Arquivos da Tag: Guignard

Retratos na Galeria Bergamin

27/mar

A Galeria Bergamin, Jardins, São Paulo, SP, inaugura a exposição coletiva temática “Retratos: the last headline”. A curadoria é de Ricardo Sardenberg e entre os artistas participantes encontram-se obras assinadas por Nan Goldin, Pancetti, Di Cavalcanti, Lorenzato, Monvoisin, Leonilson, Marcos Chaves, Joaquín Torres-García, Alex Katz, Portinari e Guignard. De acordo com o curador, a mostra apresenta “…aproximadamente 50 obras de mais de 40 artistas do século XIX – época do apogeu do retrato como projeção do poder (no caso, a projeção do Império de D. Pedro II) – até os dias atuais..”

 

 

Retratos: the last headline
Texto de Ricardo Sardenberg

 

Não estamos vivendo a extinção das espécies, mas a extinção da espécie humana. A extinção da história, do prazer, do amor e do tempo. O fim de tudo o que somos por dentro: o ser humano vive um processo de extinção interior, antes mesmo de sua extinção no mundo. Também por isso, esse processo é irrefreável. A partir de agora, devemos prestar homenagens a uma era em que se acreditava que o mundo seria eternamente melhor. Não será.

 

O retrato, hoje, é o mausoléu de si. O museu das coisas mortas e passadas. Parece que estamos esperando o último retrato, a última pose, o último olhar antes da extinção. Nossa transitoriedade torna-se evidente quando olhamos qualquer retrato. Já não existe mais o personagem do retratado, aquele que projeta o que acredita ser por meio do olhar, da pose, da indumentária. Assim como o personagem do retratista, tantas vezes afirmado como quem coloca tudo de si em uma obra, também se tornou, no fluxo de tempo, aquele que busca apenas o prazer instantâneo no registro de uma humanidade que, simplesmente, foi esvaziada pela obsessão do consumo. Hoje, ao observarmos um retrato, notamos que ele pode apenas estar despertando a nostalgia de um tempo em que se acreditava na existência de uma cultura. Cultura, no sentido de permanência das experiências em sociedade. Hoje, sabemos que as pessoas se vão. Outrora, guardávamos imagens para nos recordarmos das pessoas; atualmente, por outro lado, o retrato pode revelar uma autoafirmação, confirmando nossa existência vazia, como um corpo extinto por dentro.

 

Retratos: the last headline não é um exposição milenarista em busca do apocalipse. Mas sim uma homenagem em forma de instalação ao instituto do retrato, que cada vez mais passa a ter um sentido de presente fugaz. A instalação consiste na exposição de aproximadamente 50 obras de mais de 40 artistas do século XIX – época do apogeu do retrato como projeção do poder (no caso, a projeção do Império de D. Pedro II) – até os dias atuais, quando sua existência é irônica e efêmera. Nesse processo de passagem do tempo, percebemos senão um rastro das imagens passadas, das tradições dos álbuns fotográficos, e uma certa projeção de nostalgia por aquilo que as próximas gerações deixarão de reconhecer. O retrato é como um repositório da memória de pessoas e momentos especiais no fluxo da vida.

 

Talvez estejamos entronando a abstração conceitual, provando a vitória dos conceitos diante dos sentimentos. Trata-se de um mundo desromantizado no qual até aqueles que amamos são transformados em representações do presente, ou seja, estão ausentes de imagens passadas que devem ser recordadas. Os arquivos digitais de imagens de nossas pessoas mais queridas logo se transformam em arquivos descomunais compostos por milhares de fotos similares. Tais arquivos assemelham-se ao depósito de fotos policiais provindas dos porões de uma ditadura ou dos desaparecidos na guerra.

 

Guardamos uma vaga lembrança do momento em que registramos essas fotos, mas, ao mesmo tempo, são dezenas de imagens cuja pose é a mesma: uma pequena variação da direção do olhar ou um borrão na imagem, resultado da pressa em registrar o instante que depois ficaria esquecido nos porões de um HD externo. O HD externo, e aqui também acho que a “nuvem” é a sua realização em escala global, é o monumento ao esquecimento. E espero que a montagem dessa exposição faça jus ao que está esquecido dentro da caixinha digital, ou pelo menos torne-o visível. Nesse sentido, o retrato deixou de ser um memento.

 

 
Até 30 de abril.

