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Na Pinacoteca do Estado

03/nov

A Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, exibe “Arte no Brasil: Uma história na Pinacoteca de São Paulo. Vanguarda brasileira dos anos 1960 – Coleção Roger Wright”, um recorte de 80 obras realizadas entre as décadas de 1960 e 1970 no Brasil pelos artistas mais representativos da nova figuração, do teor político e da explosão colorida do pop, como Wesley Duke Lee, Claudio Tozzi, Antonio Dias, Cildo Meireles, Nelson Leirner, Raymundo Colares, Rubens Gerchman, Carlos Zilio, entre outros.

 

A mostra de longa duração celebra o comodato de 178 obras estabelecido em março de 2015 entre a Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, a Pinacoteca e a Associação Cultural Goivos, responsável pela Coleção Roger Wright. Além disso, também dá continuidade à narrativa iniciada com a exposição “Arte no Brasil”, em cartaz no segundo andar e que apresenta os desdobramentos da história da arte no Brasil do período colonial aos primeiros anos do modernismo em 1920.

 

“Com esse conjunto, o museu oferece aos visitantes a possibilidade de ver e compreender processos recentes que contribuíram para formação da visualidade brasileira. Sem contar, que a Pinacoteca se consolida como um museu nacional da história da arte no Brasil, constituído por núcleos articulados em uma narrativa extensa e representativa”, explica José Augusto Ribeiro, curador da exposição.

 

A exposição tem patrocínio, via leis de incentivo, de Pirelli, Klabin e Credit Suisse. Sua realização foi possível também graças ao apoio direto de amigos pessoais do colecionador Roger Wright, como Paulo S.C. Galvão Filho e José Olympio da Veiga Pereira.

 

 

Comodato

 

A Coleção representa a produção brasileira dos anos 1960 e possui importantes instalações produzidas a partir de 2000. Foi montada por Roger Wright e seus dois filhos desde 1996 e, após o acidente que vitimou a família em 2011, Christopher e Ellen Mouravieff-Apostol, irmão e mãe de Roger Wright, decidiram manter as obras em solo brasileiro. Para isso, consultaram vários museus nacionais, buscando encontrar algum que apresentasse condições seguras e plenas de pesquisa, comunicação, salvaguarda e projeção pública.

 

“Estou muito feliz com a perspectiva de ver em breve a coleção aberta ao público na Pinacoteca. Acima de tudo, tenho certeza que tanto o Roger como os filhos estariam orgulhosos com esse novo rumo na história da coleção que eles montaram com tanta dedicação”, disse Christopher.

 

A Pinacoteca tem experiência em acomodar obras de grande relevância por meio de comodatos, como a Coleção Brasiliana – Fundação Estudar, que após o período de empréstimo foram doadas ao museu e hoje compõem o seu acervo, e o comodato assinado em 2004 com a Fundação Nemirovsky com trabalhos importantes do período modernista.

 

A mostra permanece em cartaz até 26 de agosto de 2019 no 1º andar da Pinacoteca – Praça da Luz, 2.

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Performance no MAM SP

01/nov

No dia 06 de novembro, domingo, a partir das 13hs, o artista russo Fyodor Pavlov-Andreevich dirige a performance inédita “Domingo Adentro” no Museu de Arte Moderna de São Paulo, São Paulo, SP, em que coloca dez educadores do museu à disposição do público visitante do Parque Ibirapuera para conversar sobre temas diversos da atualidade. Com cinco horas de duração, a ação acontece na marquise no MAM, em frente à parede de vidro da Grande Sala, onde serão colocadas dez mesas, dez banquetas e vinte cadeiras para que os participantes debatam, mediados por um júri formado pelo próprio público. A cada trinta minutos, o bate-papo deve ser finalizado e iniciada uma nova discussão.

 

Idealizador da performance, Fyodor propõe que durante todo o período de duração os dez educadores do museu permaneçam sentados, cada um em uma mesa, dando espaço para que o público também possa se sentar tanto como o debatedor, ocupando uma cadeira livre, ou como júri do debate, sentando-se na banqueta para mediar as conversas. Haverá, inclusive, um educador surdo para que também tenham debates em Libras.

 

O objetivo é produzir discussões que reflitam sobre as relações entre sujeitos e instituições, espaços públicos e cidadania e o papel do privado no ambiente público. Assuntos como amor, vida, arte, casa, rua, família, noite, festa, drogas, violência, medo, raça, corpo, sexo, morte e futuro, a serem escolhidos pelo participante, serão dialogados em sessões de 30 minutos, tomando diferentes rumos de acordo com conhecimentos e experiências pessoais de cada um.

