Arquivos da Categoria: Arte Contemporânea

Agora online | Exposição individual de Ernesto Neto

29/set

 

 

A Carpintaria, Jardim Botânico, Rio de Janeiro, RJ, tem o prazer de apresentar “O beijo Vi de Só e Té Água e Fô e outras tecelã”, uma exposição de Ernesto Neto incluindo trabalhos inéditos que tratam da inter-relação entre o céu e a terra, cerâmica e crochê, escultura e espaço. Juntas, essas novas obras são entremeadas à arquitetura da Carpintaria, onde o chão, a parede e o teto foram integrados na montagem de uma experiência imersiva.

 

 

Carta Serpente para um corpo porvir

por Catarina Duncan

 

 

Peço licença, aos meus mais velhos e aos meus mais novos, de todas as espécies que coabitam o mundo, reconheço a vida que há em tudo. Peço licença para abrir os caminhos dos encontros, para criar essa carta em direção a um organismo que se forma, mas que ainda não existe. Escrevo a partir de vestígios de memórias do que ainda está por vir, uma composição, uma dança, entre muitas vidas, muitas gotas, que formam um corpo só. Seja bem-vinda beijo vida, de terra e sol, e outras tecelagens.

 

Neto percebe a escultura como um organismo vivo e transgressor, que se devora e se transforma constantemente e àqueles que a observam. O ambiente criado pelo artista nesta montagem sugere uma (re)construção do espaço social e do mundo natural, atravessando os limites do corpo escultural em uma paisagem reinventada.

 

 

Um céu de crochê dá suporte a esculturas compostas de formas longilíneas suspensas, como gotas preenchidas por folhas de ervas ou nozes que caem em direção a peças de cerâmica, que por sua vez “brotam” do chão, aludindo a beijos entre corpos distintos. Aqui, o artista propõe uma metáfora de um encontro amoroso entre o céu e a terra.

 

 

No novo corpo de trabalho ‘entidade tecelã’, o artista usa bastidores de MDF em recortes biomórficos e fios de malha de algodão coloridos para manualmente criar tramas, com uma técnica de tecelagem que opera entre a microtensão dos fios entrelaçados e os espaços vazios de respiro.

 

 

Outras obras feitas de galhos secos envoltos por barbantes, explora a relação de tensão e equilíbrio entre diferentes materiais do cotidiano e formas da natureza.

 

 

“Para acompanhar esse nascimento foi convocada uma entidade tecelã, que cria o mundo enquanto se cria, forjando teias que brotam de dentro, conectam e integram nos lembrando que nada existe em isolamento”

 

 

Catarina Duncan

 

 

“Um dos principais saberes que as sociedades indígenas têm e que torna seu pensamento valioso é justamente uma outra maneira de conceber a relação entre a sociedade e a natureza, entre os humanos e os não-humanos, uma outra forma de conceber a relação entre a Humanidade e o restante do cosmos.”

 

 

Cristine Takuá

 

 

Sobre o artista

 

 

Ernesto Neto nasceu no Rio de Janeiro, em 1964, onde vive e trabalha. Outras exposições recentes incluem: Mentre la vita ci respira, Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo (Bergamo, 2021), SunForceOceanLife, The Museum of Fine Arts (Houston, 2021); Sopro, Centro Cultural La Moneda (Santiago, 2021), MALBA (Buenos Aires, 2019), Pinacoteca do Estado de São Paulo, (São Paulo, 2019); GaiaMotherTree, Zurich Main Station, apresentada pela Fondation Beyeler, (Zurich, 2018); The Body that Carries Me, Guggenheim Bilbao (Bilbao, 2014). Seu trabalho integra as coleções do Centre Georges Pompidou (Paris), Guggenheim (New York), MoMA (New York), Museo Reina Sofía (Madrid), Tate (London), entre outras.

 

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Quacors e Prismas 2021

28/set

 

 

 

O escultor Ascânio MMM realiza a exposição individual,  “Quacors e Prismas 20121”, até 27 de Novembro na Galeria Simões de Assis, Curitiba, PR .

 

 

Ascânio MMM – Como nos fazer sentir em casa no mundo

 

Vivemos em uma época em que nos distanciamos da realidade sensível, na medida em que habitamos, a maior parte do tempo, zonas digitais cujas telas, sempre lisas e limpas, simulam uma temporalidade não humana para a qual as marcas do tempo, as imperfeições, nunca chegam. Essa época marcada pela virtualidade, pela diluição da dimensão corpórea da relação com o mundo, é ainda aquela na qual prevalece o elogio do pragmatismo, da eficácia. A cada atitude, a cada gesto, a cada fala, somos chamados a calcular o resultado que irá se retirar dali. Gratuidade e inutilidade são palavras desvalorizadas na gramática vencedora da atualidade. Ao longo deste texto esperamos mostrar como os trabalhos de Ascânio MMM, reunidos em sua exposição “Quacors e Prismas”, na Simões de Assis, estão na contramão de tais imperativos que marcam o nosso tempo.

 

Antes de nos aproximarmos das obras hoje reunidas, cabe recordar brevemente o contexto que permeava o começo da trajetória do artista, pois esse princípio parece até hoje ecoar em sua poética. Nascido no vilarejo de Fão, em Portugal, em 1941, Ascânio chega ao Brasil em 1959, onde passa a morar no Rio de Janeiro. No começo daquela década ocorreu a primeira edição da Bienal de São Paulo, em 1951. Sediada no pavilhão do Trianon (onde posteriormente seria construído o Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand), a exposição teve como um dos seus protagonistas o suíço Max Bill (1908-1994), cuja escultura “Unidade tripartida” (1948/1949) foi decisiva para os rumos de certa produção local. O Brasil veria o seu meio artístico acolher muitas das lições do construtivismo geométrico sintetizadas na produção do artista suíço. Ou seja, passava-se a ter como modelo uma manifestação que espelhava um ideal racionalista fundador da modernidade europeia.

 

 

No fim daquela mesma década, no ano da chegada de Ascânio ao Brasil, veríamos nascer uma inflexão do projeto construtivo por intermédio do movimento neoconcreto. Com a participação de nomes como Franz Weissmann, Lygia Clark e Lygia Pape, o neoconcretismo criaria um atrito entre a assepsia ideal característica da abstração geométrica e o registro pulsante daquilo que é vivo, pois parte do corpo, da natureza, da rua, do cotidiano. Assim, Ascânio chega a um Brasil que respirava o ar do construtivismo, ao mesmo tempo em que começava a tencioná-lo por meio das investidas dos artistas locais da sua geração. Era ainda este o momento da etapa final da construção de Brasília, capital assinada por Oscar Niemeyer, que se tornaria um marco da arquitetura moderna mundial.

 

 

Em meados da década de 1960, o artista passa a frequentar o círculo ao redor do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, simultaneamente à sua passagem pela Escola Nacional de Belas Artes. Ascânio graduou-se pela Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade Federal do Rio de Janeiro (FAU/UFRJ) em 1969. Concomitantemente ao início da sua pesquisa artística, atua como arquiteto até 1976.

 

Mas o leitor deve estar se perguntando: por que fazer essa introdução (de resto bem conhecida por aqueles que acompanham a sua trajetória) para chegar até à exposição que hoje vemos, “Quacors e Prismas – 2021”? O fazemos por acreditar que em toda a sua obra testemunha-se uma espécie de mescla singular e potente dos elementos que estão presentes nesse princípio. Sua produção vincula-se, de maneira decisiva, a uma “vontade construtiva” que tem origem na abstração geométrica; o seu olhar, forjado pela arquitetura, está marcado em cada um dos seus trabalhos, ao mesmo tempo em que, mesmo sem ter feito parte do movimento neoconcreto, sua obra sempre abriu brechas para as indeterminações provenientes do chamado mundo da vida.

