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Wesley Duke Lee e Ricardo Camargo

10/dez

Em atividade há mais de quatro décadas, o marchand Ricardo Camargo, é um personagem reconhecido no cenário cultural brasileiro, e agora, celebra os 20 anos de sua galeria, Jardim Paulistano, São Paulo, SP, com a exposição “Wesley Duke Lee” e, em parceria com Patricia Lee, inaugura o Wesley Duke Lee Art Institute, com o happening “A/TEMPORAL”.

 

 

 

 

A exposição

 

A mostra “Wesley Duke Lee”, composta por 35 obras do período entre 1958 a 2003, exibe trabalhos em técnicas variadas como desenho, pintura, gravura, têmpera, colagens e objetos, propiciando um passeio pela produção de Wesley Duke Lee, um dos grandes ícones da vanguarda brasileira. A diversidade de materiais e técnicas utilizadas permitem inúmeros destaques entre as obras selecionadas, desde a têmpera abstrata “Cloaca” de 1964 à sua última tela de 2003.

 

As obras, sutis e ao mesmo tempo impactantes, produzidas no Japão em 1965, oferecem a visão de Wesley Duke Lee aos elementos representativos da cultura local, em óleos com colagens sobre tela, aquarela e nanquim sobre papel japonês. Desenhos da “Série das Ligas”, de 1962, lembrada pela comoção causada após um happening em São Paulo estão presentes, bem como exemplares de “O Triumpho de Maximiliano I”, de 1966/1986, representando com delicadeza, a “procura da alma do mundo”.

 

 

O início da projeção internacional de Wesley Duke Lee se dá após a premiação na Bienal de Tóquio (1965), onde é também selecionado para a Bienal de Veneza (1966), com a primeira obra arte ambiental “Trapézio”. Durante sua permanência em Nova York, recebe um convite do diretor do Museu Guggenheim e é chamado a expor junto aos mestres do Pop-Art – Robert Rauschenberg, Jasper Johns e Oldenburg – na Galeria Leo Castelli. Os trabalhos representativos do período após seu retorno ao Brasil, que causaram grande impacto no circuito local com séries de quadros-esculturas, culminam com os espaços de seus ambientes tornando-se uma das mais originais contribuições à arte contemporânea brasileira, reconhecido por Helio Oiticica como um dos precursores da “nova objetividade”, lembra a historiadora Cláudia Valladão de Mattos.

 

 

Um dos principais destaques da exposição é o objeto/instalação “O/Limpo: Anima”, de 1971, da qual emana uma força da mistura de materiais díspares, contrastando com o espelho no qual o espectador vê a si mesmo.

 

 

“Sou um artesão de ilusões. O que realmente me interessa é a qualidade da ilusão. Se você conseguir atravessar o espelho e tiver a coragem de olhar para trás, você não vai ver nada”, declarou Wesley em uma de suas entrevistas. Com artistas como Nelson Leirner, Geraldo de Barros, Carlos Fajardo e José Resende, foi um dos fundadores do Grupo Rex, que oferecia um contraponto combativo e bem-humorado ao mercado de arte, na década de 1960. Nesse período, foi também responsável pela realização dos primeiros “happenings” da arte brasileira.

 

 

A proposta única da galeria é aproximar do público “evidências de que foi com sofisticada erudição, verve, estilo e impecável desenho que Wesley Duke Lee realizou toda a sua obra”, define o marchand Ricardo Camargo que assina a curadoria.

 

 

 

O Instituto Wesley Duke Lee Art Institute

 

 

Cláudia Valladão de Mattos, em 1997, descreveu a casa/atelier de Wesley Duke Lee como sendo um lugar mágico: “Lá nascem as ideias e para lá volta sua memória. As paredes repletas de recortes, quadros, desenhos, fotos, objetos, que se agrupam e se sobrepõem num conjunto visual vibrante, chamam a atenção pela sua proximidade com a Merz-Bau de Schwitters. Sua casa é o núcleo unificador de sua produção. Um grande “ambiente”, habitado e constantemente transformado pelo artista. Aqui as “séries” encontram o seu ápice e a verdadeira natureza unitária da obra de Wesley torna-se evidente.”

 

 

Em 2013, Ricardo Camargo e Patricia Lee materializaram um dos sonhos máximos do artista: criar um espaço para fomentar cultura em São Paulo, dar oportunidade a novos talentos e abrir caminhos nas artes. Nascia então o Wesley Duke Lee Art Institute. Após um longo trabalho de garimpo e preparação do espaço com todos os pertences do artista, a casa/museu é entregue ao público, paredes revestidas de lembranças e inspiração. Paredes que contam histórias e revelam a personalidade do artista, que dizia: “Minha casa sou eu virado para fora”. Em meio ao que parece uma bagunça de objetos, um sistema de memória usado pelo artista, na verdade, uma organização de relíquias que remontam a vida e as referências de Wesley Duke Lee.

