinal, são sempre os encontros que nos propiciam transformações nos roteiros que seguimos, desenhando no fluxo contínuo da vida.

Eder Chiodetto

Sobre a artista

Julia Kater nasceu em Paris, França, em 1980. Vive e trabalha em São Paulo, Brasil. Possui formação em fotografia pela Escola Superior de Propaganda e Marketing – ESPM, São Paulo, SP, Brasil. Entre suas premiações encontram-se 2012, Residência Artística, Carpe Diem Arte e Pesquisa, Lisboa, Portugal e em 2011, Prêmio Funarte de Arte Contemporânea, São Paulo, Brasil. Realizou exposições individuais em 2014, Caixa Cultural Brasília; Galeria Vitrine, Brasília, DF; 2013, Projeto 3C, Centro de Criação Contemporânea, Salvador, BA; 2012, Galerie Virginie Louvet, Paris, França; Ao Mesmo Tempo, Fundação Abraço, Lisboa, Portugal; Lugar do Outro, Zip´up, Galeria Zipper, São Paulo, SP. Entre as exposições coletivas que participou destacam-se: 2013, Carla Chaim, Julia Kater, Marcia de Moraes, Casa do Brasil em Bruxelas, Bélgica; 2012, Soma, Genebra, VL Contemporary, Suíça, Inventário da Pele, Fotografia Contemporânea Brasileira, Curadoria Eder Chiodetto, SIM Galeria, Curitiba; 2011, Carla Chaim, Julia Kater, Marcia de Moraes: Um de Três. Prêmio Funarte de Arte Contemporânea, Galeria Flávio de Carvalho, Complexo Cultural, Brasilia, DF, About Change, Banco Mundial, Washington, EUA, Outras Perspectivas, Espaço Texprima, São Paulo, SP, Idioma Comum, Artistas da CLPL na Coleção da Fundação PLMJ, Lisboa, Portugal; 2010, Projeto Dobradiça, Curadoria Eder Chiodetto, Arterix, São Paulo, SP, 12º Salão Nacional de Arte de Itajaí, Itajaí, SC, Incompletudes, Curadoria Mario Gioia, Galeria Virgílio, São Paulo, SP, Fidalga no Paço, Paço das Artes, São Paulo, SP, SP-ARTE, site specific, Pavilhão da Bienal, São Paulo, SP; 2009, Projeto Tripé, Natureza, SESC Pompéia, São Paulo, SP.

De 10 de junho a 12 de julho.

Marcos Duarte no MAC/Niterói

04/jun

: Marcos Duarte

A instalação VOCÊ JÁ VIU UM?, de Marcos Duarte, será exposta na área externa do MAC, Museu de Arte Contemporânea de Niterói, durante o período de realização da Copa do Mundo de 2014. A obra nos remete à dimensão lúdica e híbrida da materialidade do tatu-bola, um ser estranho, hábil no curvar-se em si mesmo para se defender, adotando forma de bola. Esta singular forma de defesa, paradoxalmente, facilita sua captura e contribui com sua condição de vulnerabilidade na natureza.

Nas 11 peças que se distribuem no espaço, bola e bicho mesclam seus atributos híbridos. São sólidos, múltiplos, em escala ampliada, que exaltam a singularidade daquele que, como mascote da Copa do Mundo de 2014, se destina a desaparecer no fluxo de um evento espetacular. A intenção é de resgatar, simbolicamente, o tatu-bola do vácuo que acompanha sua popularidade repentina e fugaz, no momento singular de interferência em uma paisagem que expressa seu acolhimento através de sua natureza essencialmente curva, em contraponto ao ícone arquitetônico de Oscar Niemeyer, às margens da Baía de Guanabara. O artista é um dos representados da MUV gallery, o novo espaço de Camila Thomé e Stephanie Afonso.

De 07 de junho a 24 de agosto.

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