Exposição “A vez dos editores”

14/ago

: Simone Quintas

: Allex Colontonio

: Lucila Zahan Turqueto

: Mônica Salgado

: Celia Paccini

: Clarissa Schneider

Dez editores dos principais veículos do país assinam criações exclusivas produzidas em Corian® para a mostra exibida na Breton, Al. Gabriel Monteiro da Silva, 820, São Paulo, SP, referência em móveis e objetos de decoração no Rio de Janeiro e São Paulo. A quarta edição do maior festival urbano de design da América Latina acontece entre os dias 12 e 16 de agosto em pontos nobres da cidade de São Paulo.

A marca convidou os editores das principais revistas e sites de decoração para desenvolver móveis exclusivos como cadeiras, poltronas e aparadores. Pedro Ariel Santana, da editora Abril é um dos convocados, além de Clarissa Schneider, da Bamboo e Celia Paccini, da Casa Mix, criações inéditas assinadas por editores de importantes veículos do país em parceria com grandes nomes do design nacional. Ao todo, serão apresentadas dez peças com design exclusivo, todas desenvolvidas em Corian®.

A ideia do projeto consistiu em dar “voz” àqueles que estão do outro lado, escrevem sobre design e que agora têm a oportunidade de criar e expor suas ideias por meio de uma peça, física e real. Aliados à expertise de reconhecidos designers, o resultado não poderia ser melhor: charme, beleza e sofisticação se perfizeram em mesas, poltrona, carrinho de chá, revisteiro, mancebo, cadeira e aparadores.

São eles: Allex Colontonio (KAZA) + Guilherme Torres; Celia Paccini (Casa Mix); Clarissa Schneider (Bamboo); Lucila Zahran Turqueto (Casa de Valentina) + Bianca Barbato; Mônica Barbosa (Living Design) + Nelson Graubart; Mônica Salgado (Glamour) + Camila Klein; Pedro Ariel (Abril); Sandra Leise (CASA&mercado) + Studio Fuksas; Simone Quintas (Casa e Jardim) + Fetiche Design e Taissa Buescu (Casa Vogue) + Brunno Jahara.

Conceito criativo

Simone Quintas, de Casa e Jardim, juntamente com Carolina Armellini e Paulo Biacchi, da Fetiche Design, criaram a Poltrona Jardim Tropical. Com base nos conceitos ‘brasilidade’ e ‘jardim’ que traduzem os valores e pilares da revista, a peça representa um trono de uma rainha tropical, uma deusa da floresta. Para eles, uma peça “imponente, exuberante, forte e selvagem.” Simone conta que “embora já tenhamos evoluído muito, ações que fomentam o design são sempre bem-vindas e importantes. De pouco adiantam os talentos, se eles não encontram apoio de indústrias dispostas a investir em suas criações. A DuPont me surpreendeu ao propor um projeto sem impor restrições criativas. Correu o risco, topou desafios. E, com isso, nos ensinou sobre as possibilidades do Corian® e certamente aprendeu com a criatividade de talentos como os dos meus parceiros nesta empreitada: a Carolina Armellini e Paulo Biacchi, que tão bem traduziram a descontração e brasilidade da Casa e Jardim”, pontua Simone e conclui: “Com este projeto, a dupla conseguiu explorar duas características importantes do Corian®: a flexibilidade com moldagens e cortes, e a possibilidade de uso em áreas molhadas.” Produzida na cor Glacier White, a Infinita Surfaces está à frente da execução desse projeto.

A arte de Hércules Barsotti foi a inspiração para Allex Colontonio, diretor da revista Kaza e colunista do jornal Zero Hora, em parceria com o arquiteto e designer Guilherme Torres, criar o aparador Bar/Sotti. A dupla imaginou um móvel funcional sob medida para a neo-demanda social-gourmet que incentiva as pessoas a investir cada vez mais na arte de receber (bem). Mix de aparador, cabinet e bar, a peça revisita referências consistentes da casa vintage brasileira, como a arte concreta do artista paulista que batiza a peça, o uso das superfícies vazadas (como o muxarabi) e tendências contemporâneas como a dos móveis híbridos escandinavos, com suportes soltos como bandejas e vasos que acumulam funções múltiplas e podem abrigar plantas, por exemplo. Enfim, toda a pluralidade do Corian® explorada como a estrela de um chill-in, o bufê de apoio da sala de jantar, a peça statement do hall de entrada ou o armário de livros do living. O Studio Vitty deu vida à peça que traz uma das novas cores de Corian®, o Deep Mink, além do Mandarin, que já compõe a paleta da marca.

Veio da Itália a parceria com a Revista Casa e Mercado, a Publisher Sandra Leise convidou o Studio Fuksas, que desenvolveu a poltrona Flor em homenagem ao Brasil. “Julho é o mês mais quente na Itália, são 40 graus e com grande umidade do ar. É difícil trabalhar sem ar condicionado. Por isso, nós pensamos no Brasil, é inverno no momento, o ar é fresco, sonhamos com neve…de repente, um floco de neve branco, onde o mesmo se estabelece e torna-se uma poltrona, uma escultura de gelo: `homenagem ao Brasil`”, pontua Doriana, à frente do Studio. Sandra Leise complementa, ainda, que se trata de um projeto inovador e fortalece as relações entre quem faz e quem divulga a história do design. A Infinita Surfaces está à frente da execução desse projeto que usa a tonalidade branca clássica de Corian®, o Glacier White.