 

 

 

Os objetivos são claros:

 

  • Preservar a obra, a pessoa, a história e toda a informação referente ao artista, atentando para que tudo seja verificado e organizado corretamente;
  • Fazer circular conteúdo cultural e informativo;
  • Provocar o pensamento artístico e criativo, reinventar a didática à maneira de Wesley Duke Lee e estimular o autoconhecimento.

 

Estão reunidos na casa/museu, textos diversos, cartas, fotografias, filmes, diários, desenhos, fichas de catalogação de obras, livros, objetos e toda sorte de memorabilia do artista. Grande parte do arquivo já está à disposição de estudantes e pesquisadores. O espaço é totalmente dedicado ao Instituto e está aberto para estudantes, pesquisadores e público. “Estou certa de que todo esse trabalho vai, assim, difundir a obra de Wesley e colaborar no reconhecimento e preservação do valioso acervo que o artista nos deixou, confirmando-o na posição merecida de um dos mais importantes de sua geração, líder de vários movimentos e acontecimentos que marcaram e transformaram a arte do século XX no Brasil. Fique tranquilo, Mestre Wesley, sua obra permanece viva e consistente, e o tempo corre a seu favor”, declara Cacilda Teixeira da Costa.

 

 

 

A composição dos membros

 

Diretor Administrativo/Ricardo Camargo; Diretora Cultural/Patrícia Lee; Coordenador de Marketing/Rodrigo Avelar; Analista de Marketing/Julio Jovanolli; Conselho Consultivo/Augusto Lívio Malzoni, Bruno Musatti, Cacilda Teixeira da Costa, Carlos Fajardo, Fabio Cascione, Fernando Stickel, James Lisboa, Jeanete Musatti, José Resende, Kim Esteve, Luisa Strina, Lydia Chamis, Marcelo Cintra, Max Perlingeiro, Olivier Perroy, Paulo Kuczynski, Ralph Camargo, Regina Boni, Roberto Profili, Telmo Porto e Thomaz Souto Correa.

 

 

De 12 de dezembro a 30 de janeiro de 2016.

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Ateliê da Tia Lúcia

07/dez

O Instituto de Pesquisa e Memória Pretos Novos (IPN), Gamboa, Rio de Janeiro, RJ,  e Quimera Empreendimentos Culturais, convidam para a abertura da exposição “Ateliê da Tia Lúcia”. A curadoria é de Marco Antônio Teobaldo.

 

 

A palavra do curador

 

O local de trabalho de um artista é composto pelos elementos físicos que darão forma ao seu pensamento, apresentando-se como um conjunto de suas opções que possibilitam a sua criação. No caso de Tia Lúcia, seu ateliê na Vila Olímpica é uma verdadeira instalação, com suas tintas e pincéis, e toda sorte de materiais que ela adquire ou encontra pelo caminho.Colecionados sem qualquer ordem formal, pedaços de bonecas e brinquedos quebrados misturam-se aos ícones religiosos, retalhos, papéis, botões, contas, pedras, objetos de decoração e outros elementos que lhe ofereçam a oportunidade de compor algum trabalho.

 

Neste cenário, a artista exibe algumas de suas obras prontas e outras, em processo de acabamento. Mas é com suas fábulas que este universo onírico se revela em toda sua potência. O desejo de criar é atribuído por ela aos seus sonhos e visões, que são transcritos em desenhos, pinturas e assemblages.

 

Como um story board de roteiro de filme, a artista desenvolveu um estilo de pintura em bobinas de papel para máquinas de calcular, no qual personagens e paisagens surgem enquadrados, catalogados em ordem numérica por meio de inscrições de legendas individuais.

 

O Instituto Pretos Novos anuncia para a noite de abertura um samba com os Velhos Malandros.

 

 

De 12 de dezembro a 28 de fevereiro.

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Individual de Carla Chaim

O projeto “Presença” foi desenvolvido como um site specific para o espaço da Casa Nova, Jardim Paulista, São Paulo, SP, com curadoria e texto crítico de Gabriel Bogossian e em parceria com a Galeria Raquel Arnaud. Nele, um conjunto esculturas, fotografias e um vídeo ocupam os espaços do térreo, em um diálogo com a arquitetura do lugar.

 

Cada escultura reproduz um elemento chave da arquitetura: o piso e a coluna, da varanda de entrada, e o tampo da lareira na sala. Deslocadas no espaço como negativos dos elementos reais, elas exploram esses fragmentos arquitetônicos despidos de suas funções decorativas ou estruturais.

 

As fotos e o vídeo, por seu lado, também exploram fragmentos da Casa. Neles, contudo, trata-se de intervir com o corpo sobre os espaços vagos e os intervalos, que têm assim seu significado visual e espacial alterado. Desse modo, escultura e corpo se equivalem no gesto de explorar as brechas nos limites impostos pela arquitetura.