 

 

Uma das séries que compõem a presente exposição é a batizada “Quacors” – um neologismo criado pelo artista que une as palavras quadrado e cor. Estamos diante de híbridos de esculturas e pinturas. Parte da longa pesquisa de Ascânio sobre as possibilidades do alumínio, os “Quacors” surgem como espécies de blocos nos quais uma sucessão de módulos quadrados – ora vazados, ora preenchidos – são articulados por parafusos dotados de certa folga, de tal forma que as composições sejam a um só tempo tesas e fluidas.

 

Note-se que estamos diante de uma simultaneidade na divergência. O artista opera sobre uma grade rígida, mas no interior dela é infiltrada certa maleabilidade, organicidade insuspeitada. O distencionamento do rigor geométrico, a abertura que convoca o outro a se engajar não somente através da retina, mas de corpo inteiro, ficam evidentes, por exemplo, na peça “Quacors 24”. Aqui o trabalho não está preso à parede, mas sim pendurado desde o teto. Tal escolha gera uma espécie de colchão de ar que o separa do fundo, deixando-o flutuar levemente no espaço. Os parafusos que unem as dezenas de módulos ficam frouxos o suficiente para que a peça ganhe um sentido cinético, podendo se movimentar ao menor sopor de ar ao seu redor. Tal movimento, por sua vez, pode produzir um som, adicionando mais uma camada sensorial à experiência.

 

 

Temos, portanto, a chance de vivenciar distintas percepções diante da mesma obra. Dependendo da perspectiva que a olhamos, um novo desenho se forma. Quando nos colocamos frontalmente diante de “Quacors 24”, o trabalho desvela-se como uma composição quadrada de grande dimensão. A vasta área de elementos vazados (que faz da parede e de suas sombras parte da obra) ganha a presença de uma linha vermelha incompleta em seu meio à direita, cujo rebatimento se dá na parte inferior do quadro, com uma linha azul. Na parte inferior esquerda, uma série de quadrados brancos formam um triângulo. Mas essa é somente uma de suas feições possíveis, talvez a mais rígida, acompanhando o olhar frontal. Caso desloquemos o corpo um pouco para o lado, e com isso a nossa mirada passe a ser de soslaio, temos simultaneamente a mesma e outra obra. Agora saltam os amarelos, azuis e vermelhos que habitam a parte interna dos módulos, o que transforma de maneira decisiva a experiência que se tem do trabalho. Note-se que a introdução da cor, pontual, mas aguda, cumpre papel fundamental para essa variedade de perspectivas. Esse engajamento, que faz com que aquilo que vemos também nos olhe, tornando a obra parte de um agenciamento que mobiliza a um só tempo a visão e o corpo, é reflexo de uma poética que ao longo dos últimos cinquenta e cinco anos tece uma união ímpar entre a medida exata que deriva dos números e aquela que advém dos corpos, sendo, portanto, sempre variável, pois parte do mundo da vida.

 

Se a série “Quacors” convoca uma relação corpórea, tal vínculo se intensifica com as esculturas nomeadas “Prismas”, nas quais são sublinhadas as variações entre transparência e opacidade. Comparece também aqui a vocação para a escala pública tão presente na produção do artista. O próprio uso do alumínio veio responder às necessidades postas pela colocação da obra ao ar livre – o material é muito mais resistente do que a madeira às intempéries do tempo. Assim como os “Quacors”, dependendo do ângulo pelo qual olhamos cada um dos “Prismas”, estes ganham ora visualidade mais opaca, ora mais etérea, ora prevalecem os cheios, ora os vazios. Vale notar como os títulos dos trabalhos estão sempre acompanhados de um número, o que os aproxima dos postulados concretos ao indicar a serialidade como dado relevante. Porém, tal sentido de serialidade, de repetição, é quebrado pela multiplicidade de percepções que a obra oferece, assim como pelo seu fazer manual que finda por introduzir um rastro de diferença e singularidade em cada uma das peças.

 

 

Se sublinhamos o registro corpóreo da produção de Ascânio, isso só pode ser plenamente abordado caso nos lembremos do processo que envolve a sua realização. A confluência entre cálculo e contingencialidade que forja toda a sua “poética da razão” é construída no trabalho cotidiano, corpóreo mesmo, que se dá no interior de seu amplo e fértil ateliê. Trabalho este que desfaz as fronteiras tão comuns entre aquele que pensa e aquele que executa. A sua formação em arquitetura, que poderia tê-lo feito separar tais etapas, resultou o contrário. Em depoimento ao curador Paulo Miyada, Ascânio deixa isso evidente: “Na minha obra há uma questão importante. Todos os trabalhos são executados no meu ateliê, o percurso PROJETO / OBJETO é realizado no meu ateliê. Eu projeto e construo a obra, determino o perfil do alumínio, que chega ao ateli em barras de seis metros. O alumínio é um material usado na indústria, especialmente na construção civil. A manipulação do material, a descoberta de novas potencialidades do material – tanto na madeira quanto no alumínio, no cortar, no furar etc. – tem sido muito importante na pesquisa e nas descobertas de novos caminhos. Os Quasos, minha pesquisa de hoje, só foi possível no meu dia a dia no ateliê. Com certeza eu não chegaria a eles sem esse embate diário.”

 

 

Me parece que a passagem acima guarda uma pista decisiva para compreendermos melhor a fina intercessão entre razão técnica e fazer poético que perpassa toda a obra do artista. Para avançarmos nessa compreensão, faço antes uma breve digressão. É conhecida entre os que estudam o campo da fenomenologia a passagem do filósofo francês Maurice Merleau-Ponty (1908-1961) presente em seu ensaio “O Olho e o Espírito”: “A ciência manipula as coisas e renuncia a habitá-las. Fabrica para si modelos internos delas e, operando sobre esses índices ou variáveis as transformações permitidas por sua definição, só de longe em longe se defronta com o mundo atual. Ela é, sempre foi, esse pensamento admiravelmente ativo, engenhoso, desenvolto, esse parti pris de tratar todo ser como “objeto em geral”, isto é, a um tempo como se ele nada fosse para nós, e, no entanto, se achasse predestinado aos nossos artifícios.”

 

Ora, leiamos novamente: “manipula as coisas”, “renuncia a habitá-las”, “só de longe se defronta com o mundo atual”, “trata todo o ser como ‘objeto em geral’, isto é, a um tempo como se ele nada fosse para nós”. Tais afirmações descortinam de modo crítico o papel da ciência. De acordo com Merleau-Ponty, a ciência, no seu enfrentamento com o mundo, se coloca de maneira distanciada, instrumental, anulando assim toda sorte de singularidade que povoa a dimensão tangível da vida. A diluição do mundo exterior em estados subjetivos (herança da filosofia cartesiana) legou um mundo para a modernidade em que tudo a que se tem acesso sobre o mesmo se restringe a resultados filtrados por algum tipo de medição. O que está em jogo, neste sentido, nunca seria realidade palpável.

 

 

A passagem de Merleau-Ponty, escrita em 1960, delineia de maneira sintética um ethos no qual se dá o domínio da técnica, ou seja, o domínio de uma maneira de apreender o mundo capaz de eclipsar o seu registro sensível e privilegiar aquilo que é passível de exercer utilidade clara. Não parece exagero afirmar que passado mais de meio século a experiência ao nosso redor se tornou, crescentemente, a de uma época que faz o elogio incessante da eficácia em todas as esferas da vida cotidiana. Em contraposição ao império do pragmatismo, daquilo que pode ser medido em números, a arte seria o território em que ainda estaria preservado o modo de habitar o mundo marcado por alguma dose de inutilidade, de imprevisibilidade. Assim como se daria, ali, a chance de valorização da dimensão sensível no contato com o real. No limite, a arte uniria as pontas divorciadas do olho e do espírito.

 

 

Podemos agora retornar ao depoimento do artista. Ao afirmar que o seu ateliê não funciona somente como espaço onde se concebe o projeto das obras, que poderiam depois ser executadas fora dali, mas o contrário, que se trata de um território onde se dá projeto e execução; o que está sendo endereçado é a chance de intercâmbio entre os parâmetros ideais da técnica e os ensinamentos trazidos pela experiência processual que o fazer cotidiano agrega. É nessa travessia, entre o que foi projetado e realizado, com todos os aprendizados e acasos incluídos, que se dá a chance de unir as pontas entre “a vontade da forma, por um lado, e a abertura às indeterminações variadas da vida por outro.”