 

O júri, que supervisiona o debate, dispõe de uma sineta que deve ser acionada quando o bate-papo não estiver atingindo o objetivo ou se ocorrerem casos de ofensas ou manifestações preconceituosas, e, até mesmo, se a conversa estiver tediosa. Nesse embate, público e museu se juntam para desenvolver conversas pertinentes às ocupações que fazem do mesmo espaço no Parque Ibirapuera.

 

 

Educação como matéria-prima

 

Em abril deste ano, na exposição “Educação como matéria-prima”, mostra do MAM que discutiu processos pedagógicos na arte, o artista Fyodor Pavlov-Andreevich realizou pela primeira vez a performance “Um retrato com o artista e o vazio”, onde posou como modelo vivo nu para o público desenhá-lo e também se juntar a ele como modelo. O objetivo era repensar o papel de modelos vivos no ambiente acadêmico das escolas de arte e a distância estabelecida entre o desenhista e o modelo, além do tabu da nudez em espaços públicos.

 

Sobre o artista

 

Fyodor Pavlov-Andreevich é russo e vive entre Moscou, Londres e São Paulo. É artista, curador, escritor, diretor de teatro e cineasta. Recentes trabalhos incluem Hygiene (2009), performance nos Deitch Projects (NY); My Mouth is a Temple (2009), instalação no Marina Abramovic Presents, no Festival Internacional de Manchester; Whose Smell is This (2010) instalação  especial para feiras Armory/Volta, em NY; EGOBOX (2010) instalação/performance no Festival Internacional de Performance de Moscou; My Water Is Your Water (2010), instalação/performance curada por Maria Montero (Galeria Luciana Brito, Bienal de SP 2010); The Great Vodka River, escultura/performance Art Basel Miami Beach;  Laughterlife (2013) um show solo e performance comissionados pelo Centro Cultural São Paulo; Fyodor’s Performance Carousel, instalação site specific em colaboração com nove artistas no Faena Arts Center (BA); O Batatódromo (2015) escultura performática no CCBB Brasília; e Um retrato com o artista e o vazio (2016), performance na exposição Educação como matéria prima, no MAM de São Paulo.

 

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Na CAIXA Cultural Rio 

A CAIXA Cultural, Galeria 4, Centro, Rio de Janeiro, RJ, apresenta “Mostra Bienal CAIXA de Novos Artistas”, que reúne trabalhos de jovens talentos das artes visuais de todo o Brasil. A exposição apresenta 36 obras em diversos formatos: fotografia, escultura, pintura, gravura, desenho, objeto, instalação, videoinstalação, intervenção e novas tecnologias. A seleção das obras traz a assinatura da curadora Rosemeire Odahara Graça.

 

Resultado de projeto de apoio à cultura promovido pela CAIXA, a exposição recebeu 1.977 obras inscritas por 860 artistas iniciantes de todo o Brasil e selecionou trabalhos de 24 participantes. Os critérios de escolha foram originalidade, experimentação, inovação, conceito, qualidade artística e contemporaneidade. “Escolhemos as obras que tivessem um valor em si mesmas e que conversassem com as propostas contemporâneas de arte”, explica Rosemeire. Seguindo o regulamento da Seleção, foram escolhidos artistas que ainda não haviam exibido trabalhos em exposição individual.

 

A curadora avalia que a “Mostra Bienal CAIXA de Novos Artistas” foi bem sucedida em sua proposta de divulgar artistas ainda iniciantes ou recém-saídos da universidade, numa época de esvaziamento de espaços físicos de exibição nas artes visuais, com o fim dos grandes salões de arte e a chegada da internet. “Nesse novo momento de reformulação das artes visuais no Brasil, a Mostra Bienal CAIXA trouxe uma solução interessante para dar visibilidade a esses artistas”.

 

A Mostra Bienal CAIXA de Novos Artistas encerra esta edição no Rio de Janeiro depois de passar por todas as unidades da CAIXA Cultural: Curitiba, São Paulo, Brasília, Fortaleza, Recife e Salvador.

 

 

De 01 de novembro a 31 de dezembro.

 

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Lucia Laguna no MAR

31/out

O MAR, Museu de Arte do Rio, Centro, Rio de Janeiro, RJ, apresenta exposição individual de pinturas de Lucia Laguna. As obras de Lucia Laguna atravessam interesses diversos, como o cotidiano urbano: a inteligência estética das favelas, o subúrbio, o trânsito, a arquitetura do espaço coletivo. Lucia não pinta sozinha, experimenta – como também ocorre com o signo linguístico – a aguda consciência de um processo coletivo, e social, de constituição e reinvenção da pintura. A curadoria traz as assinaturas de Clarissa Diniz e Cadu.