 

Enquanto modos de abordar o espaço, as obras apontam para novas formas de relação com ele, alterando percepções de tempo, escala, volume, superfície e cor. Em um diálogo com (ou sobre) o desenho arquitetônico, o gesto de seleção de elementos e espaços da Casa revela a identidade do lugar, tanto a partir de seus aspectos estéticos (a forma curva da varanda de entrada, que ecoa a varanda de cima) quanto dos estruturais ou decorativos: aqui, a Casa se torna visível para si mesma.

 

Carla Chaim é formada em Artes Visuais pela Fundação Armando Álvares Penteado – FAAP, 2004, onde também realizou a Pós-graduação em História da Arte, 2007. A artista trabalha diferentes mídias como desenho, escultura, vídeo e instalação. Chaim tenta se aproximar de uma ampla escala de assuntos cotidianos, trazendo-os para seu atelier e repensando novas formas e novas relações. A artista tem o desejo de controlar seus trabalhos, tanto em regras pré-estabelecidas na execução, quanto de seus movimentos físicos durante a feitura de um desenho, trazendo o corpo como importante instrumento neste processo, também pensando-o como local de discussão conceitual explorando seus limites físicos e sociais. A artista não trabalha pensando no resultado final. O que lhe interessa são os movimentos, passos e processos de cada trabalho. Carla define regras e parâmetros e segue com eles até o final. Os trabalhos de Chaim não contam histórias, elas são o próprio fazer, combinando sistemas dicotômicos: regras rígidas e movimentos físicos orgânicos.

 

Carla Chaim recebeu diversos prêmios como em 2015 o Prêmio CCBB Contemporâneo, e o Prêmio FOCO Bradesco ArtRio, ambos no Rio de Janeiro e, em São Paulo, em anos anteriores, o Prêmio Funarte de Arte Contemporânea e Prêmio Energias na Arte, no Instituto Tomie Ohtake, onde participou também das exposições “Os primeiros dez anos”, 2011, e “Correspondências”, 2013.

 

Participou de residências artísticas como: Arteles, Finlândia, 2013; Halka Sanat Projesi, Turquia, 2012; The Banff Centre for the Arts, Canadá, 2010. Fez, em 2014, sua primeira individual em Lisboa, Portugal, no Carpe Diem Arte e Pesquisa, e participou de exposições como “Afinidades”, no Instituto Tomie Ohtake, e “Entre dois mundos”, no Museu Afro-Brasil, em São Paulo, Brasil. Sua obra faz parte de coleções como Ella Fontanals-Cisneros, Miami, EUA; Museu de Arte do Rio – MAR, RJ, Brasil; e Ministério das Relações Exteriores, Itamaraty, Brasília, Brasil. A Galeria Raquel Arnaud, que representa a artista desde 2012, apresentou a exposição individual “Pesar do Peso” em 2014.

 

Gabriel Bogossian é curador independente, editor e escreve textos críticos. Já trabalhou como tradutor das editoras Hedra, em 2008, e Rocco, em 2011, foi curador da exposição Ensaio para a Loucura, de Gui Mohallem, no Museu Brasileiro de Escultura (MuBE), em 2011, editor para a Red Bull House of Art, em 2013, pesquisador do festival Videobrasil, em 2014, e curador do festival de perfomance Transperformance 3: Corpo Estranho, em 2014. Foi curador da exposição Cruzeiro do Sul, realizado no Paço das Artes, em 2015.

 

 

De 12 de dezembro a fevereiro de 2016.

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Laboratório OMA

Um espaço para discutir, fomentar e trocar experiências práticas e teóricas sobre artes visuais. Resumidamente, este é o objetivo do projeto “Laboratório OMA de Artes Visuais” iniciado em julho deste ano. Cinco meses depois, doze encontros e muito diálogo, o público poderá conferir o resultado da primeira edição.

 

Sob a orientação de Cristina Suzuki – artista visual com mais de 20 anos de experiência e com obras expostas em diversas cidades brasileiras-, a ação contou com as participações de Bruno Novaes, Juan Bianchi, Luiz Prieto e Mariana Vilela. Segundo Suzuki nortear e preparar os encontros teve influência até mesmo em suas produções. “Quando estamos dentro de um processo criativo, ficamos tão dentro dele que muitas vezes não conseguimos ter um distanciamento de nossas ideias – o que pode até mesmo dificultar o avanço criativo de nossas produções. Foi interessante estar como interlocutora, porque a gente consegue estar mais atenta, com muito carinho, aos pontos que estão sendo expostos. E assim, contribuir com um olhar externo. Foi uma experiência enriquecedora estar com um grupo tão heterogêneo como o que formamos”, conta.

