ArtRio!

21/set

Falta pouco para a sexta edição da ArtRio! A sexta edição da Feira Internacional de Arte do Rio de Janeiro que acontece de 29 de setembro a 02 de outubro, no Píer Mauá, Centro, Rio de Janeiro,  RJ. Participe.

Rubem Valentim – A Pintura Pulsa

19/set

A Galeria Berenice Arvani, Jardins, São Paulo, SP, exibe série de trabalhos de Rubem Valentim com curadoria assinada por Celso Fioravante. Rubem Valentim é considerado um dos maiores artistas representantes da cultura afro-brasileira. Movido por questões ideológicas, buscou na cultura popular africana as características que norteariam seu trabalho até o final da vida, em suas pinturas, esculturas e objetos. Ele sintetizou os elementos presentes nos cultos de candomblé, como os oxês de Xangô em objetos
geométricos, em linearidade.

 

 
Rubem Valentim criou uma espécie de escrita para esses elementos, uma nova signografia, uma arte semiótica, que promove uma leitura profunda, sintética e habilidosamente cromatizada da identidade afro-brasileira.

 

 

Até 21 de outubro.

 “Ponto Transição”, na Fundição Progresso

A exposição “Ponto Transição” do Centro de Artes Visuais da Funarte / MinC, na Fundição Progresso, foi prorrogada até o próximo dia 25 de setembro, domingo. Para marcar o encerramento haverá a palestra “Câmera inversa”, de Paula Trope, na Sala Multiuso, a performance “Atos escultóricos”, do artista Franklin Cassaro, e diversas outras ações performáticas da Galeria Transparente, no foyer do primeiro andar.

 

A mostra reúne trabalhos de mais de trinta artistas e coletivos contemporâneos de diversas linguagens e tendências, com intervenções, poemas visuais, instalações, vídeos, e outras formas de múltipla expressão artística, além de uma intensa programação de performances e conversas abertas ao público. A curadoria artística é de Luiza Interlenghi, Sonia Salcedo del Castillo e Xico Chaves, do Centro de Artes Visuais da Funarte/MinC, e a entrada é gratuita. A exposição está aberta diariamente, das 13h às 22h, transformou a Fundição Progresso no ponto das artes visuais durante os Jogos Paralímpicos. Estarão disponíveis ao público um folder e legendas das obras também com versão em braile.

Pequenas pinturas

 A artista Gabriela Machado passou 20 dias em uma residência artística nos Hamptons, em Nova York, em junho deste ano, onde se propôs a produzir uma pequena pintura a cada dia, inspirada na paisagem ao redor. O resultado deste trabalho será apresentado na exposição “Gabriela Machado – Pequenas Pinturas”, a ser inaugurada no dia 24 de setembro, na Galeria Marcelo Guarnieri, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ. Junto com os trabalhos produzidos em Nova York, estarão também dez obras da mesma série, feitas no Rio de Janeiro após a residência, mostrando como o lugar influencia no fazer artístico.

 
“As cores mudaram completamente. A luz aqui é mais estourada, então as pinturas possuem cores mais fortes, como o vermelho. Lá, os tons são mais pasteis, a luz é menos intensa e é possível ver mais os detalhes”, explica a artista. Todos os trabalhos são inéditos. Conhecida por suas pinturas em grandes formatos, em que coloca painéis no chão e pinta com movimentos rápidos, andando sobre a tela, em um forte trabalho corporal, Gabriela Machado sempre produziu pequenas pinturas, mas estas foram poucas vezes mostradas ao público. 
 
“A pintura grande é uma projeção do corpo, entender aquela área e ocupá-la. A pintura pequena é mais de observação, de pulso, onde a pincelada define a pintura. A tinta, o fazer, te levam para outro lugar, definem como será aquele trabalho”, explica a artista. 
 
Até 05 de novembro

 

A Missão Artística Francesa

15/set

A Pinakotheke Cultural Rio, Botafogo, Rio de Janeiro, RJ, apresenta a exposição “A Missão Artística Francesa e seus discípulos”, que comemora o bicentenário da chegada Missão Artística Francesa (1816-2016) ao Brasil. Com curadoria de Maria Eduarda Marques e Max Perlingeiro, a mostra reúne pinturas, desenhos, gravuras esculturas, documentos, além de peças de Numismática. São obras raramente vistas, produzidas por artistas que integraram a “Missão”, seus discípulos e também de seu antecessor Nicolas Poussin (1594-1665), cuja pintura em óleo sobre tela “Himeneu travestido assistindo a uma dança em honra a Príapo, 1634-1638”, da coleção do MASP é vista, pela primeira vez, em exposição no Rio de Janeiro.

