Arquivos da Categoria: Arte Contemporânea

Exposição de Arthur Luiz Piza

16/dez

A Pinacoteca do Estado de São Paulo, museu da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, recebe a exposição “A Gravura de Arthur Luiz Piza”, um importante panorama da obra gráfica de um dos principais artistas contemporâneos brasileiros. A mostra, que acontece na Estação Pinacoteca, Largo Gal. Osório, São Paulo, SP, apresenta pela primeira vez um conjunto de gravuras editadas pelo artista paulistano e doadas à Pinacoteca. A curadoria é de Carlos Martins.

 

Ao todo são 137 obras que mostram o percurso que Arthur Luiz Piza imprimiu à sua produção desde as suas experimentações realizadas em 1952, quando começou. Na primeira sala os visitantes encontram trabalhos que exploram o uso da água forte, da água tinta e a ação dos ácidos sobre a matriz de cobre, que trazem ainda figuração e algumas referências do surrealismo. Obras do período que Piza combinava linhas e formas abstratas também podem ser vistas neste espaço.

 

Na sequência, Piza redefine a sua produção e, na segunda sala, estão as peças deste período, que passam a contemplar formas geométricas reconhecíveis, fruto dos estímulos que os novos rumos da arte proporcionavam. “Aqui as imagens crescem em escala, muitas vezes ocupando toda a superfície do papel. A utilização de cores intensas  de texturas em relevo, minuciosamente gravadas, confere a gravura de Piza um vocabulário próprio e inconfundível, indicando também ao artista possibilidades para o seu trabalho de colagens, pintura, entalhe e escultura. O relevo vai marcar definitivamente o corpus de sua produção”, explica o curador Carlos Martins.

 

 

Sobre o artista

 

Nascido na cidade de São Paulo em 1928, Arthur Luiz Piza iniciou sua formação artística em 1943 com Antonio Gomide. Após participar da I Bienal do Museu de Arte Moderna de São Paulo, Piza se mudou para Paris e frequentou o ateliê de Johnny Friedlaender, com quem aprendeu as técnicas de gravura em metal. Dedicou-se depois à aquarela e à colagem. Realizou mostras individuais no Brasil e em vários outros países como Japão, Equador, França, Alemanha, Suíça, Suécia, Iugoslávia, Itália, Espanha, Dinamarca e Estados Unidos.

 

 

Até 14 de fevereiro de 2016.

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Damien Hirst em Ipanema

A Mais Um Galeria de Arte, Ipanema, Rio de Janeiro, inaugurou com com a exposição “Damien Hirst”, reunindo dezenove trabalhos do artista inglês Damien Hirst, um dos nomes icônicos da atualidade. Encontram-se nesta mostra trabalhos em papel, em tiragem limitada, das séries dedicadas a medicamentos, que trazem seus famosos pontos coloridos e o armário com pílulas, e ainda as que têm como tema borboletas, tanto em fundo preto, branco, ou formando imagens caleidoscópicas.

 

Também consta nessa exibição o cobiçado trabalho do trabalho do artista denominado “For the Love of God”, em impressão lenticular sobre plástico, que propicia um efeito holográfico. Há serigrafias e gravuras em metal, algumas em água forte (baixo relevo),
com aplicações manuais de verniz e poeira de diamantes. As obras foram editadas pela prestigiosa Other Criteria, de Londres, parceira no Brasil da Mais Um Galeria de Arte. A exposição tem consultoria curatorial de Fernando Cocchiarale.

 

A Mais Um Galeria de Arte terá como característica principal oferecer obras múltiplas em vários suportes – gravuras, fotografias, vídeos e esculturas – em associação com importantes editoras brasileiras e estrangeiras.

 

A colecionadora Maria Cassia Bomeny decidiu expandir sua paixão pela arte para um espaço aberto ao público. “Após um ano de desenvolvimento do projeto da galeria, decidi por uma casa preservada e megassimpática na Rua Garcia D’Ávila, Ipanema. Vamos apresentar artistas brasileiros e estrangeiros através de trabalhos múltiplos com uma curadoria criteriosa, visando à qualidade da formação da coleção para nossos clientes”, explica.

 

 

Importância da obra múltipla

 

Fernando Cocchiarale ressalta que “múltiplo não é réplica”. “Não pode ser reduzido a mera reprodução, já que ao diferir da obra única – graças a possibilidades poéticas fundadas na reprodutibilidade – amplia o campo de invenção e criação do artista para além da produção de “originais”. O múltiplo não é simplesmente a edição baseada em uma obra única. Tem suas questões próprias. Faz parte de seu conceito ser multiplicado. É uma modalidade de produção”, explica. “Há que ressalvar escultores que querem trabalhar com diferentes escalas, produzindo múltiplos especiais”. “Se olharmos para a história da arte há várias obras múltiplas que se tornam ícones, como por exemplo “Seja marginal seja herói” (1968) e “Mangue Bangue” (1971), de Hélio Oiticica, vários trabalhos de Lygia Pape, Nelson Leirner, Anna Bella Geiger, Andy Warhol,  e do próprio Damien Hirst”. Ele acrescenta que “o múltiplo permite acesso à compra de determinadas obras de arte que de outra forma as pessoas não teriam, criando possibilidades de se organizar coleções com critério, e o colecionismo transforma o conjunto como algo maior do que simplesmente a soma das partes”.

 

 

Vídeoarte na vitrine

 

A vitrine da Mais Um Galeria de Arte terá uma permanente exibição de vídeoarte, que começará com Antonio Dias, em janeiro, e seguirá com uma programação dedicada a artistas mulheres, com seleção de Fernando Cocchiarale.  Maria Cassia Bomeny destaca que  “esta é uma forma de interagir com quem passa pela rua, e também uma bela maneira de aproximar o público”.

 

 

Programação para 2016

 

Dentre as exposições agendadas para o próximo ano, estão a de Antonio Dias, Roberto Magalhães, Richard Serra e Alberto Burri – que é tema de uma grande exposição no Guggenheim de Nova York, aberta em outubro e que segue até 6 de
janeiro.

 

 

 

Sobre Damien Hirst

 

Damien Hirst nasceu em Bristol, Inglaterra, em 1965. Ele chamou a atenção do público em 1988 quando concebeu e fez a curadoria de “Freeze”, uma exibição de seu trabalho e de seus contemporâneos no Goldsmiths College, em um armazém desativado em Londres. Desde então se tornou internacionalmente um dos mais reconhecidos e influentes artistas de sua geração.

 

 

Até 16 de janeiro de 2016.

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Novas na Casa França-Brasil

A Casa França-Brasil, Centro, Rio de Janeiro, RJ, um espaço da Secretaria de Estado de Cultura administrado pela organização social Oca Lage, apresenta exposição com curadoria de Pablo León de la Barra, que convidou o coletivo chileno Mil M2 (mil metros quadrados) e reuniu as obras “Cruzeiro do Sul”, de Cildo Meireles, e “Tempos Difíceis”, de Ivan Grilo.

 

Na abertura da exposição, haverá uma conversa aberta ao público com os artistas integrantes do coletivo Mil M2, que vieram ao Rio a partir do financiamento do Fondo Nacional de Desarrollo Artístico y Cultural do Chile (convocatória 2015). Por duas semanas, eles espalham pela cidade perguntas como “Você já disse eu te amo hoje? O samba nasceu na Bahia ou no Rio? O que você perguntaria aos cariocas? O que você perguntaria a sua cidade? De quem é a cidade?”. “O Projeto Pergunta é, acima de tudo, uma ferramenta para reconhecer e compartilhar nossos questionamentos sociais, políticos, urbanos e afetivos. Uma série de ativações do Projeto Pergunta no Rio de Janeiro buscam provocar os cariocas a refletir, discutir e compartilhar suas inquietações com respeito a sua vida, a cidade, suas políticas e seus afetos”, conta Pedro Sepúlveda, diretor criativo do coletivo. Desde a sua primeira edição na cidade de Valparaíso em fevereiro de 2014, o projeto percorreu diversos espaços públicos e instituições culturais do Chile, recolhendo mais de duas mil perguntas a partir da interação direta com as diferentes comunidades participantes. No espaço central da Casa França-Brasil estará um painel com perguntas que serão desenvolvidas junto com o público.