 

A seleção dos artistas – de Bruno Novaes, Juan Bianchi, Luiz Prieto e Mariana Vilela – foi feita a partir de uma inscrição em que a orientadora, a arte-educadora, Letícia Barrionuevo, e o galerista, Thomaz Pacheco, avaliaram portfólios e currículos artísticos para a formação do grupo. Para o galerista, a prática é um meio de atender os anseios de artistas que desejam trocar experiências na OMA | Galeria. “Nos tornamos referência para os artista locais, que sempre procuravam, e ainda procuram, a OMA para apresentar suas produções. Percebemos que o melhor jeito de trabalhar essa demanda e realmente ajuda-los era criar esse espaço de troca. Com certeza, este é somente o primeiro de muitos, pois o Laboratório gerou muitas possibilidades não só para eles quanto para nós”, comenta Thomaz Pacheco.

 

A segunda edição do “Laboratório OMA de Artes Visuais” está com as inscrições abertas. Para participar da seleção é necessário o preenchimento da ficha de inscrição, além do envio de portfólio com 5 a 10 trabalhos e do currículo artístico. O material digital deverá ser enviado para o e-mail contato@omagaleria.com, em formato pdf com até 5Mb. Em caso de versão impressa, pode ser entregue pessoalmente na OMA | Galeria (Rua Carlos Gomes, 69 – Centro de São Bernardo).

 
As inscrições vão até o dia 31 de Janeiro do próximo ano, e as vagas são limitadas. A divulgação dos selecionados será realizada por e-mail até o dia 5 de Fevereiro. O investimento para participar do acompanhamento que resultou nessa exposição, é de R$ 150 mensais.

 

 

Até 12 de dezembro.

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Exposição na Caixa Cultural Rio

A Caixa Cultural, Centro, Rio de Janeiro, RJ, inaugurou a exposição “Aparição” com obras de Adriano Amaral, Ana Paula Oliveira, André Griffo, André Terayama, Bruno Baptistelli, Daniel de Paula, Débora Bolsoni, Felipe Cohen, Flora Leite, Floriano Romano, Frederico Filippi, Gabriela Mureb, João Loureiro, Jorge Soledar, Matheus Rocha Pitta, Raquel Versieux e Wagner Malta Tavares. Sob a curadoria de Fernanda Lopes a mostra apresenta algumas possibilidades para se (re)pensar a definição e a prática da escultura, oferecendo um panorama recente da arte brasileira com trabalhos nos suportes performance, objeto, vídeo, fotografia, arte sonora, instalação e intervenção.

 

 

 

Artistas de diferentes gerações dialogam de maneiras variadas com a questão tridimensional.  Alguns utilizam materiais e fazem uso de processos convencionais como entalhar, fundir e modelar. Outros abrem mão da estrutura estática e apresentam o pensamento escultórico contemporâneo por meio de fotografia, vídeo e performance. Há ainda trabalhos que partem de referências diretas à história da escultura, como Brancusi, Man Ray e Michelangelo.

 

 

 

O título “Aparição” remonta a uma fala do escultor renascentista Michelangelo sobre seu processo de trabalho: “Em cada bloco de mármore vejo uma estátua; vejo-a tão claramente como se estivesse na minha frente, moldada e perfeita na pose e no efeito. Tenho apenas que desbastar as paredes brutas que aprisionam a adorável aparição para revelá-la a outros olhos como os meus já a veem”.

 

 

Para a curadora Fernanda Lopes, ” Ao longo dos últimos cinco séculos, a ideia de escultura se apresenta cada vez mais distante de uma questão meramente técnica ou formal. Sua definição convencional como “a arte e a técnica de plasmar a matéria entalhando a madeira, modelando o barro, cinzelando a pedra ou o mármore, fundindo o metal etc., a fim de representar em relevo, ou em três dimensões, estátuas, figuras, formas abstratas etc. parece dizer muito mais sobre o que hoje não é mais escultura do que sobre o que é. Nos mais de 30 trabalhos, realizados entre 2010 e 2015 fica claro que já não é possível pensar esse meio como antes. Elementos básicos como a relação com a arquitetura, o corpo, o material e a história; a representação do mundo; a noção de forma e tempo estáticos; o ato de esculpir; e até mesmo a tridimensionalidade aparecem aqui repensados, desconstruídos, ressignificados, colocados à prova”.

 

Sobre os Artistas

 

 

 

Adriano Amaral

 

Adriano Amaral nasceu em Ribeirão Preto (Brasil) em 1982. Ao longo dos últimos anos o artista tem vivido e exposto seus trabalhos na Europa onde participou do programa de mestrado em Escultura no Royal College of Art, em Londres, e está atualmente em residência no DeAteliers em Amsterdã. Sua mostras recentes incluem as individuais TraysForFlotation, MendesWoodDm, São Paulo (2015), Never From Concentrate, Múrias Centeno, Porto (2015) e Soft Matter, Space in Between, Londres (2014).