 

Como sempre nas exposições da Pinakotheke Cultural, a mostra será acompanhada de uma publicação, com as imagens das obras e textos dos dois curadores, e ainda do filósofo, sociólogo e crítico francês Jacques Leenhardt, que recentemente publicou o livro “Viagem Pitoresca e Histórica ao Brasil – Jean-Baptiste Debret” (Imprensa Oficial do Estado de São Paulo), resultado de mais de dez anos de pesquisa.

 

A vinda da “Missão Francesa ao Brasil”é o fato fundamental da história da pintura no século XIX. A corte portuguesa, fugindo à invasão das tropas francesas de Napoleão, sob o comando do general Jean-AndocheJunot (1771-1813), aportou na Bahia no início de 1808, transferindo-se em seguida para o Rio de Janeiro. O fato é que a “Missão Francesa” – o grupo de artistas e artífices reunidos por seu líder Joachim Lebreton (1760-1819) – chegou ao Rio de Janeiro a bordo do brigue de três mastros “Calpe”, de bandeira norte-americana, na data de 20 de março de 1816.

 

Um dos destaques da mostra é o quadro de Nicolas Poussin (1594-1665), um dos mestres da pintura francesa, que pertenceu à família real espanhola. O painel de grandes dimensões da coleção MASP, que mede 167cm x 376cm.  A grande surpresa do processo da restauração foi a aparição de um falo ereto na figura central do quadro, o “Príapo”, deus da fecundidade e dos jardins, que sofreu, em séculos anteriores, “repinte de pudor”. A tela “Himeneu travestido assistindo a uma dança em honra a Príapo” mostra o deus grego do casamento, vestido de mulher, em uma dança para Príapo, que costuma ser representado com o falo em perpétua ereção. Sua pintura repercutiu nos pintores neoclássicos dos séculos XVII ao XIX. Considerado fundador do classicismo francês, Poussin influenciou todo o classicismo europeu, em especial a arte de Jacques Louis David, que adotou o rigor formal de suas composições. David acrescentou o sentido da virtude revolucionária ao ideal clássico de Poussin. Os artistas franceses que integraram a chamada “Missão Artística” de 1816, formados nos cânones do neoclássico, e contemporâneos de David, eram filiados à arte de Poussin, que lhes serviu de referência estética.

 

A exposição terá, ainda, obras de artistas da Missão Francesa, como Nicolas-Antoine Taunay (1755-1830), Jean Baptiste Debret (1768-1848), Auguste Taunay (1768-1824), Auguste Grandjean de Montigny (1776-1850), Charles-Simon Pradier (1783-1847), Marc Ferrez (1843-1923), ZépherinFerrez (1797-1851), Hippolyte Taunay (1793-1864), Adrien Taunay (1803-1828), Félix Émile Taunay (1795-1881). Completam a mostra pinturas feitas pelos discípulos da Missão Francesa, como August Muller (1815-1883), Charles-Simon Pradier (1783-1847), Manuel de Araújo Porto-Alegre (1806-1879) e Simplício Rodrigues de Sá (c. 1800-1839).

 

As obras que compõem a exposição pertencem a importantes coleções públicas e particulares do Rio de Janeiro, de São Paulo e do Ceará, como o Museu de Arte de São Paulo (MASP), o Instituto Moreira Salles, o Museu Dom João VI, e o Museu Histórico Nacional, no Rio de Janeiro, Museu Imperial, em Petrópolis, Fundação Edson Queiroz, em Fortaleza, o Instituto São Fernando, em Vassouras, no Estado do Rio, e a Coleção Hecilda e Sergio Fadel, no Rio de Janeiro.