 

Na sala lateral, estará a obra “Cruzeiro do Sul” (1969-1970), de Cildo Meireles, dentro da pequena retrospectiva do artista que Pablo León de la Barra vem fazendo desde setembro. “Cruzeiro do Sul”, uma das mais conhecidas obras de Cildo, consiste em um cubo de 9mm de lado, composto de duas madeiras: pinho e carvalho, árvores que representavam entidades míticas na cosmologia dos tupis, que proporcionava o aparecimento do fogo pela fricção das duas madeiras. O trabalho foi criado pelo artista para estar sozinho em um espaço de exibição.

 

No Cofre ficará “Tempos Difíceis” (2015), de Ivan Grilo, uma placa de 35cm x 15cm em bronze, com a frase inscrita. “A expressão ‘Tempos Difíceis’, fundida em uma placa em bronze, ao mesmo tempo em que estanca e aponta o momento em que vivemos política e socialmente, como se sinalizasse um monumento a esses tempos estranhos, faz alusão a essas expressões que chegam prontas a nosso vocabulário, provavelmente herdadas do pessimismo português, e que, mesmo com pouca análise, concordamos e repetimos”, explica o artista.

 

 

 

Sobre os artistas

 

Cildo Meireles nasceu no Rio de Janeiro em 1948, onde reside. Estudou com o artista peruano Félix Barrenechea em Brasília (1963), na Escola Nacional de Belas-Artes (1968), Rio de Janeiro. Realiza sua primeira individual (1967) no Museu de Arte Moderna da Bahia. De 71 a 73 vive em Nova York, onde havia participado da exposição Information, no MOMA, em 1970. Em 1975 foi um dos fundadores da Revista Malasartes. Entre outras, realiza exposições no Museu de Arte Modernado Rio de Janeiro (Brasil),1975; Pinacoteca de São Paulo (Brasil)1978/2006; Magiciens de la Terre, Pompidou/La Villette (França),1989); InstitutValenciá d´ArtModern – IVAM (Espanha),1995; New Museum, NY (EUA), 1999; InstituteofContemporaryArt, Boston (EUA); Museu de Arte Moderna de São Paulo e Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (Brasil), 2000; Tate Modern em Londres (Inglaterra), 2008, posteriormente apresentada no MACBA, Barcelona (Espanha) e MUAC, Cidade do México (México), 2009. Participa de várias bienais, entre outras: Veneza (Itália) em1976/2003/2005 e 2009; Sydney (Austrália),1984; São Paulo (Brasil), 1981/1998 e 2010 e Documenta de Kassel (Alemanha), 1992 e 2002. Além de obras em coleções públicas e privadas no Brasil, MAM, Rio; MAM, São Paulo; MAC, São Paulo; Instituto Carlos Scliar, Cabo Frio e Gilberto Chateaubriand, Rio de Janeiro (Brasil) e tem obras nas coleções do MuseumofModernArt – MOMA, Nova York; Los Angeles County Museu ofArt – Lacma, Los Angeles; ContemporaryArtMuseum-Houston; BlantonMuseumofArt – Austin, Texas (USA); Muséenational d´artmoderne, Centre Georges Pompidou, Paris ; FNAC – Fondsnational d´artcontemporain, Paris (França); KIASMA, MuseumofContemporaryArt, Helsinki (Finlândia); Reina Sofia – Museu Nacional de Arte, Madri (Espanha) ; La Caixa, Barcelona; MACBA, Barcelona (Espanha); Serralves, Porto (Portugal), Cisneros, Venezuela; Daros, Zurique (Suíça) e Tate Modern, London (Inglaterra). Seu trabalho tem sido objeto de estudos, teses de Mestrado e doutorado e de vários documentários, entre outros, Cildo Meireles (1979); dirigido por Wilson Coutinho; CILDO (2008) de Gerald Fox; CILDO (2009) dirigido por Gustavo Moura; A Obra de Arte (2010), dirigido por Marcos Ribeiro, e o último, Ouvir o Rio: Uma Escultura Sonora de Cildo Meireles (2011), da diretora Marcela Lordy.

 

Ivan Grilo vive e trabalha em Itatiba, São Paulo, Brasil. Graduado em Artes Visuais pela PUC-Campinas (2007). Em 2015, exibiu a individual Eu quero ver, na Casa Triângulo (SP), em 2014, exibiu a individual Quando Cai o Céu, no Centro Cultural São Paulo (SP), além de participar das coletivas: Novas Aquisições da Coleção Gilberto Chateaubriand, no MAM (RJ) e Pororoca, a Amazônia no MAR, no Museu de Arte do Rio (RJ).Em 2013 exibiu Estudo para medir forças na Casa França- Brasil (RJ), integrando o Projeto Cofre; além de ser premiado no edital PROAC Artes Visuais, do Governo do Estado de São Paulo. E em 2012 recebeu o Prêmio Funarte Marc Ferrez de Fotografia. Dentre suas principais exposições individuais estão: Sentimo-nos Cegos, na Luciana Caravello Arte Contemporânea (RJ), Quase/Acervo, no Museu da República (RJ), Ninguém, no Paço das Artes (SP), e Isso é tudo de que preciso me lembrar, no SESC Campinas (SP). Dentre as principais coletivas estão: Bienal MASP Pirelli de Fotografia, em São Paulo, I Bienal do Barro em Caruaru (PE), 2nd Ural BiennialofContemporaryArt, na Rússia, 16a Bienal de Cerveira, em Portugal, 11a Bienal do Recôncavo em São Félix (BA), e Arte Pará, no Museu Histórico do Estado do Pará. Tem obras nos acervos Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM/SP), Museu de Arte do Rio (MAR), Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro/Coleção Gilberto Chateaubriand (MAM/RJ), Fundação Bienal de Cerveira, entre outros.

 

Mil M2 (Mil Metros Quadrados)é uma plataforma de gestão, produção e criação cultural baseada na ocupação temporal de infraestrutura disponível e a geração coletiva de conhecimento. Através de diversos projetos tem desenvolvimento uma série de protótipos de dispositivos e instituições culturais, associados a comunidades e territórios específicos. É integrado por MaríaConstanza Carvajal (produção geral/infraestrutura), Diego Cortés (chefe de oficinas), María José Jaña (produção geral/programa), Fernando Portal (diretor de conteúdo), Pedro Sepúlveda (diretor creativo). Os sócios fundadores, em 2013, são Denise Elphick, Cristóbal Muhr, Simón Pérez, Pedro Sepúlveda, Bernardo Valdés.

 

 

 

De 17 de dezembro a 28 de fevereiro de 2016.

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Obra e livro de Paulo Pasta

15/dez

A Galeria Millan, Vila Madalena, São Paulo, SP, apresenta até 19 de dezembro, a nova exposição individual de Paulo Pasta “Há um fora dentro da gente e fora da gente um dentro”, verso do poeta Francisco Alvim. A mostra marca a inauguração do novo espaço da Galeria: o Anexo Millan e a exposição ocupará simultaneamente os dois endereços da Millan na cidade.

 

No espaço tradicional da galeria serão expostas telas abstratas, marcadas por uma intensa e ambígua atmosfera cromática e refinada estrutura geométrica, que são responsáveis por seu inquestionável protagonismo na pintura contemporânea brasileira. Mas junto delas será possível ver uma das paisagens produzidas recentemente pelo artista tomando como ponto de partida o entorno de sua cidade natal, Ariranha.

 

No Anexo Millan, situado a poucos metros de distância da galeria, o mesmo processo de fricção estará presente no bloco expositivo. Dedicado às paisagens, o novo espaço abrigará ainda uma enorme pintura feita na parede. Na abertura, foi lançado livro “Fábula da Paisagem”, com 28 paisagens do artista.

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Inéditos de Thiago Toes

11/dez

Papeis, escultura e vídeo. São esses os suportes que Thiago Toes, artista representado pela OMA | Galeria, São Bernardo do Campo, São Paulo, SP, utilizou para a criação das obras da mostra “Luminar”. A exposição está acontecendo no espaço Qualcasa e integra o “Projeto No Mesmo Lugar”, do Hermes Artes Visuais – espaço focado em arte contemporânea dirigido e mantido por artistas, que realizam regularmente debates teóricos, mostras, projetos intensivos, palestras e cursos – em que Toes participa de um acompanhamento artístico.