0

Quase figura, Quase forma

19/ago

Dando sequência às comemorações de seus 10 anos, a Galeria Estação, Pinheiros, São Paulo, SP, dessa vez em parceria com a Galeria Millan, realiza a exposição coletiva Quase figura, Quase forma, com curadoria do crítico Lorenzo Mammì. A união das duas galerias, que trabalham com grupos de artistas distintos, reforça a efervescente tese de que não há território que separe a produção reconhecida como popular da temática contemporânea.

 

Alcides Pereira dos Santos, Ana Prata, Aurelino dos Santos, Cícero Alves dos Santos, Felipe Cohen, João Cosmo Felix, João Francisco da Silva, José Bezerra, Neves Torres, Paulo Pasta, Sebastião Theodoro Paulino, e Tatiana Blass são os nomes representados pelas duas galerias. Contudo o curador selecionou também artistas que fazem parte de outros elencos, como Marina Rheingantz (Galeria Fortes Vilaça), Fabio Miguez e Sergio Sister (Galeria Nara Roesler) e Paulo Monteiro (Galeria Mendes Wood).

 

Para Lorenzo Mammì, enquanto muitos artistas contemporâneos estão se reaproximando de questões ligadas à representação ou encarando o problema do suporte de maneira mais individualizada e menos conceitual, a arte popular está gradativamente assumindo uma relação formalmente mais livre com seu repertório tradicional.

 

Ainda segundo Lorenzo Mammì, uma análise criteriosa da produção de arte contemporânea e da popular dos últimos trinta anos revela possíveis convergências a serem exploradas.  Para o curador, o final da década de 70 marca o início de uma valorização da figuração em relação à abstração na pintura contemporânea. “Talvez se possa dizer que, se o século XX foi tendencialmente um século de abstração, o XXI começa como século figurativo”, completa.

 

Paralelamente, Mammì defende que a arte popular brasileira – sempre enraizada nos conceitos de imagem, figura e signo – ampliou seu repertório ao permitir que a vocação autoral de seus representantes ganhasse cada vez mais espaço. “Certo apagamento da imagem, certa dissolução de estruturas narrativas tradicionais e simbologias já constituídas, podem ser identificados também, a meu ver, na arte popular mais recente”, diz o crítico.

 

Mammì ressalta que a arte popular no Brasil, “…nunca foi estritamente folclórica, no sentido de repetir, sem pretensão de singularidade, um repertório comunitário herdado”. Segundo ele, com exceção da arte indígena, este repertório praticamente não existia, ou era de importação muito recente. Mammì destaca ainda que o fato de o artesanato se desenvolver desde o começo perto dos centros urbanos ou dentro deles, onde o comércio era mais intenso, favoreceu uma produção com características individuais mais marcadas. “As fronteiras nunca foram rígidas: artistas de origem popular, como Emygdio de Souza, Agnaldo dos Santos, Djanira e Heitor dos Prazeres, circularam em ambiente culto, enquanto pintores de formação erudita (Guignard, Volpi, Pancetti) se aproximaram da linguagem popular”, completa.

 

 

 

De 21 de agosto a 10 de outubro.

0

Arjan no MAM-Rio

07/jul

O MAM-Rio, Praia do Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, apresenta “Américas”, série inédita de 30 pinturas de Arjan Martins com curadoria do crítico de arte Paulo Sérgio Duarte. Arjan é um artista independente com residência e atelier em Santa Teresa, o bairro dos artistas no Rio de Janeiro. Dono de um desenho firme e autoral, Arjan utiliza diversos recursos como referência inclusive figuras ligadas ao jazz.

 

 

Sobre o artista

por Paulo Sergio Duarte

 

Embora a arte contemporânea tenha, em ruptura com uma vertente poderosa do passado moderno, retornado, com insistência, aos universos temáticos, nem sempre, esse retorno é acompanhado de exigência poética e formal. Aqui nesta exposição, intitulada por Arjan Martins de “Américas”, o tema é o da alteridade, o da solidariedade étnica.  Mas esse retorno que acompanhamos pelo menos nos últimos, agora, em Arjan, não eclipsa a qualidade pictórica.  É evidente que a questão expressiva que está presente é uma escolha muito bem-sucedida. O expressionismo, apesar de suas grandes contribuições à história da arte no Brasil, basta lembrar Segall, Goeldi, Guignard, Iberê Camargo, nunca foi uma corrente programática e nem se formou em movimentos, como na Alemanha, por exemplo. Ocorreu em episódios plásticos exemplares para constituir uma vertente de nossa visibilidade que se diferencia radicalmente da tradição construtivista e do abstracionismo geométrico, esses sim, com um programa claro de defesa da racionalidade nos trópicos dominados pelos afetos.