 

 

Sobre Max Perlingeiro

 

Editor e empresário no setor cultural. Nasceu no Estado do Rio de Janeiro, em 1950, graduando-se em Engenharia pela Universidade Federal do Rio de Janeiro (1973) e Engenharia de Segurança pela Escola de Engenharia da Universidade do Brasil (1974). Organizou diversas exposições de arte no Rio de Janeiro, São Paulo, Belo Horizonte, Fortaleza, Brasília, Londres, Lisboa, Buenos Aires e Paris. Em 1980, criou a primeira editora especializada em livros sobre arte brasileira no país – Edições Pinakotheke, cujas publicações têm conquistado premiações nacionais como o Prêmio Jabuti (Câmara Brasileira do Livro), Prêmio Gonzaga Duque (Associação Brasileira de Críticos de Arte), Prêmio de Literatura (Instituto Nacional do Livro) e Prêmio Triomus (Comitê Brasileiro do Conselho Internacional de Museus). As publicações educacionais voltadas para o público infantil recebem a chancela de “altamente recomendável”.

 

Nessas três décadas à frente da Pinakotheke, planejou empresarialmente projetos culturais como “História da Pintura Brasileira no Século XIX” (Vera Cruz Seguradora e Fundação Roberto Marinho), “Seis Décadas de Arte Moderna – Coleção Roberto Marinho” (Fundação Roberto Marinho, no Rio de Janeiro, Fundação Gulbenkian, em Lisboa, e Ministério das Relações Exteriores, em Buenos Aires), “Pintores alemães no Brasil durante o século XIX” (Siemens S/A, premiada pela Associação Paulista de Críticos de Arte), “Portinari em Londres”, comemorativa do centenário de nascimento de Candido Portinari, “José Pancetti, marinheiro, pintor e poeta”, “Alberto da Veiga Guignard”, “Emiliano Di Cavalcanti”, “Bruno Giorgi”, comemorativa do centenário de nascimento do artista, “Antonio Bandeira”, “Lasar Segall, Corpo Presente”, Franz Weissmann”, comemorativa do centenário de nascimento do artista, e mais recentemente, “ManabuMabe – obras dos anos 1950 e 1960” e “Arte Contemporânea Brasileira dos anos 1950 aos dias atuais”.

 

Integrou o conselho curador da Coleção Roberto Marinho, da Coleção Cultura Inglesa, e o conselho consultivo do Museu Nacional de Belas Artes. Atualmente integra também o conselho das instituições Paço das Artes e Museu da Imagem e do Som de São Paulo, ligados à Secretaria de Cultura do Estado de São Paulo, e o Instituto Lina e Pietro Maria Bardi, em São Paulo. Hoje, dedica-se com exclusividade à gestão da empresa Pinakotheke Cultural, que inclui três sedes: Rio de Janeiro, São Paulo e Fortaleza. É especialista na administração de relevantes coleções particulares no Brasil. Tem participado de debates e conferências sobre Editoração (Bienal do Livro, em São Paulo), Direitos autorais (ECAD) e especialmente sobre seguro de obras de arte (Instituto de Resseguros do Brasil), área na qual tem prestado consultoria a seguradoras e museus oficiais. Em 1989 foi condecorado com o título de Cavaleiro da Ordem de Rio Branco, por relevantes serviços prestados à cultura brasileira, pelo Ministério de Relações Exteriores do Governo Federal.

 

 

 

De 22 de setembro a 26 de novembro.

OLHO : Vídeo arte

A mostra “OLHO video art cinema”, em sua segunda edição, que apresenta: Território não Mapeado / Uncharted Land, apresenta 16 obras de artes em vídeo de artistas brasileiros e internacionais. Com entrada gratuita, a Cinemateca Brasileira (SP), o Cine 104 (BH) e a Cinemateca do MAM (RJ) recebem mostra de artistas contemporâneos brasileiros e internacionais.

 

A segunda edição da mostra, “OLHO video art cinema”, acontece na Cinemateca Brasileira em São Paulo (nos dias 29, 30 de setembro e 01 e 02 de outubro), no Cine 104 em Belo Horizonte (nos dias 06, 07 e 08 de outubro) e no Rio de Janeiro (nos dias 17, 18 e 19 de outubro) trazendo uma seleção de filmes de artistas hoje relevantes para a Arte Contemporânea.

 

São eles (nome, país e número de títulos na Mostra): Ana Vaz (BR, três títulos), Anri Sala (AL, um título),Basim Magdy (EG, dois títulos), Ben Rivers (EN, três títulos), Graeme Arnfield (EN, dois títulos), Fiona Tan (RI, um título), Letícia Ramos (BR, um título), Mihai Grecu (RO, dois títulos), Shingo Yoshida (JP, um título) e Yael Bartana (IS, um título).

