Em Salvador

27/jan

O Instituto Cervantes de Salvador, Bahia, apresenta na Galeria Massarda, no Palacete das Artes, no bairro da Graça, a videoinstalação “Doze Pinturas Negras”. Trata-se de um projeto audiovisual do artista ÁngelHaro, que promove uma dramatização de doze das “Pinturas Negras” do renomado pintor espanhol Francisco de Goya.

 

Francisco de Goya representa um marco na história da pintura. Como pintor da Corte Real Espanhola, criou trabalhos excepcionais que influenciaram diretamente o movimento Impressionista. Suas “Pinturas Negras”, no entanto, vão além no que diz respeito à técnica e à temática. Além de marcarem o início do Surrealismo e Expressionismo do século XX, expõem o clima sociopolítico da Espanha de então ao explorar a psiquê e os conflitos internos e externos do país. Em sua obra, Goya revelou fatos que não faziam parte do discurso oficial espanhol, descobrindo, assim, novo uso para sua arte: a pintura como forma de denúncia.

 

As “Pinturas Negras” desafiaram o regime político da época e, ao sobreviverem à Inquisição e se tornarem patrimônio cultural contemporâneo, simbolizaram um grito que não é facilmente silenciado. Nascidos da condição isolada do artista em sua Quinta delSordo, nos arredores de Madri, os conflitos internos de Goya não eram independentes da circunstâncias políticas que o cercavam. Com o fim do Iluminismo e a volta do regime Absolutista, sua loucura é, também, a loucura de seu tempo. Justamente por estar no limite da própria sanidade, Goya pode retratar os horrores do regime de Fernando VII através da representação de seu próprio horror.

 

Cinquenta anos após a partida de Goya para a França, em 1874, o barão Emile d’Erlanger, novo proprietário da Quinta delSordo, comissionou o francês Jean Laurent para fotografar os murais que adornavam várias das salas da propriedade. Essas fotografias, cujos negativos em vidro originais estão atualmente sob os cuidados do IPCE (Instituto do Patrimônio Cultural da Espanha), serviram de guia para transferir os trabalhos para a tela, possibilitando, assim, a restauração posteriormente feita por Salvador Martínez Cubells. Strappo, o processo de separação adotado por Cubells, é uma técnica agressiva que não garante a efetiva transferência de tinta e requer extensivo trabalho nas imagens. Isso significa que as obras que vemos hoje no Museu do Prado não são exatamente aquelas que Goya pintou nas paredes da Quinta delSordo, pelo menos no que diz respeito à sua qualidade plástica.

 

O artista multimídia ÁngelHaro partiu das fotografias de Laurent para reinterpretar as “Pinturas Negras”, criando uma análise do gesto e do impulso físico presente nas obras. Em cada peça audiovisual, o artista alude aos diversos métodos pictóricos empregados por Goya e traduz sua gestualidade em vários registros de movimento, luz, figurino e maquiagem. Todas as cenas foram captadas em alta resolução com câmeras HD 4k utilizando sistema de chromakey. A imagem de fundo criada por Haro é inserida na pós-produção e, por final, as tonalidades são corrigidas digitalmente para equilibrar a gama de cores.

 

O tratamento da iluminação respeita o compromisso de Goya com a subjetividade em cada um de seus trabalhos. Assim, uma iluminação dramática é combinada com efeitos de luz pintados em alguns dos personagens, como em “Saturno devorando um filho”. Além disso, os figurinos são baseados na gestualidade de cada cena. Dos trapos de “BruxasSabá” ou as deformidades de “Saturno devorando um filho” ao realismo de “Leocadia” e a volatilidade de “Visão fantástica”.

 

 

Sobre o artista

 
ÁngelHaro nasceu em Valência, Espanha, em 1958, e passou a infância em Paris até mudar-se com sua família para Murcia, onde estudou engenharia. Atua não só como artista visual, mas também como diretor artístico de teatro, cenógrafo, diretor de cinema e artista gráfico. Sua primeira mostra individual aconteceu em Murcia no ano de 1979. Já realizou exposições nas principais cidades da Espanha, e também em Chicago, Nova York, Paris e países como África do Sul, República Dominicana, Lituânia e Bélgica. Dentre suas principais exposições estão: Estrelladel Norte, na Iglesiadel Salvador del Convento de Verónicas, em Murcia, Espanha, 2015; La Tregua, na Tabacalera, Madri, Espanha, 2014; WaysofanUnruly Man, na Res Gallery, em Johannesburgo, África do Sul, 2012; Suitemelancolie, na Galerie Lina Davidov, Paris, França, 2011; Belfegor, no Museo de Bellas Artes de Murcia, Espanha, 2009; e OnPaper, na HaimChanin Fine Arts, Nova York, EUA.

 

 

Até 05 de março.

MAM 2017 com Anita Malfatti


Com curadoria de Regina Teixeira de Barros, mostra celebra centenário da primeira mostra de arte moderna no Brasil. Cerca de 70 obras, entre desenhos e pinturas de retratos, nus e paisagens, ilustram três fases da carreira de Anita Malfatti.
O Museu de Arte Moderna de São Paulo, Grande Sala, Parque do Ibirapuera, São Paulo, SP, abre, no dia 07 de fevereiro, a exposição “Anita Malfatti: 100 anos de arte moderna”, apresentando obras representativas da trajetória de um dos mais importantes nomes da arte brasileira do século XX. Para retratar a vasta produção da pintora, desenhista, gravadora e professora Anita Malfatti (São Paulo – SP, 1889 – 1964), a curadora Regina Teixeira de Barros concebeu a mostra como uma homenagem ao centenário da exposição inaugural do modernismo brasileiro, uma individual de Anita aberta em dezembro de 1917, e que recebeu severa crítica do conservador Monteiro Lobato na ocasião. A mostra do MAM exibe desenhos e pinturas que ilustram retratos, paisagens e nus de três fases distintas da trajetória artística, expostas ao lado de fotografias e documentos da época como cartas, convites e catálogos, com patrocínio Master: Bradesco, PWC.

