AGENDA CULTURAL

A dança como símbolo multifacetado.

06/jun

Para a Art Basel 2025, A Gentil Carioca propõe um olhar sensível sobre a dança, entendida não apenas como expressão artística, mas como elemento central nas vivências coletivas, nos rituais sociais e nas formas de resistência ao longo dos séculos. A dança surge aqui como símbolo multifacetado: linguagem do corpo, ferramenta de transmissão de saberes, modo de narrar histórias e preservar tradições. As obras selecionadas dialogam com essas múltiplas dimensões, ressaltando a importância da dança na construção de identidades culturais, na delicadeza das relações humanas e na constante busca por pertencimento. Participam desta edição: Agrade Camíz, Ana Silva, Arjan Martins, Denilson Baniwa, João Modé, Kelton Campos Fausto, Laura Lima, Misheck Masamvu, Miguel Afa, Novíssimo Edgar, O Bastardo, OPAVIVARÁ!, Pascale Marthine Tayou, Renata Lucas, Rodrigo Torres, Rose Afefé, Sallisa Rosa, Vinicius Gerheim, Vivian Caccuri, Mariana Rocha, Rafael Baron.

Apresentamos também um Kabinett que propõe um diálogo inédito entre as obras de João Modé, Ivan Serpa e Max Bill. Pioneiro do concretismo, Max Bill teve influência decisiva na arte latino-americana e, em 1951, recebeu o prêmio de escultura na primeira Bienal Internacional de São Paulo, impactando gerações de jovens artistas. Em ressonância com esse legado, João Modé desenvolve desde 2013 a série “Construtivo (Paninho)”, na qual utiliza costura e bordado para homenagear a tradição geométrico-abstrata da arte brasileira, criando formas “construtivo-afetivas”. No espaço, obras inéditas de João Modé dialogam com peças emblemáticas de Ivan Serpa e Max Bill.

A Fermata Erótica na Galeria Marcelo Guarnieri.

A Galeria Marcelo Guarnieri, Jardins, São Paulo, SP, apresenta, entre 14 de junho e 31 de julho, “Fermata Erótica”, terceira mostra do artista José Carlos Machado (Zé Bico). A exposição reúne um conjunto de 27 esculturas realizadas durante os últimos três anos e outras 9 realizadas entre os anos de 2020 e 2021, exibidas pela primeira vez. A partir da força magnética dos ímãs, Zé Bico dá continuidade à sua investigação sobre o equilíbrio e a instabilidade, explorando, através de objetos em chapa metálica, ferro, aço, feltro e areia, as tensões entre a força gravitacional e a matéria. A exposição conta com texto de apresentação do artista e curador Rafael Vogt Maia Rosa.

Ter trabalhado por tantos anos com ímãs na produção de suas obras permitiu a Zé Bico desenvolver uma prática baseada em movimentos sutis, de cálculos exatos, gerados não por métodos teóricos, mas sim empíricos. Em “Fermata Erótica”, o artista apresenta peças em diferentes escalas e alturas, contrapondo a dureza e a ortogonalidade de blocos e cilindros de ferro ao movimento curvo das fitas metálicas. Firmes em suas bases, essas esculturas relacionam-se com o espaço através dos vazios contornados por linhas sinuosas e formas abauladas que remetem ao símbolo da fermata. É um exercício que busca desacelerar a força de atração magnética, que por sua natureza impetuosa, se satisfaz na estabilidade do encontro imediato dos pólos opostos. Como define Maia Rosa em seu texto: “A fermata é a arte da suspensão. Não se trata de paralisar o tempo, mas de prolongá-lo. Esticar o instante até que ele vibre como uma promessa do que ainda não veio – como na notação musical, não marca um fim, mas a indeterminação do tempo extra que é do corpo do intérprete, do desejo que se recusa a seguir o previsto.”

Em uma das paredes laterais, Zé Bico apresenta “Porradinhas”, um conjunto de 9 peças em imã de ferrite produzidas entre os anos de 2020 e 2021, exibidas pela primeira vez. Maia Rosa as descreve como uma “série sustentada pela convicção de que o acidental é ao mesmo tempo intermediário e irremovível, sugere que não devemos atacá-lo ou desenraizá-lo em homenagens impotentes, mas transformar os restos em uma malha estruturante, microscópica como ramo insondável de toda sua poética.” Na área central da galeria distribuem-se as esculturas maiores, algumas delas ultrapassam a altura dos nossos corpos e também se curvam. A curvatura, neste caso, é resultado de um movimento provocado pelo seu próprio peso. Pendem e vibram, ora silenciosas, ora ruidosas, ativando um campo sonoro que ressoa em todas as outras esculturas dispostas ao nosso redor. E a partir do encontro com essa presença musical, “Fermata Erótica”, composta por 36 obras no total, parece se revelar em sua disposição seriada como uma partitura imantada e distribuída pelo espaço.

