Paula Klien em Berlim

14/jan

Há alguns anos distante das lentes do circuito de moda e celebridade, no qual se destacou como uma das maiores fotógrafas do meio, tendo registrado personalidades nacionais como os atores Alexandre Nero, Marjorie Estiano e o arquiteto Oscar Niemeyer, dentre mais de 200 outros nomes conhecidos, Paula Klien dá uma guinada em sua trajetória e realiza exposição individual.

 
Após meses de intensa criação, esta carioca de Ipanema vai apresentar sua primeira individual de pinturas, em fevereiro, na aquabitArt gallery, situada na Auguststrasse, referência do circuito de artes em Berlim.

 
Utilizando técnicas de nanquim, a solo “Invisibilities” vai reunir dez grandes pinturas sobre papel, outra em grande dimensão sobre tela medindo 1,80 X 1,48cm, dois backlights, e um trabalho de caráter tridimensional feito de espuma com pintura em nanquim.
Em sua carreira fotográfica, a artista já participou de duas bienais e assinou campanhas e editoriais nas revistas Vogue Brasil e Rolling Stones. É autora dos ensaios “Gatos e Sapatos” e “ It`s Raining Men”, participou também de projetos como “Shakespeare – Retratos de uma Festa Luminosa”, “ Mulheres de Verdade”, “Brasileirice” e “Natural do Rio”. Foi agenciada, no Brasil, pela ABÁ mgt e representada no exterior pela Production Paradise. A divulgação do evento é de Fábio Cezanne, da Cezanne Comunicação – Assessoria de Imprensa em Cultura e Arte.

Artivismo

05/dez

​O papel político da arte é o mote da exposição “Artivismo – A arte política de André de Castro”, primeira exibição individual de André De Castro na Europa. A exposição será inaugurada no dia 13 de dezembro, no Espaço Espelho D’Água, em Lisboa, e reunirá os projetos “Movimentos”​ (2013-2014)​ e “Liberdade Já”​ (2015)​, que repercutiram as serigrafias criadas pelo artista para retratar temas políticos como as manifestações ​recentes ​nos EUA, Brasil, Turquia e Grécia, e os jovens presos políticos de Angola.

 
As serigrafias de André de Castro participam como importantes agentes de acontecimentos políticos internacionais. As imagens, produzidas em paralelo com o desenrolar dos eventos, passam a fazer parte dos debates de cada momento e seguem​, posteriormente, ​como registro do fato histórico.

 
“Ao expor ‘Movimentos’ e ‘Liberdade Já’ juntos, a mostra permite um recorte da arte como ator social, questionando intenção, recepção, apropriação e estética nas ruas e na internet”, afirma o artista que seguirá com a exposição por outras cidades europeias​.

 
“Movimentos”, primeiro projeto político de André De Castro, criado em 2013, foi selecionado para a 11ª Bienal Brasileira de Design Gráfico e visto por mais de 40 mil visitantes, passando por Miami durante a Arte Basel 2013​, Opus Gallery, em Nova Iorque​ em 2014​ e em 2015 pelo Centro Cultural Banco do Brasil de Belo Horizonte e Brasília e pela Caixa Cultural do Rio de Janeiro.


Resultado de entrevistas​ realizadas através das mídias sociais com os manifestantes​, as serigrafias do projeto retratam as identidades políticas ​dos manifestantes de diferentes países. O painel, conjunto com trinta retratos e suas referencias, estabelece um dialogo visual ​que ​convida o público a comparar as ​referências e perceber divergências e possíveis pontos em comum entre as composições.

 

O projeto “Liberdade Já”, criado em 2015, é composto por mono-prints em serigrafia​ ​dos jovens presos políticos de Angola,​ soltos em 2016​. Os retratos, embora criado​s concretamente, com luz, água, com tinta e papel, viveram e se replicaram no mundo digital apropriado​ por familiares, manifestantes e pela Anistia Internacional. Mais que isso, as imagens viajaram através das red​es e​ retornaram ao mundo concreto, em outros países, reproduzidas em camisetas e impressos tornando-se peças fundamentes para mobilização e mudança. As​ serigrafias foram expostas em mostras coletivas em Lisboa e Nova Iorque, em 2016, e tiveram a renda revertida integralmente para as famílias dos presos polític​os.​

Dream Box edição final 

24/nov

A Dream Box creative lab, localizada no Brooklyn, NY, apresenta quarta e última edição da exposição pop up de fotografia “Subject Matters” com curadoria de Juliana Leandra e direção de arte de Paulo Sabatini.