 

 

 

Andre Griffo

 

André Griffo vive e trabalha em Barra Mansa, Rio de Janeiro. É formado em Arquitetura e Urbanismo e dedica-se às artes plásticas desde 2009. O principal interesse da sua prática artística é relacionar espaços e objetos oriundos de diferentes lugares – encontrados na natureza, estruturas mecânicas, elementos decorativos, funcionais e históricos (grades, portões, janelas, brasões, obras de arte) – e explorar o potencial dos mesmos como imagem. Esses estudos resultam em estruturas mistas, eletro-mecânicas, adaptações, arranjos de objetos, espaços silenciosos, gambiarras empíricas. Como meios de estudo e registro são utilizadas as linguagens pintura, desenho e instalação.

 

 

 

André Terayama

 

André Terayama (1989) vive e trabalha em São Paulo. É mestrando em Artes Visuais no Instituto de Artes da UNESP. Realizou exposições individuais no Paço das Artes (São Paulo) e Museu de Arte de Ribeirão Preto (Ribeirão Preto) e Galeria Portas Vilaseca (Rio de Janeiro); além de 26 coletivas, das quais se destacam: Centro Cultural dos Correios (Rio de Janeiro), Museu Nacional dos Correios (Brasília), Museu Nacional (Brasília), Paço das Artes (São Paulo), Galeria de Arte IBEU (Rio de Janeiro) e Instituto Tomie Ohtake (São Paulo). Foi premiado no 43º Salão de Arte Contemporânea Luiz Sacilotto, 12º Salão Nacional de Arte de Jataí, Situações Brasília, 3º Prêmio EDP nas Artes, 37º Salão de Arte de Ribeirão Preto e o 44º Salão de Arte Contemporânea de Piracicaba. Possui obras em acervos públicos tais como: Museu Nacional de Brasília, Museu de Arte de Ribeirão Preto, Museu de Arte Contemporânea de Jataí, Pinacoteca Municipal de Jundiaí e Paço Municipal Casa do Olhar Luiz Sacilotto.

 

 

 

 

João Loureiro

 

João Loureiro,1972, é Mestre em Poéticas Visuais pela ECA-USP (2007) e Licenciado em Artes Plásticas pela FAAP (1995). Fez individuais como “Pedra que Repete”, na Casa da Imagem (2013), “Blue Jeans”, no Projeto Octógono de Arte Contemporânea da Pinacoteca do Estado (São Paulo, 2009) e  “Reaparição”, no Paço Imperial (Rio de Janeiro, 2008). Participou das exposições “Open Borders/Crossroads Vancouver Biennale” (Vancouver, 2014), “Panoramas do Sul – 18 Festival Internacional de Arte Contemporânea SESC/Videobrasil”, no SESC Pompéia (São Paulo, 2013) e “Panorama da Arte Brasileira”, no Museu de Arte Moderna de São Paulo (2005).

 

 

 

Wagner Malta Tavares

 

O trabalho de WMT estabelece relações entre o imaginário POP, literatura clássica e construtivismo. Por meio de escultura, fotografia, objeto, vídeo, performance, intervenção urbana e desenho, estimula a percepção além da pura sensorialidade. Ao provocar o pensamento através da luz, do ar em movimento, do calor, frio e de outros elementos impalpáveis, procura uma possível metafísica dos corpos. Acredita que “há algo que atravessa as eras e as pessoas”, razão pela qual a ficção científica, história, literatura, cosmologia e teatro são seu universo de referência.

 

 

 

Bruno Baptistelli

 

Bruno Baptistelli é graduado em artes visuais pela Universidade Estadual de Campinas (Unicamp). Entre 2007 e 2010, formou com Gustavo Prafrente a dupla Bebaprafrente. Dentre  suas  ultimas  exposições  destacam-se: When Thoughts Are Replaced By Moving Images, Basel, Suíça, 2015; Narrativas Cotidianas, FUNARTE, Brasília, 2015 (individual); Estruturas Possíveis, Oficina Oswald de Andrade, São Paulo, 2014, Taipa-tapume, Galeria Leme, São Paulo, 2014; 2, Galeria Pilar, São Paulo, 2013 (individual);  Volar, Galeria Del Infinito, Buenos Aires, Argentina, 2012; Programa de Exposições 2011; Centro Cultural São Paulo (CCSP), São Paulo, 2011 (individual); Portas Abertas, Workshop Mona Hatoum, Santander, Espanha, 2010; Red Bull House of Art, São Paulo, 2010.

 

 

 

Felipe Cohen

 

Felipe Cohen é artista plástico formado pela Fundação Armando Álvares Penteado (FAAP). Realizou exposições individuais e coletivas em importantes centros culturais pelo Brasil como Centro Cultural São Paulo, Pinacoteca do Estado de São Paulo e instituto Cultural Itaú. Entre suas principais exposições estão a 8ª e a 11ª Bienal do Mercosul, Economy of means no Scottsdale Museum of Contemporary Art, Arizona, EUA e Imagine Brazil – Artists Books, que passou por diversas cidades da Europa. Possue trabalhos em importantes coleções como por exemplo Pinacoteca do Estado de São Paulo, Museu de Arte Moderna de São Paulo, Museu de Arte do Rio e Scottsdale Museum of Contemporary no Arizona, EUA.