 
Cem anos se passaram desde que a Exposição de arte moderna Anita Malfatti alterou os rumos da história da arte no Brasil, por ser a primeira mostra reconhecidamente moderna realizada no país e considerada o estopim para a realização da Semana de Arte Moderna de 1922. Realizada no centro de São Paulo, entre 12 de dezembro de 1917 e 10 de janeiro de 1918, a individual da artista exibia 53 obras, sendo 28 pinturas de paisagem e retratos, 10 gravuras, cinco aquarelas, além de desenhos e caricaturas. O conjunto representava um consistente resumo de seis anos de produção da artista, compreendidos pelos anos de aprendizado na Alemanha (1910-1913) e nos Estados Unidos (1914-1916), além de trabalhos realizados no regresso a São Paulo. Até então, a cidade de São Paulo só havia sediado mostras de arte de cunho acadêmico. Segundo a curadora, a mostra de Anita foi recebida com assombro e curiosidade, tendo visitação intensa e venda de oito quadros expostos, mas após a publicação da crítica de Monteiro Lobato intitulada “A propósito da exposição Malfatti”, no jornal O Estado de S. Paulo de 20 de dezembro de 1917, boa parte do público concordou com as ideias do renomado autor, fazendo com que cinco obras compradas fossem devolvidas. Regina explica que desde então, o nome de Anita ficou associado ao de Lobato. “Adepto fervoroso da arte naturalista, Lobato desdenhou dos ismos da arte moderna (como expressionismo e cubismo), mas não deixou de reconhecer a competência de Anita elogiando o talento fora do comum e as qualidades latentes da jovem artista”, explica a curadora.

 
No MAM, a mostra Anita Malfatti: 100 anos de arte moderna conta com obras que abrangem diversos aspectos da produção, apresentando uma artista sensível às tendências e discussões em pauta ao longo da primeira metade do século XX. A exposição tem como finalidade apresentar um recorte da trajetória de Anita, dividindo em três momentos: os anos iniciais que a consagraram como o “estopim do modernismo brasileiro”; a época de estudos em Paris e a produção naturalista; e, por fim, as pinturas com temas populares. A exposição inicia com um conjunto de trabalhos realizados na Alemanha, seguido de retratos e paisagens expressionistas exibidos em 1917, que causaram grande impacto no, até então, tradicional meio paulistano, entre as quais os óleos sobre tela “O japonês” (1915/16), “Uma estudante” (1915/16), “O farol” (1915) e “Paisagem (amarela) Monhegan” (1915). Desse período também consta um conjunto de desenhos a carvão, composto de nus masculinos e retratos.

 
Entre a primeira e a segunda parte da mostra, sobressai o interesse pela temática nacional, onde figuram trabalhos famosos como “Tropical” (c.1916), “O homem de sete cores” (1915/16) e “Figura feminina” (1921/22). Além desses, constam obras realizadas a partir do convívio com os modernistas como o pastel “Retrato de Tarsila” (1919/20), a pintura “As margaridas de Mário” (1922) e o célebre desenho “O grupo dos cinco” (1922), que retrata os modernistas Tarsila do Amaral, Mario de Andrade, Menotti del Picchia, Oswald de Andrade e a própria Anita Malfatti.

 
No segundo nicho são apresentados os frutos dos anos de estudo em Paris, que representam uma fase mais naturalista em que são produzidas paisagens europeias como nas pinturas a óleo “Porto de Mônaco” (c. 1925) e “Paisagem de Pirineus, Cauterets” (1926), e nas aquarelas “Veneza, Canal” (c.1924), “Vista do Fort Antoine” em Mônaco (c. 1925), somados a desenhos de nus feitos com linhas finas e suaves na década de 1920. São desse período também pinturas singulares como “Interior de Mônaco” (c. 1925) e “Chanson de Montmartre” (1926).

 
Para finalizar, a terceira parte engloba trabalhos realizados nos anos 1930-40, época em que a artista se dedicou a retratar familiares, amigos e membros da elite, além de temas populares. Destacam-se as obras “Liliana Maria” (1935-1937) e “Retrato de A.M.G.” (c. 1933), em que figuram sua sobrinha e o amigo Antônio Marino Gouveia, ambas com tratamento naturalista. Na primeira, o fundo neutro é substituído por uma paisagem à maneira renascentista; na segunda registra uma de suas pinturas que pertencia à coleção do retratado. Nessa fase, apresentam-se ainda paisagens interioranas e temáticas populares como em “Trenzinho” (déc. 1940), “O Samba” (c. 1945), “Na porta da venda” (déc. 1940-50). A mostra se encerra com pinturas aparentemente naïf e reveladores da habitual ousadia da artista, em que utiliza cores fortes para criar espaços mais achatados como em “Composição” (c.1955) e “Vida na roça” (c.1956).

 

 

Sobre a curadora

 
Regina Teixeira de Barros é curadora independente e historiadora da arte especializada em arte brasileira moderna. Possui Mestrado em Estética e História da Arte pela ECA-USP e é doutoranda do Programa de Pós-graduação Interunidades em Estética e História da Arte da USP. É professora de História da Arte Moderna e Contemporânea na Faculdade Santa Marcelina desde 2002. Ministra a disciplina de Curadoria de Exposições de Arte na pós-graduação em Museologia, Colecionismo e Curadoria do Centro Universitário Belas Artes. Entre 2003 e 2015, trabalhou na Pinacoteca do Estado de São Paulo, onde realizou diversas curadorias como Tarsila viajante, Arte no Brasil: uma história do Modernismo na Pinacoteca de São Paulo e Arte construtiva na Pinacoteca. Como curadora independente, destacam-se Antônio Maluf (Centro Universitário Maria Antônia da USP, 2002), Tarsila e o Brasil dos modernistas (Casa Fiat, BH, 2011) e Arte moderna na Coleção da Fundação Edson Queiroz (Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre, e Museu Oscar Niemeyer, Curitiba, 2016).

 

 
De 07 de fevereiro até 30 de abril.

Limberger na Pinacoteca

23/jan

A Pinacoteca do Estado de São Paulo, Praça da Luz, São Paulo, SP,museu da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo -, apresenta dois trabalhos do artista Fernando Limberger no Pátio 1, térreo do museu. Os trabalhos exploram o uso de diferentes espécies de arbustos, árvores e sementes a fim de propor a reflexão sobre a relação entre Natureza e Cultura. A mostra tem apoio da Regatec para o sistema de irrigação.

 

“Contenção Verde” é o primeiro trabalho, uma espécie de reprodução mimética de um jardim urbano, com terra, plantas adultas de até oito metros de altura, e, ao mesmo tempo, mureta de concreto e grades. São espécies arbóreas, arbustivas herbáceas, nativas e exóticas colocadas juntas em um mesmo espaço, formando um grande volume verde cercado por grades de ferro, como aquelas presentes nos parques da cidade de São Paulo. A luz é natural e a irrigação sustentável e projetada.

 

O jardim, de formato octogonal, ocupa o centro da sala, com circulação para o público na área externa a ele. A ironia em “Contenção Verde” são as grades que estão ali para definir dois espaços distintos, um com vegetação e sem pessoas, e outro sem vegetação e com pessoas. “Quando o visitante passar pela passarela verá a copa das árvores e esse volume verde confinado. As grades segregam as plantas das pessoas, ao mesmo tempo que retém a sua expansão. Uma realidade antagônica que fala sobre a imposição de certa racionalidade aos espaços, vista também nos jardins urbanos. Ao mesmo tempo em que coloca o homem como a figura central no manejo da vegetação”, explica Pedro Nery, curador da exposição.