 

 

A partir de 29 de novembro.

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Ocupação artística

A Casa França-Brasil, Centro, Rio de Janeiro, RJ, lança o projeto “VÃO”, que vai promover ocupações artísticas no intervalo de grandes exposições em seu espaço central e com duração de uma semana. Na iniciativa, artistas com produção recente são convidados a pensar como ocupar o vazio, confrontando-se com a arquitetura monumental do edifício. O exercício expositivo individual “Paralelas”, de Victor Monteiro, inaugura a série. A abertura será no próximo sábado, 5 de novembro, às 16 horas, e a exposição segue até o domingo seguinte, 13 de novembro.

 

Paralelas é um desdobramento da série “Prolongamentos”, que consiste em interferências efêmeras no espaço arquitetônico, ao se construir prolongamentos espaciais com fita adesiva a fim de resignificar as possíveis relações entre indivíduos e o lugar onde frequentam. Em “Paralelas”, Victor Monteiro parte de uma reflexão acerca dos próprios elementos que compõem a Casa França-Brasil ao propor superfícies paralelas de fita adesiva que serão levantadas nas colunas ao longo do vão central do edifício.

 

Iniciada em 2007, a série “Prolongamentos” foi exibida na Praça da Liberdade, em Belo Horizonte, em agosto deste ano, a convite do Inhotim, na programação do seminário “Patrimônio Cultural e Contemporaneidade”, em parceria com o Instituto Estadual do Patrimônio Histórico e Artístico de Minas Gerais (Iepha-MG). No Rio de Janeiro, em maio, a intervenção foi selecionada para a exposição “Agora somos mais de mil”, do programa Curador Visitante da Escola de Artes Visuais do Parque Lage. Ainda no Rio de Janeiro, já foram realizadas intervenções na Antiga Fábrica da Behring e no Solar dos Abacaxis e, em Vitória (ES), na Universidade Federal do Espírito Santo (Ufes).

 

 

Sobre o artista
Victor Monteiro nasceu em Vila Velha, ES, em 1984. Reside, atualmente, no Rio de Janeiro e é mestrando do curso de Processos Artísticos Contemporâneos pela Universidade Estadual do Rio de Janeiro (Uerj). Bacharel em Artes Plásticas pela Universidade Federal do Espírito Santo (Ufes), desenvolve trabalhos em mídias diversas. Em 2014, expôs no Museu de Arte do Rio (MAR), na coletiva “Há escolas que são Gaiolas e há escolas que são asas”, com curadoria de Paulo Herkenhoff e Janaína Melo. Foi contemplado pelo edital de Bolsa-Ateliê de 2010/2011 da Secretaria Estadual de Cultura do Espírito Santo com a proposta individual “Apontamentos” e selecionado com a proposta coletiva “Ateliê Ocupação” no edital de Bolsa-Ateliê de Pintura da Secretaria Estadual de Cultura do Espírito Santo do ano de 2008 – 2009.

 

 

Até 19 de novembro.

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Conversa sobre pintura

Neste sábado, dia 05 de outubro, às 16h30min, os artistas plásticos Gabriela Machado, Gisele Camargo, Rafael Alonso e Álvaro Seixas participam de uma conversa, gratuita e aberta ao público, na Galeria Marcelo Guarnieri, em Ipanema, para falar sobre pintura.

 

A conversa será realizada por ocasião da exposição “Gabriela Machado – Pequenas Pinturas”, que traz vinte trabalhos inéditos, produzidos no Rio de Janeiro e em Nova York, onde a artista se propôs um desafio: fazer uma pequena pintura por dia, inspirada na paisagem ao redor. A mostra pode ser vista até o dia 12 de novembro.
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Galvão, relevos inéditos 

Há dois anos o consagrado Galvão vem trabalhando em seus novos relevos nos quais emprega a madeira como suporte e em contrastantes cores fortes. Sua última exposição no Rio de Janeiro aconteceu na Galeria Marcia Barrozo do Amaral, Copacabana, Shopping Cassino Atlântico, em 2013, mesmo lugar que receberá seus 16 trabalhos inéditos a partir do dia 09 de novembro.