Sobre o artista.

José Carlos Machado (Zé Bico) nasceu em 1950, em São Paulo, SP, cidade onde vive e trabalha. Formado em Arquitetura e Urbanismo pela FAU/USP, José Carlos Machado (Zé Bico) produz e expõe como artista desde meados da década de 1980. Dentre as diversas exposições individuais e coletivas realizadas, destacam-se as seguintes: Projeto Macunaíma, Funarte, Rio de Janeiro, Brasil; O Reducionismo na Arte Brasileira (19ª Bienal de São Paulo), Fundação Bienal de São Paulo, São Paulo, Brasil; Exposição Internacional de Esculturas Efêmeras, Fortaleza, Brasil; O Estado da Arte, Instituto Figueiredo Ferraz, Ribeirão Preto.

Grupos inéditos de esculturas em cerâmica.

A Gomide&Co, Cerqueira César, São Paulo, SP, apresenta Fogo Fumo, primeira individual de Tiago Mestre (Portugal, 1978) na galeria. A abertura será no dia 07 de junho, e a exposição segue em cartaz até 09 de agosto. O texto crítico é assinado por Verônica Stigger.

A exposição consiste em uma grande instalação site-specific, composta por diferentes conjuntos escultóricos, que ocupa todo o espaço expositivo. Apresentando grupos inéditos de esculturas em cerâmica, a mostra funciona como uma síntese de aspectos fundamentais da produção do artista, além de aprofundar investigações que têm estado bastante presentes em seu trabalho há alguns anos. Para receber a proposta instalativa de Tiago Mestre, a galeria passou por uma alteração importante em seu espaço expositivo, removendo a parede da fachada que bloqueava a visão entre interior e exterior. Com essa mudança, a exposição passa a funcionar como uma espécie de vitrine na qual as peças em exibição estabelecem um diálogo com a própria cidade.

Para “Fogo Fumo”, Tiago Mestre parte de uma reflexão sobre a tradição da cerâmica portuguesa, com particular atenção para a longa tradição da olaria do Alentejo, onde nasceu e cresceu, propondo uma reelaboração que coloca em perspectiva aspectos históricos, sociais e culturais dos objetos. Assunto ao qual dedica especial atenção mesmo antes de ter começado a trabalhar com escultura em cerâmica, o processo de revisão da produção tradicional da olaria do Alentejo surgiu na trajetória do artista como um ponto de conexão entre sua origem e a noção de espaço advinda da arquitetura, sua primeira formação. Na exposição, Tiago Mestre trata de objetos que não estão mais numa condição estável, apresentando-se como vestígios de um ciclo interrompido no tempo. Uma viga de aço própria da construção civil atravessa o espaço expositivo e funciona como um eixo em torno do qual se organizam diferentes esculturas em cerâmica baseadas em peças utilitárias oriundas no universo da olaria popular de Portugal. As tipologias apresentadas pelo artista inspiram-se num vasto repertório de elementos utilitários populares, como cântaros, jarros, bilhas, ânforas, tigelas, copos e canecas, associados aos antigos espaços de convivência e consumo de álcool e tabaco, como a tasca, a adega e a venda. No entanto, Tiago Mestre interfere nas formas originais desses elementos, criando deformações que remetem à condição de embriaguez provocada pelo consumo das substâncias que tais utensílios costumam conter. Tal intervenção promove o deslocamento desses objetos de seu contexto cotidiano e utilitário para o universo da arte contemporânea, demarcando ao mesmo tempo indícios que remetem ao seu uso em determinada época e lugar.

Em articulação com esse conjunto de obras, a exposição apresenta também esculturas de cachimbos que remetem aos cachimbos de cerâmica branca produzidos em Londres entre meados dos séculos 16 e 19, com reminiscências até os dias de hoje e disseminados em outros centros urbanos na Europa. Mas os cachimbos de Tiago Mestre, por sua vez, apresentam uma configuração sinuosa, contorcida, que remete ao caráter volátil da própria fumaça. As fumaças também estão presentes na exposição, numa configuração não mais atmosférica, mas sim rochosa, quase que como um elemento fóssil. “Se, numa observação mais detida, percebe-se que esse conjunto de obras não constitui uma paisagem, permanece, no entanto, a sensação de caverna e de pré-história,” comenta Verônica Stigger em seu texto para a exposição. A produção de Tiago Mestre é marcada por atravessamentos em diversos campos que se entrecruzam. Originário de Beja, cidade na região do Alentejo, sul de Portugal, o artista mudou-se para o Brasil em 2010, estabelecendo-se em São Paulo. O período coincidiu com sua passagem do meio da arquitetura, sua primeira formação, para as artes visuais – inicialmente com ênfase na pintura, passando em seguida a trabalhar também com escultura e instalação. De modo que sua prática artística é bastante marcada por uma noção de deslocamento tanto territorial quanto disciplinar que embasa sua maneira de lidar com as linguagens que compõem sua produção. Na obra de Mestre, pintura, escultura e instalação acontecem em constante diálogo entre si, superando as fronteiras disciplinares entre os meios. A pintura espelha a experiência escultórica, assim como o elemento escultórico apresenta muitas vezes inserções pictóricas. E um dos principais pontos de partida para pensar uma obra ou exposição é a noção de dispositivo instalativo, ou seja, o trabalho entendido como uma composição sensível que se coloca de maneira crítica no espaço.