 

“Botânica SP” também encontra-seexposta no Pátio 1 e trata-se de uma sementeira gigante que contém 150 espécies diferentes de sementes coletadas em ruas, praças e parques da cidade, todas catalogadas e acompanhadas de placas informativas. Ali elas são irrigadas e brotarão livremente em tempos distintos. “A ideia é que durante os três meses de exposição haja uma transformação que possibilite o visitante acompanhar o crescimento dos brotos”, completa Nery.

 

 

 

Até 20 de fevereiro.

Territórios

O Centro de Referência do Artesanato Brasileiro, CRAB, Centro, Rio de Janeiro, RJ, inaugurou a exposição “Territórios”, com direção geral e concepção visual de Bia Lessa, e curadoria de Renata Piazzalunga, do Instituto de Pesquisas em Tecnologia e Inovação, que mostra de uma forma lúdica e atraente o universo dos artesãos das cidades de Poço Redondo, Sítios Novos e Poço Verde, em Sergipe, e Ilha do Ferro e Entremontes, em Alagoas.

 

As paredes históricas de três grandes salas do CRAB foram recobertas por compensado de madeira, para serem bordadas com centenas de metros de fios de lã, e quase 2, 5 milhões de pregos, que formam escritas que revelam quem são, como vivem e como trabalham esses artesãos, em instalações criadas pela premiada diretora e cenógrafa. Bia Lessa explica que “o público verá o rigor, o tempo empregado e o trabalho árduo desses artesãos, e seu valor”. “A exposição reúne produtos feitos pelos artesãos antes, durante e depois do projeto realizado ao longo de três anos pelo SEBRAE e IPTI, que viabiliza economicamente as associações locais desses artistas”, diz. “Mais do que interativa, a exposição tem uma proposta colaborativa, de estar junto”, destaca.

 

A montagem de “Territórios” envolveu mais de 60 pessoas, em três equipes, em um trabalho manual realizado ao longo de quase três semanas e doze horas diárias. “Queria que os espaços tivessem este dado artesanal, levar a estética dos artesãos para as salas”, diz a diretora. Bia Lessa traduziu visual e artisticamente as informações colhidas pelo projeto, que mapeou, pesquisou e trabalhou junto a 120 artesãos organizados em cinco associações. A exposição detalha principalmente o universo dos artesãos de Poço Redondo, a cidade sergipana onde foram mortos Lampião e Maria Bonita.

 

 

Percurso da exposição

 
Na primeira sala de “Territórios”, estão centenas de quadros contendo imagens e informações sobre a cidade, seus personagens e sua história, com legendas escritas à mão por um grupo de jovens calígrafos de São Paulo. O chão será coberto por um tapete onde se verá impresso um mapa com a relação entre a cidade e as metrópoles. Sobre o chão, uma bola de 1,5m de diâmetro, feita em fibra de vidro, conterá informações sobre Poço Redondo, e poderá ser girada por uma ou mais pessoas, em um movimento conjunto para que a leitura seja partilhada.

 

 

Paredes bordadas

 
Na segunda sala, o público verá paredes recobertas por tramas de linhas coloridas sobre uma escrita bordada com fios de lã vermelha que mostra o trabalho associativo dos artesãos. No centro do espaço 19 cadeiras, em círculo, fazem uma alusão às reuniões, e, sobre cada um dos assentos, estará um trabalho feito pelos artesãos antes da chegada do projeto do SEBRAE/IPTI. “Um dos fatos revelados pelo projeto é que o elo de confiança estabelecido é fundamental. Tudo é tênue, delicado, sutil. Não são relações fáceis e óbvias. Eu gostaria que o público perceba esta delicadeza, que isso se reflita em sua atitude diante da exposição. Por isso também a presença da linha nesta sala, que representa esta sutileza”, explica Bia Lessa.

 
Na terceira sala, foram empregados mais de 2 milhões 419 mil pregos, que formam uma caligrafia que conta a história do que pensam e sentem os artesãos,suas dificuldades e sonhos, em frases e conceitos retirados do questionário respondido por eles durante o projeto. “Um prego sozinho é só um prego. Junto pode ser outra coisa. É a ideia da associação: um sozinho faz uma coisa, mas quando se tornam juntos, trabalham em um coletivo, transformam, tem uma lógica, uma postura diferente”, ressalta Bia Lessa.

 
Um gigantesco rolo de tecido, com 40 metros de comprimento, cairá de um andaime, e ondulará sobre cavaletes na extensão da sala. Museu da Língua Portuguesa, em São Paulo; pelo Módulo Barroco na Bienal do Redescobrimento, em 2000, e por diversas exposições, peças de teatro, óperas, shows etc. Museu da Língua Portuguesa, em São Paulo; pelo Módulo Barroco na Bienal do Redescobrimento, em 2000, e por diversas exposições, peças de teatro, óperas, shows etc. Bordeiras da Coopa Roca escreveram sobre o tecido o detalhamento das atividades dos artesãos, registrado no blog da associação. Para ler o conteúdo, o público poderá estender o tecido através de uma manivela.

 
“Os pregos e as linhas fazem parte do processo de trabalho deles, o bordado, a renda, tudo feito à mão, em um diálogo real com os materiais usados por eles e a tecnologia, ligando todos os conteúdos”, diz Bia Lessa. Linhas de lã percorrem o teto de todos os espaços, e “costuram as ideias do que está na exposição”. Cada uma das salas tem uma trilha sonora própria, composta por Dany Roland. O percurso da exposição termina na loja do CRAB, onde estarão as criações dos artesãos feitas em parceria com os designers do projeto.

 

 

Instalação na calçada em frente ao CRAB

 
Os outros quatro municípios abrangidos pelo projeto do SEBRAE/IPTI estarão em uma instalação na frente do CRAB, na calçada, onde quatro bolas de 1,5m de diâmetro conterão informações sobre esses locais. “As bolas irão conviver com os transeuntes, dentro do objetivo do convívio compartilhado”, explica Bia Lessa que afirma ser “louca pela Praça Tiradentes”! “Tem tanta coisa bacana que acontece a sua volta, como os dois teatros, o Centro Carioca de Design, o Studio-X, a Estudantina, o Centro Municipal de Arte Helio Oiticica, e a exposição criou um espaço de diálogo com essa rica história”, conta.

 
Bia Lessa conta que ao ser convidada pelo SEBRAE a ideia inicial era mostrar somente as peças de artesanato. “Mas quando comecei a pesquisar o assunto deparei com o processo de trabalho realizado junto aos artesãos. Achei inusitado e sofisticado, pois é um trabalho transformador e dinâmico, unindo tecnologia e artesanato. Isso seria o diferente, pois expor produto artesanal tem em todo o lugar”, diz.

