AGENDA CULTURAL

Tiago Carneiro da Cunha na Carpintaria.

30/jun

A Fortes D’Aloia & Gabriel apresenta “Férias para Sempre”, exposição individual de Tiago Carneiro da Cunha. Reunindo um novo conjunto de pinturas, a mostra do artista paulistano, radicado no Rio de Janeiro, se desenvolve por meio de cenas enigmáticas nas quais estados de lazer, prazer e repouso tornam-se cada vez mais difíceis de distinguir de imagens de colapso, desaparecimento ou morte. Corpos reclinados aparecem ao longo das obras, espalhados por praias, jardins, ruas e interiores, sua imobilidade suspensa entre férias e catástrofe. Ao mesmo tempo bem-humoradas, inquietantes e teatrais, as pinturas resistem a narrativas fixas, permitindo que momentos de ócio, vulnerabilidade e absurdo componham um tableau aberto a múltiplas interpretações.

Todas as telas são produzidas em um formato recorrente, compartilhando as mesmas dimensões, como variações dentro de uma mesma estrutura formal e conceitual. As composições se abrem para espaços amplos que oscilam entre paisagem e cenário teatral, conforme os enquadramentos panorâmicos de Tiago Carneiro da Cunha criam um campo visual em que primeiro plano e fundo se tornam protagonistas equivalentes. Coqueiros inclinados ecoam as posturas das figuras, enquanto crepúsculos dramáticos, focos concentrados de luz e construções espaciais marcadas conferem a muitas cenas uma qualidade quase autoiluminada. A exposição inclui duas interpretações distintas da Pietà, aproximando um dos motivos centrais da tradição clássica de imagens extraídas da vida contemporânea. Ao longo de “Férias para Sempre”, ambientes idílicos e urbanos convivem e se contaminam, animados por referências à cultura visual e à atmosfera cotidiana do Rio de Janeiro. Em conjunto, essas pinturas exploram o território incerto onde espetáculo e intimidade, humor e melancolia, férias eternas e descanso final começam a se confundir.

Entre suas exposições individuais recentes destacam-se Maldita Comédia, Fortes D’Aloia & Gabriel, São Paulo e Green Galaxy, Misako & Rosen, Tóquio. Participou também das exposições coletivas Terraphilia: Beyond the Human in the Thyssen-Bornemisza Collections, no Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, Estado Bruto, no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio), Rio de Janeiro e A iminência das poéticas – 30ª Bienal de São Paulo. O artista possui obras em importantes coleções públicas, entre elas o SFMoMA – San Francisco Museum of Modern Art, em San Francisco; TBA21 Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Collection, Madrid; a Saatchi Collection, em Londres; o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio); o Museu de Arte do Rio (MAR); e o Arizona State University Art Museum, em Tempe.

A exposição é acompanhada por um texto de Gabriel Secchin.

Até 29 de agosto.

Liberdade e pertencimento.

Guilherme Moraes, curador de “Maravilhosa Catástrofe”, a exposição individual de Fefa Lins em cartaz na Amparo 60, Recife, PE, destaca os novos caminhos da produção de Fefa Lins. Nesta mostra, Fefa Lins amplia sua investigação sobre imagem, desejo, liberdade e pertencimento.

No texto que acompanha a exposição, o curador escreve: “Com o teor lumínico e cromático dos trópicos, as pinturas não convergem apenas para um Fernando progressivamente solar. Conectam-se por uma sensibilidade exacerbada, projetada tanto na teatralidade e nos maneirismos que ecoam saberes coreografados por corpos queer, quanto na abertura ao encontro, ao prazer e à indeterminação da massa brincante.”

Aberta desde 27 de junho.

Elegantes manejos da cor.

Com 120 obras que fazem uma retrospectiva da trajetória de um dos artistas mais emblemáticos do Planalto Central, a exposição “Galeno, o mistério do simples” é um convite a um universo que mistura referências populares a um dos mais elegantes manejos da cor da arte brasileira. Em cartaz na Caixa Cultural, a exposição traz obras selecionadas pelo curador Paulo Herkenhoff e vem acompanhada de uma vitrine que reúne reportagens históricas do Correio Braziliense sobre Francisco Galeno.