 

 

 

Jorge Soledar

 

Jorge Solledar, 1979, Porto Alegre/RS. Vive e trabalha no Rio de Janeiro/RJ. Seus trabalhos misturam linguagens desde ações, instalações e fotografias que abordam o tema das perversões de modo risível. Assim, o uso de diversos materiais (madeira, gesso, massas) são experimentados para assujeitar o outro a uma condição de objeto, com o desejo de expor diversas agressões e constrangimentos do homem em sociedade. Atualmente, é professor de teorias da arte contemporânea e performance do curso de artes visuais com ênfase em escultura, pela Escola de Belas Artes da UFRJ, onde faz doutorado em linguagens visuais. Jorge Soledar é representado por Portas Vilaseca Galeria.

 

 

 

Matheus Rocha Pitta

 

Em período curto de tempo e por meio de projetos diversos, Matheus Rocha Pitta (Tiradentes –MG, 1980) sedimentou interesses e estratégias que permitem identificar, em uma obra que se adensa a cada novo trabalho, enunciado crítico sobre os mecanismos de troca que regem a vida comum. Move o artista, em particular, a vontade de explorar e expor a mercadoria – coisa qualquer que o trabalho humano produz e pela qual existe inequívoco desejo de posse – como índice de paradoxos que tais intercâmbios encerram ou engendram. Sem apelar para enunciados discursivos de disciplinas que tomam a mercadoria como objeto de investigação frequente (economia, filosofia, política), articula objetos e imagens que inventa para gerar conhecimento que não cabe naqueles campos de estudo.  Participou da 29ª Bienal de São Paulo, 2010 e da Bienal de Taipei, 2014. Em 2012 realizou “Dois Reais no Paço Imperial, Rio de Janeiro  e em 2013 L’Accordo na Fondazione Morra Greco , Napoli. Vive e trabalha no Rio de Janeiro.

 

 

 

Floriano Romano

 

Romano é pioneiro em obras que mesclam instalações, performance e rádio em espaços urbanos.Criou o programa de rádio “O Inusitado” no Rio de Janeiro, condensando um excelente imaginário sobre o som, tanto nas artes plásticas como na música e na poesia de 2002 a 2004. Trabalha com intervenções urbanas e sonoras, abertas a participação do público. Em 2015 ganhou o Prêmio CCBB Arte Contemporânea e participou da exposição do Prêmio Marcantonio VIlaça do SESI no MAC/USP. Em 2013 realizou a exposição SONAR, na Casa de Cultura Laura Alvim. Em 2012 ganhou o premio Marcantonio Vilaça da Funarte com a obra Chuveiros Sonoros e o Prêmio Projéteis de Arte Contemporânea com a exposição A Cidade Sonora. Em 2011 produziu o projeto INTRASOM no MAM-RJ e participou da exposição PANORAMA DA ARTE BRASILEIRA no MAM-SP. Em 2009 participou da 7a Bienal do Mercosul “ Grito e Escuta” e ganhou em Dezembro o Prêmio Interações Estéticas da Funarte com o trabalho Sapatos Sonoros. Em 2008, Ganhou a Bolsa de Estímulo as Artes Visuais da Funarte com o projeto “Lugares e Instantes” de intervenção urbana, e o Prêmio Projéteis de Arte Contemporânea com a performance “S.W.O.L, Sample Way of Life”. Em 2007 produziu a performance com a mochila sonora “Falante” premiada no Salão de Abril, Fortaleza, e que participou da mostra “Futuro do Presente” no Itaú Cultural em São Paulo.

 

 

 

Daniel de Paula

 

Daniel de Paula 1987, E.U.A. Vive e trabalha entre São Paulo e Itapevi, Brasil. As proposições do artista intencionam ativar uma multiplicidade de relações em um dado contexto espacial. Através de uma postura que não se encera nos domínios da arte, deixando se intersectar por noções de geografia, astronomia e arquitetura, seu trabalho potencializa lógicas deduzidas do próprio comportamento e história de objetos e lugares. As operações utilizadas pelo artista sugerem uma indivisibilidade entre os objetos apresentados e as ações que lhes dão presença e conteúdo. Por meio de estratégias como negociações com e através de estruturas urbanas, deslocamentos de objetos cotidianos, apropriações de equipamento público e interações com os agentes constitutivos do espaço expositivo e seu entorno, seus objetos, instalações e intervenções instauram desarticulações e ressignificações de sistemas espaciais rígidos e condicionados. Exposições/Projetos individuais incluem: testemunho, Galeria Leme, São Paulo, Brasil (2015); objetos de mobilidade, ações de permanência, White Cube Gallery, São Paulo, Brasil (2014); Para estender um corredor, Galeria Cité Internationale des Arts, Paris, França (2013); Programa de exposições, Centro Cultural São Paulo, São Paulo, Brasil (2011), entre outras. Exposições coletivas incluem: Voragem da História, Observatório, curadoria Germano Dushá, São Paulo, Brasil (2105); Permanências e Destruições, curadoria de João Paulo Quintella, Oi Futuro, Rio de Janeiro, Brasil (2015); la parte que no te pertenece, curadoria de Paulo Miyada, Galeria Maisterravalbuena, Madrid, Espanha (2014); Onsite, TAP, curadoria de Mike Nelson, Southend-on-Sea, Inglaterra (2014); Open Cube, curadoria de Adriano Pedrosa, White Cube Gallery Mason’s Yard, Londres, Inglaterra (2013); Processos públicos, Paço das Artes, São Paulo, Brasil (2012), entre outras.