 

 

Ao contrário da ciência que “manipula as coisas e renuncia a habitá-las”, Ascânio manipula os materiais com vias a habitá-los, a dar uma segunda e insuspeitada pele para os mesmos. Restitui assim ao termo “técnica” o sentido dado pelos gregos antigos, qual seja, techné como arte do fazer e arte do pensar. Os gestos de cortar, furar, torcer, pesar, medir, aparafusar, pintar, se conformam como um embate corpóreo que ensina, modifica, gera desvios, descobertas, surpresas. O frio e asséptico alumínio, que tem utilidade clara no campo da indústria da construção, ao adentrar o ateliê ganha outro destino, desprovido de função evidente, com vias a se tornar parte de um singular acontecimento poético. Nesse sentido, podemos afirmar que a obra de Ascânio ecoa uma preciosa passagem da filósofa judia Hannah Arendt: “Os únicos objetos que parecem destituídos de fim são os objetos estéticos, por um lado, e os homens, por outro. Deles não podemos perguntar com que finalidade? Para que servem? Pois não servem para nada. Mas a ausência de fim da arte tem o ‘fim’ de fazer com que os homens se sintam em casa no mundo.”

 

 

Ora, os trabalhos reunidos em “Quacors e Prismas 2021” sintetizam o belo desenho que forja a trajetória do arquiteto que se tornou o artista que jamais abandonou os preceitos da arquitetura em sua produção. Assim, ao longo dos últimos cinquenta e cinco anos, Ascânio MMM vem sendo capaz de nos endereçar obras que, unindo “a lógica da matemática e a emoção estética da forma”, são dotadas da potência rara de nos fazer sentir em casa no mundo.

 

 

Luisa Duarte

 

 

 

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Bruno Passos na Kogan Amaro SP

 

 

O pintor e escultor Bruno Passos apresenta até o dia 30 de outubro na Galeria Kogan Amaro São Paulo, Alameda Franca, 1054, Jardim Paulista, a exposição “Há coisas entre nós que não dizemos em voz alta.

 

 

A arte e o “real”

 

 

“Que quadro lindo! Parece uma fotografia…” O elogio é frequente nas conversas do público em museus e exposições. É fácil atacar a visão naïf no campo da estética. Mesmo sincera e válida para o indivíduo que a emite, a opinião que aproxima arte da semelhança com o “real” é a morte da arte em si. Reduzida à função de mimesis, a representação artística, a rigor, estaria condenada a um papel subalterno, já que hoje, mais do que nunca, poderia ser substituída por bons recursos de fotografia digital retocada por programas que aproximam ainda mais a imagem do real (ou daquilo que se supõe que ele seja). Pior, a ideia ignora que a fotografia também é uma interpretação, assim como quaisquer arroubos hiper-realistas que, de quando em vez, encontramos pelas estradas da vida.

 

 

Entre dois polos, o figurativo e o abstracionismo, estaria uma parte do debate no campo artístico. Claro que as questões são mais complexas. Caravaggio e Ingres, por exemplo, são pintores figurativos, ambos, e, de muitas formas, opostos em método e objetivos.

 

 

Quando Monteiro Lobato atacou Anita Malfatti em artigo famoso, nada mais fez do que apostar no abismo suposto entre os que faziam “arte pura” (como Praxíteles e Rodin) e aqueles cuja produção se aproximava da dos internados em manicômios. Sim, muitos indicaram que a irritação do escritor era com a subserviência a vanguardas estrangeiras, mais do que com os traços modernistas da exposição de 1917. O fato é que ele colocou o escultor grego da famosa Afrodite de Cnido e o escultor francês da estátua de Balzac como integrantes de um time unido por ideais artísticos similares. O que Praxíteles diria de Rodin? Impossível saber, porém seria lógico imaginar que seria uma crítica pior do que a de Lobato. O time da “arte pura” teria dificuldades em atuar em conjunto no campo.

 

Acho que nunca será dito o suficiente: toda arte é interpretação e a figuração é um dos muitos aspectos da subjetividade possível. Escultores clássicos gregos e idealizadores de móbiles voadores milionários são intérpretes subjetivos de um mundo e de um olhar. A visão do estilo do artista também deve levar em conta a apreciação mutante do público.  Mudam os estilos de cada criador e muda a percepção sobre ele. A arte clássica helênica que Lobato e sua tribo admiravam era, na época do seu apogeu, coberta de cores berrantes. Muitas camadas estéticas seriam removidas, para que o branco do mármore do Monte Pentélico pudesse assumir a sobriedade clássica hoje louvada. Toda arte é interpretação e todo olhar possui história.

 

 

Os Passos de Bruno

 

 

O artista Bruno Passos nasceu em 1985, em Marília, São Paulo. A partir de um início no mundo da moda e do design, dedicou-se ao campo da pintura e da escultura. Um ponto fundamental foi ter trabalhado ao lado do pintor escandinavo Odd Nerdrum (1944), cuja influência foi decisiva em seu trabalho. Contudo, Bruno sempre invocou a ascendência de outros mestres além do nórdico. Honoré Daumier (1808-1879) traz o interesse pelo humano fora da beleza acadêmica ou do decorativo dos salões. Tal como Daumier, Bruno não deseja que sua obra exista apenas para combinar com a cortina. O fauvismo criativo de Henri Matisse (1869-1954) também paira sobre a inspiração de Bruno, com um toque mais rebaixado e reflexivo. Talvez seja possível também a ideia de Matisse, em dia tenso, admirando a grande onda de Hokusai (1760-1849) que tenta submergir barquinhos frágeis. Fragilidade, elemento água e narrativa trágica encoberta na paz são linhas fortes da arte de Bruno Passos.

 

 

As obras ou… as coisas entre as coisas

 

Como ele próprio declara, Bruno é o pintor de “entrecoisas”. Entre o visível/banal do mundo e algo que o olhar do artista capta existe o fluxo sutil das “entrecoisas”. Estas surgem com muitos suportes, desde o óleo sobre a tela até o compensado naval. Bruno experimenta. O cinzel pode ser substituído, em algumas esculturas, pela faca. Acha forte? Serão notados golpes de machado em outras pinturas. Há um barbarismo estetizante e cheio de energia. A tinta acrílica, com suas fronteiras fortes, deve dialogar com o oriental e sóbrio nanquim. Nada fica muito fixo como método porque, afinal, ele não está trabalhando com as coisas, porém com o fluxo contínuo “entrecoisas”.

 

 

O autor viaja pelo Brasil “profundo” em busca de novas fontes. Ele difere do projeto “povo e nação” porque não é um antropólogo do folclore. O país de Bruno está imerso no que o artista denominou: “universalidade brutal dos sentidos”. Suas obras gritam contra a padronização atual, contra o “chapamento” do real pelos discursos de marketing pessoal. Ele deseja o que pulsa, o que repulsa, o que atrai e choca. Bruno é seduzido pelo ser. Os quadros tornam as stories do Instagram ainda mais pastiches de Dorian Gray. O que a rede social oculta, ele traz à tona. Funciona como a lição de anatomia do Dr. Tulp, de outro mestre que influencia nosso artista: Rembrandt (1606-1669). Se o doutor Nicolaes Tulp mostrava a seus alunos flamengos cada fibra muscular e nervo, Bruno exibe, em seus quadros, o pulsar cru da vida, uma lição de anatomia vibrante e não o mundo lido por filtros de melhora, como em redes sociais. Tudo iluminado por uma luz que não é a simples e costumeira adição de branco. A luminosidade vem de um tom qualquer que dialogue com o denso-áspero da sombra.

 

 

Sabemos que pintores neoclássicos passavam um longo tempo disfarçando a irregularidade da superfície, para que, no liso absoluto do quadro, brilhasse uma ordem matemática e ideal. Bruno está em outro lugar. Sua obra atualmente apresenta mais irregularidades intencionais do que há alguns anos. Sobreposição de tintas e de intervenções mecânicas criam um aspecto de alto-relevo e de tridimensionalidade, como outra forma de ampliar a percepção do quadro. Bruno mostra o prédio e os andaimes do possível da sua concepção. Arquiteto/pedreiro que gosta do revelar e odeia o velar.