Uma intervenção artística de Paty Wolff.

O Instituto Ling, Três Figueiras, Porto Alegre, RS, recebe a artista Paty Wolff para realizar uma intervenção artística inédita em uma das paredes da instituição. De 09 a 13 de junho, o público poderá acompanhar gratuitamente a criação da nova obra, feita ao vivo durante o horário de funcionamento do centro cultural. Será possível observar o processo criativo, técnicas e movimentos durante a produção. Após a finalização, o trabalho ficará exposto para visitação até o dia 09 de agosto, com entrada franca.

A atividade faz parte do projeto LING apresenta: Quando as fronteiras se dissolvem, com curadoria de Paulo Henrique Silva, que tem o objetivo de aproximar o Rio Grande do Sul da cultura do Centro-Oeste, trazendo artistas visuais da região para desenvolverem obras inéditas no centro cultural. Após a finalização do mural, a artista comentará a experiência e o resultado em bate-papo com o público e o curador no dia 14 de junho, sábado, às 11h, em frente à obra. Faça sua inscrição sem custo.

Quando as fronteiras se dissolvem.

Quando a linha do horizonte se desloca e as fronteiras deixam de pertencer aos mapas oficiais, emerge um campo múltiplo de vozes, imagens e gestos. Não há centro imóvel nem periferia silenciosa; existe, sim, um circuito de narrativas poéticas em constante movimento, uma paisagem de caminhos que se cruzam e ressoam. Ao valorizar a heterogeneidade, o projeto Ling Apresenta faz florescer uma cartografia viva, na qual cada região do país se liberta da rigidez hierárquica e cria pontos de contato entre si. Dessa forma, não se legitima um único lugar de fala, mas uma polifonia que insiste em modos alternativos de perceber e habitar o mundo. A arte contemporânea brasileira, por si só, desfaz ideias de um plano cartográfico hegemônico ao redefinir as relações entre regional e nacional, local e global, periferia e centro. Artistas que vivem e trabalham em Mato Grosso, Distrito Federal e Goiás, mesmo diante de delimitações políticas, econômicas e geográficas, persistem em estabelecer diálogos com as grandes metrópoles. Assim, projetam suas carreiras em âmbito nacional e internacional, comprovando que a distância não impede a potência criativa. A seleção de artistas apresentada propõe um olhar para um território que, embora geograficamente seja o centro do país, permanece à margem de políticas expressivas de fomento à arte contemporânea. Quando comparado à Região Sudeste, o Planalto Central converte-se em uma espécie de limbo. No entanto, compreender a produção artística do Centro-Oeste como um dos eixos da arte brasileira exige reconhecer que transformações sociais, políticas e econômicas superaram o antigo paradigma de periferia em estado de inferioridade. O imaginário do exótico, outrora associado às criações fora do eixo Rio-São Paulo, agora atrai atenção para a arte produzida no Planalto Central. Os artistas escolhidos para esta edição do projeto Ling Apresenta colaboram para construir uma história da arte horizontal, em que periferias e centros aparecem no mesmo mapa, reforçando a pluralidade de vozes que compõem o cenário nacional.

Paulo Henrique Silva/Curador

Sobre a artista.

Paty Wolff é artista visual, escritora e mestre em Geografia. Com uma produção multifacetada, trabalha relações étnico raciais, memória, identidade, ancestralidade e diáspora em uma perspectiva contra colonial. Transita por diversas linguagens artísticas como pintura, desenho, ilustração, escultura, cerâmica e escrita da palavra. Participa de exposições coletivas desde 2016, com destaque para Encruzilhadas da Arte Afro-Brasileira, no Centro Cultural Banco do Brasil (SP, BH, RJ e BA) e Funk: um grito de ousadia e liberdade, no Museu de Arte do Rio (2023). Em 2022, foi indicada ao Prêmio Jabuti com o livro Como pássaros no céu de Aruanda (Editora Entrelinhas), também é autora de Azul Haiti e Thehcitura. Paty Wolff é uma das artistas indicadas ao Prêmio PIPA de 2025. Vive e trabalha em Cuiabá/ MT.

Sobre o curador.