 

 
Ficha técnica

 
Concepção e Direção Geral – Bia Lessa; Curadoria – Renata Piazzalunga (Instituto de Pesquisa em Tecnologia e Inovação); Trilha Sonora – Dany Roland; Design gráfico – Rico Lins; Design de Luz-– Binho Schiffer e Bia Lessa; Arquitetura – Lucia Vaz Pato; Produção Executiva – Arlindo Hartz.

 

 

Sobre Bia Lessa

 
Bia Lessa, paulista 58 anos, artista responsável por trabalhos nas áreas de teatro, ópera, artes plásticas e cinema. Recentemente ganhou o prêmio de melhor longa- metragem na categoria Novos Rumos, no Festival do Rio com o filme “Então Morri”; lança no próximo dia 24 de janeiro, no MAM, o livro “Então, Maria Bethânia”, de sua autoria. Foi responsável pelo pavilhão Humanidade 2012, no Forte de Copacabana durante a RIO + 20; pela reinauguração do Theatro Municipal do Rio com a ópera “Il Trovatore”; pelo pavilhão do Brasil na EXPO 2000, na Alemanha; pelo reinauguração dos painéis “Guerra e Paz”, de Portinari, na ONU, em Nova York; pela exposição “Grande Sertão Veredas”, na inauguração do Museu da Língua Portuguesa, em São Paulo; pelo Módulo Barroco na Bienal do Redescobrimento, em 2000, e por diversas exposições, peças de teatro, óperas, shows etc.

 

 

 
Sobre o CRAB

 
Instalado em um conjunto de três prédios do século 18, em plena Praça Tiradentes, no Centro do Rio, o Centro SEBRAE de Referência do Artesanato Brasileiro é um espaço para a qualificação do artesanato brasileiro, e tem como principal missão promover o artesanato nacional, contribuindo para o melhor posicionamento de imagem dos produtos feitos à mão no Brasil. O CRAB apresenta o artesanato ao mercado revelando suas histórias, origens, territórios, indivíduos e coletivos que criam objetos como expressão da cultura e da criatividade brasileira. O CRAB é também espaço de conexão e de diálogo com outros segmentos da economia criativa como o design, a arquitetura, a música, o audiovisual, a literatura, a moda, as mídias e a cultura popular. O complexo arquitetônico do CRAB está regido pela legislação de proteção aos bens tombados pelo IPHAN, na esfera federal; pelo INEPAC, na estadual; e pelo IRPH, órgão municipal. Os três prédios fazem parte do Corredor Cultural do Rio Antigo, criado para preservar áreas históricas. A loja-evento, como experiência de consumo, comercializa o melhor artesanato brasileiro, sempre em diálogo com as exposições.. O CRAB possui ainda espaços multiuso, como um auditório de 100 lugares, uma midiateca e salas para oficinas. Os ambientes são destinados à capacitação, formação, especialização, pesquisa e experimentação. Também recebem shows, encontros, debates, palestras, lançamentos de produtos e cursos livres.

 

 

Sobre o IPTI

 
Fundado em 2003, em São Paulo, o Instituto de Pesquisas em Tecnologia e Inovação (IPTI) é uma instituição privada, com fins não lucrativos, com o objetivo de desenvolver soluções integradas entre tecnologia e processos humanos, nas áreas prioritárias de educação, saúde pública e economias criativas. Em 2006 o IPTI iniciou diálogos com o Governo de Sergipe a fim de instalar naquele estado um Centro de Tecnologias Sociais, associado a uma experiência de promoção de desenvolvimento social e econômico, com base em uma integração entre arte, ciência e tecnologia (The Human Project). O objetivo era aplicar conhecimento científico e tecnológico para a construção de um modelo inovador, baseado em uma integração coordenada e sustentável entre design contemporâneo e processos artesanais, para o desenvolvimento de produtos com alto valor agregado, estabelecimento de inovação e aumento da competitividade. Em 2013 o IPTI foi vencedor do Prêmio FINEP de Inovação, na categoria Instituição de Ciência e Tecnologia (ICT), pela região nordeste.

 

 

 

De 20 de janeiro a 19 de abril.

Henrique Oliveira em livro

14/jan

Um dos artistas plásticos com maior projeção na cena contemporânea, reconhecido mundialmente por suas obras de dimensões épicas que operam a fusão entre as diversas modalidades artísticas e a arquitetura, o paulista Henrique Oliveira ganhou, por meio de uma parceria entre a editora Cosac & Naify, a SESI-SP Editora e a Galeria Millan, o primeiro livro, ou “monografia ilustrada”, sobre seu percurso profissional, iniciado no final da década de 1990.

 
Intitulada apenas “Henrique Oliveira”, a publicação tem 320 páginas e reúne mais de 120 imagens de trabalhos realizados pelo artista ao longo dos últimos 13 anos, além de um ensaio assinado pelo crítico de arte Agnaldo Farias e de uma entrevista feita com Henrique Oliveira pela crítica de arte Aracy Amaral. Trata-se de uma abrangente edição retrospectiva dedicada a documentar e a analisar a produção deste artista, representado pela Galeria Millan desde 2011. “(…) A caçamba como provedor de materiais, a inspiração em livros de patologia clínica, a observação poética indireta de seres de outros tempos ou do sonho retido no cérebro tumultuado e nervoso completam o perfil de seu universo, nesse aspecto refletindo nosso tempo. (…) Procedente de uma geração pós-conceitual, sem nada dever aos artistas de meados do século passado, é a escala ambiental de Henrique Oliveira o que mais nos impacta em suas formas surpreendentes. Arredondadas, tumorais, assustadoras e fascinantes, suas propostas simultaneamente nos remetem aos embates com a natureza, pelo próprio direcionamento induzido claramente pelo artista frente ao desperdício e dejetos da sociedade do lixo e do plástico.” (Aracy Amaral, no texto “Um Alquimista de Seu Tempo”).

 
“(…) A marcha vertiginosa da vida contemporânea insta o artista, focado na contraditória realidade brasileira, a empregar tapumes como matéria-prima em alguns trabalhos. Sua posição entre razão e natureza leva-o a pendular entre a árvore e o compensado, seu produto mais comum, ordinário. Composto por distintas camadas de madeira e usado para barrar a visão para o interior dos canteiros de obras, o compensado é um material poderoso, um amálgama de matérias e de tempos.” (Agnaldo Farias, no texto “Madeira, Matéria Mater”) O projeto do livro “Henrique Oliveira”, com tiragem de 2.000 cópias, foi realizado através da Lei Rouanet (Pronac 1414283) em 2016 e contou com o patrocínio do empresário e colecionador Marcelino Rafart de Seras. Livro “HENRIQUE OLIVEIRA”: Editoras Cosac Naify e SESI-SP; apoio Galeria Millan 320 páginas R$ 90,00.