 

 

Não procure uma zona de conforto decorativa. Os títulos colaboram ainda mais para desinstalar. Querem um bom exemplo? Bruno retratou a companheira com uma centralização quase rafaelesca e delicada e nomeou ao quadro como ”Harpia”, o monstro mitológico que roubava comida e atacava pessoas com suas garras de águia e rosto de mulher.

 

 

A natureza ocupa um novo espaço na etapa atual de produção do criador. “Eu já não estou mais aqui” faz a água fluir sobre um quase fantasma que se dilui nela sem perder o medo instintivo. É uma cachoeira poderosa e original, uma hemorragia hídrica que tenta irrigar um ser incapaz de produzir o famoso “sentimento oceânico de S. Freud” (1856-1939), a plena diluição da consciência em um todo maior. Sim, “Há coisas entre nós que não dizemos em voz alta”, como mostra outro quadro. A solidão contemporânea talvez seja a mais dramática de todas.

 

 

Todas as esculturas trazem o traço da humanidade olhada sem romantismo, sem crueldade, perfectíveis sem perfeição. A metáfora líquida, frequente nos quadros, atinge o rosto que emerge da maré. São instantâneos realistas sem Photoshop. Parecem novas versões dos schiavi de Michelângelo (1475-1564). Lá, o escultor queria fazer o ser humano emergir da matéria bruta e adquirir sua posição no mundo. Aqui, cada pessoa já se libertou da matéria e adquiriu uma dimensão calma, quase resignada. Intuo que tenha surgido, ali, em materiais diversos, o humano pós-tudo: pós-pandemia, pós-modernidade líquida e pós-humano. Existe um brutalismo formal e uma delicadeza insuspeitada nas posições propostas para as figuras tridimensionais. Enquanto Caravaggio quis mostrar a Medusa que chocasse o observador em um escudo, Bernini (1598-1680) esculpiu uma Alma Danada para eternizar o terror de um condenado ao inferno e Camille Claudel (1864-1943) materializou o desalento do abandono, Bruno Passos não pretende nada catequético, dramático ou sedutor. Como seríamos se não fôssemos para os outros, se fôssemos para nós e em nós? As esculturas dele ajudam na pergunta.

 

 

Enfim, Bruno desconfia da racionalidade e não chega a formular uma alternativa romântica ao domínio da razão. Funciona, nas artes, como Blaise Pascal na filosofia, desconfiando da magnitude cerebral e falando da inconstância das aparências.

 

 

Em décadas passadas, o desafio era escandalizar a burguesia, chocá-la e conseguir um lugar ao sol da publicidade pelo escândalo. O grito de “épater la bourgeoisie” é substituído por “escandalizem a suas convicções ordenadas e aparentes, sendo você proletário ou burguês”. Retire as máscaras, lave o rosto, ignore as dimensões construídas e observe. Se você ficar incomodado, não é porque você é um burguês, é porque você é um humano em uma galeria de espelhos. Ouse observar! Arrisque ver-se. Tente ser.

 

 

Final

 

 

Seria curioso registrar como encontrei Bruno Passos. Como quase toda semana, estava entrando em um concerto na Sala São Paulo. Bruno interrompeu meu trajeto e me convidou para ver a exposição dele ali ao lado. Fiquei impactado pelas obras, em particular pela imagem de um senhor negro, austero e solene, com fundo vermelho.

 

 

O retrato que ele desejava fazer de mim começou algumas semanas depois. Bruno sentado ao chão e eu em uma bergère. Litros de café fluíram em tardes de sábado, em meio a conversas sobre arte e figurativismo.

 

 

De repente, após muitas sessões, Bruno “empacou”. Não estava satisfeito com o que via. Talvez não tenha conseguido captar a “maldade” que o tinha movido inicialmente. Quem sabe, meu traço luciferino tenha sido diluído nos cafés. O quadro não foi adiante.

 

 

A sociabilidade cresceu. Frequentei o universo de Bruno e Camila no apartamento deles. Houve saraus na minha casa. Depois, mudaram-se para a Serra da Mantiqueira. Por fim, fui visitá-los no novo endereço, em Itu. Lá, estava sendo gestada a coleção que agora se apresenta ao público. O quadro permanece inacabado, assim como minha maldade. A amizade sobreviveu aos dois fatos.

 

 

Leandro Karnal (Professor da UNICAMP / Escritor).

 

 

Sobre o artista

 

 

Estilista de formação (UEL), Bruno teve seu trabalho reconhecido como um dos participantes da identidade visual do SPFW (2009), exposto posteriormente na Bienal de Veneza, também foi selecionado para a Bienal do Design Brasileiro (2013) e, como estilista, fez aparições na Folha de São Paulo, Vogue e Valor Econômico. Bruno teve seu primeiro contato com a pintura tardiamente, aos 27 anos, após uma epifania, foi quando se retirou da Moda e começou a se dedicar integralmente a pintura onde, de modo precoce, colecionou premiações e seleções nos mais tradicionais salões de pintura clássica nacional: SBA de Piracicaba, SAV de Vinhedo, SBA de Limeira, entre outros. Na sequência, foi o primeiro brasileiro aceito para ser aprendiz do pintor sueco Odd Nerdrum (MET-NY, National Gallery-Oslo, Museu de Gotemburgo), sua residência artística (Noruega 2016) foi bem sucedida e, em 2017, recebeu novo convite para retornar e ser o assistente de Nerdrum em sua maior obra física, “Opening of the Prisons”. A vivência escandinávia lhe abriu novos rumos, dos quais se destacam o convite para uma Exposição Individual na Secretaria de Cultura de São Paulo (2018) e a atual residência artística de um ano no museu FAMA, em Itu. Bruno realiza expedições sazonais aos rincões do Brasil, de onde extrai insumo para seus quadros de Brasilidades latentes e não óbvias. Seu foco é subverter a técnica acadêmica para que ela se torne uma fonte de estímulo sensorial ao espectador, estimulando emoções ao examinar o que é ser brasileiro e quais são as características que constituem esta identificação. Suas obras fazem parte de coleções na França, EUA, China e Brasil e, no ano passado, foi considerado pela revista Norueguesa Sivilisasjonen um dos três maiores pintores clássicos atuais.

 

 

 

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Homenageando Esmeraldo

15/set

 

 

Sérvulo Esmeraldo foi artista plural que explorou, ao longo de sua carreira, as diversas linguagens plásticas, sendo considerado escultor, gravador, ilustrador e pintor. Para homenagear seu legado, a Pinakotheke São Paulo abriu, dia 13 de setembro, a exposição “Sérvulo Esmeraldo 1929-2017”.

 

 

No espaço estarão reunidas pinturas, desenhos, gravuras, esculturas, objetos e excitáveis criados pelo artista cearense durante o período, com curadoria assinada por Hans-Michael Herzog. A exposição seguirá aberta para visitação até o dia 16 de outubro.

 

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Alice Shintani, Mata À VENDA

 

 

 

A Galeria Marcelo Guarnieri, Jardins, São Paulo, SP, anuncia “Mata À VENDA”, proposição imersiva de Alice Shintani que surge como um desdobramento de “Mata”, série de guaches em papel que integra a Bienal de São Paulo, Faz Escuro Mas Eu Canto.

 

 

“Mata À VENDA” é composta por dezessete pinturas em grande formato que atravessam as instalações físicas da galeria, entre quinas, portas, colunas e paredes. Metaforicamente, das dezessete obras propostas, nem todas são totalmente visíveis e, algumas, completamente invisíveis. Independentemente do tamanho ou visibilidade, todas as pinturas serão comercializadas pelo mesmo valor. Essa possibilidade faz das pinturas um instrumento de reflexão sobre os limites de nossa percepção estética e política no conhecido contexto de intensa mercantilização da linguagem pictórica.