Paulo Henrique Silva nasceu em Anápolis, Goiás. Foi aluno e professor na Escola de Artes Oswaldo Verano, mantida pela Prefeitura de Anápolis, e graduou-se em Artes Visuais pela Universidade Federal de Goiás (UFG). Desde 2004, dedica-se à curadoria, com foco no estudo e na pesquisa da arte contemporânea produzida na Região Centro-Oeste do Brasil. Foi curador em mais de onze edições do Salão Anapolino de Arte e tem contribuído significativamente para a ampliação do acervo do MAPA e o fortalecimento da arte contemporânea no interior do Brasil. De 2020 a 2024, foi responsável pela Coordenação do Fundo Municipal de Cultura e Editais, Curadoria e Gestão do MAPA e da Galeria de Artes Antônio Sibasolly, em Anápolis.

Celebrando a visão de Luisa Strina.

05/jun

A exposição coletiva “CRIVO”, marca a perspectiva de Luisa Strina. Está em cartaz na Casa Bradesco, Bela Vista, Cidade Matarazzo, São Paulo, SP. A mostra reúne obras de mais de 30 artistas fundamentais da cena contemporânea que definem a trajetória da galerista Luisa Strina ao longo de suas cinco décadas de atuação.

Com curadoria de Marcello Dantas e Kiki Mazzucchelli, “CRIVO” traça um panorama da arte conceitual desde os anos 1970 até a atualidade, reunindo obras de artistas brasileiros e estrangeiros cujas trajetórias foram acompanhadas ou impulsionadas por Luisa Strina.

Luisa Strina: Pioneirismo e Legado

Reconhecida como uma das figuras centrais da arte contemporânea no país, Luisa Strina construiu, ao longo de sua trajetória, a galeria mais longeva de São Paulo e uma das mais influentes do Brasil. Sua atuação foi decisiva para internacionalizar a arte brasileira: em 1992, Strina tornou-se a primeira galerista latino-americana a participar da prestigiada feira Art Basel na Suíça – por alguns anos, a única brasileira no evento – abrindo caminho para que artistas e galerias do Brasil ganhassem projeção no circuito global. Não por acaso, sua galeria logo se tornou referência no cenário cultural: ao longo dos anos, Luisa Strina figurou diversas vezes na lista Power 100 da revista ArtReview, que elenca as 100 pessoas mais influentes do mundo da arte, e em 2014 foi fotografada por Annie Leibovitz para uma matéria da Vanity Fair sobre as 14 galeristas mais importantes do mundo.

Além de promover a presença brasileira no exterior, Luisa Strina notabilizou-se por descobrir e impulsionar talentos emergentes que se firmaram no circuito artístico. Foi ela, por exemplo, quem apostou no jovem artista Leonilson no início dos anos 1980 – adquirindo de imediato todos os seus trabalhos ao conhecê-lo, em uma decisão que a própria galerista recorda como “a mais rápida” de sua carreira – e lançou nomes como Antonio Dias, Cildo Meireles e Tunga quando estes ainda despontavam na cena nacional. Graças a esse apoio e à visibilidade proporcionada por sua galeria, muitos artistas brasileiros alcançaram reconhecimento bem além das fronteiras do país. Não surpreende, portanto, que Luisa Strina seja frequentemente reverenciada como a “grande dama” das artes visuais no Brasil – uma pioneira cujo rigor estético e paixão pela arte deixaram um legado duradouro. “CRIVO: A Perspectiva de Luisa Strina” celebra justamente esse legado, oferecendo ao público e à imprensa especializada uma oportunidade única de revisitar a contribuição inestimável da galerista para a arte contemporânea em um espaço de 5 mil m² onde a escala de museu permite uma nova dimensão para essa arte.

Entre os nomes da exposição destacam-se pioneiros e consagrados da arte contemporânea, como Cildo Meireles, Tunga, Anna Maria Maiolino e Antonio Dias, ao lado de referências internacionais a exemplo de Alfredo Jaar, Robert Rauschenberg e Doris Salcedo. A mostra inclui também representantes de gerações mais recentes, caso de Cinthia Marcelle, Renata Lucas, Marcius Galan, Alexandre da Cunha, Pedro Reyes, Clarissa Tossin, Leonor Antunes, Eduardo Basualdo, Bruno Baptistelli, Caetano de Almeida, Laura Lima, Jarbas Lopes e Marepe, entre outros – artistas cuja produção dialoga com a perspectiva conceitual moldada pelo “crivo” de Luisa Strina ao longo de décadas.

Até 03 de agosto.

Panorama de uma trajetória.

O Paço Imperial, Centro, Rio de Janeiro, RJ, inaugura, no dia 14 de junho, a grande exposição “Alto Barroco”, com um panorama dos quatorze anos de trajetória do artista André Griffo. Com curadoria de Juliana Gontijo, serão apresentadas mais de 50 obras, entre pinturas e instalações, sendo muitas inéditas, que ocuparão o pátio principal, três salões do primeiro pavimento e dois salões do segundo pavimento do Paço Imperial. Esta é a primeira exposição individual do artista em uma instituição no Rio de Janeiro.