 

 

Assim como define o dicionário, Luminar também resgata a ideia das coisas que espalham luz, como os astros e planetas – tema recorrente e de interesse intrínseco em suas obras. Por isso, para que haja uma real imersão neste conceito, as peças estão inseridas em três ambientes. Assim, em cada um é possível ter contato com um experimento diferente. “Todas as minhas obras são relacionadas ao universo, multiverso, dimensões e lugares que a gente não enxerga a olho nu. Gosto de estudar e trabalhar com o imaginário e as conexões que a gente pode ter quando estamos diante desses conceitos”, comenta Toes. 

 

 

O texto introdutório da mostra é de Douglas Negrisoli, curador responsável pela primeira exposição individual de Thiago Toes, “Celeste”, na OMA | Galeria, em 2013. Como os trabalhos são resultados de um acompanhamento artístico realizado pela Hermes, a curadoria fica por conta do próprio espaço. Segundo Nino Cais, um dos responsáveis por este trabalho no Hermes, a personalidade inquieta e intrigante de Thiago Toes está explícita nas peças.  “A potência de um artista pode ser medida por sua necessidade de transformação. O admiro por este entusiasmo, por este interesse tanto no que é técnico, quanto conceitual. Ele está sempre disposto a crescer e isso é visível nos trabalhos apresentados no Qualcasa”, fala.

 

 

 

Até 22 de janeiro de 2016.

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Sete individuais no Paço Imperial

10/dez

O Paço Imperial, Centro, Rio de Janeiro, RJ, inaugura seu maior bloco de exposições da gestão da diretora Claudia Saldanha, com individuais de sete artistas contemporâneos: José Bechara, Célia Euvaldo, Renata Tassinari, David Cury, Cristina Salgado, Bruno Miguel e Amalia Giacomini. Junto com seu conselho curatorial, composto por Carlos Vergara, Luiz Aquila e Marcelo Campos, a diretora do Paço formou essa programação contemplando expressões diversas, como pintura, escultura, desenho e instalação.

 

 

 

 

Sobre cada uma das mostras:

 

 

 

José Bechara  | Jaguares

 

O carioca José Bechara ocupa a sala do térreo do Paço com sete pinturas em três dimensões. Intitulada “Jaguares”, a exposição de trabalhos inéditos e recentes, em grandes formatos, resulta da pesquisa de dois anos do artista sobre limites da pintura. Ele usa materiais como vidro, papel glassine, mármore, lâmpada e cabos de aço. O artista chama de “pintura” trabalhos em três dimensões, em que vidros funcionam como planos. Ele acha que o visitante pode se perguntar se está mesmo diante de uma pintura, mas adverte que “diferentemente da escultura, o espectador não circunda o trabalho. Ao final das contas é uma investigação sobre este limite, imposto pela parede que está no fundo, da qual eu também tiro proveito, trazendo-a para o trabalho, por conta da transparência do vidro. Você imagina que uma pintura seja uma operação bidimensional. A minha pintura vem de uma produção tridimensional”, explica Bechara. Nesta individual, ele, que produz no ateliê  simultaneamente pinturas e esculturas, pretende confrontar e colidir essas duas experiências. Junto com as pinturas tridimensionais estará “Miss Lu Silver Super-Super” (2013), da série “Esculturas gráficas”, de 2009,  incluída aqui por trazer questões também relativas à gravidade semelhantes às das obras com planos de vidro.

 

“Jaguares” tem texto crítico de Luiz Camillo Osorio.

 

 

Sobre o artista

 

José Bechara nasceu no Rio de Janeiro em 1957, onde vive e trabalha. Estudou na Escola de Artes Visuais do Parque Lage, RJ. Integrou exposições, como a Bienal Internacional de São Paulo de 2002; Panorama da Arte Brasileira de 2005, no MAM-SP; 5ª Bienal Internacional do Mercosul (2005); Trienal de Arquitetura de Lisboa (2011);  “Caminhos do Contemporâneo” (2002) e “Os anos 90” (1999), ambas no Paço Imperial. Realizou exposições individuais e coletivas em instituições como Fundação Iberê Camargo (Porto Alegre, 2014); Instituto Tomie Ohtake SP, Instituto Figueiredo Ferraz (Ribeirão Preto); ASU Art Museum (Phoenix, EUA); Culturgest (Lisboa), MAM Rio, Museu de Arte Contemporaneo Espanhol-Patio Herreriano (Valladolid, Espanha) e Ludwig Museum de Koblenz (Alemanha). José Bechara tem obras em coleções públicas e privadas, como a Coleção Gilberto Chateaubriand/MAM Rio; Pinacoteca do Estado de São Paulo; Centre Pompidou, Paris; Es Baluard Museu d’Art Modern i Contemporani de Palma (Palma de Mallorca, Espanha); Instituto Figueiredo Ferraz (Ribeirão Preto, SP); Coleção João Sattamini/ MAC Niterói; Instituto Itaú Cultural (SP); MAM Bahia; MAC Paraná; Culturgest (Lisboa); ASU Art Museum (Phoenix, EUA); MoLLA (Califórnia, EUA); Ella Fontanal Cisneros (Miami, EUA); MARCO de Vigo (Espanha) e Basilea Stiftung (Basel, Suíça).

 

 

 

 

Célia Euvaldo | Curadora Vanda Klabin

 

 

A paulistana Célia Euvaldo apresenta conjuntos de cinco colagens e de cinco pinturas, datados de 2013 a 2015. A partir de sua experiência recente sobre a massa e o peso da tinta, a artista usa nas Colagens (170 x 100cm) material de consistências diferentes: um papel branco chinês, leve,  recebe uma folha de papel preto mais pesado, deformando o papel branco pelo efeito do peso e da cola e, ao longo do tempo, pela ação do clima. As Pinturas em óleo sobre tela (100 x 260cm e 123 x 200cm), a artista descreve que “elas lembram que saíram do desenho: pinceladas–linhas horizontais (quando a tinta é aplicada) e espatuladas–linhas verticais (quando a tinta é arrastada) preenchem o campo inteiro, deixando seu rasto de linhas.” Diferentemente de obras anteriores, em que parte da tela não era pintada, a superfície dos trabalhos recentes é toda recoberta com tinta preta. As pinturas, diz Celia, se estendem para dentro como buracos negros, e também se modificam como as colagens, não fisicamente, mas com a incidência de luz e o ângulo do olhar do espectador.

 

 

 

Sobre a artista

 

Célia Euvaldo mora e trabalha em São Paulo. Começou a expor na década de 1980. Suas primeiras individuais foram na Galeria Macunaíma (Funarte, RJ, 1988), no Museu de Arte Contemporânea da USP (1989) e no Centro Cultural São Paulo (1989). Ainda em 1989,  ganhou o I Prêmio no Salão Nacional de Artes Plásticas da Funarte. Participou da 7ª Bienal Internacional de Pintura de Cuenca, Equador (2001) e da 5ª Bienal do Mercosul (2005). Realizou individuais, entre outros, no Paço Imperial (RJ, 1995 e 1999), na Pinacoteca do Estado de São Paulo (2006), no Centro Cultural Maria Antonia (SP, 2010), no Museu de Gravura da Cidade de Curitiba (2011) e no Instituto Tomie Ohtake (SP, 2013).

 

 

 

 

Renata Tassinari | Curadora Vanda Klabin

 

 

A paulistana Renata Tassinari mostra 16 trabalhos, entre pinturas de grandes dimensões sobre acrílico e desenhos em óleo sobre papel japonês, inéditos no Rio de Janeiro, celebrando 30 anos de carreira. A curadoria de Vanda Klabin fez um recorte da última década de produção da artista para a exposição do Paço Imperial. Tassinari pinta sobre superfícies de acrílico e, ao mesmo tempo, deixa a moldura de certas seções da obra cobrir apenas uma parte da superfície planar. Seus trabalhos se desdobram em séries, usando quadrados e retângulos  como elementos compositivos, altermando as cores e o acrílico do suporte, transparência e opacidade, rugosidade e lisura. A cor é sua matéria-prima. Sobre a artista, Vanda Klabin diz: “Renata Tassinari desafia e transforma os limites do plano pictórico, pela apropriação e pelos deslocamentos de materiais industriais na superfície da tela, que passa a não atender mais os conceitos tradicionais do fazer artístico”.