No ano de comemoração dos 40 anos de Casa Vogue, Taissa Buescu e o designer Brunno Jahara desenvolveram o carrinho-bar “Casa Vogue 40 anos”, cujos traços vistos lateralmente formam o número 40. Segundo o designer, “uma peça inspirada no geometrismo utilizando linhas retas, ângulos e círculos para dar forma a este móvel com cores suaves que o Corian® possibilita.”

“Adoramos a ideia de projetar uma peça de design para a casa, para o projeto da DuPont”, emenda Taissa. “Pensamos em desenvolver um produto de forte apelo estético e que, ao mesmo tempo, resgatasse o aconchego que sentimos em nossas casas. O carrinho-bar, um item quase em desuso, inspira momentos de intimidade e relax. Buscamos uma interpretação purista e, ao mesmo tempo, contemporânea. Duas retas, dois triângulos e dois círculos, símbolos essenciais da geometria, dão forma à peça em celebração aos 40 anos da marca Casa Vogue no Brasil”, finaliza. A Avitá Design, à frente dessa execução, utilizou as cores Designer White, Silver Gray e Diamond Blue, propostas pela editora.

Celia Paccini, à frente da revista Casa Mix, mostrou-se uma designer nata e apresenta a mesa Rio com inspiração nas pedras dos leitos dos rios. Ela conta que a mesa expressa o respeito à natureza a partir da observação da perfeição de formas e cores. “A ideia foi criar uma peça conceitual e ao mesmo tempo prática que remete às pedras de rio, seixos de cores e formas variadas que juntos formam uma superfície harmônica e uniforme. O Corian® foi o material perfeito para esta execução já que tem nuances sutis na paleta de tons naturais que se assemelham a pedras e permite a ‘moldagem’ individual de cada peça. A possibilidade de trabalhar com material de descarte e sobras de outros projetos executados com Corian®, também foi fator importante na criação da mesa”, finaliza a editora. O Studio Vitty executou a peça nas cores Dove, Medea, Natural Gray, Silver Gray e também na nova cor Deep Anthracite.

Lucila Zahran Turqueto, de Casa de Valentina e a designer Bianca Barbato, criaram a Mesa Marchetaria com quatro misturas de cores em Corian® em tons pastel. Para a designer, esse projeto buscou explorar uma das principais características de Corian®, que é a sua técnica de fundição perfeita entre as cores com acabamento sem emendas. “Ficamos muito contentes com o convite e com a possibilidade de criarmos efetivamente um produto utilizando o Corian®. Acima de tudo, achamos espetacular a possibilidade de explorarmos as questões técnicas da peça sem limitações”, completa Lucila. A Avitá Design está à frente da produção dessa peça cujas cores selecionadas são Serpentine Green, Elegant Gray, Dove e Whisper.

Pedro Ariel, da Abril, que assina a mesa concha, conta que a inspiração para essa criação são os motivos decorativos dos edifícios de Chicago, nos EUA, construídos nos anos 1930 e 40, reconhecido como integrantes do Art Déco tardio – já que na Europa o movimento começa a perder força a partir dos anos 1930. “Escolhi então a concha estilizada, um dos símbolos do Art Déco, para dá forma a mesa lateral”, conclui Ariel. A Sigmma Brasil produziu a peça na tonalidade Vanilla, uma das várias cores disponíveis na paleta de Corian®.

Mônica Salgado, à frente da revista Glamour, e a arquiteta Camila Klein pensaram na mesa revisteiro inspirada na mescla do estilo de ambas. Camila Klein tem uma linha de criação contemporânea buscando explorar novos materiais, formas e usos, enquanto a Mônica adora peças de Art Déco com romantismo. A peça retrata exatamente esta parceria das duas porque apresenta o design contemporâneo da Camila Klein por meio da forma curva e do conceito minimalista da integração da mesa com revisteiro e o estilo da Mônica com o pé balaústre remetendo a Art Déco e ressaltando a feminilidade da peça. “A oportunidade de criar uma peça de mobiliário exclusivo é uma possibilidade de integrar meu conhecimento arquitetônico ao design me permitindo explorar novas áreas do setor criativo. A proposta do uso do Corian® como material principal da peça foi muito inspirador uma vez que este produto possibilita explorar curvas e ressaltar a contemporaneidade do móvel”, explica Camila que busca inspiração profissional em diversos setores artísticos, como artes plásticas, design e escultura. A cor Chic Aubergine foi a tonalidade escolhida para a produção dessa peça, a cargo do Studio Vitty.

Mônica Barbosa, de Living Design em parceria com Nelson Graubart criaram o mancebo Corian®. Mônica conta que o ponto de partida deste projeto foi dar uma utilidade a uma escultura. Segundo ela, “uma escultura que permite pendurar paletó, bolsa, casaco, e outros acessórios, masculinos ou femininos em casa ou escritório.” De construção simples, apenas recorte e colagem, a resistência, estruturalidade e cores do Corian® permitem a combinação de inúmeras formas. A concepção da peça em Deep Nocturne, Serpentine Green e Chic Aubergine ficou por conta da Siligram.

“Preparar*Conter*Servir” é o nome da coleção de acessórios simples e funcionais desenhada por Clarissa Schneider, fundadora e diretora de redação da revista Bamboo. Produzida em Corian® pela Sigmma Brasil, foi criada especialmente para a mostra. Clarissa explica o conceito do conjunto para ser utilizado no dia a dia da casa: “pensei em formas básicas, complementares e com múltiplas funções, que podem ser combinadas entre si. O mesmo desenho, em tamanhos e alturas diferentes, faz às vezes de bandeja, prato de servir, porta-talheres, vaso para flores etc. O objeto mostra sua utilidade e o usuário dá significado a ele.”