“A ideia é mostrar um panorama do que o artista vem fazendo, mas não apresentar de modo cronológico, principalmente porque muitas de suas séries, além de atravessarem vários anos, também terminam tendo algum tipo de comunicação, de relação entre elas”, conta a curadora Juliana Gontijo, que acompanha há mais de 10 anos o trabalho do artista.

Formado em Arquitetura e Urbanismo, André Griffo iniciou sua produção no campo das artes visuais criando composições em que máquinas e estruturas mecânicas dividiam espaço com fragmentos de corpos – sobretudo de bois e porcos – em cenas densas, impregnadas de signos de violência e morte. A partir de 2014, o artista desloca seu foco para uma investigação pictórica em que a arquitetura, representada com precisão técnica, assume papel central, com pouca ou nenhuma presença humana. Nas obras mais recentes, revisita obras fundamentais da história da arte, apropriando-se de seus repertórios visuais para tencionar episódios históricos em que religião, poder e violência se entrelaçam.

A pintura de André Griffo articula crítica e reverência, numa linguagem barroca que reivindica o excesso como estratégia discursiva. Através de suas pinturas, o artista faz uma contundente crítica social, abordando questões de poder, religião, questões raciais, política, etc. “O tema central do meu trabalho é a religião e como ela vem sendo usada como uma ferramenta de controle desde o Brasil colonial até a união das milícias com algumas igrejas evangélicas para dominar áreas na cidade”, conta o artista. “O trabalho do Griffo traz camadas bastante complexas, nas quais emergem relações entre religião, poder e patriarcado, além da questão da colonialidade. O interessante é como tudo isso se cruza com a história da arte, questionando qual é o papel da produção artística – e da própria arte – nesse contexto”, ressalta a curadora.

Para criar as obras, André Griffo faz um profundo trabalho de pesquisa, indo aos locais retratados, vendo pessoalmente as pinturas que usa como referência, estudando os personagens. Sobre o título da exposição, “Alto Barroco”, a curadora explica: “Vem de uma constatação do excesso, do lugar e função do ornamento, pensando o Barroco na contemporaneidade. O barroco é o excesso, a saturação, mas também a confusão dos limites; é simultaneamente a dominação e a resistência. A gente joga com essa ambiguidade”.

Sobre o artista.

André Griffo nasceu em Barra Mansa, 1979. Vive e trabalha no Rio de Janeiro. Entre suas principais exposições individuais destacam-se: Exploded View (Galeria Nara Roesler, Nova York, 2023); Voarei com as asas que os urubus me deram (Galeria Nara Roesler, São Paulo, 2022); Objetos sobre arquitetura gasta (Centro Cultural São Paulo, 2017); Intervenções pendentes em estruturas mistas (Palácio das Artes, Belo Horizonte, 2015). Também apresentou obras em coletivas como: – From the Ashes, London, UK, 2024; Contratempo, Museu Eva Klabin, Rio de Janeiro, Brasil, 2024. Parada 7 Arte em Resistência (Centro Cultural da Justiça Federal RJ, 2022); Casa Carioca (Museu de Arte do Rio, Rio de Janeiro, 2020/21); Sobre os ombros de gigantes, Galeria Nara Roesler, NY, EUA, 2021; 21ª Bienal de Arte Contemporânea Sesc_Videobrasil (Sesc 24 de Maio, São Paulo, 2019); Ao amor do público (Museu de Arte do Rio, Rio de Janeiro, 2015); Aparições (Caixa Cultural, Rio de Janeiro, 2015); e Instabilidade estável (Paço das Artes, São Paulo, 2014). possui obras em importantes coleções públicas e privadas, tais como: Denver Art Museum; Kistefos Museum (Noruega); Museu de Arte do Rio (Rio de Janeiro); Museu da Fotografia (Fortaleza, CE); Instituto Itaú Cultural (São Paulo) e Instituto PIPA (Rio de Janeiro).

Até 10 de agosto.

Dashiell Manley & Samuel Sarmiento.

A Galeria Simões de Assis exibe a exposição conjunta de pinturas e cerâmicas “Instante-Memória” dos artistas Dashiell Manley & Samuel Sarmiento até 21 de junho no Balneário Camboriú, SC.

Texto de Mariane Beline.