 

 

Sobre a artista

 

Renata Tassinari é formada em Artes Plásticas pela Faap São Paulo (1980). Estudou desenho e pintura nos ateliês dos artistas Carlos Alberto Fajardo e Dudi Maia Rosa. Já expôs em importantes instituições brasileiras, como o MAM Rio e o MAM-SP. No início de 2015, a artista ganhou retrospectiva no Instituto Tomie Ohtake, SP.

 

 

 

 

David Cury | A vida é a soma errada das verdades

 

David Cury, artista piauiense, radicado no Rio de Janeiro, descreve conceitualmente sua instalação inédita, que ocupa três espaços do Paço Imperial, como uma “paisagem cívica negativa”. O eixo do trabalho são 15 textos irônicos sobre três formas de violência incorporadas ao nosso cotidiano: a social (“Aos que matam por hábito jamais os pardos foram tão alvos”), a política (“A ianque Dorothy Stang não voltou para casa”) e a moral (“Aqui o mal ao menos de impostura prescinde”). Seja de senso metafórico, filosófico ou lírico, cada uma delas quer ser um aforismo. Aqui a palavra quer valer por uma imagem, em confronto com uma imagem vale por mil palavras. As sentenças estão sulcadas em lajes de concreto e ferro, em meio a escombros residuais, distribuídas nas três salas, começando pela violência moral, seguida da violência social e da violência política. A ordenação da sequência da instalação segue o critério dos diferentes graus de violência: a moral é a primeira porque o artista a considera um estímulo à social e à política.

 

 

 

Sobre o artista

 

David Cury (Teresina, 1964) vive e trabalha no Rio de Janeiro. Ele atua em suportes diversos. Desde “Para a inclusão social do Crime (Funarte, RJ, 2003), “Há vagas de coveiro para trabalhadores sem-terra” (Carreau du Temple, Paris, 2005), “Paradeiro” (Estação da Leopoldina, RJ, 2006) e “Hydrahera” (Morro da Conceição, RJ, 2008), suas intervenções articulam caráter de situação, iminência e ambição formal. Em 2009, ocupou o Espaço Monumental do Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro com “Eis o tapete vermelho que estendeu o Eldorado aos carajás” – entre outras abstrações (de escala pública) acerca dos conflitos fundiários mais emblemáticos da história brasileira. Em 2010, participou da 29ª Bienal Internacional de São Paulo com a instalação “Antônio Conselheiro não seguiu o conselho”. Realizou “Corumbiara não é Columbine” (Musée Bozar, Bruxelas, 2011), “É com o sexo que os homens se deitam, pedindo como anões o seu ascenso” (Somerset House, Londres, 2012) e “Rasa é a cova dos vivos” (Museu de Arte Contemporânea, Fortaleza, 2013).

 

 

 

Cristina Salgado | No Interior do Tempo | Curador Marcelo Campos

 

 

A carioca Cristina Salgado apresenta uma instalação composta pela série “Poemas visuais interiores” (2015) – cerca de vinte desenhos em guache e impressão sobre papel de algodão, partindo de ilustrações apropriadas de um livro de anatomia seccional humana. Esses poemas visuais estão instalados sobre duas longas paredes laterais da sala. Ao fundo, há uma grande projeção de imagem em movimento, a mesma que está em um pequeno monitor, pousado no interior de um armário vertical de ferro e vidro situado no centro do espaço; cinco esculturas em ferro fundido da série”Humanoinumano” (1995) e elementos diversos de mobiliário industrial obsoleto se relacionam nessa região do espaço expositivo. Sua aposta é que “a instalação “No interior do tempo”, na forma como traz a presença do corpo, às vezes por sua ausência ou em situações que explicitam interioridade/exterioridade, possa tornar visível uma atmosfera diversa daquela onde impera a temporalidade lógica produtiva oficial.”

 

 

Sobre a artista

 

Cristina Salgado (RJ, 1957) vive e trabalha no Rio de Janeiro. Estudou na Escola de Artes Visuais do Parque Lage/RJ, entre 1977 e 1978. Doutora em Artes Visuais (EBA/UFRJ) e professora adjunta no Instituto de Artes da UERJ, desde 1997. Suas exposições individuais mais recentes são “A mãe contempla o mar”, Galeria Marsiaj Tempo, 2014; “Ver para olhar”, Paço Imperial, 2012,  e “Vista”, Casa França-Brasil, 2010. Entre as coletivas estão “Situações Brasília 2014 – Prêmio de Arte Contemporânea”, Prêmio de aquisição, Museu Nacional do Conjunto Cultural da República-Brasília; “O corpo na arte contemporânea brasileira”, Itaú Cultural, SP, 2005; “Como Vai Você, Geração 80?”, Escola de Artes Visuais do Parque Lage, RJ, 1984.

 

 

 

Bruno Miguel | Essas pessoas na sala de jantar | Curador Bernardo Mosqueira

 

 

O carioca Bruno Miguel apresenta duas instalações inéditas: “Essas pessoas na sala de jantar” e “Cristaleira”. “Essas pessoas…” é formada por 400 composições distintas com peças de porcelana de vários países, espuma de poliuretano, papel maché, pequenas árvores esculpidas pelo artista e tinta de cores vibrantes. O poliuretano vaza ora do bico do bule, ora do interior de uma xícara, criando formas abstratas que servem de amálgama para os elementos da composição. Os ítens são agrupados no chão, com intervalos que permitem o trânsito do visitante entre eles. Durante a temporada da exposição, os objetos serão rearranjados no espaço, criando diferentes percursos pela sala. Em uma sala vizinha, estará “Cristaleira” composta por 150 esculturas, também únicas, sobre uma prateleira de vidro que percorre as paredes do espaço expositivo. Essas são objetos utilitários de vidro e cristal, preenchidos com resina de poliéster colorida com spray, que formam esculturas por encaixe, empilhamento ou justaposição. Em algumas esculturas, o artista retira o vidro que serviu de molde e usa a forma de resina na obra. “A pesquisa de Bruno Miguel, que além de artista tem atuação como professor de pintura, aponta bastante para os elementos característicos dessa técnica e de sua história. Se há anos Bruno vem investigando o gênero pictórico da paisagem, agora ele o relaciona também com a natureza morta”, identifica o curador Bernardo Mosqueira.

 

 

 

Sobre o artista

 

Bruno Miguel (RJ, 1981) vive e trabalha no Rio de Janeiro. É formado em Pintura pela Escola de Belas Artes da UFRJ. Fez diversos cursos na Escola de Artes Visuais do Parque Lage. Em 2007, realizou sua primeira individual, no RJ, recebeu Menção Honrosa Especial na V Bienal Internacional de Arte SIART, em La Paz, Bolívia, e ganhou bolsa da Incubadora Furnas Sociocultural para Talentos Artísticos. Participou das coletivas “Nova Arte Nova”, apresentada no CCBB RJ e SP, em 2008 e 2009; “Latidos Urbanos”, no MAC de Santiago do Chile (2010), “Novas Aquisições – Gilberto Chateaubriand”,  no MAM Rio, em 2012, e “GramáticaUrbana”, no Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica RJ. Realizou diversas individuais na Luciana Caravello Arte Contemporânea, RJ, e na Emma Thomas, SP. Em Nova York, apresentou a individual “Make Yourself at Home”, na S&J Projects, e esteve nas coletivas “Sign of the Nation” e “Etiquette for a Lucid Dream,” em Newark, Nova Jersey, em 2013.  Em 2014, participou das coletivas “Encontro dos mundos” e “Tatu: Futebol, Adversidade e Cultura da Caatinga”, no MAR – Museu de Arte do Rio de Janeiro. Em 2015, realizou a individual “Sientase em casa”, na Sketch Gallery, Bogotá. É professor da Escola de Artes Visuais do Parque Lage desde 2011.

 

 

 

Amalia Giacomini | Viés | Curador Felipe Scovino

 

A paulistana Amalia Giacomini, radicada no Rio de Janeiro,  investiga questões da percepção do espaço, da arquitetura e de suas representações, através de instalações e objetos. Seus trabalhos remetem a elementos abstratos – como linhas, pontos, grades, perspectivas, em que o ar atravessa e faz parte deles. A artista se propõe tornar visível o vazio ao espectador. Nessa individual, ela apresenta sete obras, entre as quais duas instalações inéditas. A primeira, à entrada da sala, é composta por correntes finas na cor grafite, suspensas pelo teto, formando um grande volume – serão utilizados 500 metros de corrente. A obra poderá ser atravessada pelo visitante: ora ele estará dentro, ora por baixo dela. Pela característica do material, leve e flexível, a instalação está sujeita ao toque e à movimentação de ar do ambiente. A outra instalação terá relação direta com a janela da sala. Ela é composta por telas translúcidas, espécies de filtros de luz, criando um diálogo visual entre interior e exterior. Entre os demais trabalhos de parede, está “Dobra”, feito por linhas elásticas, que moldam uma forma curva de vazio entre duas paredes.