Conversa entre artista e curadora

: I

Neste sábado, dia 15 de agosto, às 16h, o MAM Rio, Parque do Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, realiza uma conversa gratuita com a artista Iole de Freitas e a curadora Ligia Canongia na exposição “O peso de cada um”. A mostra, que pode ser vista até o dia 13 de setembro, ocupa o Espaço Monumental do Museu com uma instalação inédita, feita especialmente para o local, composta por três esculturas de grandes dimensões, duas suspensas e uma no chão, em aço inox espelhado e fosco, que pesam no total quase quatro toneladas. A exposição traz ainda trabalhos em vidro com impressão fotográfica sobre película, da série “Escrito na água”, de 1996/1999, pertencentes ao acervo da artista e da Coleção Gilberto Chateaubriand/ MAM Rio.

Cinema

Nesta quinta-feira, dia 13 de agosto, às 19h, o IED Rio realiza, às 19h, uma sessão gratuita de cinema na praia da Urca. Será exibido o filme “A Travessia”, documentário sobre a façanha de quatro remadores com deficiência física, dois homens e duas mulheres, que atravessaram a baía de Guanabara em canoas tailandesas, e um curta que mostra a transformação do Cassino da Urca, de sede abandonada da TV Tupi para o Istituto Europeo di Design. Imagens chocantes de como era o prédio antes da restauração, cenas antigas do funcionamento do Cassino e depoimentos de visitantes.

Francisco Dalcol apresenta Antônio Augusto Bueno na Galeria Mamute

12/ago

A Galeria Mamute, Centro Histórico, Porto Alegre, RS, divulga e convida para a abertura da

exposição “Antes era só o vão”, do artista Antônio Augusto Bueno. A mostra com curadoria de

Francisco Dalcol apresenta um conjunto de trabalhos abrangendo pinturas, instalação, vídeo

com participação de Bebeto Alves, Eduardo Montelli e Luís Filipe Bueno e, gravuras em metal

impressas por Marcelo Lunardi.

A palavra do curador

Antes era só o vão

Os trabalhos de Antônio Augusto Bueno parecem atravessados por algo que não lhes

pertence, mas ao mesmo tempo os constitui. Esse aparente desacerto vem de uma indisciplina

do artista, no sentido de uma postura interessada na liberdade de experimentar no trânsito

entre linguagens, sem se prender a uma ou outra, intercambiando constantemente técnicas e

procedimentos.

Nas obras que integram a nova série “Antes era só o vão”(1), pintura é também gravura, assim

como escultura é desenho, e gravura é pintura. Os inversos também, pois um está sempre no

outro, formando zonas de indefinição. E ao se contaminarem, trazem como recompensa a

descoberta, com todas as aberturas e possibilidades que os momentos de incerteza ensejam.

A montagem da exposição na Mamute busca tirar força desses rebatimentos, do ir e vir que se

estabelece entre as obras e as diferentes modalidades artísticas que as compõem, propondo

ao espectador, a partir da disposição dos trabalhos, algumas relações visuais; umas mais

imediatas, outras menos explicitadas.

A instalação na entrada da galeria ocupa o pequeno espaço vago ao lado da escada. Se antes

era só um vão, há agora ali a tentativa de transformar esse não lugar em uma situação.

Realizado especialmente para esta mostra, o trabalho é composto por gravetos que Antônio

Augusto recolhe e estrutura em forma de armações, filiando-se a uma série de outras obras de

viés escultórico que tem realizado ao longo de sua produção. É como se ele desenhasse o

objeto no espaço, vendo nos galhos as linhas do desenho, mas também as manchas, quando

reunidos como espécie de grandes maços e ramalhetes.

As salas expositivas do andar de cima apresentam as novas pinturas e gravuras da série “Antes

era só o vão”. Nas telas em grande formato, as manchas carregam um aspecto de vestígios

ancestrais, como marcas de um tempo passado. Também lembram os troncos das árvores do

quintal do Jabutipê, o ateliê na antiga casa que Antônio Augusto mantém em uma rua ainda

silenciosa no Centro Histórico de Porto Alegre. Remetem ainda às paredes rachadas,

descascadas e fraturadas que permanecem em pé no casarão em ruínas próximo ao Jabutipê

onde foi gravado o vídeo do qual vem o título desta exposição.* De algum modo, essa

visualidade do entorno cotidiano do artista está impregnada nessas pinturas.

Mas nada seria assim sem a bem-vinda intromissão da gravura. Nessas pinturas, está plasmado

um processo alongado e pausado, fruto de um procedimento experimental. Sobre a massa de

pigmentos e tinta acrílica, o artista sobrepõe betume em algumas áreas. Esse material, muitas

vezes usado nos processos de gravura, vira tinta também, compondo novas manchas. As

camadas acumuladas são frequentemente raspadas, em um gesto de adição e subtração de

matéria, e também cavoucadas, como nos procedimentos de incisão da gravura. É um

processo não imediato, que leva dias, como o tempo de espera que muitas vezes a gravura

demanda. E nesse transcorrer, que permite um olhar mais vagaroso e, por isso, reflexivo, as

dúvidas advindas sempre dão a ver possibilidades a serem testadas e encaminhadas.