 

 
Sobre o artista

 
Henrique Oliveira nasceu em 1973 na cidade de Ourinhos, São Paulo. Formou-se em artes plásticas na Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo, onde também se titulou mestre em poéticas visuais, em 2007. Desde o final dos anos 1990 tem mostrado seu trabalho no Brasil e no exterior. Dentre suas exposições mais recentes no país, estão individuais na Galeria Millan (São Paulo, 2016 e 2012), Transarquitetônica – Museu de Arte Contemporânea (São Paulo, 2014) e na Galeria Silvia Cintra (Rio de Janeiro, 2010). Nos Estados Unidos, expôs na McClain Gallery (Houston, 2015), no Boulder Museum of Contemporary Art (Boulder, 2011), Tapumes – Rice University Art Gallery (Houston, 2009), e na Europa: Fissure – Galerie Georges-Philippe & Nathalie Vallois (Paris, França, 2015), Baitogogo – Palais de Tokyo (Paris, França, 2013), Ursulinens Prolapse – Offenes Kulturhaus (Linz, Áustria, 2012), entre outras. Sua participação em mostras coletivas inclui The Strange Room – Marta Herford Museum (Herford, Alemanha, 2016), The End of the World – Centro Pecci (Prato, Itália, 2016), XIII Bienal de Cuenca (Cuenca, Ecuador, 2016), Crafted: Object in Flux – Museum of Fine Arts (Boston, Estados Unidos, 2015), Fusion: Art of the 21th Century – Virginia Museum of Fine Arts (Richmond, Estados Unidos, 2014), Do Valongo à Favela: Imaginário e Periferia – Museu de Arte do Rio (Rio de Janeiro, 2014), Brasiliana: Installations from 1960 to the Present – Schirn Kunsthalle (Frankfurt, Alemanha, 2013), Inside Out and from the Ground Up – Museum of Contemporary Art (Cleveland, Estados Unidos, 2012), Sculpture is Everything – Queensland Gallery of Modern Art (Brisbane, Austrália, 2012), Artists in Dialogue 2: Sandile Zulu and Henrique Oliveira – Smithsonian National Museum of African Art (Washington DC, Estados Unidos, 2011), 29a Bienal de São Paulo (São Paulo, 2010), IX Bienal Monterrey femsa – Centro de las Artes (Monterrey, México, 2009), 7a Bienal do Mercosul (Porto Alegre, 2009) e Something from Nothing – Contemporary Arts Center (Nova Orleans, Estados Unidos, 2008). Entre os vários prêmios e bolsas que recebeu, destacam-se o SAM Art Projects (Paris, França, 2013), Associação Paulista de Críticos de Arte (São Paulo, 2011), Artist Research Fellowship – Smithsonian Institution (Washington DC, Estados Unidos, 2009) e CNI SESI Marcantonio Vilaça (Fortaleza, 2009). Tem obras em acervos particulares e instituições internacionais e nacionais, como Virginia Museum of Fine Arts (Richmond, Estados Unidos), Queensland Art Gallery – Gallery of Modern Art (Brisbane, Austrália), Hobby Airport (Houston, Estados Unidos), Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, Centro Cultural São Paulo – Coleção de Arte da Cidade, e Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, entre outros. Desde 1990, o artista vive e trabalha em São Paulo.

Leda Catunda – I love you baby

21/dez

Ainda que tardiamente, discute-se hoje a grande discrepância entre a representação feminina e masculina nos acervos, museus e publicações de arte relativos às produções modernas e contemporâneas. Particularmente no Brasil, o fato chama atenção uma vez que é possível traçar um resumo da arte do século XX, tendo artistas mulheres como um dos pilares: Anita Malfatti, Tarsila do Amaral, Lygia Clark, Mira Schendel, Tomie Ohtake e Anna Maria Maiolino são alguns exemplos.

 

O projeto “Nossas Artistas”, criado pelo Instituto Tomie Ohtake, Pinheiros, São Paulo, SP, parte desta percepção e propõe uma sequência de mostras individuais dedicadas a artistas que fizeram e fazem a história da arte brasileira. Leda Catunda, São Paulo SP, 1961, inaugura o programa com a exposição “I love you baby”, sob curadoria de Paulo Miyada, também curador do Instituto Tomie Ohtake. Egressa da geração 80, Catunda é exemplar, segundo Miyada, da potência de uma obra que não se pode (ou deve) explicar exclusivamente pelo gênero da artista ou por qualquer generalização do “universo feminino”.

 

A mostra reúne mais de uma centena de trabalhos, realizados de 2003 a 2016, entre pinturas, colagens, gravuras, desenhos e objetos, além de obras feitas especialmente para as paredes das salas do Instituto. Neste conjunto, o uso do desenho como estrutura pictórica estabelece uma síntese inédita do transbordamento de imagens e matérias recorrente na obra de Catunda. Como uma catalizadora da cultura material, a artista constrói reflexões sobre assuntos tais como o consumo, as várias estridentes linguagens comportamentais, a efemeridade e a espetacularização, a partir da utilização de elementos cotidianos, como toalhas, tapetes, lonas, plásticos, camisetas, janelas, fórmicas, entre outros.

 

Nesses novos trabalhos, a artista ressalta ainda o auto-espetáculo fertilmente disseminado pelo uso das novas tecnologias. “Recentemente, ao deixar-se elaborar frente à sua pesquisa pictórica e à transformação gradual das noções de gosto, da moda, do popular, do consumo e do ornamento, a artista levou sua obra a entrar em potente ressonância com o mundo habitado por “pessoas imagens”, histericamente dedicadas a arrasar no look, tirar foto no espelho e, claro, postar no facebook”, explica Miyada.

 

Para o curador, ainda, “I love you baby” demonstra como Leda Catunda lida diretamente com o mundo atual, com seus encantos, fantasias, ilusões e mentiras. “A sensibilidade de Catunda nasce do convívio constante com a pintura, sua história e seus desdobramentos contemporâneos – e se expande em choque apaixonado pela abundância de imagens, marcas e estilos que rege o cotidiano de quase todo cidadão atual, dentro e fora das grandes cidades”.

 

 

 

 

Até 22 de janeiro de 2017.

O Galpão exibe “Hallstatt”

14/dez

O Galpão, da Fortes D´Aloia& Gabriel, Barra Funda, São Paulo, SP, apresenta a mostra coletiva “Hallstatt”, cuja curadoria traz os nomes de Maria do Carmo M. P. de Pontes e KikiMazzucchelli. O elenco de expositores é composto por nomes nacionais e internacionais como Alexandre da Cunha, AmieSiegel, CandiceLin, CaraghThuring, Daniel Sinsel, ImanIssa, Joshua Sex, Manoela Medeiros, Mauro Restiffe, Nuno Ramos, Oliver Laric, Tamara Henderson e Tobias Hoffknecht.