 

Arjan escolhe a tradição expressiva. Não está sozinho na pintura contemporânea brasileira nessa opção, mas existe algo muito importante que chama a atenção em sua linguagem e que o diferencia: não existem firulas nem macetes. Se é possível ao lirismo ser direto e, às vezes, mesmo duro, ou melhor, cru, esse é o de Arjan. Não há nada épico ou dramático, no sentido teatral ou poético do termo, há uma invenção lírica de abordagens desses temas que são os da sua raça, digamos agora, politicamente correto, etnia, Arjan é um artista negro. A arte do pintor está em transformar, uma tragédia, um drama, toda uma história que é nossa, nesse lirismo rigoroso e austero. Mas seu trabalho oscila entre retratos de figuras íntegras, flagradas no cotidiano, e fragmentos de imagens que convivem na mesma tela. Aí está sua versatilidade formal. O talento não se distribui como as equações da racionalidade contemporânea dominada pelas demandas do mercado. O talento pousa, sabe-se lá por que, em espíritos privilegiados. Arjan é um desses elevados.

 
Rio, junho de 2014.

 

 

Uma entrevista com o artista

 

RIO – Nascido Argentino Mauro Martins Manoel, o artista plástico carioca Arjan Martins, de 54 anos, desde o batismo lida de alguma forma com questões de identidade, nacionalidade, migração… Isso porque, além de ter o prenome em homenagem à avó materna, Argentina, aprendeu desde cedo que sua mãe, Liège, e as tias Antuérpia e Namur eram também nomes de cidades belgas. Anos mais tarde foi pai de Laura, 15, sua filha com uma italiana.

 

Pois em “Américas”, sua primeira individual no MAM…Arjan investiga, em 30 pinturas e desenhos, os fluxos migratórios para as Américas no período colonial, sobretudo o do tráfico negreiro.

 

Nas telas “cartográficas”, há plantas de navios negreiros, senhoras negras com bacias na mão e caravelas trazendo sabe-se lá quantos africanos escravizados. Usou como base principal para seus estudos o livro-catálogo “Para nunca esquecer: Negras memórias/ memórias de negros”, organizado por Emanoel Araújo, diretor e fundador do Museu AfroBrasil, em São Paulo.

 

— Tudo isso ajuda a entender a ausência do lugar dos negros na nossa sociedade, uma pirâmide ainda irregular. É importante olhar para o passado para não se perder.

 

Ele é autor de dois murais que, nos últimos anos, viraram cartões-postais de Santa Teresa, onde mantém ateliê e mora há 20 anos. Ambos retratam três mulheres nuas em movimento e remetem às “Três Graças”, de Peter Paul Rubens, artista barroco do século XVII.

 

Arjan guarda como primeira lembrança artística a vez em que, aos 9, reproduziu um desenho infantil de Walt Disney:
— Mas congelei ali por falta de alguém que me incentivasse.

 

Tal “empurrão” veio apenas nos anos 1990, com os professores dos cursos que fez na Escola de Artes Visuais do Parque Lage. Antes disso, encarou britadeira, serviço militar, construção civil e trabalhos como office boy e barman.
— Vendi muito pão integral caseiro para pagar os cursos do Parque Lage.

 

 

 

Sem firulas

 

Curador de “Américas”, Paulo Sérgio Duarte explica por que a obra de Arjan se diferencia:
— Alguns artistas, na tentativa de se apoiar no expressionismo, criam uma paródia e, consequentemente, até um pastiche do movimento. Já com ele não há firulas nem macetes.Atualmente, ele produz de modo independente, sem ser representado por galerias. Diz que nunca se sentiu à vontade com as contrapartidas oferecidas por elas em troca da exclusividade.
— Hoje, sobrevivo da crença no que realizo. Tenho muita satisfação de ocupar um lugar autoral.

Fonte: O artista plástico carioca Arjan Martins – Leo Martins / Agência O Globo.

 

 

Até 24 de agosto.