O ponto de partida da curadoria de Herkenhoff está nas origens do artista. Nascido em Parnaíba (PI), filho de uma costureira e de um marceneiro que veio tentar a vida na construção de Brasília nos anos 1960, Francisco Galeno fez dos objetos, cores e histórias que o cercavam a matéria prima para as pinturas e esculturas. Lamparinas feitas de alumínio, piões de brincadeiras de crianças, carretéis de linhas, pipas e barcos formavam o universo da infância que acabou transportado para as pinturas. “A gente está trabalhando com a complexidade simples da obra dele, mas acho que o Galeno aponta para muitas digressões. “O Galeno tem suas particularidades. A obra dele traz uma memória do Nordeste.” O artista foi o responsável pelo painel da Igreja Nossa Senhora de Fatima.

Até 04 de outubro.

Diagramas espaciais de Damián Ortega.

O MASP apresenta a primeira exposição individual de Damián Ortega (Cidade do México, 1967) em um museu de São Paulo, com curadoria de Adriano Pedrosa, Rodrigo Moura e Yudi Rafael. A mostra reúne mais de três décadas de trabalho do artista, que transita entre escultura, instalação, fotografia e vídeo para reexaminar materiais e objetos cotidianos como vetores de narrativas sociais, econômicas e políticas. Em sua prática escultórica icônica, Damián Ortega desmonta objetos – carros, ferramentas, pedras, tijolos – e exibe suas partes reorganizadas em configurações suspensas que funcionam como diagramas espaciais, frequentemente carregados de humor e comentário político. A exposição destaca obras centrais de sua trajetória e um conjunto de trabalhos que investigam aspectos da arquitetura brasileira. A mostra é organizada em parceria com o MALBA – Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires.

Até 13 de setembro.

Luiz Zerbni exibe Estrelas Escolhidas.

26/jun

O Ministério da Cultura, o Nubank e o Instituto Tomie Ohtake, Pinheiros, São Paulo, SP, apresentam “Estrelas Escolhidas”, exposição individual de Luiz Zerbini sob curadoria de Ana Roman e Luiza Mello.

A mostra reúne cerca de 230 obras produzidas ao longo dos últimos dez anos, entre monotipias, pinturas, livros de artista e instalações, marcadas pela investigação da monotipia realizada a partir do contato direto com plantas, folhas, galhos, cascas e outras materialidades. O conjunto inclui trabalhos desenvolvidos a partir do acervo botânico do Instituto Inhotim e do Sítio Burle Marx, além de obras que ampliam o diálogo da produção gráfica de Luiz Zerbini com diferentes contextos, como as pesquisas relacionadas à gravura japonesa Ukiyo-e.

Além das obras gráficas, a exposição apresenta núcleos dedicados às publicações produzidas pelo artista, além de um projeto sobre etnobotânica ainda em desenvolvimento. Mesas e instalações concebidas para a exposição aproximam processos, matrizes, referências e obras finalizadas, revelando o caráter experimental e processual da pesquisa de Luiz Zerbini.

Livro e exposição de Marina Saleme.

A exposição “Ralo”, individual de Marina Saleme, na galeria Luisa Strina, Cerqueira Cesar, São Paulo, SP, apresenta mais de 20 pinturas inéditas em diferentes dimensões, acompanhadas de texto crítico de Galciani Neves. Na mesma ocasião, a Act Arte lança “Marina Saleme”, publicação que traça um amplo panorama da trajetória artística de Marina Saleme. O livro, organizado pela própria artista, reúne pinturas, desenhos e trabalhos que atravessam distintos momentos de sua produção e conta com textos críticos de Ana Maria Belluzzo, Felipe Scovino e Tadeu Chiarelli.

Contemplação do ato de desaparecer

Nas mais de 20 obras que compõem “Ralo”, Marina Saleme mostra que segue movida pelo gesto de descobrir a cor na superfície da tela, deixando-se conduzir pelo processo de elaborar o que a pintura pode ser enquanto pinta, e motivada pelo desejo de se surpreender com os novos desafios de linguagem e de experimentação diante da tela. Por meio de rios, mares, céus e rochas, que se entrecruzam e se unificam, a artista reflete sobre um derretimento do mundo, como se tudo o que está sobre a terra tivesse um destino, um fluxo, uma impermanência, um tempo linear irreversível, que desemboca em um ralo, no ato de escoar.

De acordo com Galciani Neves, que assina o texto crítico da exposição, “Ralo” narra o pensamento de Marina Saleme, que se embrenha entre suas pinturas a partir de um tempo que não cessa, não pausa, e que se esvai como uma espécie de durante sempre fugidio.