 

Conhecido como uma das referências mais importantes quando se trata de trabalhos em madeira, o artista carioca apresenta obras de cerca de 70 por 70 cm que expressam o aprofundamento do caminho que vem trilhando desde a década de 1950, quando iniciou sua trajetória nas artes plásticas. Os meticulosos relevos desta exposição – nunca apresentados ao público – sugerem diferentes tons de madeira como o cedro, vinhático, pau marfim, imbuia, entre outras, que se misturam com  cores vibrantes (tinta acrílica) tais como laranja, diferentes tons de azul, bordô, verde, preto e cinza chumbo. Em seu atelier em Muri, Nova Friburgo, RJ, o artista expõe uma série de  variações sobre um tema, um conjunto de obras que representam uma só linguagem. Segundo Marcia Barrozo do Amaral, “…Galvão consegue seguir o mesmo caminho trazendo resultados distintos que expressam um aprofundamento de seu trabalho”.

 

 

Sobre o artista

 

Galvão começou sua trajetória em Paris, quando foi estudar Sociologia da Arte na Sorbonne. Lá, trabalhou com Victor Vasarely, um expoente da arte abstrata do século 20. Com exposições individuais em Londres, Paris, Madrid e Buenos Aires, além das coletivas espalhadas pelo mundo, o artista também frequentou os ateliês de Sergio Camargo e Yvaral. Galvão possui trabalhos em coleções como as do Centre Cultural de l´Arsenal, na França; Museu Satoru Sato, no Japão; Mobil Madi Museum, na Hungria; Museu de Arte Moderna – RJ; Museu Nacional de Belas Artes – RJ; Museu de Arte da Pampulha – BH; Museu do Artista Brasileiro – Brasília; Museu de Arte Contemporânea – Niterói; MuBE – SP, entre outros. Possui obras monumentais situadas em diferentes locais no Rio de Janeiro e São Paulo e já recebeu prêmios como na 13ª Bienal de São Paulo e no 31º Salão Paranaense. Seus trabalhos estarão na próxima edição da Arco, em Madrid, em fevereiro de 2017.

 

 

Até 18 de dezembro.

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Mostra de Marina Rheingantz

A Galeria Fortes Vilaça, Vila Madalena, São Paulo, SP, apresenta “Terra Líquida”, quarta exposição individual de Marina Rheingantz exibindo pinturas inéditas de formatos variados, desde peças em grande formatos a outras de menores dimensões, que operam no limiar da figuração. São paisagens mínimas que remetem a falésias, serras, mares, charcos, campos e terras caipiras, lugares visitados e inventados que se descolam do real e incorporam a geometria e a textura da pintura.

 

Em “Terra Líquida”, trabalho que dá nome à exposição, emaranhados de poças d’água unificam a tela e criam caminhos entre elementos reconhecíveis que sugerem um clube hípico. Com mais de quatro metros de largura, é a maior pintura já executada por Marina, o que exigiu da artista um movimento constante de aproximação e distanciamento ao pintá-la, um movimento que se repete para o espectador. A composição sugere um processo de desconstrução de uma imagem com sucessivas camadas de pintura, resultando na reconstrução de uma memória.

 

No entanto, um olhar mais apurado revela o protagonismo da tinta no processo da artista. Marina não persegue uma ideia narrativa – ela deposita sobre a tela camadas de pinceladas robustas, trabalhando a superfície e ouvindo a pintura. Ao escutar a cor e a tinta, a imagem se insinua e a artista segue, agora sim de encontro a uma possível narrativa. A imagem não é o começo e nem o fim, ela acontece no meio do caminho.

 

Nas pinturas sobre linho da série “Bordados” as cores de fundo ganham tratamento quadriculado, como nos tecidos próprios para bordar, por meio de sutis alterações tonais e controladas pinceladas. Barras coloridas introduzem aos poucos novas cores no trabalho, enquanto linhas grossas traçam padrões assimétricos e sugestivas paisagens distendidas.

 

A abertura será pontuada pelo lançamento do livro “Terra Líquida”, pela Editora Cobogó, o qual abrange toda a produção da artista, com ensaio assinado pelo crítico e curador Rodrigo Moura.

 

 

 

Sobre a artista

 

 

Marina Rheingantz, nasceu 1983 em Araraquara, SP. A artista é graduada em artes plásticas pela Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP). Integrou o grupo de jovens artistas paulistas conhecido como 2000e8, que reafirmou a força da pintura como linguagem artística nos anos recentes. Teve mostras individuais no Centro Cultural São Paulo (2012) e no Centro Universitário Maria Antônia (2011), entre outras. Exposições coletivas incluem Projeto Piauí (Pivô Arte e Pesquisa, São Paulo, 2016), Soft Power (KunsthalKAdE, Amersfoort, Holanda, 2016), Os muitos e o um (Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, 2016) e No Man’s Land – Women Artists from the Rubell Family Collection (Contemporary Arts Foundation, Miami, 2015). Seutrabalho está em coleções como a da Pinacoteca do Estado de São Paulo, do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro e do Itaú Cultural.