Pode-se pensar nesse sentido as gravuras da série. Pela primeira vez, Antônio Augusto

apresenta em público um conjunto representativo de trabalhos gráficos, essa modalidade

artística de tanta tradição e relevância histórica na arte gaúcha. Novamente, interessa ao

artista a margem experimental, aqui oferecida pela gravura em metal e pelo tempo próprio a

seu processo. Isso começa nos modos com que explora o desenho sobre as matrizes, passa

pela alquimia de ácidos e outros materiais aplicados nas placas como se ele as estivesse

pintando, e chega à etapa de impressão, cujas primeiras provas sempre levam o artista a

refazer o percurso do processo em busca de novos efeitos. Assim, a imagem final fixada sobre

o papel é antecedida por uma série de testes e experimentos. O que se obtém são resultados

sobrepostos e acumulados. Ao fim, continua sendo gravura, mas também desenho e pintura. E

ainda escultura. Se na instalação os gravetos se articulam como linhas no espaço, na gravura se

dá o oposto, com as linhas do desenho se tramando como se fossem elas os gravetos.

Em um olhar atento, é possível perceber que, ao longo da série “Antes era só o vão”,

evidencia-se um aspecto central que perpassa a totalidade da obra de Antônio Augusto de um

modo tão pessoal: o gosto pela artesania e pelo vagar que lhe é inerente, opções que, ao

serem assumidas pelo artista, ganham certo caráter político em tempos tão apressados e

automatizados como os nossos. Tempos esses dos quais apartar-se conscientemente significa

não só um ato de resistência, mas um gesto autêntico e singular de se colocar no mundo.

Francisco Dalcol

(1) “Antes era só o vão” é um trecho do texto de Luís Filipe Bueno que integra o vídeo

apresentado na exposição.

Sobre o artista

Antônio Augusto Bueno é Bacharel em Desenho (2004) e Escultura (2008), pelo Instituto de

Artes da UFRGS. Desde 1998 vem realizando exposições individuais, dentre elas “Cabeças –

armadilhas para um significado” no Museu do Trabalho / POA; “Anotador de Faces” Galeria

Municipal de Arte em Florianópolis, “Uma Maneira de Pensar” no MALG, Pelotas/RS, “As

desórbitas do avesso” na Arte&Fato galeria, POA/RS, “Gravetos Armados” no MAC RS, Galeria

Iberê Camargo, Porão do Paço Municipal, POA/RS, “Desenhos” no Estudio Dezenove, Rio de

Janeiro/RJ, “Um outro outono” MARGS. Desde 1996 participa de exposições coletivas como

“Do Atelier ao cubo branco”, “A bela morte” e “O Cânone Pobre” no MARGS, POA/ RS, “Idades

Contemporâneas”, ”Entre A-Z” e “Da matéria sensível” no MAC-RS em POA/RS, “Desvenda” no

Museu da República, Brasília/DF, ArtLive 2011 na CATM Chelsea, Nova York/EUA. Participou de

salões, dentre eles o Salão do Jovem Artista no MARGS, POA/RS, Salão da Câmara, POA/RS e o

Salão Nacional de Cerâmica no Museu Alfredo Andersen, Curitiba/PR. Em 2015 lançou o livro

Jabutipê, em 2012 o livro “O último homem na lua” com exposição no MAC-RS e Ilustrou o

livro “Arame falado” editado pela editora 7 letras do Rio de Janeiro/RJ . Em 2007 recebeu o

Prêmio Açorianos na categoria Melhor Exposição Coletiva com o Grupo Passos Perdidos e em

2008, o Prêmio Açorianos na Categoria Cerâmica com o Bando do Barro, além de ser indicado

na categoria Artista Revelação. No ano de 2009 foi indicado na categoria Desenho, pela

exposição “Tempo sobre Papel”, em 2012 foi indicado na categoria Escultura pela exposição

“Gravetos Armados” e em 2013 foi indicado em cinco diferentes categorias. Em 2013 recebeu

menção honrosa no 2° `Prêmio IEAVi pela exposição “Circulando linhas”. Tem trabalhos em

acervos do MARGS, MACRS, UFRGS, Fundação Franklin Cascaes e Fundação Kingler Filho.

Participou em 2000, da criação do Atelier João Alfredo 512, onde trabalhou até 2007. Em 2007

e 2008 integrou o grupo do Atelier Subterrânea. Desde 2008 realiza seus trabalhos, ministra

aulas e coordena o espaço expositivo do Jabutipê, situado no centro histórico de Porto Alegre.

É artista representado pela galeria Mamute.

Sobre o curador

Francisco Dalcol é doutorando em História, Teoria e Crítica pelo Programa de Pós-Graduação

em Artes Visuais (PPGAV) do Instituto de Artes da UFRGS. Mestre pelo Programa de Pós-

Graduação em Artes Visuais (PPGART), da UFSM, na linha de pesquisa Arte e Cultura, com

ênfase em história, teoria e crítica (2013). Graduado em Comunicação Social, com habilitação

em Jornalismo, pela Universidade Federal de Santa Maria (2003), com especialização em

Comunicação e Projetos de Mídia, ênfase em arte, cultura, internet e cibercultura, pelo Centro

Universitário Franciscano – Unifra (2008). Também trabalha como jornalista (repórter e editor)

no jornal Zero Hora – Grupo RBS, sendo setorista de artes visuais. Tem experiência na área de

Comunicação, com ênfase em Jornalismo, Editoração, Jornalismo Cultural e Jornalismo Digital,

e também na de Artes e Cultura, atuando principalmente nos seguintes temas: história, crítica

e discursos sobre a arte e a produção cultural.

Até 09 de outubro.

Projeto Ponto 1 na Casa Daros

A Casa Daros, Botafogo, Rio de Janeiro, RJ, apresenta no dia 15 de agosto, às 16h, o projeto “Ponto 1″, uma ação cênica interativa que se desenvolve a partir do texto “As cidades invisíveis”, de Ítalo Calvino. O projeto é de Jefferson Miranda e Miwa Yanagizawa, que também atuará junto com os artistas Liliane Rovaris e Pedro Yudi.