Trajetória da artista em mais de 200 páginas

Por ocasião da abertura da mostra, a Act Arte – casa editorial sob direção de Fernando Ticoulat – lança o livro monográfico “Marina Saleme”, que, ao longo de mais de 200 páginas, apresenta um panorama da produção da artista, destacando mais de três décadas dedicadas à pintura e à fotografia. O livro evidencia como, entre atmosferas de silêncio, melancolia e suspensão, Marina Saleme trabalha com a instabilidade das imagens: formas revelam-se ao mesmo tempo em que são ocultadas por camadas de tinta, véus de cor e rastros de matéria.

Temas como fragilidade, incerteza, dissolução e aparição – seja em paisagens fantasmagóricas, figuras esfaceladas ou cenas cotidianas que se tornam enigma – são foco de ensaios críticos de Felipe Scovino, Ana Maria Belluzzo e Tadeu Chiarelli, que contextualizam a pesquisa da artista no campo da pintura contemporânea brasileira, analisando sua relação com o neoexpressionismo dos anos 1980, sua passagem por experimentações matéricas nos anos 1990 e sua expansão para a fotografia nas séries dos anos 2000 e 2010. Ao longo do livro, imagens de obras, séries e detalhes de pinturas revelam um fazer artístico guiado pela intuição, pelo tempo e pelo mistério.

A publicação, editada por Yasmin Abdalla, Paula Nunes e Marina Dias Teixeira, e publicada pela Act Arte, é uma realização do Ministério da Cultura e conta com patrocínio do Itaú, apoio de Marina Saleme Estamparia e apoio institucional da galeria Luisa Strina.

Até 25 de julho.

Repertórios herdados e formas de fabulação.

25/jun

A Galatea apresenta Elias Santos: Alegorias ancestrais, individual do artista baiano Elias Santos (1966, Cairu, Bahia) que ocupa o espaço expositivo do Cofre na unidade da galeria em Salvador. A abertura acontece dia 03 de julho.

Com curadoria de Alana Silveira, diretora da Galatea Salvador, a mostra reúne cerca de 50 desenhos produzidos entre 1995 e 2004 e 12 esculturas produzidas entre 2013 e 2026. Ao longo da pesquisa curatorial, tornou-se evidente que imagens e símbolos presentes nos desenhos realizados no início da trajetória de Elias Santos reaparecem, mais de duas décadas depois, em suas esculturas. É a partir dessas correspondências que a exposição se estrutura, colocando em diálogo diferentes momentos de sua produção.

A série de desenhos foi iniciada quando o artista ainda era estudante da Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia – UFBA. Neles, figuras híbridas que conjugam traços masculinos e femininos são atravessados por conflitos e marcas de sofrimento. “As deformações inscritas nessas figuras podem ser lidas como manifestações de uma violência simbólica produzida por estruturas políticas e sociais que incidem sobre determinados corpos, moldando suas formas de existência e subjetividades” afirma Alana Silveira no texto crítico da exposição.

As máscaras que aparecem nessas figuras remetem a referências culturais do Baixo Sul da Bahia, região onde o artista nasceu. Entre elas estão os Zambiapungas, manifestação popular afro-brasileira associada ao culto aos ancestrais e marcada pela presença de figuras mascaradas.

As esculturas também evocam símbolos e referências associados às cosmologias afro-brasileiras, incorporando formas mais curvas e materiais brilhantes, como o lamê, tecido muito utilizado em vestimentas do candomblé e fantasias carnavalescas afro-baianas. Em conjunto, revelam como imagens e símbolos recorrentes nos desenhos de Elias passam a habitar o espaço tridimensional, projetando repertórios herdados para novas formas de fabulação.

Até 10 de outubro.

Roberto Burle Marx pelos amigos.

Exposição revela o lado mais íntimo e afetivo de Roberto Burle Marx no Centro Cultural Correios, Rio de Janeiro, RJ. Entre memórias, fotografias, documentos históricos e experiências imersivas, Roberto Burle Marx pelos amigos convida o público a descobrir a dimensão mais humana de um dos maiores criadores brasileiros. A exposição revela um artista movido pela amizade, pela música, pela diversidade cultural e pelo encontro entre arte e natureza, apresentando um olhar raro e afetivo sobre sua trajetória.