 

A mostra “Subject Matters IV” é a edição final de uma série que teve início em novembro de 2015, completando o ciclo de quatro shows pop-up apresentando fotógrafos de diferentes nacionalidades e trajetórias, cujas obras transmitem perspectivas, estilos, técnicas, estéticas e temas diferentes. Nesta edição apresenta os trabalhos de seis fotógrafos: Belinda Tellez, Bruno Feder, Charlie Kitchen, Demian Jacob, Fran Parente e José Cabaço.

 

A exposição pop-up abre no Double 6 Studio, em Greenpoint no final de semana de 19 – 20 de novembro, com coquetel de abertura no sábado, 19 de novembro, das 17h às 21h.

 

Os seis componentes de “Subject Matters IV” trabalham em diferentes áreas da fotografia; portanto, eles mantêm um certo estranhamento como grupo. Entre os vários temas abordados nas séries apresentadas para a exposição, há um elemento comum a todos: o tema é importante – “Subject Matters”.

 

Pediu-se a cada participante que respondesse de forma oral e visual a pergunta “Por que os temas são importantes?” o que resultou em uma série de imagens e um pequeno texto explicando a importância que cada artista dá ao tema escolhido. A partir disso, foi elaborado um zine que documenta as fotografias e respostas dos artistas e será distribuído durante o período da mostra. Após o encerramento da exposição, também estará disponível para compra no site da Dream Box.

 

 

Sábado, 19 de novembro, das 17:00 às 21:00

 

Período: 19 e 20 de novembro.

Cores de Milhazes em Paris

11/nov

A Galerie Max Hetzler,57 ruedu Temple, Paris, apresenta em seus últimos dias, a quarta exposição individual de Beatriz Milhazes organizada pela galeria. Reconhecida por suas pinturas e colagens vibrantes, esta é a primeira vez, no entanto, que a brasileira expõe no espaço parisiense da Max Hetzler. A exposição apresenta duas pinturas em grandes formatos, uma em tamanho médio, uma colagem e uma peça tridimensional. Os trabalhos seguem a técnica muito particular, desenvolvida pela artista, que utiliza moldes para aplicar os motivos às telas, por vezes reutilizados, que dão às obras a memória deste meticuloso processo.

 

Beatriz Milhazes utiliza cores vívidas, com elementos sobrepostos em camadas, e se inspira em temas que estão à sua volta como a paisagem do Jardim Botânico do Rio de Janeiro, que certamente foi fonte de inspiração para seus elementos florais e arabescos tão peculiares. Milhazes também é profundamente influenciada pela cultura popular brasileira, especialmente o samba e o carnaval, as formas circulares e o movimento rítmico de suas obras são quase um convite para dançar. Suas composições lembram fortemente o Brasil, embora permaneçamno campo da abstração. As formas entrelaçadas e as camadas são raramente organizadas em torno de algum centro, o que torna difícil o olho descansar em algum lugar da tela.

 

“Marilola”, que dá nome a exposição, é uma cortina em cascata, suspensa no teto. O arranjo denso é composto por materiais diversos, como flores de papel, alumínio e contas de resina. A peça ecoa as cores e o ritmo dos trabalhos bidimensionais de Milhazes, onde os padrões parecem estar flutuando sobre a tela, mas apresenta agora suas sucessivas camadas em três dimensões. E a surpreendente colagem “Maçã”, em branco e preto, oferece um contraponto às outras obras, provocando um diálogo com suas cores tão intensas.

 

Últimos dias.

Diálogo estético/cultural em Paris

28/out

 

Dezoito artistas plásticos de diversas nacionalidades unem seus discursos estéticos em uma única cidade: Paris. Temas essenciais serão tantas vezes recontados sob o prisma da pluralidade cultural, estética e de suportes. Essa é uma das propostas de “La Beauté d’Un Tout”, exibição coletiva na Galerie de Nesle, Odéon/Pont Neuf. Em uma realidade em que coexistem tanta diversidade e tanta intolerância, o projeto promove, com muita beleza e sensibilidade, uma releitura mais harmônica das relações sociais.