A ação tem como ponto de partida a história de uma mulher, e as suas lembranças serão somadas às dos espectadores-participadores, que deverão levar um objeto afetivo e registros como fotos, cartas, cartões postais, entre outros. As vagas são limitadas, e os interessados podem se inscrever pelo email inscricao@casadaros.net.

A dinâmica tem início quando ao chegar ao espaço da apresentação, o público é convidado a colocar seus objetos e os registros em uma caixa, e em seguida é recebido por um artista que lhe propõe a construção de uma cidade. Cada caixa representará uma casa, cada espectador um habitante, e os registros e objetos serão dispositivos que irão desencadear narrativas e afetos. “Mudam-se as paisagens, as profissões e as histórias vão se entrelaçando, desenrolando enquanto as relações vão se atualizando”, dizem Jefferson Miranda e Miwa Yanagizawa.

Duração aproximada: 2h

Capacidade de público: 17 a 20 espectadores
Valor: R$ 15,00. Inscrição pelo e-mail: inscricao@casadaros.net

Palestra

Palestrante: O colecionador de artes Raul Forbes
Data: 13 de agosto – Quinta-feira
Horário 19horas
Local: Auditório da Livraria Martins Fontes Paulista
Endereço: Av. Paulista, 509 (ao lado metrô Brigadeiro)

Raul Forbes abordará as características próprias do colecionismo de arte e falará sobre suas predileções pessoais, sobre a forma em que surgiu sua coleção de arte, como manter e preservar uma coleção, sobre a importância do colecionismo de arte etc.

Julião Sarmento no Galpão Fortes Vilaça

Denomina-se “Easy, Fractals & Star Map”, a nova exposição do artista português Julião

Sarmento, em sua primeira no Galpão Fortes Vilaça, Barra Funda, São Paulo, SP. A mostra é

composta por pinturas e esculturas recentes e estabelece uma relação ficcional entre Edgar

Degas e Marcel Duchamp – “gigantes da história da arte”, nas palavras do artista. Ao criar um

diálogo entre os dois mestres, Julião reafirma temas frequentes de sua própria obra: o hiato

entre ficção e realidade, mecanismos de representação e erotismo.

O arquétipo feminino – elemento central na prática de Julião Sarmento – reaparece em “Fifth

Easy Piece”, tomando como inspiração a icônica obra de Degas, “La Petite Danseuse de

Quatorze Ans” (c. 1881). Na reinterpretação do artista, a dançarina adolescente é

transformada em uma mulher madura, moldada através de um moderno processo de

impressão 3D. Em “Alma”, os moldes de gesso são arranjados em uma armação de ferro,

expondo o avesso da escultura e aludindo dessa vez a Duchamp – algo ainda mais explícito na

obra “O Grande Vidro”, feita especialmente para a mostra.

A referência aos dois mestres espalha-se ainda nas pinturas da exposição, seja por citações

gráficas, seja por alusões obscuras. Nesse conjunto de obras, Sarmento emprega diferentes

pigmentos, solventes e técnicas, criando formas triangulares que se multiplicam como fractais.

A quase completa ausência de cor, outro traço marcante do artista, reafirma o forte diálogo

que sua pintura mantém com o desenho. Os títulos referem-se a nomes de estrelas e, uma vez

espalhadas na parede, parecem formar constelações. Em “Piscis Austrinus”, um díptico de

cinco metros de largura, manchas orgânicas se contrapõe às formas geométricas e criam uma

elegante composição. Os volumes prateados de “Sirrah”, por sua vez, evocam a superfície

lunar.

Ao cruzar diferentes tempos históricos e planos físicos, “Easy, Fractals & Star Map” instaura

uma narrativa fictícia, possível apenas no campo da arte. As associações livres propostas por

Sarmento apontam para o desconhecido, como um convite para mapear os astros.

Sobre o artista

Julião Sarmento nasceu em Lisboa, em 1948, e atualmente vive e trabalha em Estoril, também

em Portugal. Considerado um dos mais renomados artistas portugueses, ele esteve em duas

edições da Documenta de Kassel (1987 e 1982) e em duas Bienais de Veneza (2001 e 1997),

além de muitas outras mostras. Entre suas exposições individuais recentes, destacam-se: Una

forma extrema de privacidad, Museo de Arte Carrillo Gil (Cidade do México, 2013); Noites

Brancas, Museu Serralves (Porto, 2012); Artist Room, Tate Modern (Londres, 2010); Grace

under Pressure, Estação Pinacoteca (São Paulo, 2009). Sua obra está presente em diversas

coleções públicas, entre as quais: Guggenheim (Nova York), Tate Modern (Londres), SFMOMA

(San Francisco), Moderna Museet (Estocolmo), Centre Pompidou (Paris), CaixaForum

(Barcelona).

De 15 de agosto a 26 de setembro.

Mostra inédita de Andy Summers

A Leica Gallery São Paulo, Higienópolis, São Paulo, SP, promove sua inauguração com a mostra “Del Mondo”, exibição individual do músico e fotógrafo inglês Andy Summers, e curadoria de Karin Rehn-Kaufmann. A exposição, composta por 42 imagens em preto e branco, feitas entre 1978 e 2014, apresenta registros da vida do artista em viagens que fez ao redor do planeta, evidenciando um estilo de fotografia de rua emotivo e atento.