 

 

 

Debora Bolsoni

 

Debora Bolsoni, Rio de Janeiro, Brasil, 1975.  Vive e trabalha em São Paulo. Mestre em Poéticas Visuais pela USP (2014). Dentre as últimas exposições, destacam-se “Panoramas do Sul – 19o Festival de Arte Contemporânea SESC_Videobrasil” (2015); “Tudo que é sólido desmancha no ar”, Galeria Jaqueline Martins / São Paulo (2015); “Imagine Brazil, Astrup Fearnley Museet, Oslo (2014). Ainda em 2015 publicou o livro de artista “Queima” com apoio do ProAc da Secretaria de Cultura do Estado de São Paulo e realizou a exposição individual “Urbanismo geral” na galeria Athena Contemporânea, Rio de Janeiro.

 

 

 

Flora Leite

 

Flora Leite (São Paulo, 1988) vive e trabalha em São Paulo. Se formou no Departamento de Artes Plásticas da Universidade de São Paulo (ECA – USP), como bacharel em escultura. Já participou de exposições em São Paulo, Rio de Janeiro e Lisboa, dentre coletivas e individuais. Tem trabalhos nas coleções públicas do Centro Cultural São Paulo e do MARP – Museu de Arte de Ribeirão Preto.

 

 

 

 Frederico Filippi

 

Frederico Filippi nasceu em São Carlos em 1983 e vive e trabalha em São Paulo. Entre suas principais exposições estão: “Até aqui tudo bem” (2015), Galeria White Cube, São Paulo; “Si no todas las armas, los cañones” (2014), Matadero Madrid, Madri, Espanha; “Deuses impostores” (2014), Galeria IBEU, Rio de Janeiro; “Mostra da 5º Edição da Bolsa Pampulha” (2014), Museu da Pampulha, Belo Horizonte; “A parte que não te pertence” (2014), Maisterra Valbuena, Madri, Espanha; “Accidente” (2013), La Sin Futuro, Buenos Aires, Argentina; “Abre alas 9” (2013), Galeria Gentil Carioca, Rio de Janeiro; “Programa de Exposições” (2011), Museu de Arte de Ribeirão Preto, Ribeirão Preto. Prêmios e residências artísticas: Kiosko (2015), Santa Cruz de la Sierra, Bolívia; El Ranchito Matadero Madrid (2015), Madri, Espanha; Bolsa Pampulha (2013) Museu da Pampulha, Belo Horizonte; Prêmio Novíssimos (2013), Galeria IBEU, Rio de Janeiro; La Ene (2013), Buenos Aires, Argentina; 5º RedBull House of Art (2011), São Paulo.

 

 

 

 

Raquel Versieux

 

Belo Horizonte, Brasil, 1984 . Vive e trabalha em Rio de Janeiro. Principais individuais: 2013 – A Feira da Incoerência – Galeria Athena Contemporânea – Rio de Janeiro, Brasil, Where The Houses Live – Siz Galerija – Rijeka, Croácia. Recentes Coletivas: 2015 – Abre Alas 11 – Galeria A Gentil Carioca – Rio de Janeiro, Brazil, V Mostra | Programa Aprofundamento 2014 – EAV PArque Lage – Rio de Janeiro, Brasil, Permanências e Destruições: Ocupação Rua do Verde – Rio de Janeiro, Brasil | 2014: 4º Festival de Fotografia de Tiradentes: Fotografia Mineira Contemporânea – Tiradentes, Brasil, Encontros Carbônicos – Largos das Artes – Rio de Janeiro, Brasil, Primeiro Estudo: Sobre Amor – Luciana Caravello Arte Contemporânea – Rio de Janeiro, Brasil, Aparição – Galeria Athena Contemporânea – Rio de Janeiro, Brasil | 2013 – Imaginário – Museu de Arte do Rio – Rio de Janeiro, Brasil, Fronteiras – Espaço Cultural Sérgio Porto – Rio de Janeiro, Brasil, Entrecruzamentos – Galeria Athena Contemporânea – Rio de Janeiro, Brasil, Convite à Viagem: Rumos Artes Visuais 2011-2013 – Paço Imperial – Rio de Janeiro, Brasil

 

 

 

 

Gabriela Mureb

 