 

Único artista brasileiro do grupo, Eduardo Sampaio participa da iniciativa com sua obra inédita “A Fé do Pescador”, inspirado nos versos das canções de Dorival Caymmi, levando ao projeto, mais do que uma estética, a musicalidade nacional. Apaixonado confesso pela figura humana, ele coloca a figura humana no centro de seu processo criativo.“A figura humana é uma fonte inesgotável de interpretações e beleza”, sintetiza Sampaio, que aceita pela segunda vez o convite para participar da iniciativa.

 

Com curadoria da Agapé Art, também integram o grupo Songmae An, Tzu-Fang Chen, Yi-Chun Chen, Eva Helmlinger, Didier Heslon, Donna Heslon, Sophie Eun Sun Huh, Young Suk Kum, Wilfrid Minatchy, Junseok Mo, Primavera, Claire Rousseau, Suzy Schlie, Myriam Schott, Yu-Hua Shen, Luwalhati Vergara e Cheng-Ying Wan.

 

 
A partir de 05 de novembro.

Doação histórica

24/out

O MoMA recebeu uma doação histórica de arte latino-americana da Coleção Cisneros. A colecionadora venezuelana Patricia Cisneros anunciou a doação de 102 obras ao Museu de Arte Moderna, MoMA, de Nova York. São pinturas, esculturas e outras peças de autoria de 37 artistas do Brasil, Venezuela, Argentina e Uruguai, criadas entre as décadas de 1940 e 1990. No total, Patricia Phelps de Cisneros doou 102 obras, de diversos formatos e técnicas, incluindo trabalhos de 64 de artistas brasileiros.

 

 

Artistas brasileiros

 

A doação inclui telas, esculturas e trabalhos sobre papel realizados entre 1940 e 1990 por 37 artistas trabalhando no Brasil, na Venezuela, na Argentina e no Uruguai. Entre os brasileiros, há obras de Hélio Oiticica, Lygia Clark, Luiz Sacilotto, Ivan Serpa, Mira Schendel, Lygia Pape, Waldemar Cordeiro, Geraldo de Barros, Hercules Barsotti, Hermelindo Fiaminghi, Aluisio Carvão, Willys de Castro, Rubem Valentim e Franz Weissmann.

 

 

Outros latinos

 

A doação inclui trabalhos dos venezuelanos Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Díez e Alejandro Otero e do argentino Tomás Maldonado, entre outros. Patricia Cisneros faz parte do Conselho Diretivo do MoMA há varias décadas e participa de várias comissões de aquisição e gestão, incluindo o Fundo Latino-americano e Caribenho, do qual ela é presidente e fundadora.No últimos dezesseis anos, a Família Cisneros doou mais de quarenta obras ao museu.

FIAC 2016

21/out

FIAC 2016, Paris, França, chega com novidades e a presença de quatro galerias brasileiras. A edição deste ano da Foire Internationale d’Art Contemporain (FIAC), realizada anualmente no Grand Palais, sem dúvida é uma das mais importantes em quatro décadas do evento. Em meio a condições instáveis do mercado de arte e um clima de incerteza econômica, a FIAC tomou uma atitude ousada ao expandir sua presença nesta 43ª edição: introduziu o novo setor On Site, com esculturas e instalações.

 

O novo setor vai ocupar o Petit Palais, localizado em frente ao setor principal da feira, que acontece até domingo (23). On Site irá apresentar cerca de 40 obras, de 35 artistas, tanto no interior da Galerie Sud, Pavillion Sud e Jardin du Petit Palais, quanto na esplanada em frente ao Petit Palais. O setor foi pensando para que as galerias pudessem exibir estas obras em um contexto de museu e não em seus estandes de feira.

 

Apesar do ambiente econômico pouco favorável, a FIAC atraiu um total de 186 galerias participantes, de 27 países – 13 galerias a mais do que no ano anterior, sendo 43 estreantes. Quatro galerias brasileiras marcam presença nesta edição: Luciana Brito, Fortes Vilaça, Mendes Wood DM e Luisa Strina.