Desde 1978, Andy Summers exercita, com a fotografia, um olhar afiado. Quando os membros da banda The Police decidiram cada um seguir seu próprio caminho, em meados da década de 1980, o guitarrista se aproximou do jazz e da música clássica e, simultaneamente, passou a dedicar ainda mais tempo à câmera fotográfica. Sua produção artística é influenciada tanto por viagens, da Tanzânia a Shangai, quanto por seu profundo interesse pela música, experimentando diferentes tipos de filmes fotográficos, lentes, ângulos e composições. Saindo noite após noite, vagando pelas ruas com sua câmera, Andy Summers registrava cenas noturnas em lugares como Los Angeles, Tóquio, Londres, Bali, Nepal, Macau ou por onde quer que passasse. “É você e o mundo ao redor. Reagindo a isso. Olhando para isso. Se eu saio pela rua, estou olhando, estou procurando. Vendo o que aparece. Poderia ser uma forma, um movimento.”, comenta o fotógrafo.

Neste contexto, “Del Mondo” apresenta fotografias de vendedores, pedestres, motoristas, quartos de hotel, garçons e até do próprio artista. Cenas espontâneas, que o fotógrafo encontrava em suas andanças pelo mundo.

Esta mostra inédita no Brasil marca a inauguração da Leica Gallery São Paulo, a primeira na América do Sul, e traz ao país Karin Rehn-Kaufmann, responsável pela curadoria de todas as unidades da Leica Gallery no mundo. A partir de agosto, o público encontra um lugar dedicado à fotografia, localizado em uma região privilegiada de Higienópolis, entre universidades e escolas de arte e design. Construída em um edifício da década de 1930 – em processo de tombamento como Patrimônio Histórico -, a galeria reúne o estilo Art Deco da fachada com um espaço interior bastante moderno, complementado por dois containers, anexos ao edifício em uma área externa. A proposta da Leica Gallery São Paulo é apoiar artistas, promover workshops e encontros, no intuito de gerar uma relação íntima entre fotografia, espectador e espaço expositivo.

Até 05 de outubro.

Baró Galeria realiza retrospectiva de Almandrade

11/ago

A mostra é constituída de diversos suportes utilizados por Almandrade. São trabalhos elaborados dentro de princípios e critérios que vêm direcionando a produção do artista, por mais de quatro décadas.

Entre a geometria e o conceito, entre a forma e a palavra, entre o rigor espacial e a poesia. Assim caminha a obra do artista plástico Antonio Luis Morais Andrade, o Almandrade, expoente baiano da arte conceitual e, hoje, um dos grandes nomes das artes visuais brasileiras, com uma produção respeitada nos principais circuitos de arte do país e reconhecida internacionalmente. A partir do dia 22 de agosto, parte dessa produção poderá ser vista na Galeria Baró, Barra Funda, São Paulo, SP, integrando a mostra “Do Poema Visual a Poética do Plano e do Espaço”, sob curadoria de Marc Pottier.

Almandrade compromete-se com a pesquisa de linguagens artísticas que envolve artes plásticas, poesia e conceitos. No percurso do artista destaca-se a passagem pelo concretismo, poesia visual, poema / processo e a arte conceitual, nos anos 70, o que contribuiu fortemente com a incessante busca de uma linguagem singular, limpa, de vocabulário gráfico sintético. De certa forma, um trabalho que sempre se diferenciou da arte produzida na Bahia.

Na Bahia, Almandrade foi solitário no seu engajamento à arte concreta e conceitual. Ainda assim, conquistou o respeito crítico. Suas obras, alvo de pelo menos 30 exposições individuais, já frequentaram pelo menos quatro edições da Bienal de São Paulo e hoje integram importantes coleções particulares e de museus como Museu de Arte Moderna da Bahia, Museu de Arte do Rio Grande do Sul, Museu Nacional de Belas Artes (RJ), Pinacoteca Municipal de São Paulo, Museu Afro (SP) e Museu Nacional (DF).

Até 17 de outubro.

CFB: 25 anos

: Cildo Meireles

: Alfredo Jaar

: Beto Shwafaty

A Casa França-Brasil, um espaço da Secretaria de Estado de Cultura administrado pela organização social Oca Lage, apresenta a partir do próximo dia 15 de agosto “CFB: 25 anos”, cinco mostras simultâneas que celebram seus 25 anos de atividade. O curador Pablo León de la Barra reuniu trabalhos dos artistas Cildo Meireles, Alfredo Jaar, Beto Shwafaty, e os filmes “Canoas” (2010), de Tamar Guimarães; “Superfícies vibráteis” (2005), de Manon de Boer; e “Bete & Deise” (2012), de Wendelien van Oldenborgh. O espaço central será ambientado como local de convivência, como “uma praça cultural”, onde o público poderá ver uma seleção de documentos de exposições realizadas na Casa desde 1990, em curadoria conjunta com Natália Quinderé.

Do artista chileno Alfredo Jaar (1956), residente em Nova York desde 1982, estará o letreiro “Cultura = Capital” (2012-2015), que ficará suspenso a 3,5 metros do chão do espaço central. Ele amplia o conceito de “Arte = Capital” (“Kunst = Kapital”) de Joseph Beuys, e acompanha o pensamento dos filósofos Antonio Gramsci e Friedrich Nietzsche de que “cultura é fundamental para a existência humana”. “Para Jaar, arte e cultura constituem um espaço de resistência e desempenham um papel fundamental em nossas vidas políticas diárias”, comenta Pablo León de la Barra. “Em tempos de recessão econômica, quando cultura e educação logo sofrem cortes orçamentários, ‘Cultura = Capital’ reconhece que cultura não é apenas um fator de desenvolvimento econômico, mas uma necessidade básica e elemento indispensável para o progresso social. Invertendo a equação, sem cultura, não existe capital”, afirma o curador.