 

 

De 05 de novembro a 22 de dezembro.

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Diálogo estético/cultural em Paris

28/out

 

Dezoito artistas plásticos de diversas nacionalidades unem seus discursos estéticos em uma única cidade: Paris. Temas essenciais serão tantas vezes recontados sob o prisma da pluralidade cultural, estética e de suportes. Essa é uma das propostas de “La Beauté d’Un Tout”, exibição coletiva na Galerie de Nesle, Odéon/Pont Neuf. Em uma realidade em que coexistem tanta diversidade e tanta intolerância, o projeto promove, com muita beleza e sensibilidade, uma releitura mais harmônica das relações sociais.

 

Único artista brasileiro do grupo, Eduardo Sampaio participa da iniciativa com sua obra inédita “A Fé do Pescador”, inspirado nos versos das canções de Dorival Caymmi, levando ao projeto, mais do que uma estética, a musicalidade nacional. Apaixonado confesso pela figura humana, ele coloca a figura humana no centro de seu processo criativo.“A figura humana é uma fonte inesgotável de interpretações e beleza”, sintetiza Sampaio, que aceita pela segunda vez o convite para participar da iniciativa.

 

Com curadoria da Agapé Art, também integram o grupo Songmae An, Tzu-Fang Chen, Yi-Chun Chen, Eva Helmlinger, Didier Heslon, Donna Heslon, Sophie Eun Sun Huh, Young Suk Kum, Wilfrid Minatchy, Junseok Mo, Primavera, Claire Rousseau, Suzy Schlie, Myriam Schott, Yu-Hua Shen, Luwalhati Vergara e Cheng-Ying Wan.

 

 
A partir de 05 de novembro.

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Fotografias de César Fraga

25/out

Uma viagem afetiva do fotógrafo e designer gráfico Cesar Fraga por nove países africanos resultou em uma exposição que lança um olhar sobre os lugares de memória do tráfico de escravos para o Brasil. A mostra “Sankofa: Memória da Escravidão na África”, em cartaz na Caixa Cultural Rio de Janeiro, Centro, Rio de Janeiro, RJ, apresenta um total de 250 itens, incluindo 54 fotos, totens multimídia, textos com descrições dos países visitados e recursos de interatividade.

 

A curiosidade pelos fatos que antecederam a história da escravidão e o fascínio em relação às proximidades culturais entre o Brasil e os países africanos que comercializavam escravos foram os fios condutores que levaram César Fraga à expedição, na qual investigou as próprias origens. O fotógrafo e designer é bisneto de uma beneficiária da Lei do Ventre Livre, que libertava os filhos das mulheres escravas nascidos a partir de 1871, quando essa legislação pré-abolicionista foi aprovada.

 

Durante um ano na África do Sul, ele percebeu a necessidade de dar sua contribuição para encurtar a distância cultural que separa o Brasil do continente africano. As fotografias que integram a exposição foram publicadas no livro “Do Outro Lado”, resultado da expedição de Fraga, que documenta a cultura e o cotidiano das localidades visitadas e, por vezes, sua correlação próxima com os costumes brasileiros.

 

“Grande parte do povo brasileiro vem da mistura entre colonizadores brancos, indígenas nativos e negros trazidos à força da África. Referências europeias não faltam, basta ligar a TV. Mas há muito ainda a se descobrir sobre nossos ancestrais índios e negros, os grandes silenciados da história. Foi assim que nasceu o projeto Do outro lado”, conta Cesar Fraga. Designer formado pela Escola Superior de Desenho Industrial da Universidade do Estado do Rio de Janeiro (Uerj),  ele é fotógrafo autodidata e já atuou em projetos na América do Sul, Europa, África, Ásia e Antártica.

 

 

Roteiro

 

Elaborado pelo professor e escritor João Reis, considerado um dos mais importantes africanistas brasileiros, o roteiro da viagem abrangeu cidades e regiões protagonistas do tráfico de escravos. Entre 2013 e 2014, foram 60 dias percorrendo Cabo Verde, Senegal, Guiné-Bissau, Gana, Togo, Benim, Nigéria, Angola e Moçambique, países de onde saíram boa parte dos 11 milhões de homens e mulheres vendidos como escravos – quase metade tendo o Brasil como destino –ao longo de 350 anos.

 

O nome da exposição – “Sankofa” – refere-se a um mítico pássaro africano de duas cabeças, que, segundo a concepção nativa, simboliza voltar ao passado para dar outro sentido ao presente.

 

 

 

Até 22 de dezembro.

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