 

A mostra, que apresenta 16 títulos que abrangem o período de produção dos autores entre os anos de 2003 e 2016, tem curadoria de Alessandra Bergamaschi (graduada em Comunicação pela Universidade di Bolonha, doutoranda em História da Arte pela Puc-Rio) e Vanina Saracino (MFA em Estética e Teoria da Arte Contemporânea na Universidade Autônoma de Barcelona, UAB, curadora do canal de arte IkonoTV, Berlim, Alemanha), criadoras, em 2013, do coletivo cultural OLHO, projeto que pretende tornar-se uma plataforma criativa e crítica para os profissionais que estão refletindo sobre o estatuto da obra de arte a partir da imagem em movimento.

 

“Olho – video art cinema” busca apresentar ao público uma mostra internacional  que explora as possibilidades oferecidas pelo cinema como espaço de recepção para a videoarte.

 

Rochelle Costi na Anita Schwartz

A celebrada artista Rochele Costi vai ocupar a Anita Schwartz Galeria de Arte, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, com trabalhos inéditos, desenvolvidos a partir de uma instalação apresentada recentemente na 20ª Bienal de Arte Paiz, na Guatemala. A exposição denominada “Contabilidade”, é a nova mostra de Rochelle Costi, artista nascida em 1961, em Caxias do Sul, RS, e radicada em São Paulo. Os trabalhos ocuparão todos os espaços expositivos da galeria, no térreo e no terceiro andar, na maior individual de Rochele Costi na cidade. O texto crítico é de Bernardo Mosqueira.

 

Em mais de trinta anos de trajetória, com presença em exposições importantes como o Panorama da Arte Brasileira (1995), VI e VII Bienal de Havana (1997, 2000), II Bienal de Fotografia de Tóquio (1997), XXIV e XIX Bienal de São Paulo (1998 e 2010), II Bienal do Mercosul (1999), Bienal de Pontevedra (2000) e Bienal de Cuenca (2009), Rochelle Costi só fez duas mostras individuais no Rio de Janeiro.

 

Nesta exposição, sua primeira individual na Anita Schwartz Galeria de Arte, Rochelle Costi optou por retomar a instalação homônima elaborada no início de 2016 para a 20ª Bienal de Arte Paiz, na Cidade de Guatemala, além de reunir um conjunto de trabalhos inéditos formado por um tríptico fotográfico, um vídeo, a ser projetado na grande parede do térreo da galeria, com onze metros de comprimento e mais de sete metros de altura, um GIF e uma instalação de parede formada por mais de 200 corações de diversos materiais e origens, coletados pela artista nos últimos 23 anos.

 

A instalação “Contabilidade”, que é composta por um vídeo, cinco fotografias em grande formato e dezenas de bolas de borracha feitas artesanalmente, nasce exatamente da fascinação da artista pela cultura popular. Nesse caso, a instalação foi desenvolvida a partir de uma vivência na Cidade de Guatemala. Nos trabalhos de Rochelle Costi podemos perceber um interesse recorrente sobre a diversidade das “formas de mostrar” da cultura popular. Bernardo Mosqueira destaca que “muitas vezes, suas obras são a transposição para o contexto institucional da arte contemporânea das soluções expositivas do repertório popular”. “No caso de ‘Contabilidade’, não apenas a diversidade dos objetos da cultura tradicional local pode estar fadada ao fim ou à adequação ao gosto dos turistas consumidores diante da globalização, mas também a forma singular de expor os objetos pode ser transfigurada. Mais uma vez, está presente a pesquisa da artista sobre a relação entre a representação e a ação do tempo sobre as identidades, mas essa série de fotos nos faz lembrar, também, que o trabalho de Costi é muito ligado ao interesse na experimentação das formas de expor e de ocupar o espaço”, destaca ele.