0

Estudos de Amilcar no IAC

17/out

Como resultado de uma pareceria entre o IAC, Instituto de Arte Contemporânea, Vila Mariana, São Paulo, SP, e o Instituto Amilcar de Castro, Nova Lima, MG, o público poderá ver pela primeira vez em exibição estudos de vários trabalhos que criaram o vocabulário do consagrado artista mineiro e obras realizadas do início ao final de sua trajetória em 2002.

 

Estudos em cartolina e uma série de cerca de 40 desenhos revelam o pensamento escultórico de Amilcar de Castro, bem como pequenas peças em aço inox para serem executadas em aço corten. Além deste grande núcleo que enfoca os processos do artista, a exposição, com curadoria de Rodrigo de Castro, se completa com cerca de 20 pinturas e cerca de 40 esculturas, obras realizadas durante os 40 anos de sua carreira (da década de 70 aos 2000). Há também um desenho, nunca apresentado ao público, anterior a este período, de 1947, época em que Amilcar de Castro convivia com Guignard, seu mestre.

 

A escultura de invenção formal e matriz construtiva, produzida por Amilcar de Castro, um dos líderes do movimento neoconcreto, evidencia o encontro íntimo entre o gesto e a matéria. Já suas telas revelam a força de seu desenho de origem gráfica, decorrente de sua trajetória na imprensa brasileira, de 1953 a 2002, na qual o artista fez história, ao renovar o visual de diversos veículos impressos. Amilcar de Castro costumava repetir que não era um pintor e sim um gráfico.

 

De 17 de outubro a 01 de fevereiro de 2014.

0

Reabertura no MNBA

10/jan

 

Depois de passar por reformas estruturais em meados deste ano, reabre uma das principais mostras permanentes do Museu Nacional de Belas Artes, Centro, Rio de Janeiro, RJ. Situada no 3º Piso a Galeria de Arte Brasileira Moderna e Contemporânea do MNBA abriga uma das raras mostras no Brasil onde se pode descortinar, num mesmo espaço, todo um percurso artístico que vai do inicio do século XX até o contemporâneo.

 

Na nova exposição da Galeria de Arte Brasileira Moderna e Contemporânea foram incluídas obras, a maior parte doações, como “Retrato de Yedda Schmidt” (esposa do falecido empresário Augusto Frederico Schmidt, poeta e dono do supermercado Disco, ghost-writter de Juscelino Kubitchek, etc), de Candido Portinari; telas de Willys de Castro, Décio Vieira, João Fahrion, Timóteo da Costa, Alex Flemming, gravuras de Maria Bonomi, Fayga Ostrower, e Gilvan Samico; e esculturas de Celso Antonio, entre vários outros.

 

Superando a mostra anterior, antes o espaço abrigava 180 trabalhos, agora serão 205 obras em exposição. Possuindo 1.800 metros quadrados, divididos em dois andares, a Galeria de Arte Brasileira Moderna e Contemporânea apresentará no primeiro andar o movimento da “Abstração na gravura”, com destaque para obras de Fayga Ostrower, Anna Bella Geiger, Rossini Perez, Artur Luiz Piza, Dora Basílio, Edith Behring, Anna Letycia, entre outros. No segundo andar artistas como Gilvan Samico, Maria Bonomi, Leonilson, Carlos Martins, Adir Botelho, Rubem Grilo, Claudio Mubarac e Fernando Vilela, se reunirão aos outros artistas representando a importância da gravura na produção artística brasileira das décadas de 1980 a contemporaneidade.
Na tocante às esculturas, novas peças também serão apresentadas, de artistas como Farnese de Andrade, Celso Antonio, Rubens Gerchman, Zelia Salgado, Abraham Palatnik e um bronze de Paulo Mazzucchelli.

 

Os novos trabalhos completam a coleção anterior que volta a exibir autores como: Manabu Mabe, Iberê Camargo, Beatriz Milhazes, Eliseu Visconti, Di Cavalcanti, Jorge Guinle Filho, Tarsila do Amaral, Carlos Oswald, Gonçalo Ivo, Mauricio Bentes, Amílcar de Castro, Pancetti, Guignard, Tomie Ohtake, Marcos Coelho Benjamin e Antonio Henrique Amaral.

 

A partir de 10 de janeiro (em exibição permanente).