 

 

Sobre a exposição

 
“Hallstatt” toma a noção de dualidade como ponto de partida para uma reflexão sobre o significado da repetição de signos, imagens e formas no contexto contemporâneo. A ideia de dualidade estrutura o pensamento ocidental desde o mito fundador da criação, estabelecendo-se como tema recorrente na literatura e na psicanálise a partir do século XIX. A exposição reúne a obra de treze artistas que, em suas práticas, lidam com o duplo por meio de diferentes estratégias, seja em seu entendimento mais fundamental – através de simetrias formais – ou filosóficos e existenciais: o duplo como um estado alterado de percepção, cópia, reciclagem ou índice de realidades paralelas. Ao propor mais questões do que respostas definitivas, a mostra visa ampliar a discussão em torno do tema, tão urgente em um momento em que verdades absolutas são cada vez mais propagadas – e o lugar da verdade, cada vez mais difícil de se identificar.

 
Hallstatt é um vilarejo cinematográfico situado à beira de um lago rodeado por montanhas na Áustria. Há cerca de cinco anos, passou a receber um enorme fluxo de turistas chineses – mais do que o habitual, mesmo para um lugar cuja principal economia é o turismo. Um deles, desavisado, revelou a um local que na província de Guangdong, na China, uma cópia idêntica de Hallstatt encontrava-se em estado já avançado de construção, para a surpresa dos menos de mil habitantes do vilarejo, que não haviam sido consultados. De fato, a China tem a prática de reproduzir monumentos ocidentais em seu solo, mas pela primeira vez copiava-se uma cidade inteira. Essa apropriação é especialmente simbólica considerando-se que Hallstatt possui a mais antiga mina de sal do mundo e um dos mais antigos sítios arqueológicos da Europa. De certa forma, trata-se assim da cópia por excelência: a apropriação da matriz de uma cultura.

 

 

Sobre os artistas

 
Alexandre da Cunha, Rio de Janeiro, 1969. Vive em Londres, é mais conhecido por esculturas que revisitam e ressignificam objetos cotidianos. Suas telas – que o artista enxerga antes como esculturas de parede do que como pinturas – seguem a mesma lógica ao incorporar materiais como esfregões, chapéus, conchas e escovas. A série Amazons (2014 – em andamento) tem como matéria prima toalhas de praia com estampas extravagantes. Cada uma das obras de Amazons reúne um grupo de toalhas a princípio idênticas, que Da Cunha tinge – dando a cada parte diferentes graus de nitidez – e costura em sequência, enfatizando noções de acúmulo e repetição.

 
AmieSiegel, Chicago, 1974. Vive em Nova York, trabalha majoritariamente com instalações audiovisuais que lidam, de diversas maneiras, com noções de dualidade. O vídeo Genealogies (2016) é uma espécie de arqueologia de referências da artista, em que ela articula a ideia de que há sempre citações a outras obras em projetos supostamente originais, tomando “O Desprezo”, filme de 1963 de Jean-Luc Godard, como estudo de caso. O clássico de Godard é também o tema de The NoonComplex (2016) uma projeção dupla acompanhada de um televisor em que ela desconstrói o filme, removendo digitalmente Brigitte Bardot da narrativa. O televisor mostra uma atriz reencenando os movimentos de Bardot, incitando o espectador a um processo dialético de sobreposição de imagens para obter uma narrativa completa.

 
CandiceLin, Concord, Massachusetts, 1979. Vive em Los Angeles, faz uso de diversos suportes para elaborar uma investigação minuciosa sobre o reino animal, focando sobretudo em fenômenos naturais e microrganismos como fungos e bactérias. Por exemplo, Hormonal Fog (Study #1) (2016, em colaboração com Patrick Staff) consiste em uma máquina de fumaça emitindo periodicamente uma substância que bloqueia a produção de testosterona. Nas colagens apresentadas em “Hallstatt”, a artista explora narrativas sobre fenômenos naturais que foram historicamente marginalizadas pela ciência: registros sobre homens que produzem leite materno, histórias sobre médiuns do sexo feminino que canalizam grandes figuras políticas, entre outras. Apresentadas como as amostras de espécies características dos museus etnográficos, esses trabalhos traçam uma história paralela da ciência que desafia categorias binárias tradicionais relativas ao gênero, às práticas culturais e à reprodução.

 
As pinturas de CaraghThuring, Bruxelas, 1972. Vive em Londres, perpassam noções de dualidade através de diferentes gestos. Por exemplo, o híbrido entre um vulcão e uma pirâmide – e, em nível mais fundamental, o tijolo que constitui esse híbrido – é uma imagem recorrente em sua obra. Outras de suas telas são inspiradas por composições de artistas canônicos, como Édouard Manet e FilippoBrunelleschi. Há ainda pinturas que Thuring enxerga simplesmente como duplas, uma precisando da outra para existir. Aqui, a artista mostra três telas quase idênticas nas quais retrata vulcões – versões em bordado de um desenho que ela realizou no início de 2016, que por sua vez é inspirado em guaches napolitanos do século XIX –, fagocitando a própria obra ao mesclar noções de fundo e figura. Thuring mostra também duas outras telas em que usa tijolos para construir figuras humanas executadas em escalas contrastantes: três homens diminutos posando em David Gandy (2014) e uma mulher agigantada em BrickLady (2013).

 
Daniel Sinsel, Munique, 1976. Vive em Londres, incorpora materiais orgânicos como sementes ou peles de animais em composições que perpassam a superfície bidimensional da tela, conferindo-lhes uma qualidade escultórica. Seus primeiros trabalhos, produzidos no início da década de 2000 – muitos dos quais retratavam jovens homens nus ou seminus – já apontavam explicitamente o seu interesse em explorar a noção de erotismo na pintura. Esse tema recorre em toda a sua produção, mesmo nos trabalhos onde a referência é menos evidente. Nas duas obras recentes apresentadas em “Hallstatt”, por exemplo, o erotismo é evocado a partir da relação criada entre aquilo que está dentro e fora da tela, daquilo que sua superfície oferece ou oculta ao espectador. Além disso, ao incorporar objetos cuja materialidade não é completamente identificável, cria uma espécie de trompl’oeil que levanta dúvidas sobre o que é realidade ou representação. Pintura/escultura, dentro/fora, realidade/representação são apenas alguns dos dualismos que perpassam a obra de Sinsel, calcada, acima de tudo, no jogo de sedução que o artista estabelece entre espectador e obra.