 

O crítica explica que “o interesse de Rochelle Costi pelo humano, e por aquilo que ele escolhe para lhe cercar, se manifesta não apenas nos resultados de seus trabalhos, mas, também, na importância do colecionismo para a dinâmica de seu processo criativo”. “A artista, desde a infância, coleta objetos do mundo, organizados em conjuntos definidos por complexidades das mais variadas, e permite que eles a cerquem até o dia em que se transformam em outras coisas, outros grupos, ou em trabalhos”. Foi assim que nasceu “Coleção de artista”, o conjunto de corações presente na exposição “Contabilidade”, em construção há mais de 23 anos. “Há algo muito singular sobre este trabalho: o coração, que todo humano carrega dentro de si, é provavelmente o símbolo mais prolífica e diversamente representado. A força dessa coleção está no fato de que, ao mesmo tempo em que cada um deles pode representar a unidade humana, pode representar também aquilo que nos une uns aos outros”, observa Bernardo Mosqueira.

 

 

Sobre a artista

 

Uma das mais respeitadas do cenário contemporâneo, Rochelle Costi tem forte presença em mostras no Brasil e no exterior, sendo bastante atuante no circuito artístico internacional. Alguns destaques dessas mostras foram a individual “Reprodutor”, realizada este ano paralelamente à exposição “Double Take: Drawing and Photography”, na The Photographers’ Gallery, em Londres, e suas participações em diversas edições de Bienais: 20ª Bienal de Arte Paiz, Ciudad de Guatemala (2016); 29ª Bienal Internacional de São Paulo (2010); X Bienal de Cuenca, Equador (2009); I Bienal del Findel Mundo, Ushuaia, Argentina (2007); Rede de Tensão: Bienal 50 Anos. Fundação Bienal de São Paulo (2001); VII Bienal de La Habana; XXVI Bienal de Pontevedra, Espanha; Mostra do Redescobrimento: Brasil 500 anos. Fundação Bienal de São Paulo; Bienal Internacional de Fotografia da Cidade de Curitiba (2000); II Bienal do Mercosul, Porto Alegre (1999); XXIV Bienal Internacional de São Paulo; II Tokyo Photography Biennale, Metropolitan Museum of Photography, Tóquio e  VI Bienal de La Habana, Havana (1998). Em 2010 foi premiada com uma residência artística na WBK Vrije Academie, em Gemak, Holanda, e seu trabalho integra importantes coleções, como Caixa Geral de Depósitos, Lisboa; Centro Gallego de Arte Contemporáneo, Santiago de Compostela, Espanha; Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, EUA; Coleção Centro de Arte Contemporânea Inhotim, Brumadinho, Minas; Coleção Itaú, São Paulo; Fonds National d’Art Contemporain, Marselha, França; Fundación Arco, Madri; Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig, Viena; Museum of Latin American Art, Long Beach, EUA; San Diego Museum of Contemporary Art, La Jolla, EUA; Pinacoteca do Estado de São Paulo; Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand; Museu de Arte Moderna de São Paulo e Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro.

 

 

De 21 de setembro a 03 de dezembro.

Fragmentos sacros

14/set

A exposição “Fragmentos: coleções de Rafael Schunk e Museu de Arte Sacra” reúne na sede do MAS/SP, Luz, São Paulo, SP, fragmentos oriundos de demolições de catedrais, igrejas e capelas brasileiras. São objetos valiosos, pedaços de desmanche das construções, pinturas, obras de arte e santos feitos por mestres santeiros reconhecidos. A curadoria é de Percival Tirapeli.

 

No início do século modernista, os registros demonstram que a demolição das igrejas coloniais no centro antigo de São Paulo era quase uma rotina, assim como no interior e em estados como Bahia e Rio de Janeiro. Foram demolidas a Sé, igrejas do Pátio do Colégio, São Pedro dos Clérigos, Misericórdia, além dos conventos Carmelita, Beneditino de Santa Teresa e dos Remédios.

 

Constituída a partir do final dos anos 1990, a Coleção de Arte Sacra de Rafael Schunk enfatiza produções artísticas do período bandeirista a partir do século XVII, desde o surgimento da arte barroca brasileira até suas ramificações na cultura caipira, com permanência de arcaísmos até a modernidade. São, na maioria, fragmentos oriundos de catedrais do interior de São Paulo, como da antiga catedral de Taubaté, de Pindamonhangaba, da Basílica Velha de Aparecida, de Queluz e de Bananal. Um dos destaques é o conjunto de 60 azulejos da Osirarte, oficina que desenvolveu trabalhos para inúmeros edifícios públicos, a exemplo do MEC-Rio e representou a tradição da azulejaria brasileira desenvolvida no período moderno. Os azulejos das coleções do MAS/SP e de Schunk, apresentam esta importante técnica, tão apreciada pelos portugueses.