0

Vieira da Silva no MAM-Rio

18/dez

Uma das mais importantes artistas plásticas do século XX, Maria Helena Vieira da Silva, ganha sua primeira mostra de peso no Rio de Janeiro. O Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, MAM-Rio, exibe a exposição “Vieira da Silva – Agora”. No âmbito dos eventos do pleno ano Portugal no Brasil/Brasil em Portugal, em que os países reafirmam sua proximidade, a Fundação Arpad Szenes – Vieira da Silva e a Espírito Santo Cultura apresentam 51 obras inéditas ou pouco vistas no Brasil da artista portuguesa. A mostra tem curadoria de Marina Bairrão Ruivo, da Fundação Arpad Szenes-Vieira da Silva (FASVS), e de Luiz Camillo Osorio, do MAM-Rio, e integra as comemorações do Ano de Portugal no Brasil.

 

Os desenhos e pinturas da mostra foram produzidos entre 1934 e 1986, e traçam um arco praticamente completo do trabalho de Vieira da Silva – um conjunto de obras vindas de colecionadores particulares e institucionais do Brasil e de Portugal. “Reunir trabalhos que cobrem cinco décadas de produção nos permitiu apresentar ao público carioca o desenvolvimento de sua trajetória e a constante renovação de sua linguagem pictórica”, afirma o curador Luiz Camillo Osorio. “O embate entre figuração e abstração acompanhou a construção de sua poética, colocando dentro de um universo muito pessoal, às vezes lírico, às vezes trágico, aspectos relevantes da pintura do pós-guerra – momento de maturidade de sua linguagem”, conclui.

 

A curadora Marina Bairrão Ruivo, lembra que “…sua pintura é um testemunho da inteligente associação de um passado – em que Lisboa permanece como um referente cultural – a um presente de renovação e modernidade, simbolizado por Paris”.

 

Além das 51 obras, a exposição “Vieira da Silva, Agora” apresenta uma fotobiografia da artista; e o Museu de Arte Moderna preparou a mostra “Diálogos com Vieira da Silva”, reunindo 28 obras de artistas brasileiros que efetivamente dialogaram com a criadora franco-portuguesa. Volpi, Guignard, Antônio Bandeira, Lygia Clark, Carlos Scliar, Guignard, Arpad Szenes, Fernando Lemos, Ione Saldanha, Pancetti, Maria Leontina, Maria Martins, Sergio Camargo e Willys de Castro, entre outros, são alguns dos 21 artistas que integram esta mostra complementar e essencial à compreensão desta troca artística.

 

Sobre a artista

 

Nascida em 1908 em Lisboa, Portugal, a artista faleceu em 1992, em Paris. Despertou cedo para a pintura. Aos onze anos ingressou na Academia de Belas-Artes, em Lisboa. Motivada também pela escultura, estudou Anatomia na Faculdade de Medicina de Lisboa. Em 1928 foi residir em Paris, onde estudou com Fernand Léger e trabalhou com Henri de Waroquier e Charles Dufresne. Em Paris conheceu o também pintor Arpad Szenes, húngaro, com quem se casou em 1930. Realizou numerosas viagens à América Latina para participar de exposições, como em 1946 no Instituto de Arquitetos do Brasil. Devido ao fato de seu marido ser judeu e de ela ter perdido a nacionalidade portuguesa, eram oficialmente apátridas. O casal decidiu residir no Brasil durante a Segunda Guerra Mundial e no período pós-guerra, onde entraram em contato com importantes artistas locais, como Carlos Scliar e Djanira e exerceram grande influência na arte brasileira, especialmente entre os modernistas.

 

Vieira da Silva criou uma série de ilustrações para crianças que constituem uma surpresa no conjunto da sua obra. “Kô et Kô, les deux esquimaux”, é o título de uma história para crianças inventada por ela em 1933. Não se sentindo capaz de escrever, a pintora entregou essa tarefa ao seu amigo Pierre Guéguen e assumiu o papel de ilustradora, executando uma série de guaches. Mais tarde a artista viveu e trabalhou em Paris. A partir de 1948 o Estado Francês começa a adquirir as suas pinturas. Em 1956 ela e o marido obtém a nacionalidade francesa. Em 1960 o Governo Francês atribui-lhe uma primeira condecoração, em 1966 é a primeira mulher a receber o Grand Prix National des Arts e em 1979 torna-se cavaleira da Legião de Honra francesa. Participou da Europália, em 1992, e veio a morrer nesse ano. Para honrar a memória do casal de pintores, foi fundada em Portugal a Fundação Arpad Szenes-Vieira da Silva, sediada em Lisboa, e a Escola Vieira da Silva, em Carnaxide.

 

Até 17 de fevereiro de 2013.

0