 
Na série de esculturas intitulada Lexicon (2012 -em andamento), ImanIssa, Cairo, 1979. Vive entre Cairo e Nova York, revisita obras de arte que são apresentadas na forma de estudos para remakes contemporâneos. Embora retenham os títulos dos desenhos, pinturas, esculturas e fotografias originais, os trabalhos resultantes não são reproduções fiéis ou cópias das obras originais, mas interpretações cujas formas diferem significativamente de suas fontes. Ao propor novas formas para esses trabalhos, Issa busca comunicar algo mais familiar e consistente com sua própria experiência a partir das ideias sugeridas pelos títulos. As esculturas são acompanhadas de legendas museológicas que contém breves descrições dos elementos originais, bem como sua procedência e data, oferecendo pistas sobre a identidade de seus duplos originais sem revelá-los completamente.

 
Joshua Sex, Dublin, 1985. Vive em Londres, é um pintor e escritor cuja pintura está intrinsecamente ligada a noção de reciclagem. Durante o seu mestrado no Royal CollegeofArts, em Londres (2011 – 2013), o artista passou a se apropriar de fragmentos de telas descartados nos corredores da universidade, usando-os como base para as suas composições. O que começou por necessidade ou diversão tornou-se um modus-operandi de Sex, que a partir de então passou a sempre necessitar dessas pistas na forma de vestígios para compor suas telas. O artista apresenta um conjunto de cinco pinturas realizadas entre 2012 e 2015.

 
As esculturas, pinturas, performances e instalações de Manoela Medeiros, Rio de Janeiro, 1991. Vive no Rio de Janeiro, têm como foco o corpo e suas relações com o tempo e o espaço. A alusão à pele e à permeabilidade são elementos recorrentes tanto nos trabalhos em que utiliza seu próprio corpo como nas instalações site-specific em que trabalha sobre as superfícies da parede para criar composições ambientais. Nessas últimas – a exemplo da instalação que a artista desenvolveu especificamente para “Hallstatt”, Manoela Medeiros descasca obsessivamente seções do revestimento das paredes e cria espelhamentos das formas produzidas pela sua ação, às vezes utilizando o próprio detrito de tinta produzido em sua feitura ou elementos tridimensionais incorporados ao trabalho.

 
As fotografias de Mauro Restiffe, São José do Rio Pardo, 1970. Vive e trabalha em São Paulo, são invariavelmente produzidas por meio de procedimentos analógicos e sempre em P&B, o que lhe permite obter uma gama de tonalidades e texturas muito mais ampla do que na fotografia digital. Ao longo das últimas três décadas, Mauro Restiffe desenvolveu um sólido corpo de trabalhos no qual a arte e a arquitetura são assuntos recorrentes. A arquitetura de Brasília e seu simbolismo cultural e político são pano de fundo para duas séries produzidas respectivamente à ocasião do empossamento do Presidente Lula (Empossamento, 2003) e do enterro de Oscar Niemeyer (Oscar, 2012), da qual uma das imagens está presente em “Hallstatt”. Ao registrar o mesmo local após um intervalo de tempo, o artista estabelece uma relação de dualidade entre as séries, que faz com que as imagens sejam atualizadas e ressignificadas. A exposição inclui ainda dois trabalhos da série Rússia (2015), que evidenciam o interesse de Restiffe em capturar imagens (pinturas, fotografias, etc) dentro da imagem fotográfica, ressaltando a relação dialógica entre espectador e imagem e a natureza ilusória da imagem.

 
Nuno Ramos, São Paulo, 1960, onde vive e trabalha, explora noções de dualidade, mimese, intertextualidade e repetição através de diferentes linguagens e materiais, que vão do texto à imagem, do som à encenação. Em “Hallstatt”, Nuno Ramos apresenta 3 cinzas (Ai, pareciam eternas!), uma instalação efêmera composta por cal, cinza e sal. O artista reproduz no chão do Galpão a linha da fachada de três casas em que morou ­­– a da avó, a da mãe e a casa onde os filhos nasceram – utilizando um pó diferente para cada contorno. Ao longo da exposição, as linhas desmancham-se e rearranjam-se com pisadas e vento. A obra alude a 3 lamas (Ai, pareciam eternas!), instalação site-specific realizada por Nuno Ramos em 2012 mas, sobretudo, ao deslocamento de lugares afetivos, da memória. O artista exibe também a obra “Un Coup de Dés”, que é uma versão em vidro e ácido do poema de Stéphane Mallarmé, “Un Coup de Dés Jamais N’Abolira leHasard” (1897), tido como o primeiro poema tipográfico da história. Na versão de Ramos, as lâminas de vidro são sobrepostas, permitindo que os versos, gravados no vidro em ácido, sejam lidos em sua totalidade. O artista contribui ainda com o ensaio Bonecas russas, lição de teatro, publicado originalmente em seu livro “Ó”, de 2008, e republicado no catálogo da exposição.

 
Desde o início de sua prática artística há cerca de dez anos, Oliver Laric, Innsbruck, Austria, 1981. Vive em Berlim, toma a cópia, apropriação e ressignificação como nortes de sua obra. Em “Hallstatt”, Laric mostra duas esculturas que integraram sua exposição recente no Secession, em Viena (Photoplastik, abril – junho de 2016), em que ele produz scans em 3D de esculturas públicas localizadas na mesma cidade – no caso, o Monumento à Auguste Fickert de Franz Seifert (1929) e Polar Bearand Seal, de Otto Jarl (1902) – e os reimprime em poliamida. O artista disponibiliza todos esses scans em um website, onde qualquer um pode baixá-los, apontando assim também para a noção de dispersão.

 
Tamara Henderson, New Brunswick, Canadá, 1982. Vive no Canadá, produz majoritariamente esculturas e instalações – por vezes funcionais – que ela imagina enquanto em um estado alterado de percepção, seja sob hipnose, barbitúricos ou durante o sono. Em “Hallstatt”, Henderson mostra duas grandes cortinas que produziu durante uma residência em HospitalfieldHouse, em Arbroath, na Escócia. As obras funcionam como um portal para uma realidade paralela imaginada pela artista, um elemento de transição que assinala o movimento de passagem de uma dimensão a outra. Cada uma das peças sintetiza o imaginário subjetivo associado a essas realidades, consistindo, nas palavras da artista, em “cartões postais de paisagens enxergadas através de escotilhas”.