É na memória do instante que o tempo se suspende, no contorno gestual experienciamos narrativas ancestrais e aprendizados que perpassam as camadas e texturas do californiano Dashiell Manley e do venezuelano Samuel Sarmiento. A mostra “Instante-memória” consolida o atravessamento poético entre as práticas que projetam no espaço um diálogo rítmico em tons lilases que se mesclam, amalgamando técnicas e processos matéricos diversos. Flui certa sinestesia, pela construção imagética somos provocados em outros sentidos, capturando o som das cores e a sensibilidade das texturas, o pigmento esmaltado se entrelaça ao aspecto moldável da pasta de tinta na tela. O gesto escultórico é formativo nos dois artistas. Samuel Sarmiento nos reconta narrativas em pinturas sobre o suporte cerâmico. Dashiell Manley modela a luz esculpindo com tinta a óleo em pinturas espessas e tridimensionais, projeta refrações em várias cores e ângulos sutilmente diversos, para finalmente refletirem em quem as contempla. Suas formações beiram o abstrato, mas assomam outras possíveis formas, como atmosferas distantes a serem descobertas, o farfalhar de folhagens em uma paisagem outonal ou mesmo frames do vento que desenha sobre a água salina. Essas percepções elevam-se da modelagem pictórica de Dashiell Manley, um relevo que se forma e multiplica a partir da condensação da densa tinta. Partindo do branco, projeta topografias em cadências tonais, delineando uma coreografia cromática.

O gestual em Dashiell Manley é caracterizado por técnicas e processos profundamente focados e repetitivos, empregando gestos incessantes ao depositar a tinta – as velaturas de cor sobrepõem vestígios silenciosos do gesto e de matéria em uma reflexão visual aproximada dos ikebanas, que irrompem formações florais, galhos e folhas. Suas técnicas entrelaçam as tradições de atenção plena do leste asiático a respostas emocionais a eventos e questões sociopolíticas. Composições meticulosas vinculam o processo meditativo do artista e dos observadores, que se inebriam da energia que emana da pintura. A investigação histórica é uma maneira de reinterpretar reveses inerentes à sobrevivência humana, bem como identificar as trocas e conexões transatlânticas que ligaram a humanidade em diferentes níveis. Samuel Sarmiento, a partir do desenho, recupera narrativas que abarcam os saberes fundadores caribenhos e os mecanismos de aprendizagem baseados na oralidade. Cada objeto é alegórico, se relaciona a processos históricos como extrativismo, construção identidade e migração. A cerâmica une a expressão e a narrativa, uma manutenção de um patrimônio resoluto a partir de um vislumbre contemporâneo, transloca a operação pictórica da pintura para o objeto escultórico.

Mitos e lendas ancestrais perpassaram centenas de milhares de anos para oferecer um vislumbre da origem do universo, da terra e da humanidade. Samuel Sarmiento traduz a oralidade em figuração, alicerça o conhecimento ancestral em arte e enuncia a cosmogonia caribenha em todas as suas nuances, violências, sutilezas, encantamento e repertório ancestral. Retoma um desses contos, em que os homens viviam em uma dança perpétua com a sede. A água, elixir fundamental e sagrado, era impossível de ser aprisionada. Os anciãos com olhos de sabedoria das estrelas, invocaram a deusa da selva, que lhes revelou o segredo das entranhas do rio e, ao mergulharem nas profundezas, encontraram pedras e a argila, dotada de magia, pois, quando tocada pelo fogo se transformava em resistência, capaz de conter água e alimentos – nasceu a cerâmica, permitindo aos homens dominar a sede e a fome. Nesse entremeio, o rio, bastante ciumento de seus segredos, também ocasionou o despertar da ganância e ambição humana. Antes era fonte de vida, tornou-se campo de batalha. O destino da humanidade ressoa nos ecos dos rios, nas cicatrizes da terra. Cada cerâmica retoma esses universos narrativos, cristalizam a oralidade em contemporaneidade. As esculturas contam novamente a história dos conquistados, ao questionar o extrativismo estético e adicionar camadas simbólicas, reavivando e ressignificando o que foi propositalmente soterrado.

Apesar de trajetórias e fortunas referenciais diversas, ambos artistas criam um profundo diálogo conceitual e formal. A fatura matérica é componente catalisador da produção poética do duo, que manipula a matéria e cada traço de pigmento se torna parte do discurso visual. As pontas que emolduram as cerâmicas se contaminam e complementam nas espatuladas camadas de tinta a óleo crepusculares. O cerúleo se combina com os dourados, os lilases etéreos emergem dos amarelos ambarinos, uma oscilação entre figuração e abstração.

Dashiell Manley e Samuel Sarmiento apropriam-se da matéria e da expansão do suporte, cada qual à sua maneira, sendo síncrona a fragilidade e força da ação do gesto, o tecer entre as texturas do óleo e do glaceado cerâmico. Espreitamos nos rostos áureos de Samuel Sarmiento a lembrança de quando a vida dominada pela penumbra foi rompida com a ação da deusa do mar que arremessou rochas e corais em direção ao céu. Surgiram aberturas brilhantes, foram reveladas as estrelas. Esse esplendor deixou marcas nos olhos dos humanos, as pupilas, essas que nos permitem contemplar corpos celestes e planetas, e apreciar a luminosidade intensa que emana das formações pictóricas de Dashiell Manley.