 

Fonte: Touche of class.

Krajcberg, artista convidado

14/out

O Musée de L´Homme, Paris, França, convidou o artista brasileiro Frans Krajcberg para, em parceria artística com o Espace Krajcberg e a Prefeitura de Paris,participar da exposição “Trib/usdu Monde -Empreintes : L´Humanité a Rendez-vous au Musée de L´Homme”. Sua obra é um manifesto para o ser humano, para salvar o planeta quando monitoram a menor sombra, luz, o menor pedaço de raiz, ou pigmento terrestre.

 

 

Retrato de um artista ativista

 

Frans Krajcberg é artista brasileiro nascido em Kozienice, Polônia, em 12 de abril de 1921. Durante a Segunda Guerra Mundial, sua família morreu vítima do Holocausto. Ele tinha 18 anos de idade, quando o exército alemão invadiu seu país. Em 1945, deixou Varsóvia e se mudou para Stuttgart, onde estudou Belas Artes. Depois de uma breve visita a Paris, onde conheceu Léger e Chagall, emigrou para o Brasil em 1948. Após uma incorporação gradual aos círculos artísticos, ele se isola para trabalhar na natureza brasileira da qual vai fazer sua inspiração e causa. Em 1957, ganha o prêmio de melhor pintor brasileiro e recebe, um ano depois, a nacionalidade brasileira. A Floresta Amazônica é fundamental para seu trabalho e sua luta. A floresta torna-se seu campo de batalha. O gesto artístico de Krajcberg combina palavras e ações de um modo que a arte acaba por defender o planeta. Em 1978, ele vai até o Rio Negro, na companhia de Sepp Baendereck e do crítico de arte Pierre Restany. Esta jornada leva-os à consciência e eles escrevem o “Manifesto do Naturalismo do Rio Negro.”

 

Observando, 35 anos mais tarde, que o apelo foi ouvido pouco, Frans Krajcberg publicou em 2013, com Claude Mollard um “Novo Manifesto naturalismo integral”, uma chamada para todas as partes interessadas no mundo da arte para despertar as consciências, iniciar um movimento artístico em defesa do meio ambiente e ajudar os americanos nativos preservar suas terras e cultura.

 

“Eu procuro formas ao meu grito contra a destruição da natureza, meu trabalho é um manifesto! “diz, Krajcberg.

 

 

Um fim de semana especial Frans Krajcberg

 

Será realizado nos dias 22 e 23 de outubro, com uma mesa redonda e visitas acompanhadas. Os convidados são: Sylvie Depondt e Claude Mollard (comissários), Eric Darmon (produtor e diretor), Serge Bahuchet (diretor do departamento Homens, naturezas, as sociedades – Museu Nacional de História Natural).

 

Domingo 23 de outubro no Auditório Jean Rouch.

 

 

A exposição ficará em cartaz até 02 de janeiro de 2017.

Oiticica em Pittsburgh

11/out

Hélio Oiticica em exposição espetacular, colorida e abrangente no Carnegie Museum of Art. Arrebatadora e com uma abordagem e pesquisa profunda, a retrospectiva apresenta uma variedade impressionante de pinturas, esculturas e obras interativas de Oiticica.

 

Os visitantes da exposição do artista brasileiro Helio Oiticica no Carnegie Museum, Pittsburgh, podem esperar por caminhar entre areia, seixos, estruturas coloridas e cumprimentar um simpático papagaio da Amazônia. Tudo isso faz parte da experiência de “Tropicália” (1966-67), uma instalação multissensorial gigante no coração da mostra “Hélio Oiticia: To Organize Delirium”.

 

Se “Tropicália” é uma espécie de viagem no trabalho imersivo de Oiticica, “Eden” (1969) é o destino. Esta enorme instalação inclui espaços e estruturas para o relaxamento, leitura, conversas e música. Suas superfícies proporcionam experiências táteis para os pés descalços. Ocupando o majestoso Hall of Sculpture do CMOA, é raramente exposto devido ao seu tamanho e complexidade. A exposição é a mais completa retrospectiva do artista e a primeira a explorar profundamente seus anos em Nova York (1971-78). Ambiciosa em escala, apresenta uma variedade impressionante de pinturas, esculturas interativas, obras audiovisuais e ambientes que ocupam todo o espaço do museu.