 

 

Sobre a artista

 

Formada em Arquitetura e Urbanismo (FAU-USP), com Mestrado em Linguagens Visuais pela EBA-UFRJ, Amalia Giacomini (SP, 1974) vive e trabalha no Rio de Janeiro. Instituto Tomie Othake (SP), Itaú Cultural (SP), Museu da Casa Brasileira (SP), Paço Imperial (RJ), Centro Cultural São Paulo, Centro Universitário Maria Antonia da USP, Galerias da FUNARTE (RJ e DF), Centro Cultural Sérgio Porto (RJ), Museu de Arte Contemporânea do Paraná (Curitiba), MAC Niterói (RJ) são algumas instituições brasileiras em que já expôs. No exterior, realizou em 2012 a individual “The invisible apparent”, na Galeria Nacional de Praga, e, em 2009, “Liberér l’horizon reinventér l’espace”, na galeria da Cité des Arts em Paris. Na mesma cidade, participou, em 2005, da Exposição Comemorativa do Ano do Brasil da França, realizada
pela FUNARTE/MinC. Entre 2011 e 2014 foi professora História da Arte no curso de Arquitetura da PUC Rio.

 

 

 

De 17 de dezembro a 28 de fevereiro de 2016.

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Wesley Duke Lee e Ricardo Camargo

Em atividade há mais de quatro décadas, o marchand Ricardo Camargo, é um personagem reconhecido no cenário cultural brasileiro, e agora, celebra os 20 anos de sua galeria, Jardim Paulistano, São Paulo, SP, com a exposição “Wesley Duke Lee” e, em parceria com Patricia Lee, inaugura o Wesley Duke Lee Art Institute, com o happening “A/TEMPORAL”.

 

 

 

 

A exposição

 

A mostra “Wesley Duke Lee”, composta por 35 obras do período entre 1958 a 2003, exibe trabalhos em técnicas variadas como desenho, pintura, gravura, têmpera, colagens e objetos, propiciando um passeio pela produção de Wesley Duke Lee, um dos grandes ícones da vanguarda brasileira. A diversidade de materiais e técnicas utilizadas permitem inúmeros destaques entre as obras selecionadas, desde a têmpera abstrata “Cloaca” de 1964 à sua última tela de 2003.

 

As obras, sutis e ao mesmo tempo impactantes, produzidas no Japão em 1965, oferecem a visão de Wesley Duke Lee aos elementos representativos da cultura local, em óleos com colagens sobre tela, aquarela e nanquim sobre papel japonês. Desenhos da “Série das Ligas”, de 1962, lembrada pela comoção causada após um happening em São Paulo estão presentes, bem como exemplares de “O Triumpho de Maximiliano I”, de 1966/1986, representando com delicadeza, a “procura da alma do mundo”.

 

 

O início da projeção internacional de Wesley Duke Lee se dá após a premiação na Bienal de Tóquio (1965), onde é também selecionado para a Bienal de Veneza (1966), com a primeira obra arte ambiental “Trapézio”. Durante sua permanência em Nova York, recebe um convite do diretor do Museu Guggenheim e é chamado a expor junto aos mestres do Pop-Art – Robert Rauschenberg, Jasper Johns e Oldenburg – na Galeria Leo Castelli. Os trabalhos representativos do período após seu retorno ao Brasil, que causaram grande impacto no circuito local com séries de quadros-esculturas, culminam com os espaços de seus ambientes tornando-se uma das mais originais contribuições à arte contemporânea brasileira, reconhecido por Helio Oiticica como um dos precursores da “nova objetividade”, lembra a historiadora Cláudia Valladão de Mattos.

 

 

Um dos principais destaques da exposição é o objeto/instalação “O/Limpo: Anima”, de 1971, da qual emana uma força da mistura de materiais díspares, contrastando com o espelho no qual o espectador vê a si mesmo.

 

 

“Sou um artesão de ilusões. O que realmente me interessa é a qualidade da ilusão. Se você conseguir atravessar o espelho e tiver a coragem de olhar para trás, você não vai ver nada”, declarou Wesley em uma de suas entrevistas. Com artistas como Nelson Leirner, Geraldo de Barros, Carlos Fajardo e José Resende, foi um dos fundadores do Grupo Rex, que oferecia um contraponto combativo e bem-humorado ao mercado de arte, na década de 1960. Nesse período, foi também responsável pela realização dos primeiros “happenings” da arte brasileira.

 

 

A proposta única da galeria é aproximar do público “evidências de que foi com sofisticada erudição, verve, estilo e impecável desenho que Wesley Duke Lee realizou toda a sua obra”, define o marchand Ricardo Camargo que assina a curadoria.

 

 

 

O Instituto Wesley Duke Lee Art Institute

 

 

Cláudia Valladão de Mattos, em 1997, descreveu a casa/atelier de Wesley Duke Lee como sendo um lugar mágico: “Lá nascem as ideias e para lá volta sua memória. As paredes repletas de recortes, quadros, desenhos, fotos, objetos, que se agrupam e se sobrepõem num conjunto visual vibrante, chamam a atenção pela sua proximidade com a Merz-Bau de Schwitters. Sua casa é o núcleo unificador de sua produção. Um grande “ambiente”, habitado e constantemente transformado pelo artista. Aqui as “séries” encontram o seu ápice e a verdadeira natureza unitária da obra de Wesley torna-se evidente.”

 

 

Em 2013, Ricardo Camargo e Patricia Lee materializaram um dos sonhos máximos do artista: criar um espaço para fomentar cultura em São Paulo, dar oportunidade a novos talentos e abrir caminhos nas artes. Nascia então o Wesley Duke Lee Art Institute. Após um longo trabalho de garimpo e preparação do espaço com todos os pertences do artista, a casa/museu é entregue ao público, paredes revestidas de lembranças e inspiração. Paredes que contam histórias e revelam a personalidade do artista, que dizia: “Minha casa sou eu virado para fora”. Em meio ao que parece uma bagunça de objetos, um sistema de memória usado pelo artista, na verdade, uma organização de relíquias que remontam a vida e as referências de Wesley Duke Lee.

 

 

 

Os objetivos são claros:

 

  • Preservar a obra, a pessoa, a história e toda a informação referente ao artista, atentando para que tudo seja verificado e organizado corretamente;
  • Fazer circular conteúdo cultural e informativo;
  • Provocar o pensamento artístico e criativo, reinventar a didática à maneira de Wesley Duke Lee e estimular o autoconhecimento.

 

Estão reunidos na casa/museu, textos diversos, cartas, fotografias, filmes, diários, desenhos, fichas de catalogação de obras, livros, objetos e toda sorte de memorabilia do artista. Grande parte do arquivo já está à disposição de estudantes e pesquisadores. O espaço é totalmente dedicado ao Instituto e está aberto para estudantes, pesquisadores e público. “Estou certa de que todo esse trabalho vai, assim, difundir a obra de Wesley e colaborar no reconhecimento e preservação do valioso acervo que o artista nos deixou, confirmando-o na posição merecida de um dos mais importantes de sua geração, líder de vários movimentos e acontecimentos que marcaram e transformaram a arte do século XX no Brasil. Fique tranquilo, Mestre Wesley, sua obra permanece viva e consistente, e o tempo corre a seu favor”, declara Cacilda Teixeira da Costa.

 

 

 

A composição dos membros

 

Diretor Administrativo/Ricardo Camargo; Diretora Cultural/Patrícia Lee; Coordenador de Marketing/Rodrigo Avelar; Analista de Marketing/Julio Jovanolli; Conselho Consultivo/Augusto Lívio Malzoni, Bruno Musatti, Cacilda Teixeira da Costa, Carlos Fajardo, Fabio Cascione, Fernando Stickel, James Lisboa, Jeanete Musatti, José Resende, Kim Esteve, Luisa Strina, Lydia Chamis, Marcelo Cintra, Max Perlingeiro, Olivier Perroy, Paulo Kuczynski, Ralph Camargo, Regina Boni, Roberto Profili, Telmo Porto e Thomaz Souto Correa.