 

Outro destaque são as esculturas em terracota de pequenas dimensões de frei Agostinho de Jesus (1600/ 1661) e os denominados santos paulistinhas. O acervo de Rafael Schunk conserva obras de grandes artistas nacionais do período colonial e imperial, tais como frei Agostinho de Jesus, Mestre de Itu, Mestre do Cabelinho em Xadrez, Mestre Valentim da Fonseca e Silva, José Joaquim da Veiga Valle, Pituba, Luzia e santeiros populares do Vale do Paraíba. Soma-se a esta rica diversidade um conjunto de tocheiros, mísulas, oratórios e palmas de altar originários do Vale do Paraíba e Tietê. As obras, de culto coletivo e doméstico, representam a diversidade da arte sacra produzida em terras de bandeirantes, índios e jesuítas. Algumas pinturas de tradição cusquenha enfatizam a ligação e intercâmbio de São Paulo com os castelhanos da América Espanhola.

 

“A presença e reconhecimento de um fragmento advém da nossa maneira cultural de reverenciar o passado e nele encontrar um elo perdido dentro da História, e também nos ajuda a compreender a importância de ruínas”, explica o curador da mostra, Percival Tirapeli.

 

Em 1943, uma obra prima do Mestre Valentim, a igreja de São Francisco dos Clérigos, no Rio de Janeiro, foi destruída para a abertura da avenida Presidente Vargas. As partes oriundas daquele desmanche são pontos de partidas para a reflexão sobre os fragmentos presentes tanto em coleções particulares como nos acervos de museus. Na coleção de Rafael Schunk estão a cabeceira de cama e dois anjos. No MAS/SP, ficaram os dois anjos voantes, a Verônica e o entalhe do rosto de Cristo.

 

“O diálogo entre os fragmentos de ambas as coleções proporciona um olhar mais agudo sobre as partes de ornamentos que, desmembrados de sua totalidade, geram novas investigações sobre a técnica, o estilo, o douramento, constituindo assim um documento que é parte integrante de nosso patrimônio sacro”, diz o curador Percival Tirapeli.

 

 

De 18 de setembro a 20 de novembro.

Marcone Moreira no Paço Imperial

A primeira exposição individual de Marcone Moreira, em uma instituição cariocareúne conjunto representativo de sua obra. Azuis, vermelhos, amarelos, verdes, brancos desbotados, prata. Lado a lado, empilhados ou formando ângulos retos. Uma explosão de vida no pátio do Paço Imperial, Centro, Praça XV de Novembro, Rio de Janeiro, RJ. É “Visualidade Ambulante”, trabalho impregnado de histórias e significados, a obra que inicia o percurso da mostra de Marcone Moreira, como um cartão de visitas anunciando uma de suas principais características: a ressignificação de objetos do cotidiano.

 

A curadoria é de Moacir dos Anjos e configura um recorte preliminar de cerca de dezanos da carreira do artista, incluindo projetos dos anos 2000 até sua mais recente produção,“Território”, trabalho feito especialmente para a mostra. Na obra inédita, Marcone reúne quatro porteiras de fazendas, de quatro diferentes regiões do Brasil, promovendo o encontro delas para que juntas delimitem um novo espaço.

 

– Nessa exposição, o artista reafirma as questões que o inquietam desde o início da carreira:o antagonismo entre o local e o global, o popular e o erudito, o poder econômico e a desigualdade social – revela o curador. Moacir destaca ainda que as obras de Marcone lançam um olhar sobre as tensões do Brasil de hoje, desigual e conflituoso, com marcantes oposições como o direito de propriedade e o direito do trabalho.

 

As características apontadas pelo curador estão evidenciadas logo no espaço anterior à primeira sala da exposição, onde dois porretes detrabalho estão pendurados por uma corda. São instrumentos profissionaiscoletados no Rio de Janeiro e no interior do Maranhão. O primeiro, de borracha, usado para bater em peixe nas feiras urbanas; o segundo, de madeira, indispensável para a extração do babaçu.

 

– Para Marcone não é necessário fazer; ele se apropria de formas de objetos existentes e nos reapresenta de outra maneira. Com seu filtro artístico, nos leva a olhar objetos com que nos deparamos no diaadia como se fosse pela primeira vez – ressalta o curador.