 

Um dos artistas mais influentes do século 20, Oiticica primeiro pintou composições criadas por formas geométricas que pareciam dançar para fora da tela. Logo, mudou para a criação de trabalhos experimentais imersivos, em explosões de cores três dimensões. Para o artista, estas obras só estavam concluídas quando os visitantes interagiam com elas. Ao longo das décadas de 1960 e 1970, Oiticica se voltou cada vez mais para uma arte cuja intenção é levar o espectador a manipula-la, vesti-la, habita-la, incluindo os Parangolés – obras imersivas que frequentemente contem mensagens poéticas ou politicas visíveis apenas quando em interação, e os Penetráveis, estruturas coloridas inspiradas nos barracos das favelas cariocas. Enquanto viveu em Nova York, Oiticica estendeu seu trabalho ao cinema e à poesia concreta.

 

“Helio Oiticica: To Organize Delirium”, visualmente arrebatadora, convida a uma reconsideração do trabalho de um artista que, embora reconhecido internacionalmente, ainda é raramente encontrado. Depois de permanecer no CMOA, a exposição segue para o Art Institute de Chicago e para o Whitney Museum em Nova York.

Projeto Zone Brésil(s)

14/set

Doze artistas brasileiros da ArtMaZone compõem o projeto Zone Brésil(s), com vernissage em 23 de setembro, na Igreja Notre Dame de Quilly, Bretteville sur Laize, Normandie, França. No dia seguinte será a vez da inauguração da coletiva que ficará abrigada na Galeria da Prefeitura. O vernissage será também evento de abertura à convenção política local, com a presença inclusive da secretária de estado Clotilde Valter, ministra do Trabalho, Emprego, Formação Profissional e Diálogo Social.

 

A pedido da Câmara Municipal de Bretteville sur Laize, e atendendo a um convite de honra para o Brasil, a iniciativa integra a tradicional Quinzaine de Quilly, programa cultural que inclui outras expressões, além das artes plásticas, e nesta edição tem como tema o Brasil.

 

Sub a curadoria de Nina Sales, idealizadora da ArtMaZone, participam desta exibição coletiva os artistas Christiana Guinle, Rafael Suriani, Patricia Figueiredo, Marcio Goldzweig, Lin Lima, João Santos, Claudia Malaguti, Stella Bierrenbach, Renata Sgarbi, Frederico Duarte, Iris Della Roca, Livia Melzi, além do convidado, Jean-François Rauzier.

 

 

Dois espaços

 

Igreja Notre Dame de Quilly
O projeto da exposição sublima a universalidade e a diversidade de temas abordados na atual arte brasileira – imagem da mulher, sexualidade, morte, religião, meio ambiente.

Galeria da Prefeitura
Um diálogo transversal é estabelecido entre as culturas francesa e brasileira, tendo como base observações sob os contrastes sociais e os fluxos migratórios que ligam os dois países.
Texto da curadora Nina Sales

 

 

Brasil: entre a tradição e a modernidade

 

“Sobre o que falamos quando evocamos o patrimônio mundial? Sobre monumentos marcantes e relíquias emblemáticas da história da arte? Sobre culturas hegemônicas indiscutíveis? Sobre regras acadêmicas ou sobre novas tendências subversivas? Claro, a história da arte promove a produção de obra primas, de movimentos e de revoluções que ampliam nossa visão sobre a arte.

 
O fenômeno crescente da globalização impulsiona o desenvolvimento da pesquisa artística. Nações jovens com um patrimônio rico mostram suas criações e se tornam a mais nova referência do segmento. Identidade, temporalidade e fronteiras também se desintegram no seio de “Zone Brésil(s)”, proporcionando uma exposição catártica. Herança e contemporaneidade se fundem para sublimar um Brasil que defende suas verdadeiras cores, cores estas de um território criativo e atual. Um hino à arte contemporânea! ”.