 
Tobias Hoffknecht, Bochum, Alemanha, 1987. Vive em Colônia, formou-se na Kunstakademie de Dusseldorf, em 2013, onde estudou sob a orientação de RosemarieTrockel. Adotando uma estética minimalista, Hoffknecht produz instalações geralmente compostas de duplas de elementos escultóricos que criam diferentes relações entre o espectador e o espaço expositivo. Com acabamento preciso, suas peças se assemelham a ready-mades industriais, embora sejam trabalhos únicos fabricados de acordo com as especificações do artista. Assim, estabelecem um diálogo estreito com o design, muitas vezes evocando mobiliários ou interferindo diretamente na arquitetura do espaço expositivo. Em “Hallstatt”, Hoffknecht apresenta duas esculturas inéditas em madeira e aço inoxidável, materiais recorrentes em sua prática.

 
Ainda em exposição estão cinco duplas de pratos que pertencem a duas coleções particulares de São Paulo e datam entre 1750 e 1860. Alguns foram adquiridos já em pares; em outros casos, os colecionadores compraram um e esperaram anos até encontrar o seu duplo. Por serem manufaturados, cada peça apresenta pequenas diferenças em relação a seu par – uma flor maior, uma árvore com folhagem mais espessa e assim por diante – convidando o espectador a inspecioná-los minuciosamente, como em um jogo dos sete erros. Há uma exceção curiosa, em que a discrepância é a princípio óbvia; após uma análise próxima, percebe-se que enquanto ambas caldeiras apresentam diferentes cenas palacianas, suas bordas repetem o mesmo padrão.

 

 
Até 10 de fevereiro de 2017.

Foto de Katie van Scherpenberg

12/dez

O Oi Futuro, Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, apresenta a fotografia “Santana”, da artista Katie van Scherpenberg, no Grande Campo, espaço de arte pública mantido pelo centro cultural no Flamengo. Cobrindo a fachada lateral do prédio, com 10 metros de altura, a obra traz a imagem de um morcego em preto e branco. “Santana” tem curadoria de Alberto Saraiva e ficará em cartaz até 29 de janeiro de 2017.O trabalho é baseado numa foto analógica de 1998, feita com flash. “A imagem foi feita às cegas numa visita à casa do meu pai, na IIha de Santana, no Rio Amazonas. Entrei no quarto onde ele havia morrido quase 30 anos antes. Imagem de cego, sem saber, sem ver, ignorante e belo”, lembra a artista.

 

Sobre a artista

 
Pintora, gravadora e desenhista, com trabalhos experimentais de intervenção na paisagem desde 1983, Katie van Scherpenberg nasceu em São Paulo em 1940 e viveu a infância na Inglaterra. Estudou pintura na Academia de Belas Artes da Universidade de Munique, na Alemanha e em Salzburg, na Áustria. Katie morou também na Ilha de Santana, situada no Rio Amazonas, até 1973, quando veio definitivamente para o Rio de Janeiro. Foi uma das fundadoras da ABAPP (Associação Brasileira de Artistas Plásticas Profissionais) em 1976, tendo feito parte de sua diretoria até 1983.Além do trabalho em pintura, a artista desenvolve desde 1976 uma carreira como professora de Artes Plásticas, tendo lecionado em diversas faculdades e escolas de artes, incluindo a Escola de Artes Visuais do Parque Lage, onde atua desde 1983.

 

 

Sobre o Grande Campo

 
O “Grande Campo” propõe uma aproximação do artista com o público por meio de uma intervenção na fachada que ocupa uma área superior a 120 m² e que possui uma iluminação especial, de modo que a obra pode ser vista e notada também durante a noite.

 

 

Até 29 de janeiro de 2017.

Na Soleira da Noite


A Galeria Sancovsky, São Paulo, SP, apresenta “Na Soleira da Noite”, exposição coletiva composta por 10 artistas, entre eles os quais, Oswaldo Goeldi, Lucas Costa e Regina Johas. Com curadoria de Claudio Cretti, a mostra apresenta mais de 20 trabalhos entre pinturas, desenhos, fotografias, filmes e gravuras, que fazem uma reflexão poética sobre a ausência de luz na produção recente de arte.

 
Tendo em comum uma luz finita pequena, que surge na escuridão, ou simplesmente de uma paleta reduzida a cores escuras e noturnas, as obras exibem de forma simples a sobriedade de questões vindas do expressionismo moderno.

 
Dentro dessa seleção exclusiva feita por Claudio Cretti, as obras de Oswaldo Goeldi aparecem nesse conjunto como uma proposição poética para a produção contemporânea, que se volta para o mundo da mesma forma que se coloca no universo da arte, ou seja, as preocupações e inquietações desses artistas atualizam questões de nossos dias à luz da tradição.

 

 

Artistas

 
Fazem parte da exposição os artistas: Ana Bê Elorza, Flora Leite, Germana Monte-Mór, Karen de Picciotto, Lucas Costa, Mariana Galender, Oswaldo Goeldi, Pedro França, Regina Johas e Thomaz Rosa.

 
Até 23 de dezembro.

Lotus Lobo na Manoel Macedo

09/dez

Encontra-se em cartaz na Manoel Macedo Arte, Carlos Prates, Belo Horizonte, MG, a exposição “Constellação”, individual de Lotus Lobo. Compõem a exposição, trabalhos das décadas de 1960/70, além da produção recente da artista, que também responde pela curadoria. O critico de arte Rodrigo Moura, assina o texto de apresentação.

 

 

O conteúdo da mostra “Constellação”

 

Em exposição exemplares de “Maculaturas” – flandres e cartão – da década de 1970, e o fac-simile (versão impressa em fine art) da obra “Transformação / Mutação / Transformação/ Mutação”, de 1968.  Seguem obras da série recente de litografias “da Estamparia Litográfica” (2016) – impressões em caixas de papelão, papel cartão, papéis de embrulho. Nesta série as impressões foram orientadas pelo processo das Maculaturas dos anos 70, mas agora as sobreposições de formas/imagens de embalagens e rótulos da litografia industrial são direcionadas pela artista, mas sempre com intermédio de situações do acaso. São referências da Memória da litografia industrial sedimentadas em camadas sobre suportes diversos por vezes embalagens de produtos atuais. Junto às obras serão exibidos fragmentos de sua vasta coleção da litografia industrial (matrizes de zinco, impressões em papel, etc.).

 

Outro destaque é a criação de uma bobina com aproximadamente 15 metros de impressões. Confeccionada especialmente para mostra a bobina se compõe por impressões de imagens provenientes de matrizes de zinco com imagens do registro de cores de rótulos da Estamparia Juiz de Fora. Instalada sobre uma mesa a bobina poderá ser manuseada pelo espectador.

 

Após ter dedicado mais de 40 anos à linguagem litográfica, Lotus Lobo trabalha, atualmente, para a criação de um Centro de Memória da Litografia Industrial de Minas Gerais para disponibilizar o acesso a sua coleção particular de matrizes da litografia de rótulos industriais adquiridos em sua trajetória de pesquisa

 

 

Até 07 de janeiro de 2017.