O espaço do Cofre será ocupado com dezesseis obras icônicas de Cildo Meireles (1948) sobre a moeda brasileira, “em uma pequena retrospectiva” das séries “Zero Cruzeiro” (1974), que, observa o curador, “questiona o valor do dinheiro”; “Inserções em Circuitos Ideológicos” (a partir de 1970), que “demonstra como os indivíduos podem interferir na economia, na política e na ideologia”; e ainda “Projeto Cédula (1970-2015).

Na primeira sala lateral, estará a instalação “Remediações” (2010-2014), de Beto Shwafaty, artista nascido em São Paulo em 1977. Ele discute criticamente o projeto nacional brasileiro e sua transposição para os campos da cultura visual, nas estratégias de propaganda, desde o final do século 19 até os tempos atuais, passando pelo modernismo e pelo regime militar. Para isso, criou um ambiente com linguagem museográfica, com móveis, vitrines em acrílico, painéis com treliças, fotografias e intervenções feitas sobre material impresso, como cartazes, e um monitor de televisão onde é exibido em looping um vídeo videocolagem de dez minutos, com uma colagem feita a partir de material de arquivo de cinco décadas, onde o Brasil turístico é intercalado por cenas de Zé Carioca, criado por Walt Disney dentro da política de “boa vizinhança”, uma fala do geógrafo Milton Santos sobre o legado colonial, e ainda cenas de “Terra em Transe”, de Glauber Rocha. A obra cria “uma tensão entre desejo e realidade”, diz o curador.

JARDIM DE INVERNO / ARQUIVO 25 ANOS

O espaço central será transformado em um “Jardim de Inverno / Praça Pública”, onde será exposto o arquivo histórico de 25 anos da CFB como centro cultural, com dez estações com mesas-vitrines, cadeiras e vasos de plantas, onde o público poderá mergulhar em uma seleção de eventos realizados ao longo da história da instituição. Pablo León de la Barra buscou criar um espaço acolhedor, e ao mesmo tempo recuperar a história tanto da construção, criada em 1820 para ser uma Praça de Comércio, quanto das exposições realizadas ao longo de seus 25 anos. “A Casa tem um público cativo, que vem aqui para ler, estar em um local público e seguro. Transformamos então o espaço central em uma grande sala de leitura, uma praça cultural”, explica o curador. A inspiração vem de “Un jardin d’hiver” (“Um jardim de inverno”), obra de 1974 do artista belga Marcel Broodthaers, um jardim de palmeiras com vitrines contendo gravuras “como forma de crítica aos discursos coloniais e à autoridade das instituições culturais”. Para compartilhar a curadoria deste espaço, Pablo León de la Barra convidou Natália Quinderé, que pesquisou os arquivos da instituição e levantou documentos sobre as exposições realizadas nos últimos 25 anos, que foram selecionados e serão dispostos em oito núcleos:

1. Fotografia em foco

“Cartier Bresson & Sebastião Salgado: Fotografias”, de 27 de junho a 29 de julho de 1990; e “Retratos da Bahia: fotografias de Pierre Verger e aquarelas de Carybé”, de 19 de setembro a 7 de outubro de 1990

2. “Missão artística francesa e os pintores viajantes: França-Brasil no século XIX”, de 13 de novembro a 16 de dezembro de 1990, com curadoria de Jean Boghici

3. “Apoteose Tropical: desfile-exposição com pinturas de Glauco Rodrigues”, de 31 de janeiro a 3 de março de 1991, com curadoria de Frederico Morais.

Índios na Casa

“Brasilidades: Amazônia e a França – Portinari – A Festa do Bumba”, de 28 de maio a 23 de junho de 1991, organizado pela antropóloga Berta Ribeiro; “Programa de índio: Kuarup”, em 8, 10 e 11 de agosto de 1991; e “Grafismo Kadiwéu”, de 7 a 30 de maio de 1993.

5. Internacionais – um pequeno recorte

“Miró: Águas-fortes e litografias”, de 25 de abril a 11 de junho de 1996; “Niki de Saint Phalle”, de 8 a 26 de janeiro 1997, com curadoria de Jean-Gabriel Mitterand; “Cerâmicas de Picasso”, de 7 de dezembro de 1999 a 22 de janeiro de 2000, com curadoria de Picasso Bernard Ruiz Picasso.

6. “Situações: Arte Brasileira – anos 70”, de 16 de agosto a 24 de setembro de 2000, com curadoria de Glória Ferreira e Paula Terra.

7. “Arte e religiosidade no Brasil – Heranças Africanas”, de 19 de fevereiro a 26 de abril de 1998, com curadoria de Emanoel Araújo e Carlos Eugênio Marcondes de Moura.

8. Cenários espetaculares

“Isto é a França em Quadrinhos – I Bienal Internacional de Quadrinhos”, de31 de outubro a 5 de dezembro de 1991; “Viva a água”, de 1° de junho a 5 de julho de 1992; e “Egito Faraônico – Terra dos deuses”, de 27 de setembro de 2001 a 7 de abril de 2002, com curadoria de Elisabeth Delange, curador associado Antônio Brancaglion Jr e Marly Atsuko Shibata (assistente).