 

 

De 12 de dezembro a 30 de janeiro de 2016.

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Ateliê da Tia Lúcia

07/dez

O Instituto de Pesquisa e Memória Pretos Novos (IPN), Gamboa, Rio de Janeiro, RJ,  e Quimera Empreendimentos Culturais, convidam para a abertura da exposição “Ateliê da Tia Lúcia”. A curadoria é de Marco Antônio Teobaldo.

 

 

A palavra do curador

 

O local de trabalho de um artista é composto pelos elementos físicos que darão forma ao seu pensamento, apresentando-se como um conjunto de suas opções que possibilitam a sua criação. No caso de Tia Lúcia, seu ateliê na Vila Olímpica é uma verdadeira instalação, com suas tintas e pincéis, e toda sorte de materiais que ela adquire ou encontra pelo caminho.Colecionados sem qualquer ordem formal, pedaços de bonecas e brinquedos quebrados misturam-se aos ícones religiosos, retalhos, papéis, botões, contas, pedras, objetos de decoração e outros elementos que lhe ofereçam a oportunidade de compor algum trabalho.

 

Neste cenário, a artista exibe algumas de suas obras prontas e outras, em processo de acabamento. Mas é com suas fábulas que este universo onírico se revela em toda sua potência. O desejo de criar é atribuído por ela aos seus sonhos e visões, que são transcritos em desenhos, pinturas e assemblages.

 

Como um story board de roteiro de filme, a artista desenvolveu um estilo de pintura em bobinas de papel para máquinas de calcular, no qual personagens e paisagens surgem enquadrados, catalogados em ordem numérica por meio de inscrições de legendas individuais.

 

O Instituto Pretos Novos anuncia para a noite de abertura um samba com os Velhos Malandros.

 

 

De 12 de dezembro a 28 de fevereiro.

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Laboratório OMA

Um espaço para discutir, fomentar e trocar experiências práticas e teóricas sobre artes visuais. Resumidamente, este é o objetivo do projeto “Laboratório OMA de Artes Visuais” iniciado em julho deste ano. Cinco meses depois, doze encontros e muito diálogo, o público poderá conferir o resultado da primeira edição.

 

Sob a orientação de Cristina Suzuki – artista visual com mais de 20 anos de experiência e com obras expostas em diversas cidades brasileiras-, a ação contou com as participações de Bruno Novaes, Juan Bianchi, Luiz Prieto e Mariana Vilela. Segundo Suzuki nortear e preparar os encontros teve influência até mesmo em suas produções. “Quando estamos dentro de um processo criativo, ficamos tão dentro dele que muitas vezes não conseguimos ter um distanciamento de nossas ideias – o que pode até mesmo dificultar o avanço criativo de nossas produções. Foi interessante estar como interlocutora, porque a gente consegue estar mais atenta, com muito carinho, aos pontos que estão sendo expostos. E assim, contribuir com um olhar externo. Foi uma experiência enriquecedora estar com um grupo tão heterogêneo como o que formamos”, conta.

 

A seleção dos artistas – de Bruno Novaes, Juan Bianchi, Luiz Prieto e Mariana Vilela – foi feita a partir de uma inscrição em que a orientadora, a arte-educadora, Letícia Barrionuevo, e o galerista, Thomaz Pacheco, avaliaram portfólios e currículos artísticos para a formação do grupo. Para o galerista, a prática é um meio de atender os anseios de artistas que desejam trocar experiências na OMA | Galeria. “Nos tornamos referência para os artista locais, que sempre procuravam, e ainda procuram, a OMA para apresentar suas produções. Percebemos que o melhor jeito de trabalhar essa demanda e realmente ajuda-los era criar esse espaço de troca. Com certeza, este é somente o primeiro de muitos, pois o Laboratório gerou muitas possibilidades não só para eles quanto para nós”, comenta Thomaz Pacheco.

 

A segunda edição do “Laboratório OMA de Artes Visuais” está com as inscrições abertas. Para participar da seleção é necessário o preenchimento da ficha de inscrição, além do envio de portfólio com 5 a 10 trabalhos e do currículo artístico. O material digital deverá ser enviado para o e-mail contato@omagaleria.com, em formato pdf com até 5Mb. Em caso de versão impressa, pode ser entregue pessoalmente na OMA | Galeria (Rua Carlos Gomes, 69 – Centro de São Bernardo).

 
As inscrições vão até o dia 31 de Janeiro do próximo ano, e as vagas são limitadas. A divulgação dos selecionados será realizada por e-mail até o dia 5 de Fevereiro. O investimento para participar do acompanhamento que resultou nessa exposição, é de R$ 150 mensais.

 

 

Até 12 de dezembro.

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Exposição na Caixa Cultural Rio

A Caixa Cultural, Centro, Rio de Janeiro, RJ, inaugurou a exposição “Aparição” com obras de Adriano Amaral, Ana Paula Oliveira, André Griffo, André Terayama, Bruno Baptistelli, Daniel de Paula, Débora Bolsoni, Felipe Cohen, Flora Leite, Floriano Romano, Frederico Filippi, Gabriela Mureb, João Loureiro, Jorge Soledar, Matheus Rocha Pitta, Raquel Versieux e Wagner Malta Tavares. Sob a curadoria de Fernanda Lopes a mostra apresenta algumas possibilidades para se (re)pensar a definição e a prática da escultura, oferecendo um panorama recente da arte brasileira com trabalhos nos suportes performance, objeto, vídeo, fotografia, arte sonora, instalação e intervenção.

 

 

 

Artistas de diferentes gerações dialogam de maneiras variadas com a questão tridimensional.  Alguns utilizam materiais e fazem uso de processos convencionais como entalhar, fundir e modelar. Outros abrem mão da estrutura estática e apresentam o pensamento escultórico contemporâneo por meio de fotografia, vídeo e performance. Há ainda trabalhos que partem de referências diretas à história da escultura, como Brancusi, Man Ray e Michelangelo.

 

 

 

O título “Aparição” remonta a uma fala do escultor renascentista Michelangelo sobre seu processo de trabalho: “Em cada bloco de mármore vejo uma estátua; vejo-a tão claramente como se estivesse na minha frente, moldada e perfeita na pose e no efeito. Tenho apenas que desbastar as paredes brutas que aprisionam a adorável aparição para revelá-la a outros olhos como os meus já a veem”.

 

 

Para a curadora Fernanda Lopes, ” Ao longo dos últimos cinco séculos, a ideia de escultura se apresenta cada vez mais distante de uma questão meramente técnica ou formal. Sua definição convencional como “a arte e a técnica de plasmar a matéria entalhando a madeira, modelando o barro, cinzelando a pedra ou o mármore, fundindo o metal etc., a fim de representar em relevo, ou em três dimensões, estátuas, figuras, formas abstratas etc. parece dizer muito mais sobre o que hoje não é mais escultura do que sobre o que é. Nos mais de 30 trabalhos, realizados entre 2010 e 2015 fica claro que já não é possível pensar esse meio como antes. Elementos básicos como a relação com a arquitetura, o corpo, o material e a história; a representação do mundo; a noção de forma e tempo estáticos; o ato de esculpir; e até mesmo a tridimensionalidade aparecem aqui repensados, desconstruídos, ressignificados, colocados à prova”.

 

Sobre os Artistas

 

 

 

Adriano Amaral

 

Adriano Amaral nasceu em Ribeirão Preto (Brasil) em 1982. Ao longo dos últimos anos o artista tem vivido e exposto seus trabalhos na Europa onde participou do programa de mestrado em Escultura no Royal College of Art, em Londres, e está atualmente em residência no DeAteliers em Amsterdã. Sua mostras recentes incluem as individuais TraysForFlotation, MendesWoodDm, São Paulo (2015), Never From Concentrate, Múrias Centeno, Porto (2015) e Soft Matter, Space in Between, Londres (2014).