A captura do instante é sempre paradoxal, é presença e ausência, algo pouco concreto, embora absolutamente tangível, e sua contundência se prolonga no encontro com suas poéticas. É na textura do brilho vítreo que a cerâmica guarda informações para futuras gerações, assim como é o conhecimento que está em cada uma das imbricadas cavidades da tinta óleo. Ao nos depararmos com os trabalhos, contemplamos o tempo, por vezes fugidio ou demorado, a sinestesia envolvente como no segundo da condensação do orvalho, caminhamos por suas nuances. São nas marcas repetidas da história que emerge o processo meditativo no instante-memória, do alongamento do tempo e de suas fissuras, aliviando o peso da memória pela elevação da forma.

O ruído das estrelas.

A Nara Roesler São Paulo convida para a abertura da exposição “Ruído Estelar”, com 36 obras dos artistas Abraham Palatnik, Amelia Toledo, Artur Lescher, Brígida Baltar, Bruno Dunley, Cao Guimarães, Heinz Mack, Julio Le Parc, Laura Vinci, Mônica Ventura, Paulo Bruscky, Rodolpho Parigi, Tomás Saraceno e Tomie Ohtake. A abertura da exposição será no dia 7 de junho e ficará em cartaz até 16 de agosto.

Luis Pérez-Oramas, diretor artístico da galeria, e o Núcleo Curatorial Nara Roesler selecionaram 36 obras a partir da ideia do ruído das estrelas, identificado em 1932, e localizado em 1974, emitido a partir do centro da Via Láctea, na constelação de Sagitário. Em 1974, se descobriu que a origem do ruído estelar era um gigantesco buraco negro, mais massivo 4,3 milhões de vezes do que o Sol, e resultado de um colapso estelar. A exposição sugere ao público uma metáfora em que o mundo das formas artísticas possa ser compreendido como campos de ressonância, em um constante exercício de tornar atual a energia figural que as constitui e que nunca cessa de se transformar, de se transfigurar.

O ponto de partida foi a “música das estrelas”, ouvida, identificada e registrada pela primeira vez em 16 de setembro de 1932, às 19h10, nos campos de Nova Jersey por Karl Jansky (1905-1950), físico e engenheiro especializado em ondas de rádio. Empregado pelos Laboratórios Bell Telephone, ele tinha a tarefa de estudar as fontes de interferência “estática” nas comunicações radiotelefônicas transatlânticas. Para fazer isso, Karl Jansky construiu um dispositivo receptor de ondas de rádio, e ao longo de três anos conseguiu definir três tipos de recepções estáticas: tempestades próximas, tempestades distantes e o que chamou de “um chiado persistente, também de origem estática, cuja fonte é desconhecida”. Com sua antena giratória, no entanto, Karl Jansky pôde identificar a direção de onde os sinais estavam vindo. O estranho chiado ocorria exatamente a cada 23 horas e 56 minutos – quatro minutos a menos que um dia solar – correspondendo assim à duração de um dia sideral. A maior intensidade registrada em 16 de setembro de 1932 permitiu-lhe sugerir que a origem do ruído não vinha do sistema solar, mas do centro da Via Láctea, na constelação de Sagitário. Alguns dias depois, Karl Jansky afirmou que as ondas de rádio que ele havia captado realmente vinham do “centro de gravidade da galáxia”. Anos depois, em 1974, no Observatório Nacional de Radioastronomia, Bruce Balick e Robert Brown descobriram o objeto no centro da Via Láctea de onde se originava o chiado que Karl Jansky havia registrado: Sagitário A*, o imenso buraco negro, 4,3 milhões de vezes mais massivo do que o sol, e resultado de um colapso estelar.

A partir das obras de Laura Vinci, Abraham Palatnik, Tomás Saraceno, Tomie Ohtake, Bruno Dunley, Monica Ventura, Artur Lescher, Cao Guimarães, Paulo Bruscky, Rodolpho Parigi e Julio Le Parc, a exposição busca sugerir uma cena análoga em que as obras de arte seriam objetos que, como as antenas de Karl Jansky, capturam ressonâncias de fundo de seus próprios campos figurais. Ou por imitarem a aparência de dispositivos técnicos (Saraceno, Vinci, Ventura, Lescher); ou por apresentarem composições semelhantes à representação e ao registro de ressonâncias cósmicas (Le Parc, Dunley, Palatnik, Ohtake, Parigi); ou por incluírem, com tons irônicos, referências a rádios e antenas de rádio (Guimarães, Bruscky).

Obras inéditas de Joana Vasconcelos.

04/jun

A Casa Triângulo, Jardim América, São Paulo, SP, apresenta até 26 de julho, “Joana Vasconcelos: Around the World”, terceira exposição individual da consagrada artista portuguesa na galeria. A mostra reúne obras inéditas no Brasil de uma das vozes mais influentes da arte contemporânea internacional, reafirmando sua capacidade única de transformar materiais cotidianos em esculturas de forte impacto visual e poético.