9. Por que uma Casa França-Brasil?

Inaugurada em 1990, a Casa França-Brasil surgiu da conjunção de vários projetos culturais: a tentativa de criar 16 Casas de Cultura por todo Estado do Rio de Janeiro; a criação de um corredor cultural no Centro do Rio, com início no Museu de Arte Moderna; e o desejo do antropólogo Darcy Ribeiro (1922-1997), à época em que foi vice-governador, de restaurar a construção projetada por Grandjean de Montigny (1776-1850) a pedido de D. João VI, para ser Praça do Comércio, concluída em 1820. Alfândega a partir de 1824, arquivo de bancos ítalo-germânicos durante a Segunda Grande Guerra, e II Tribunal do Júri, entre 1956 e 1978, o prédio estava desativado. Em 1985 foi feita a assinatura para o restauro, uma parceria entre a Secretaria estadual de Cultura, o SPHAN/Pró-Memória, a Fundação Roberto Marinho e a Rhodia S.A. O projeto museográfico ficou a cargo de Pierre Catel, financiado pelo Ministério da Cultura da França, e após cinco anos de obras a Casa França-Brasil foi inaugurada, em 29 de março de 1990. A cocuradora Natália Quinderé conta que “os eventos realizados pela Casa, entre 1990 a 2008, abrangiam desde exposições de artistas brasileiros e estrangeiros, mostras sobre a cultura popular a salões de antiquário e de colecionadores de selos”. A partir de 2008, a Casa França-Brasil passou por uma nova reforma e transformação de sua missão institucional, com foco na arte contemporânea.

10. Anos 2009-2015

Em 24 de outubro de 2009, a Casa França-Brasil reabriu suas portas, sob a direção de Evangelina Seiler, depois de um ano de reformas físicas do prédio e de mudança em sua missão institucional. A obra inaugural foi uma enorme estrutura suspensa por cabos e com planos transparentes da artista Iole de Freitas, projetada especialmente para esse espaço. A partir de então passaram pela instituição artistas de linguagens e produção diversa, como Laura Lima, Hélio Oiticica, Daniel Senise, Waltercio Caldas, José Rufino, Laercio Redondo, Carmela Gross, Cristina Iglesias e Dias & Riedweg. Paralelamente, o cofre da antiga Praça do Comércio e da Alfândega passou a abrigar trabalhos de artistas de trajetórias variadas, convidados, normalmente, pelo artista que ocupava o vão central e as salas principais. Expuseram ali Amália Giacomini, Ana Miguel, Pedro Victor Brandão, Analu Cunha, Efrain Almeida, Daniel Steegmann, Marcelo Cidade, Jorge Soledar, entre outros.

FILMES

A segunda sala lateral será transformada em um cinema, com a exibição de filmes – cada um em um período – de três artistas que reexaminam momentos recentes da história cultural e política do Brasil:

15 a 27 de agosto – “Canoas” (2010, 13’30’’), 16mm transferido para digital, cor/som, de Tamar Guimarães, nascida em 1967 em Belo Horizonte, e residente em Copenhague. Em “Canoas”, é encenado um coquetel na emblemática casa modernista de Oscar Niemeyer, a Casa das Canoas, que ele projetou em década de 1950 para morar. Em meio à aparente frivolidade burguesa da festa, e enquanto são servidos por criados e garçons, os convidados discutem o passado do Brasil no que se refere às contradições entre a arquitetura moderna e o projeto social modernista, o trauma da ditadura política e do exílio, e as distinções de classe e de raça, mas também a presença de um desejo erótico pelo outro.

28 de agosto a 9 de setembro – ““Superfícies vibráteis” (2005, 38’), falado em francês e português, com legendas em português, 16mm transferido para digital, da artista Manon de Boer, nascida em 1966 em Kodaicanal, Índia, e radicada em Bruxelas. Em seu filme, ela dá voz às memórias pessoais da psicanalista brasileira Suely Rolnik, que, nos anos de 1960, partiu em exílio para Paris devido à ditadura brasileira e, na década seguinte, estudou com os filósofos franceses Félix Guattari (1930-1992) e Gilles Deleuze (1925-1995).

10 a 20 de setembro – “Bete & Deise” (2012, 41’), HD, em português e legendas em inglês, da artista Wendelien van Oldenborgh, nascida em 1962, em Roterdã, Holanda, onde vive. “Bete & Deise” apresenta um encontro entre duas mulheres em um canteiro de obras, no Rio de Janeiro. A atriz Bete Mendes e a cantora de funk Deise Tigrona conversam sobre o uso de suas vozes e posições na esfera pública, permitindo que as contradições que trazem internamente venham à tona. Utilizando uma montagem que combina de modo sugestivo as vozes das duas mulheres com suas imagens, Van Oldenborgh nos confronta com reflexões sobre a relação entre produção cultural e política e o poder que pode ser gerado quando questões públicas se entrelaçam com o pessoal.

JORNAL

A exposição será acompanhada de um jornal em formato tabloide, com tiragem de cinco mil exemplares e distribuição gratuita ao público visitante. A publicação terá textos de Pablo León de la Barra, Natália Quinderé, e do músico e do arquiteto Guilherme Wisnik.

PABLO LEÓN DE LA BARRA

Nascido em 1972, na Cidade do México, Pablo León de la Barra tem PhD em History and Theory, pela Architectural Association, Londres, em 2010. Curador independente, realizador de exposições, pesquisador em arte e arquitetura, é também curador-residente do programa Guggenheim UBS MAP para América Latina, em Nova York.

NATÁLIA QUINDERÉ

Natália Quinderé é doutoranda em História e Crítica de Arte no Programa de Artes Visuais da UFRJ (PPGAV/EBA), onde pesquisa sobre os museus de artista. É coeditora executiva da revista Arte & Ensaios (PPGAV/EBA/UFRJ), e trabalhou em alguns projetos curatoriais. Em janeiro de 2015, participou do programa EAVerão, da Escolas de Artes Visuais do Parque Lage.

De 15 de agosto a 20 de setembro.

Arquivos do Autor:geraldo