Muito além do paisagista que revolucionou a relação entre arte e natureza no Brasil, Roberto Burle Marx surge agora como anfitrião, colecionador, amigo, humanista e homem profundamente entrelaçado com a diversidade cultural que moldou sua trajetória. É essa dimensão menos conhecida de um dos maiores criadores brasileiros que ganha protagonismo em Roberto Burle Marx pelos amigos, exposição em cartaz no Centro Cultural Correios Rio de Janeiro, a partir do dia 1º de julho de 2026.

Idealizada pelo Memorial Judaico de Vassouras, a exposição percorre episódios pouco conhecidos da biografia de Burle Marx, como suas origens familiares, filho de um judeu alemão e de uma professora católica pernambucana de ascendência francesa, a passagem pela Alemanha durante a juventude e o impacto da ascensão do nazismo sobre sua família paterna. Fotografias inéditas e documentos históricos ajudam a compreender como essa herança multicultural reverberou em sua visão de mundo e em sua produção artística, especialmente em seus últimos anos de vida.

Até 22 de agosto.

O retorno de Josuel Miranda.

O Museu de Arte Leopoldo Gotuzzo (MALG), da Universidade Federal de Pelotas, RS, apresenta a exposição retrospectiva de Josuel Miranda, multiartista radicado há mais de cinco décadas no Rio de Janeiro. Com curadoria dos professores e pesquisadores Neiva Bohns e Rogério Lima, a mostra apresenta mais de cinquenta obras, e tem como título “Eu sou um ilustre desconhecido”, frase enunciada pelo próprio artista.

Nascido em Pelotas em 1936, desde a infância precisou ajudar a mãe, trabalhadora doméstica, no sustento da casa. As experiências como vendedor de pastéis, jornaleiro, faxineiro e mordomo, se entrelaçaram intensamente com o mundo da arte e da cultura, gerando um desejo irreprimível de viver/fazer arte.

Inspirado nos grandes mestres do modernismo brasileiro, e no figurativismo narrativo, Josuel Miranda, ao longo de décadas, construiu uma vigorosa gramática autoral, constituída por cenas lembradas ou imaginadas, que alimentaram sua admirável alegria de viver. Seu repertório plástico-visual transita entre festejos populares, cenas de gênero e a boêmia.

No final da década de 1970, pouco antes de se transferir para o Rio de Janeiro, o artista, que também amava dançar, teve suas obras expostas em várias galerias de arte de Pelotas. Desde então, nunca mais o público local teve a oportunidade de apreciar o seu trabalho, embora inúmeros amigos e colecionadores locais tenham se tornado dedicados guardiões de seu acervo.

“Como sabemos, a invisibilidade historiográfica é condição recorrente de artistas negros ignorados pelos registros oficiais da arte sul-brasileira. Portanto, reapresentar Josuel Miranda no principal museu de arte da cidade significa interromper um injusto ciclo de silenciamento, e promover, com dignidade e responsabilidade social, o debate sobre repertórios traumáticos, como os da diáspora africana”, destaca Neiva Bohns. A presença de um artista de noventa anos de idade, que viveu intensamente as transformações no campo da cultura hoje denominada LGBTQIAPN+, reforça a importância da resiliência e do poder de superação dos estigmas sociais vigentes em cada período histórico.

Até 22 de agosto.

Fotos: Cíntia Langie

Fonte: Diário da Manhã.

Representando um artista internacional.

24/jun

A Almeida & Dale anuncia a representação de Guillermo Kuitca no Brasil, trabalhando em colaboração com a Hauser & Wirth, galeria que o representa globalmente.

Reconhecido como um dos nomes de maior destaque da arte contemporânea latino-americana, Guillermo Kuitca sustenta há mais de 40 anos uma prática múltipla e inquieta que é informada pelo teatro, a dança, a música e a filosofia.

Nascido em 1961, vive e trabalha em Buenos Aires, Argentina. O artista mobiliza um repertório iconográfico que inclui objetos do espaço doméstico, modelos de representação arquitetônica e mapas, além de ser reconhecido internacionalmente por seu singular estilo cubistóide.

Guillermo Kuitca teve sua primeira exposição ainda aos 13 anos, em uma galeria na capital argentina. Desde então, teve passagens em importantes exposições ao redor do mundo, entre elas as 18ª, 20ª e 24ª edições da Bienal de São Paulo, a documenta IX, em Kassel, além da 52ª Bienal de Veneza, também como artista representante no Pavilhão da Argentina. Obras do artista estão presentes em importantes coleções institucionais, tais como o 21st Century Museum of Contemporary Art, Japão, Guggenheim Museum, EUA; e MoMA, New York, EUA.