 

 

Como observado no texto curatorial de “Vento”, mostra antecipatória da 34ª Bienal, “Mata trata-se de uma série produzida a partir de uma leitura livre de imagens da flora e fauna brasileira, sobretudo amazônica. A escolha de um sujeito pictórico clássico e a iconografia convidativa e plana parecem sugerir um trabalho autorreferenciado e pacificado, mas a maioria dos elementos explícita ou implicitamente retratados está em risco de extinção. O fundo intensamente negro, nesse sentido, contribui para ressaltar a luminosidade das cores empregadas pela artista para representar a vivacidade de algo, mas também pode ser lido como uma metáfora do estágio de incerteza e opacidade que caracteriza os dias atuais, de um ponto de vista ecológico, social e político”. Mata À VENDA propõe uma reflexão complementar, ética e econômica, sobre o atual estágio das relações entre espaços ditos comerciais e institucionais de arte, a autodeterminação de seus atores e as possibilidades de resiliência da prática artística.

 

 

Na antessala da galeria, Alice Shintani apresenta um ambiente de escuridão total com duas interferências: “Perus, 31 de março” (2019) é um vídeo em loop que captura uma cena de melancolia e ternura do dia 31 de março de 2019, no terreno de um cemitério que compõe um dos capítulos mais tenebrosos da nossa história. O áudio original captado na cena talvez nos recorde que, inaugurado em 1970, o Cemitério Municipal Dom Bosco foi utilizado como local de desova de corpos de vítimas da repressão da ditadura cívico-militar; em diálogo, um segundo pequeno vídeo, também em loop: “Zika” (2015), precursora da presente série Mata, é uma animação em gif de um dos exercícios em guache realizados a partir do entrecruzamento entre as leituras da artista sobre o Brasil de 2015 e as leituras de “Thought Forms” da escritora, teósofa e ativista Annie Besant. Em “Thought Forms”, livro de 1905 que teve grande influência sobre artistas como Kandinsky e Klee, Besant defende a ideia de que os pensamentos emitem vibrações dotados de cores e formas que podem ser apreendidos por meio de intensa consciência, meditação e atenção. Na antessala, por meio de sons, formas e cores em movimento, somos convidados a pensar sobre as possibilidades de percepção da passagem do tempo, das imagens e narrativas históricas, suas repetições e apagamentos em meio à atual onda de mercantilização da produção artística de explícita crítica social e política. Os dois vídeos da antessala seguem disponíveis gratuitamente nas redes sociais da artista, além de via QR code no local.

 

 

Alice Shintani opera na intersecção entre o fazer artístico e a vida cotidiana, por vezes questionando práticas naturalizadas nessa relação. Como observado em Faz Escuro Mas Eu Canto, “não se trata da arte que comenta as notícias dos jornais, nem da arte que se impõe no tecido urbano como monumento inerte, e sim a vivência próxima dos afetos e violência diários que têm como contraponto o fazer gradual que envolve cores, formas e luminosidades”.

 

Sobre a artista 

 

 

Alice Shintani nasceu em 1971, São Paulo, SP cidade onde vive e trabalha. Alice Shintani desenvolve em seu trabalho exercícios de aproximação com o outro a partir da pintura e de seus desdobramentos. A pesquisa, motivada pelas possibilidades da experiência estética, explora a ideia da “pintura expandida” e se desenvolve em ações que vão desde o preenchimento total do espaço pela cor e pela luz, criando ambientes imersivos, até a proposição de refeições coletivas em que receitas, texturas, sabores, talheres, pratos e bandejas produzem significados e instigam camadas da percepção. Por meio da fricção entre questões formais, conceituais, sociais e mercadológicas, Shintani se debruça sobre as noções de visualidade e visibilidade de maneira a problematizá-las, quando se utiliza, por exemplo, de tons rebaixados de cor e formas abstratas para dar vida à pinturas que abordam narrativas de fantasmas, sombras e camuflagens, originárias da cultura japonesa; ou até mesmo quando infiltra em seus trabalhos elementos das comunidades de imigrantes no Brasil, invisibilizadas em sua maioria. A artista dialoga com a tradição da pintura e da história da arte, situando-as na experiência do presente e do espaço para além do circuito especializado.

 

 

Alice Shintani foi incluída na publicação “100 painters of tomorrow”, da editora Thames & Hudson (2014) e contemplada com o prêmio-aquisição no “II Prêmio Itamaraty de Arte Contemporânea” (2013). Participou de diversas exposições individuais e coletivas, destacando-se as seguintes instituições: Museu de Arte Contemporânea da USP, São Paulo, Brasil; Paço Imperial, Rio de Janeiro, Brasil; Centrum Sztuki Wspólczesnej, Poznán, Polônia; Centro Cultural São Paulo, Brasil; Instituto Itaú Cultural, São Paulo, Brasil; Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro, Brasil; Museu Rodin, Salvador, Brasil; Museu Oscar Niemeyer, Curitiba, Brasil; Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, Brasil; Instituto Figueiredo Ferraz, Ribeirão Preto, Brasil. Durante a edição da sp-arte/2017, Alice Shintani foi vencedora do Prêmio de Residência com a instalação “Menas” e passou três meses na Delfina Foundation, em Londres (Reino Unido). Atualmente a artista é uma das convidadas para integrar a 34ª Bienal de São Paulo – Faz Escuro Mas Eu Canto, 2021.

 

 

Período de exposição:  18 de Setembro à 16 de Outubro.

 

 

 

 

 

 

 

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Manuel Messias – Do Tamanho Do Brasil

09/set

 

 

O projeto busca corrigir o apagamento cultural sofrido pelo artista, ativo no do circuito de exposições mesmo tendo vivido por longos períodos em situação de rua, em seus últimos dez anos de vida.

 

 

Reavivando Manuel Messias

 

 

A Danielian Galeria, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, realiza de 10 de setembro a 22 de outubro a exposição “Manuel Messias – Do Tamanho Do Brasil”, com 50 obras de diversos períodos da trajetória do artista nascido em 1945 em Sergipe, e que foi ativo participante do cenário artístico do Rio de Janeiro até sua morte, em 2001, mesmo tendo enfrentado situações de extrema pobreza, e de nos últimos dez anos de sua vida ter estado por vários períodos em situação de rua. A exposição é o ponto de partida de um projeto coordenado por Marcus Lontra e Rafael Peixoto, que pretende “dar visibilidade e reconhecimento para a qualidade artística e poética da produção de Manuel Messias dos Santos (1945-2001)”. A exposição será acompanhada de textos dos dois curadores e também do colecionador, curador e médico Ademar de Britto.

 

 

A segunda ação prevista no projeto consiste na publicação de um livro que se torne referência na pesquisa sobre a trajetória de Messias. “Em função de uma biografia conturbada, marcada pela pobreza, pela situação de rua e por transtornos psiquiátricos, a obra e a vida de Messias sofrem com severo apagamento cultural, eco das desigualdades sociais, do racismo e da total marginalização dos indivíduos”, afirmam Marcus Lontra e Rafael Peixoto.

 

 

“O projeto do livro tem três eixos fundamentais: a pesquisa, a reprodução de obras e o embasamento crítico e teórico”, informam. Estão sendo levantados dados e informações que possam trazer uma cronologia mais precisa dos fatos que marcaram a trajetória de Manuel Messias. “Com mais de 200 artigos em jornais e publicações, pudemos comprovar a sua participação ativa na cena artística brasileira durante 30 anos, com exposições no Brasil e no exterior, sendo premiado diversas vezes e com unanimidade crítica a respeito de sua obra”.

 

 

A partir de intensa pesquisa foram rastreados mais de 180 trabalhos em acervos particulares e instituições. Como resultado desta investigação, foram recuperadas séries criadas por Manuel Messias que estavam pulverizadas em diversas coleções e que revelam uma produção constante, consciente e coesa, de elaborado senso estético e profundo conhecimento artístico, contam Lontra e Peixoto. Autores de diversos campos do conhecimento – críticos, historiadores, antropólogos e psicanalistas que mantém estrita pesquisa vinculada à arte – foram convidados a refletirem sobre a produção de Manuel Messias, “abrindo um espaço amplo de pensamento”.