Numa colaboração inédita com a Maison Dior, Joana Vasconcelos criou para o desfile da coleção Outono-Inverno 2023/2024 uma escultura têxtil monumental intitulada “Valquíria Miss Dior”, a partir de 20 tecidos fornecidos pela marca. Explorando os mesmos materiais, Joana Vasconcelos desdobra agora seu universo em novas obras que dialogam entre o artesanal e o tecnológico, o simbólico e o sensorial. As obras em exibição na Casa Triângulo são um desenvolvimento desse projeto, utilizando os mesmos materiais transformados por meio de técnicas artesanais em esculturas imersivas e altamente sensoriais.

Sala Principal: Valkyrie Léonie

Com 3,51 metros de altura, 7,29 metros de largura e 7,52 metros de profundidade, “Valkyrie Léonie” é uma escultura monumental suspensa que integra a icônica “série das Valquírias”, desenvolvida por Joana Vasconcelos desde 2004. A série constitui uma reinterpretação profunda e contemporânea do mito nórdico das valquírias – virgens guerreiras encarregadas de conduzir os heróis caídos em batalha até o Valhalla. As esculturas, de contornos enigmáticos, fundem elementos têxteis e tecnológicos, revelando uma linguagem visual que transita entre o universo mitológico e a história contemporânea.

A manipulação magistral de tecidos, crochê, bordados e luzes por Joana Vasconcelos resulta em composições escultóricas de forte presença física e simbólica. Em “Valkyrie Léonie”, o uso dos tecidos Dior – com padrões florais e texturas sofisticadas – ganha força narrativa ao evocar a figura de Ginette Dior (também conhecida como Catherine ou Miss Dior), florista e resistente política durante a Segunda Guerra Mundial, cuja memória ressoa na obra através da matéria.

A escultura recebe ainda o nome de “Léonie La Fontaine”, feminista e pacifista belga, ampliando a homenagem às mulheres que marcaram a história por sua força e delicadeza. “Valkyrie Léonie” se desdobra no espaço como um organismo têxtil e vibrante, com braços tentaculares que envolvem o ambiente e convidam à imersão. É uma presença coreográfica e monumental, que transforma o espaço da galeria em um território de encontro entre corpo, memória e matéria.

Sala 2

Na sala 2 da galeria, três esculturas suspensas que exploram o potencial poético da suspensão, do gesto e da leveza. Compostas também por tecidos Dior trabalhados artesanalmente, as gotas têxteis evocam o movimento da água, instaurando uma atmosfera lírica e silenciosa. Menores em escala, mas igualmente ricas em detalhe, as obras prolongam a linguagem escultórica de Joana Vasconcelos, propondo um contraponto contemplativo à exuberância da sala principal.

“Joana Vasconcelos: Around the World” reafirma o lugar da artista como uma das mais relevantes da arte contemporânea, capaz de transformar materiais simbólicos e cotidianos em esculturas de forte impacto sensorial, poético e político. Entre o monumental e o íntimo, entre a mitologia e o presente, a exposição convida o público a uma experiência onde arte, história e imaginação se entrelaçam.

O conhecimento sobre o Caminho de Santiago.

A exposição “Iacobus gaudet”, do prestigiado fotógrafo galego Manuel Valcárcel, entra em cartaz no Museu de Arte do Paço, Centro Histórico, Porto Alegre, RS.

A ação multidisciplinar no exterior tem como objetivo promover o conhecimento sobre o Caminho de Santiago, suas diferentes rotas e a essência da peregrinação. Depois de visitar a Cidade do México, Buenos Aires e São Paulo em anos anteriores, desta vez o projeto chega a Porto Alegre, onde será realizada uma série de filmes e palestras sobre a peregrinação. Além disso, a exposição “Iacobus gaudet”, ficará em cartaz por quase um mês.

As atividades destacam o valor cultural e turístico de uma das mais importantes rotas de peregrinação da Europa. Para as palestras, será apresentada a experiência de membros de algumas das Associações de Amigos do Caminho de Santiago no Brasil. Serão quatro dias em que eles falarão sobre o que o Caminho traz para quem o faz, experiências, cultura, acolhimento e o que é necessário para enfrentá-lo.

O Mês do Caminho de Santiago em Porto Alegre será realizado de 04 a 27 de junho.

Organizadores: Axencia Turismo de Galicia, Xunta de Galicia; Colaboradores: Fundación Catedral de Santiago, Turespaña, Associação dos Amigos do Caminho de Santiago de Compostela do Estado do Rio Grande do Sul ACASARGS, Cinemateca Capitólio e Coordenação de Artes Visuais – SMC/Prefeitura de Porto Alegre.