 

 

 

Andre Griffo

 

André Griffo vive e trabalha em Barra Mansa, Rio de Janeiro. É formado em Arquitetura e Urbanismo e dedica-se às artes plásticas desde 2009. O principal interesse da sua prática artística é relacionar espaços e objetos oriundos de diferentes lugares – encontrados na natureza, estruturas mecânicas, elementos decorativos, funcionais e históricos (grades, portões, janelas, brasões, obras de arte) – e explorar o potencial dos mesmos como imagem. Esses estudos resultam em estruturas mistas, eletro-mecânicas, adaptações, arranjos de objetos, espaços silenciosos, gambiarras empíricas. Como meios de estudo e registro são utilizadas as linguagens pintura, desenho e instalação.

 

 

 

André Terayama

 

André Terayama (1989) vive e trabalha em São Paulo. É mestrando em Artes Visuais no Instituto de Artes da UNESP. Realizou exposições individuais no Paço das Artes (São Paulo) e Museu de Arte de Ribeirão Preto (Ribeirão Preto) e Galeria Portas Vilaseca (Rio de Janeiro); além de 26 coletivas, das quais se destacam: Centro Cultural dos Correios (Rio de Janeiro), Museu Nacional dos Correios (Brasília), Museu Nacional (Brasília), Paço das Artes (São Paulo), Galeria de Arte IBEU (Rio de Janeiro) e Instituto Tomie Ohtake (São Paulo). Foi premiado no 43º Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto, 12º Salão Nacional de Arte de Jataí, Situações Brasília, 3º Prêmio EDP nas Artes, 37º Salão de Arte de Ribeirão Preto e o 44º Salão de Arte Contemporânea de Piracicaba. Possui obras em acervos públicos tais como: Museu Nacional de Brasília, Museu de Arte de Ribeirão Preto, Museu de Arte Contemporânea de Jataí, Pinacoteca Municipal de Jundiaí e Paço Municipal Casa do Olhar Luiz Sacilotto.

 

 

 

 

João Loureiro

 

João Loureiro,1972, é Mestre em Poéticas Visuais pela ECA-USP (2007) e Licenciado em Artes Plásticas pela FAAP (1995). Fez individuais como “Pedra que Repete”, na Casa da Imagem (2013), “Blue Jeans”, no Projeto Octógono de Arte Contemporânea da Pinacoteca do Estado (São Paulo, 2009) e  “Reaparição”, no Paço Imperial (Rio de Janeiro, 2008). Participou das exposições “Open Borders/Crossroads Vancouver Biennale” (Vancouver, 2014), “Panoramas do Sul – 18 Festival Internacional de Arte Contemporânea SESC/Videobrasil”, no SESC Pompéia (São Paulo, 2013) e “Panorama da Arte Brasileira”, no Museu de Arte Moderna de São Paulo (2005).

 

 

 

Wagner Malta Tavares

 

O trabalho de WMT estabelece relações entre o imaginário POP, literatura clássica e construtivismo. Por meio de escultura, fotografia, objeto, vídeo, performance, intervenção urbana e desenho, estimula a percepção além da pura sensorialidade. Ao provocar o pensamento através da luz, do ar em movimento, do calor, frio e de outros elementos impalpáveis, procura uma possível metafísica dos corpos. Acredita que “há algo que atravessa as eras e as pessoas”, razão pela qual a ficção científica, história, literatura, cosmologia e teatro são seu universo de referência.

 

 

 

Bruno Baptistelli

 

Bruno Baptistelli é graduado em artes visuais pela Universidade Estadual de Campinas (Unicamp). Entre 2007 e 2010, formou com Gustavo Prafrente a dupla Bebaprafrente. Dentre  suas  ultimas  exposições  destacam-se: When Thoughts Are Replaced By Moving Images, Basel, Suíça, 2015; Narrativas Cotidianas, FUNARTE, Brasília, 2015 (individual); Estruturas Possíveis, Oficina Oswald de Andrade, São Paulo, 2014, Taipa-tapume, Galeria Leme, São Paulo, 2014; 2, Galeria Pilar, São Paulo, 2013 (individual);  Volar, Galeria Del Infinito, Buenos Aires, Argentina, 2012; Programa de Exposições 2011; Centro Cultural São Paulo (CCSP), São Paulo, 2011 (individual); Portas Abertas, Workshop Mona Hatoum, Santander, Espanha, 2010; Red Bull House of Art, São Paulo, 2010.

 

 

 

Felipe Cohen

 

Felipe Cohen é artista plástico formado pela Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP). Realizou exposições individuais e coletivas em importantes centros culturais pelo Brasil como Centro Cultural São Paulo, Pinacoteca do Estado de São Paulo e instituto Cultural Itaú. Entre suas principais exposições estão a 8ª e a 11ª Bienal do Mercosul, Economy of means no Scottsdale Museum of Contemporary Art, Arizona, EUA e Imagine Brazil – Artists Books, que passou por diversas cidades da Europa. Possue trabalhos em importantes coleções como por exemplo Pinacoteca do Estado de São Paulo, Museu de Arte Moderna de São Paulo, Museu de Arte do Rio e Scottsdale Museum of Contemporary no Arizona, EUA.

 

 

 

Jorge Soledar

 

Jorge Solledar, 1979, Porto Alegre/RS. Vive e trabalha no Rio de Janeiro/RJ. Seus trabalhos misturam linguagens desde ações, instalações e fotografias que abordam o tema das perversões de modo risível. Assim, o uso de diversos materiais (madeira, gesso, massas) são experimentados para assujeitar o outro a uma condição de objeto, com o desejo de expor diversas agressões e constrangimentos do homem em sociedade. Atualmente, é professor de teorias da arte contemporânea e performance do curso de artes visuais com ênfase em escultura, pela Escola de Belas Artes da UFRJ, onde faz doutorado em linguagens visuais. Jorge Soledar é representado por Portas Vilaseca Galeria.

 

 

 

Matheus Rocha Pitta

 

Em período curto de tempo e por meio de projetos diversos, Matheus Rocha Pitta (Tiradentes –MG, 1980) sedimentou interesses e estratégias que permitem identificar, em uma obra que se adensa a cada novo trabalho, enunciado crítico sobre os mecanismos de troca que regem a vida comum. Move o artista, em particular, a vontade de explorar e expor a mercadoria – coisa qualquer que o trabalho humano produz e pela qual existe inequívoco desejo de posse – como índice de paradoxos que tais intercâmbios encerram ou engendram. Sem apelar para enunciados discursivos de disciplinas que tomam a mercadoria como objeto de investigação frequente (economia, filosofia, política), articula objetos e imagens que inventa para gerar conhecimento que não cabe naqueles campos de estudo.  Participou da 29ª Bienal de São Paulo, 2010 e da Bienal de Taipei, 2014. Em 2012 realizou “Dois Reais no Paço Imperial, Rio de Janeiro  e em 2013 L’Accordo na Fondazione Morra Greco , Napoli. Vive e trabalha no Rio de Janeiro.

 

 

 

Floriano Romano

 

Romano é pioneiro em obras que mesclam instalações, performance e rádio em espaços urbanos.Criou o programa de rádio “O Inusitado” no Rio de Janeiro, condensando um excelente imaginário sobre o som, tanto nas artes plásticas como na música e na poesia de 2002 a 2004. Trabalha com intervenções urbanas e sonoras, abertas a participação do público. Em 2015 ganhou o Prêmio CCBB Arte Contemporânea e participou da exposição do Prêmio Marcantonio VIlaça do SESI no MAC/USP. Em 2013 realizou a exposição SONAR, na Casa de Cultura Laura Alvim. Em 2012 ganhou o premio Marcantonio Vilaça da Funarte com a obra Chuveiros Sonoros e o Prêmio Projéteis de Arte Contemporânea com a exposição A Cidade Sonora. Em 2011 produziu o projeto INTRASOM no MAM-RJ e participou da exposição PANORAMA DA ARTE BRASILEIRA no MAM-SP. Em 2009 participou da 7a Bienal do Mercosul “ Grito e Escuta” e ganhou em Dezembro o Prêmio Interações Estéticas da Funarte com o trabalho Sapatos Sonoros. Em 2008, Ganhou a Bolsa de Estímulo as Artes Visuais da Funarte com o projeto “Lugares e Instantes” de intervenção urbana, e o Prêmio Projéteis de Arte Contemporânea com a performance “S.W.O.L, Sample Way of Life”. Em 2007 produziu a performance com a mochila sonora “Falante” premiada no Salão de Abril, Fortaleza, e que participou da mostra “Futuro do Presente” no Itaú Cultural em São Paulo.