 

 

 Exposição – Alfabeto próprio

 

 

A exposição reúne principalmente xilogravuras, principal meio de trabalho de Manuel Messias, e também pinturas com tinta a óleo e pastel. São destaques as séries “Via Sacra”, “Your Life – M’fotogram” e um álbum em que o artista cria obras a partir de um alfabeto próprio carregado de referências históricas e da estética sintética que marca a sua produção.

 

 

“Sua produção, desde o início, apresentou forte caráter expressionista. Nos primeiros anos ficam claras as influências dos expressionistas alemães, das gravuras de cordel, dos quadrinhos e de importantes nomes da gravura brasileira como Goeldi e Grassmann”, comentam Marcus Lontra e Rafael Peixoto.

 

Negro e de uma família muito pobre, Manuel Messias migrou para o Rio de Janeiro aos sete anos acompanhando uma tia. Tempos depois sua mãe chega à cidade onde se emprega como trabalhadora doméstica na casa de Leonídio Ribeiro, diretor do Museu de Arte Moderna à época. No início dos anos 1960, ao ver que o menino desenhava, ele lhe deu uma bolsa de estudos com Ivan Serpa (1923-1973), que o estimulou a fazer xilogravura. Manuel Messias estudou ainda com o pintor, gravador e desenhista Abelardo Zaluar (1924 – 1987). A passagem de Messias como ajudante e arte-finalista em uma agência de publicidade ainda nos anos 1960 também foi fundamental para a criação de uma linguagem “de alto poder sintético e comunicativo, que marca grande parte da sua produção”, salientam Marcus Lontra Costa e Rafael Peixoto.

 

 

Mas a pobreza e a falta de estruturas que o amparassem, somadas a problemas psiquiátricos que Manuel Messias e sua mãe passaram a sofrer, o levaram ao extremo da exclusão social. Entretanto, apesar disso ele continuou produzindo, fazendo exposições e recebendo prêmios como os do MAM e do Museu Nacional de Belas Artes.

 

 

Manuel Messias chegou a morar em uma pensão na Lapa onde também vivia Cildo Meireles, e comprou uma casa na Cidade de Deus, com o resultado das vendas de uma exposição feita em 1974 na Bolsa da Arte, de Evandro Carneiro, e a partir da mobilização do circuito de arte. Mas em 1989, com o agravamento de sua condição financeira e também psiquiátrica, abandonou o lugar, dizendo ter sido expulso pela criminalidade.

 

 

A partir daí passou a morar, sempre com a mãe, em ruas próximas às casas de amigos, como a artista Martha Pires Ferreira – que trabalhou anos a fio com a dra. Nise da Silveira – que o amparava e comprava material para suas obras, e guardava suas gravuras.

 

 

Marcus Lontra e Rafael Peixoto observam que, apesar da falta de estrutura em que vivia, Manuel Messias era “um leitor compulsivo, com um profundo conhecimento sobre arte e uma ampla bagagem cultural”.

 

 

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Oskar Metsavaht no MAC Niterói

08/set

 

 

No salão principal do MAC Niterói, RJ, a exposição “Ícones e arquétipos”, de Oskar Metsavaht, traz um conjunto de obras – fotografias, pinturas e vídeos – que estabelece uma correlação entre os dois monumentos construídos em concreto armado, símbolos das cidades do Rio de Janeiro e de Niterói. Um dos eventos que celebram os 90 anos do Cristo Redentor e os 25 anos de inauguração do Museu de Arte Contemporânea de Niterói. Curadoria de Marcus de Lontra Costa.

 

 

A palavra do artista

 

 

Nesta exposição, eu apresento as analogias estéticas que vejo na construção tanto do MAC quanto do Cristo Redentor. Tive o prazer de poder mergulhar no olhar de ambos, na sensibilidade para desenhar as suas linhas, curvas e retas. E, com isso, compartilhar com o espectador que venha conhecer a exposição, o meu olhar de detalhes que fazem desta obra do Niemeyer um dos símbolos da arquitetura modernista brasileira, junto à estátua do Cristo Redentor.

 

 

De 08 de Setembro a 15 de Dezembro.

 

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Pinturas de Elian Almeida

 

 

 

A Galeria Nara Roesler, Ipanema, Rio de Janeiro, exibe “Antes – agora – o que há de vir”*, primeira exposição individual do artista carioca Elian Almeida. Com curadoria de Luis Pérez-Oramas, a mostra traz ao público os mais recentes desdobramentos de sua já icônica série “Vogue”. A exposição fica em cartaz até o dia 23 de outubro.

 

 

Segundo o curador Luis Pérez-Oramas: “A obra de Elian Almeida – principalmente a série Vogue, que constitui o corpo principal desta exposição – enfatiza, através de retratos singulares, o retorno do que foi ocultado, e não apenas esquecido: a pintura que acende o apagado, retratação do que foi velado.” Nos trabalhos inéditos da série “Vogue” presentes em “Antes – agora – o que há de vir”, Almeida se apropria dos signos da visibilidade instituídos pela famosa revista de moda para compor suas pinturas. O artista atua simultaneamente no sentido de uma reparação e da resistência da memória de indivíduos que se viram apagados pelas narrativas históricas.

 

 

Nesta exposição, Almeida apresenta dezesseis retratos de mulheres negras, entre elas encontram-se personalidades como Conceição Evaristo, que empresta os versos de um de seus poemas para o título da exposição, assim como intelectuais como Lélia Gonzalez. O artista não se baseia apenas em figuras contemporâneas, mas se lança no passado, trazendo à tona as imagens de Esperança Garcia (século XVIII) e Luísa Mahin (século XIX). É inegável que a atuação dessas mulheres na cultura é fundamental, tanto que Almeida também nos apresenta as efígies de Mercedes Baptista, a primeira bailarina negra do Theatro Municipal, além da atriz Ruth de Souza, e de Tia Maria do Jongo, entre outras “donas”, “mães” e “tias” que contribuíram para o surgimento do samba e a continuidade de diversas expressões culturais diaspóricas no Rio de Janeiro.

 

 

Para elaborar os cenários, vestimentas e adereços que compõem suas pinturas, Almeida mergulha na história das figuras retratadas, revisando arquivos e documentos, em uma prática que ele qualifica como uma verdadeira arqueologia da memória. Contudo, a ausência de face nos aponta tanto para o apagamento desses indivíduos pela narrativa oficial, ao mesmo tempo em que representam um corpo coletivo, uma miríade de rostos possíveis, de todos que sofreram e ainda sofrem os efeitos do racismo estrutural. Para Pérez-Oramas: “São, pois, os retratos que Elian Almeida nos apresenta, a rigor, imagens fúnebres, necroretratos, emergentes: nos olham, sem olhos, a partir do seu esconderijo, e de lá retornam à certeza melancólica de que o que não nos esquece não pode, por sua vez, voltar plenamente, na plenitude da presença da qual foi amputado.”

 

 

Pinturas da série “Vogue” fazem parte da “Enciclopédia negra”, empreendimento editorial da historiografia afro-brasileira encabeçado por Lilia M. Schwarcz, Flávio Gomes e Jaime Lauriano, que se coaduna com os esforços do artista de recuperação dessas figuras históricas. Para a publicação, 36 artistas foram convidados a elaborar retratos das personalidades apresentadas. Esses trabalhos, incluindo os de Elian Almeida, encontram-se em exibição em mostra homônima na Pinacoteca de São Paulo.

 

 

Sobre o artista

 

 

Nascido no Rio de Janeiro e criado na Baixada Fluminense, com passagem pelos cursos de Artes Visuais na Universidade do Estado do Rio de Janeiro (UERJ), e de Cinema e Audiovisual na Université Sorbonne Nouvelle – Paris 3, Almeida baseia sua prática na pintura, realizando também experimentações nos âmbitos da fotografia, do vídeo e da instalação. Com uma abordagem decolonial, seu trabalho se debruça sobre a experiência e performatividade do corpo negro na sociedade brasileira contemporânea. Para isso, ele recupera elementos do passado, imagens, narrativas e personagens – oficiais e extraoficiais -, de modo a contribuir para o fortalecimento e divulgação da historiografia afro-brasileira.