 

Um barco fatiado, estendido ao longo do piso, exibe a visualidade amazônica do artista na primeira sala expositiva. Essa estrutura horizontal traz uma das marcas mais identificáveis da obra de Marcone, as peças em madeira de embarcação apresentadas com um conceito ambíguo de meio de transporte e labuta. As obras com madeira de carrocerias de caminhão também estão na exposição: pedaços regulares e muito semelhantes compõem uma variedade gráfica e pictórica, como uma grande grade vertical, que também faz referência ao mundo do trabalho.

 

– A ideia é reunir um conjunto significativo e representativo da diversidade de meios que venho explorando nos últimos anos, além das peças mais reconhecíveis da minha carreira, como as esculturas em madeiras de embarcações, e um conjunto de peças com madeiras de carroceria de caminhão, material que volto a usar depois de uma experiência no interior de Goiás ano passado. Vídeo e fotografia também fazem parte da mostra – diz o artista.

 

No vídeo “Horizonte de ferro”, 2014, Marcone revela imagens antagônicas do homem e da máquina, onde a estrutura de poder rasga a paisagem – a linha férrea que escoa a produção de minério de Carajás é também peça fundamental no constante fluxo migratório entre os estados de Maranhão e Pará.

 

O díptico fotográfico “Ausente presença”, na última sala, é a obra mais contundente da mostra. De um lado, imagem de pés esculpidos em barro dentro da lama; do outro, texto memorial com os nomes dos 19 trabalhadores mortos pela Polícia Militar do Pará, na chacina de Carajás, em 1996.

 

A exposição Marcone Moreira tem o patrocínio da Prefeitura da Cidade do Rio de Janeiro e da Secretaria Municipal de Cultura, através do Programa de Fomento à Cultura da Prefeitura do Rio – Viva a Arte! 2015.

 

 

 

De 21 de setembro a 20 de novembro.

David Magila na OMA galeria

“Frequentes Conclusões Falsas” é nome de seis das 11 obras (pinturas, gravuras e desenhos) que David Magila apresenta na exposição “Meio-Fio”, na OMA Galeria. Peças que integram uma série com mais quadros e questionam as interpretações que damos às cenas cotidianas. O texto curatorial é assinado por Sarah Rogieri.

 

Com traços bidimensionais e uma paleta de cores opacas que saltam aos olhos, o artista não utiliza de muitos truques para instigar o público a reconhecer lugares que mostram-se comuns e, ao mesmo tempo, apenas guardados na memória, em que não se sabe ao certo o quanto ainda há de movimentação e intervenção humana, mas em suas telas é possível sentir que naqueles traços há uma história presente no local retratado.

 

Segundo o galerista do espaço, Thomaz Pacheco, que conheceu a arte de Magila há mais de um ano – desde então foi iniciado um diálogo para a realização de ações na galeria –, as nomenclaturas escolhidas por ele dizem um tanto sobre o que o espectador vai encontrar. “Meio-fio (que denomina a exposição) é um lugar define limites. Muito se passa nessa linha de concreto denominada Meio-fio, e talvez essa seja uma pista, um convite para adentrar em sua poesia. Afinal, qual limite é esse que o David quer mostrar? Há um sarcasmo nas construções retratadas, e a meu ver, essa brincadeira de sobrepor as partes que compõem a imagem, criando formatos únicos e ao mesmo tempo reconhecíveis, acaba por aproximar o espectador”, comenta.

 

 

A palavra do artista

 

“Estas obras falam das coisas que passam. Chamo atenção para cenas corriqueiras, que representam um vazio comum e que a primeira vista não têm um foco de atenção expressivo. É um jeito de dar valor para estes momentos que passam desapercebidos”, finaliza.

 

 

Sobre o artista

 

Com 37 anos, nascido no ABC Paulista, em São Caetano do Sul, porém morador da capital paulista desde a infância, David Magila retorna à região com um currículo de peso. Ele já recebeu alguns prêmios importantes, como no 40º Salão de Arte de Ribeirão Preto; SP e o 3º Concurso Itamaraty de Arte Contemporânea, Palácio do Itamaraty, Brasília-DF; possui obras nas coleções públicas do Museu de Arte de Ribeirão Preto, Ministério das Relações Exteriores, Casa do Olhar, Santo André-SP; Centro Cultural Brasil Estados Unidos, Santos – SP.

 

 

Até 22 de outubro.