 

 

 

Daniel de Paula

 

Daniel de Paula 1987, E.U.A. Vive e trabalha entre São Paulo e Itapevi, Brasil. As proposições do artista intencionam ativar uma multiplicidade de relações em um dado contexto espacial. Através de uma postura que não se encera nos domínios da arte, deixando se intersectar por noções de geografia, astronomia e arquitetura, seu trabalho potencializa lógicas deduzidas do próprio comportamento e história de objetos e lugares. As operações utilizadas pelo artista sugerem uma indivisibilidade entre os objetos apresentados e as ações que lhes dão presença e conteúdo. Por meio de estratégias como negociações com e através de estruturas urbanas, deslocamentos de objetos cotidianos, apropriações de equipamento público e interações com os agentes constitutivos do espaço expositivo e seu entorno, seus objetos, instalações e intervenções instauram desarticulações e ressignificações de sistemas espaciais rígidos e condicionados. Exposições/Projetos individuais incluem: testemunho, Galeria Leme, São Paulo, Brasil (2015); objetos de mobilidade, ações de permanência, White Cube Gallery, São Paulo, Brasil (2014); Para estender um corredor, Galeria Cité Internationale des Arts, Paris, França (2013); Programa de exposições, Centro Cultural São Paulo, São Paulo, Brasil (2011), entre outras. Exposições coletivas incluem: Voragem da História, Observatório, curadoria Germano Dushá, São Paulo, Brasil (2105); Permanências e Destruições, curadoria de João Paulo Quintella, Oi Futuro, Rio de Janeiro, Brasil (2015); la parte que no te pertenece, curadoria de Paulo Miyada, Galeria Maisterravalbuena, Madrid, Espanha (2014); Onsite, TAP, curadoria de Mike Nelson, Southend-on-Sea, Inglaterra (2014); Open Cube, curadoria de Adriano Pedrosa, White Cube Gallery Mason’s Yard, Londres, Inglaterra (2013); Processos públicos, Paço das Artes, São Paulo, Brasil (2012), entre outras.

 

 

 

Debora Bolsoni

 

Debora Bolsoni, Rio de Janeiro, Brasil, 1975.  Vive e trabalha em São Paulo. Mestre em Poéticas Visuais pela USP (2014). Dentre as últimas exposições, destacam-se “Panoramas do Sul – 19o Festival de Arte Contemporânea SESC_Videobrasil” (2015); “Tudo que é sólido desmancha no ar”, Galeria Jaqueline Martins / São Paulo (2015); “Imagine Brazil, Astrup Fearnley Museet, Oslo (2014). Ainda em 2015 publicou o livro de artista “Queima” com apoio do ProAc da Secretaria de Cultura do Estado de São Paulo e realizou a exposição individual “Urbanismo geral” na galeria Athena Contemporânea, Rio de Janeiro.

 

 

 

Flora Leite

 

Flora Leite (São Paulo, 1988) vive e trabalha em São Paulo. Se formou no Departamento de Artes Plásticas da Universidade de São Paulo (ECA – USP), como bacharel em escultura. Já participou de exposições em São Paulo, Rio de Janeiro e Lisboa, dentre coletivas e individuais. Tem trabalhos nas coleções públicas do Centro Cultural São Paulo e do MARP – Museu de Arte de Ribeirão Preto.

 

 

 

 Frederico Filippi

 

Frederico Filippi nasceu em São Carlos em 1983 e vive e trabalha em São Paulo. Entre suas principais exposições estão: “Até aqui tudo bem” (2015), Galeria White Cube, São Paulo; “Si no todas las armas, los cañones” (2014), Matadero Madrid, Madri, Espanha; “Deuses impostores” (2014), Galeria IBEU, Rio de Janeiro; “Mostra da 5º Edição da Bolsa Pampulha” (2014), Museu da Pampulha, Belo Horizonte; “A parte que não te pertence” (2014), Maisterra Valbuena, Madri, Espanha; “Accidente” (2013), La Sin Futuro, Buenos Aires, Argentina; “Abre alas 9” (2013), Galeria Gentil Carioca, Rio de Janeiro; “Programa de Exposições” (2011), Museu de Arte de Ribeirão Preto, Ribeirão Preto. Prêmios e residências artísticas: Kiosko (2015), Santa Cruz de la Sierra, Bolívia; El Ranchito Matadero Madrid (2015), Madri, Espanha; Bolsa Pampulha (2013) Museu da Pampulha, Belo Horizonte; Prêmio Novíssimos (2013), Galeria IBEU, Rio de Janeiro; La Ene (2013), Buenos Aires, Argentina; 5º RedBull House of Art (2011), São Paulo.

 

 

 

 

Raquel Versieux

 

Belo Horizonte, Brasil, 1984 . Vive e trabalha em Rio de Janeiro. Principais individuais: 2013 – A Feira da Incoerência – Galeria Athena Contemporânea – Rio de Janeiro, Brasil, Where The Houses Live – Siz Galerija – Rijeka, Croácia. Recentes Coletivas: 2015 – Abre Alas 11 – Galeria A Gentil Carioca – Rio de Janeiro, Brazil, V Mostra | Programa Aprofundamento 2014 – EAV PArque Lage – Rio de Janeiro, Brasil, Permanências e Destruições: Ocupação Rua do Verde – Rio de Janeiro, Brasil | 2014: 4º Festival de Fotografia de Tiradentes: Fotografia Mineira Contemporânea – Tiradentes, Brasil, Encontros Carbônicos – Largos das Artes – Rio de Janeiro, Brasil, Primeiro Estudo: Sobre Amor – Luciana Caravello Arte Contemporânea – Rio de Janeiro, Brasil, Aparição – Galeria Athena Contemporânea – Rio de Janeiro, Brasil | 2013 – Imaginário – Museu de Arte do Rio – Rio de Janeiro, Brasil, Fronteiras – Espaço Cultural Sérgio Porto – Rio de Janeiro, Brasil, Entrecruzamentos – Galeria Athena Contemporânea – Rio de Janeiro, Brasil, Convite à Viagem: Rumos Artes Visuais 2011-2013 – Paço Imperial – Rio de Janeiro, Brasil

 

 

 

 

Gabriela Mureb

 

Gabriela Mureb nasceu em Niterói em 1985. Vive e trabalha no Rio de Janeiro. É mestre em Linguagens Visuais pela UFRJ, onde graduou-se em Pintura. Foi uma das artistas selecionadas pelo programa Rumos Artes Visuais 2011-2013. Em 2014 participou do 65º Salão de Abril (no Centro Cultural Banco do Nordeste, CE) e do Novíssimos (na Galeria Ibeu, RJ). Entre suas principais exposições estão a individual Corpos Dóceis, na galeria A Gentil Carioca (2009, RJ) e as coletivas Convite à Viagem, com curadoria de Agnaldo Farias, (no Itaú Cultural, SP, em 2012 e no Paço Imperial, RJ, em 2013), Espelho Refletido – O Surrealismo e a Arte Contemporânea Brasileira, com curadoria de Marcus Lontra Costa, no Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica (2012, RJ) e Jogos de Guerra, com curadoria de Daniela Name, no Caixa Cultural (2011, RJ). Participou dos festivais de performance Queer Zagreb, em 2012, e Queer NY, em 2013.

 

 

 

 Ana Paula Oliveira

 

Ana Paula Oliveira (Uberaba MG 1969). Escultora. Cursa artes plásticas na Faculdade de Belas Artes de São Paulo. Em 1999, integra a cooperativa de artistas Olho Seco, do ateliê Daora Brandão, e participa de suas primeiras exposições coletivas: uma no próprio ateliê; outra no Museu Brasileiro de Escultura – MuBE, sob a orientação de Nazareth Pacheco (1961); e a última, Corpó, no Ateliê Alexandre Menossi, todas em São Paulo. Em 2001, faz a primeira individual, na Capela do Morumbi. No mesmo ano, junto com os artistas do Olho Seco, cria a galeria independente 10,20×3,60, em São Paulo. No ano seguinte, participa nessa galeria de uma mostra coletiva orientada por Laura Vinci (1962) e recebe o prêmio aquisição do Centro Cultural São Paulo – CCSP, onde faz uma individual e uma coletiva. É em 2003, na 10,20×3,60, por ocasião da instalação Alvorada minha terra, que a artista utiliza pela primeira vez animais vivos.

 

 

 

 

Até 10 de janeiro de 2016.

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