 

 

*o título da exposição foi extraído do poema “Eu-mulher” de Conceição Evaristo.

 

 

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Programação ArtRio 2021 | Preview

 

 

8 de setembro | quarta-feira

 

 

13h – Abertura do Preview

 

 

17h – Anna Bella Geiger faz escultura ao vivo
VARANDA ARTRIO | Estande do Canal Curta!

 

 

18h – Sunset Beck’s  – Pôr do sol com a melhor vista do Rio
VARANDA ARTRIO | Mezanino Beck’s

 

 

20h – Beck’s apresenta MIRA videoarte – Abertura da programação:

 

 

VARANDA ARTRIO | Exibição no telão

Delirar o Racial (Davi Pontes & Wallace Ferreira)

Swinguerra (Bárbara Wagner & Benjamin de Burca)

Curadoria Victor Gorgulho

 

 

21h – Encerramento do Preview

 

 

Conheça as obras selecionadas pelo curador Victor Gorgulho para a abertura da MIRA:

 

 

Davi Pontes & Wallace Ferreira
Delirar o racial, 2021, 32’

 

 

Delirar o racial é uma imagem para pensar espacialidade sem as ficções formais (espaço e tempo). A partir da equação: racial ↔ ️não-local, os artistas Davi Pontes e Wallace Ferreira coreografam um experimento artístico que pensa a diferença sem separabilidade e que oferece uma equação para anular o espaçotempo como descritores de tudo que existe neste mundo.

 

No universo apresentado pelo princípio da não-localidade, o deslocamento e a relação não descrevem o que acontece, porque todas as partículas estão implicadas, isto é, todas as partículas existem umas com as outras, sem espaçotempo. A não-localidade expõe uma realidade mais complexa na qual tudo possui uma existência atual (espaçotempo) e virtual (não-local). Uma das características do pensamento pós-iluminista se encontra na
capacidade de determinação que podemos notar observando duas estruturas lógicas: condicional e silogismo. A escolha do ↔ (bicondicional) para expor essa imagem aponta sua capacidade de retirar a determinação de ambos os lados.

 

 

Em busca de uma coreografia que não solicite os pilares ontoepistemológicos, os artistas se aproximam do pensamento da artista e filósofa Denise Ferreira da Silva para pensar um filme sem o fantasma da linearidade. O efeito é uma obra experimental, no qual utilizam os mesmos procedimentos que elaboram suas coreografias, uma série de ações que lidam com a incerteza, a desordem e o provisório para pensar uma ética fora do tempo para vidas negras.

 

 

Ficha técnica:

 

 

Direção: Davi Pontes e Wallace Ferreira
Câmera e edição: Matheus Freitas
Trilha Musical e Sound

 

Design: PODESERDESLIGADO
Voz: Davi Pontes
3D: Gabriel Junqueira
Som: Nuno Q Ramalho
Produção de set: Idra Maria Mamba Negra
Apoio de set: Gabe Arnaudin
Direção de Arte e luz: Iagor Peres
Styling: Iah Bahia

 

 

Bárbara Wagner e Benjamin de Burca

 

 

Swinguerra, 2019, 23”

 

Em Swinguerra, a dupla Bárbara Wagner e Benjamin de Busca apresenta o resultado de sua pesquisa iniciada em 2015, em torno da swingueira pernambucana. Fenômeno cultural periférico, a swingueira pode ser definida como uma singular deglutição de elementos e signos oriundos do brega pernambucano, do axé baiano, do funk carioca e mesmo do pop norte-americano. Para o filme, Wagner e de Burca escolheram trabalhar em parceria com três companhias de dança – Cia. Extremo, La Máfia e O Passinho dos Maloka. Em comum, as três compartilham seu método de trabalho: ensaiam seus números rigorosamente, ao longo do ano, para apresentá-los em competições locais e intermunicipais, nos arredores de Recife.

 

 

Suas pesquisas desdobram-se em filmes e fotografias que investigam fenômenos que vão do brega-funk a indústria musical do gospel na Zona da Mata de Pernambuco. São curta-metragens híbridos, cuja peculiaridade de linguagem é tamanha que facilmente escapam às definições usuais de gênero. Trabalhando em regime colaborativo com seus retratados – e junto deles tomando as decisões que definem os rumos e o próprio resultado final da obra – Wagner e de Burca instauram um terceiro lugar entre o ficcional e o documental, convidando o espectador a se colocar diante de corpos e subjetividades usualmente marginalizadas ou arquetipadas pelos discursos hegemônicos.

 

 

Ficha Técnica
Direção: Bárbara Wagner, Benjamin de Burca
Roteiro: Bárbara Wagner, Benjamin de Burca
Produção: Dora Amorim, Julia Machado, Thaís Vidal
Fotografia: Pedro Sotero
Montagem: Eduardo Serrano
Arte e Figurino: André Antonio, Rita Azevedo
Som: Lucas Caminha, Catherine Pimentel, Nicolau Domingues, Caio Domingues
Trilha Sonora Original: Carlos Sá
Elenco Principal: Eduarda Lemos, Clara Santos, Diego Matarazzo, Edlys Rodrigues,
Henrique Sena (MC Fininho), Clara Damasceno, Kinha do Tamburete
Empresa Produtora: Ponte Produtoras

 

 

Sobre a curadoria do MIRA:

 

 

MIRA 2021

 

 

Curadoria Victor Gorgulho

 

 

A quinta edição do MIRA, programa de vídeo-arte da ArtRio, reforça sua missão dos últimos anos: exibir, durante o período de realização da feira, trabalhos audiovisuais de jovens e consagrados artistas de diferentes gerações.

 

 

Se entre as décadas de 1960 e 1980, os novos suportes de gravação em vídeo operaram uma verdadeira revolução no campo da arte, hoje a produção de imagens se dá em um mundo saturado por elas, rodeado por estímulos de toda sorte disparados por telas de tamanhos e resoluções cada vez mais vertiginosos.

 

 

Atrelada às nossas vidas cotidianas, no entanto, a produção de imagens instaura-se hoje em um campo mais horizontal e democrático, permitindo, no campo da arte, a emergência de narrativas e sujeitos antes condicionados à meios de produção pouco acessíveis e custosos.

 

 

A seleção de vídeos e filmes do MIRA 2021 busca dar conta de produções de ontem e de hoje, instaurando territórios híbridos: entre o cinema e as artes visuais, entre a narrativa e o filme-performance. Em um mundo povoado por imagens, são obras que investigam as infindas possibilidades do audiovisual como meio. Como radares atentos, perscrutam os sinais difusos do presente para instaurar outras possibilidades de futuro – e inaugurar novos amanhãs.

 

 

 

 

 

 

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Paulo Pasta: LUZ

03/set

 

 

O Museu de Arte Sacra de São Paulo – MAS / SP, instituição da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Estado de São Paulo, abre “Paulo Pasta: Luz”, exposição do artista plástico Paulo Pasta, sob curadoria de Simon Watson. A mostra apresenta 19 telas dos últimos 10 anos, com dimensões que oscilam entre mural e laptop. “Pasta cria pinturas que são meditações físicas sobre a metafísica e mais palavras e emoções quando sabemos o que estamos mostrando …”, define o curador.

 

 

“Paulo Pasta: Luz” é a vigésima mostra individual institucional do artista e a primeira após a “Projeto e Destino”, no Instituto Tomie Ohtake de 2018, com curadoria de Paulo Miyada. Desde a sua primeira individual em 1983, Paulo Pasta faz exposições continuamente e suas obras são aceitas e abraçadas por instituições públicas e coleções privadas. Ao longo dos anos, sua prática de pintura evoluiu para uma meditação silenciosa sobre cor, espaço e luz. Poucas opções de cor – de três a seis matizes por tela, todos com valores tonais semelhantes – seus campos de composição sugerem um enquadramento com pilares arquitetônicos, entablamentos e vigas. Os contrastes sutis entre cores semelhantes fazem com que vibrem e se movam sutilmente para a frente e para trás no espaço. Eles sugerem elegantemente a captura de luz e alude às formas como a luz muda suas características ao longo do dia.

 

O aspecto formal das telas de Paulo Pasta sugere um diálogo permanente com Giorgio Morandi e Alfredo Volpi, bem como com Old Masters onde, de uma forma semelhante, possuem uma consciência populista. Eles nos levam para a rua. Eles nos convidam a conhecer o mundo ao nosso redor, de paredes e fachadas pintadas em cores vivas que podem ser encontradas no dia a dia e em todos os locais no Brasil. Exuberantes em cores e serenas em estrutura, as pinturas de Paulo Pasta são profundamente meditativas e afirmativas da vida.

 

 

Destacada por uma instalação mínima e iluminação dramática, a exposição “Paulo Pasta: Luz” é composta por quatro grandes pinturas em escala muralista (duas verticais e duas horizontais), cada uma ladeada por pinturas de tamanho médio que dialogam com suas cores e composições. A segunda, no espaço do claustro, são instalações do próprio estúdio do artista, onde em uma parede corrida você encontra um salão de meditação que interage de forma alegre a íntima.

 

“As pinturas de Paulo Pasta são uma manifestação física da presença da luz, como em um reflexo durante um passeio matinal. São também etéreas, sugerindo a imaterialidade da luz. Luz do espírito e da imaginação, luz que irradia e eleva.”

 

 

Simon Watson

 

 

Projeto LUZ Contemporânea

 

 

LUZ Contemporânea é um programa de exposições de arte contemporânea que se desdobra em eventos e ações culturais diversas, públicas e privadas. Desenvolvido pelo curador Simon Watson, o projeto, atualmente, encontra-se baseado no Museu de Arte Sacra de São Paulo. Nesse espaço, LUZ Contemporânea apresenta exposições temáticas de artistas convidados, de modo a estabelecer diálogos conceituais e materiais com obras do acervo histórico da instituição. Embora fortemente focada no cenário artístico brasileiro atual, LUZ Contemporânea está comprometida com uma variedade de práticas, cultivando parcerias com artistas performáticos e organizações que produzem eventos de arte.

 

 

O primeiro ano de programação de LUZ Contemporânea, no Museu de Arte Sacra, foi concebido como uma trilogia que visa responder à pandemia. O ciclo teve início com João Trevisan: Corpo e Alma, sendo seguida por Esperança, coletiva com 12 artistas, e culmina com Paulo Pasta: Luz. A trilogia vai do escuro ao claro, dos noturnos de João Trevisan à meditação de Paulo Pasta sobre a luz.

 

 

Sobre o artista  

 

 

Paulo Pasta nasceu em Ariranha/SP, 1959.  Doutor em artes visuais pela Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo – ECA / USP (SP). Recebeu a Bolsa Emile Eddé de Artes Plásticas do MAC/USP (SP) em 1988. Dentre as exposições realizadas, destaque para individual na no Centro Cultural Maria Antonia, em 2011, para o Panorama dos Panoramas, no Museu de Arte Moderna de São Paulo, em 2008, e para individual na Pinacoteca do Estado de São Paulo, em 2006. Como professor, lecionou pintura na Faculdade Santa Marcelina – FASM, entre 1987 e 1999, e desenho na Universidade Presbiteriana Mackenzie, entre 1995 e 2002. É professor da USP desde 2011 e, da FAAP, desde 1998. Realizou exposições individuais em diversos espaços, como Instituto Tomie Ohtake e Galeria Millan, São Paulo, SP (2018); Galeria Carbono, São Paulo, SP, e Paulo Darzé, Salvador, BA (2017); Embaixada do Brasil, Roma, Itália (2016); Galeria Millan e Museu Afro Brasil, São Paulo, SP (2015); SESC Belenzinho, São Paulo, SP (2014); Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre, RS (2013); Centro Cultural Maria Antonia, São Paulo, SP (2011); Centro Cultural Banco do Brasil, Rio de Janeiro, RJ (2008); e Pinacoteca do Estado de São Paulo, SP (2006), entre outros. Também participou de importantes exposições coletivas, entre elas: MAC-USP no Século XXI – A Era dos Artistas, Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, SP (2017); Clube de Gravura – 30 Anos, Museu de Arte Moderna de São Paulo, SP, e Os Muitos e o Um, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, SP (2016); 30 x Bienal, Pavilhão da Bienal, São Paulo, SP (2013); Europalia, International Art Festival, Bruxelas, Bélgica (2011); Matisse Hoje, Pinacoteca do Estado de São Paulo, SP (2009); Panorama dos Panoramas, MAM-SP, SP (2008); MAM(na)Oca, Oca, São Paulo, SP (2006); Arte por Toda Parte, 3ª Bienal do Mercosul, Porto Alegre, RS (2001); Brasil + 500 – Mostra do Redescobrimento, Pavilhão da Bienal, São Paulo, SP (2000); e III Bienal de Cuenca, Equador (1991), entre outras. Suas obras integram diversas coleções, entre as quais: Pinacoteca do Estado de São Paulo, SP; Museu de Arte Moderna de São Paulo, SP; Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, RJ; Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, SP; Museu de Belas-Artes do Rio de Janeiro, RJ; Colección Patricia Phelps de Cisneros, Nova York, EUA; e Kunsthalle, Berlim, Alemanha.

 

 

Sobre o curador

 

 

Simon Watson, nascido no Canadá e criado entre Inglaterra e Estados Unidos, Simon Watson é curador independente e especialista em eventos culturais baseado em Nova York e São Paulo. Um veterano com trinta e cinco anos de experiencia na cena cultural de três continentes, Watson concebeu e assinou a curadoria de mais de 250 exposições de arte para galerias e museus, e coordenou programas de consultoria em colecionismo de arte para inúmeros clientes institucionais e particulares. Nas últimas três décadas, Watson trabalhou com artistas emergentes e os pouco reconhecidos, trazendo-os para a atenção de novos públicos. Sua área de especialização curatorial é identificar artistas visuais com potencial excepcional, muitos dos quais agora são reconhecidos internacionalmente na categoria blue-chip e são representados por algumas das galerias mais famosas e respeitadas do mundo.

 

 

Sobre o museu

 

 

 

O Museu de Arte Sacra de São Paulo, instituição da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Estado de São Paulo, é uma das mais importantes do gênero no país. É fruto de um convênio celebrado entre o Governo do Estado e a Mitra Arquidiocesana de São Paulo, em 28 de outubro de 1969, e sua instalação data de 29 de junho de 1970. Desde então, o Museu de Arte Sacra de São Paulo passou a ocupar ala do Mosteiro de Nossa Senhora da Imaculada Conceição da Luz, na avenida Tiradentes, centro da capital paulista. A edificação é um dos mais importantes monumentos da arquitetura colonial paulista, construído em taipa de pilão, raro exemplar remanescente na cidade, última chácara conventual da cidade. Foi tombado pelo Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional, em 1943, e pelo Conselho de Defesa do Patrimônio Histórico, Artístico e Arquitetônico do Estado de São Paulo, em 1979. Tem grande parte de seu acervo também tombado pelo IPHAN, desde 1969, cujo inestimável patrimônio compreende relíquias das histórias do Brasil e mundial. O Museu de Arte Sacra de São Paulo detém uma vasta coleção de obras criadas entre os séculos 16 e 20, contando com exemplares raros e significativos. São mais de 10 mil itens no acervo. Possui obras de nomes reconhecidos, como Frei Agostinho da Piedade, Frei Agostinho de Jesus, Antônio Francisco de Lisboa, o “Aleijadinho” e Benedito Calixto de Jesus, entre tantos, anônimos ou não. Destacam-se também as coleções de presépios, prataria e ourivesaria, lampadários, mobiliário, retábulos, altares, vestimentas, livros litúrgicos e numismática.

 

 

Até 08 de Novembro.

 

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