Gabriela Mureb nasceu em Niterói em 1985. Vive e trabalha no Rio de Janeiro. É mestre em Linguagens Visuais pela UFRJ, onde graduou-se em Pintura. Foi uma das artistas selecionadas pelo programa Rumos Artes Visuais 2011-2013. Em 2014 participou do 65º Salão de Abril (no Centro Cultural Banco do Nordeste, CE) e do Novíssimos (na Galeria Ibeu, RJ). Entre suas principais exposições estão a individual Corpos Dóceis, na galeria A Gentil Carioca (2009, RJ) e as coletivas Convite à Viagem, com curadoria de Agnaldo Farias, (no Itaú Cultural, SP, em 2012 e no Paço Imperial, RJ, em 2013), Espelho Refletido – O Surrealismo e a Arte Contemporânea Brasileira, com curadoria de Marcus Lontra Costa, no Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica (2012, RJ) e Jogos de Guerra, com curadoria de Daniela Name, no Caixa Cultural (2011, RJ). Participou dos festivais de performance Queer Zagreb, em 2012, e Queer NY, em 2013.

 

 

 

 Ana Paula Oliveira

 

Ana Paula Oliveira (Uberaba MG 1969). Escultora. Cursa artes plásticas na Faculdade de Belas Artes de São Paulo. Em 1999, integra a cooperativa de artistas Olho Seco, do ateliê Daora Brandão, e participa de suas primeiras exposições coletivas: uma no próprio ateliê; outra no Museu Brasileiro de Escultura – MuBE, sob a orientação de Nazareth Pacheco (1961); e a última, Corpó, no Ateliê Alexandre Menossi, todas em São Paulo. Em 2001, faz a primeira individual, na Capela do Morumbi. No mesmo ano, junto com os artistas do Olho Seco, cria a galeria independente 10,20×3,60, em São Paulo. No ano seguinte, participa nessa galeria de uma mostra coletiva orientada por Laura Vinci (1962) e recebe o prêmio aquisição do Centro Cultural São Paulo – CCSP, onde faz uma individual e uma coletiva. É em 2003, na 10,20×3,60, por ocasião da instalação Alvorada minha terra, que a artista utiliza pela primeira vez animais vivos.

 

 

 

 

Até 10 de janeiro de 2016.

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Mudança na Casa Triângulo

02/dez

Chama-se “Saideira”, a última exposição do ano na Casa Triângulo, Itaim Bibi, São Paulo, SP, com curadoria de Fernando Mota e que celebra a mudança de endereço da galeria com uma seleção de obras do acervo.

 

 

Sem caráter retrospectivo, a natureza curatorial da mostra é metafórica e não histórica. O fio condutor é o processo de transição, a passagem, o estado de metamorfose das coisas. Obras de artistas representados pela galeria compõem um cenário simbólico de mudança e construção. São trabalhos que através de um conceito e/ou uma estética visual específica apontam para uma sequencia evolutiva, o desenvolvimento de uma mutação. Ao final, transformam-se paisagens, objetos e pessoas. A relação entre eles acontece de forma sutil, como o amadurecer ao longo do tempo, alterando perspectivas e possibilidades de interpretação.

 

 

Artistas participantes: Albano Afonso, Alex Cerveny, assume vivid astro focus, Daniel Acosta, Daniel Lie, Dario Escobar, Eduardo Berliner, Flávio Cerqueira, Ivan Grilo, Joana Vasconcelos, Juliana Cerqueira Leite, Manuela Ribadeneira, Marcia Xavier, Mariana Palma, Max Gómez Canle, Nazareth Pacheco, Reginaldo Pereira, Rommulo Vieira Conceição, Sandra Cinto, Stephen Dean, Tony Camargo, Valdirlei Dias Nunes, Vânia Mignone, Yuri Firmeza.

 

 

Até 19 de dezembro.

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Na Fundação Eva Klabin

Eduardo Berliner é o artista de “A presença da ausência”, na atual edição do “Projeto Respiração”na Fundação Eva Klabin, Lagoa, Rio de Janeiro, RJ. Criado em 2004, o “Projeto Respiração” tem por objetivo criar intervenções de arte contemporânea no acervo de arte clássica da Fundação Eva Klabin. Com curadoria de Marcio Doctors, o projeto consiste em convidar artistas contemporâneos a intervirem no circuito expositivo da casa museu, criando uma ponte entre a arte consagrada do passado e as manifestações contemporâneas.

 

 

 

A presença da ausência

 

 

Esse texto tem sua inspiração conceitual na exposição “Ausência”, de Claudia Bakker, realizada na Fundação Medeiros de Almeida, Lisboa, em março de 2015.

 

 

[…] Se eu fosse um animal, seria provavelmente o macaco de tinta, descrito por Borges em seu livro dos seres imaginários. Assim como esta pequena criatura bebe o líquido restante em um tinteiro, devido ao prazer que sinto ao praticar caligrafia, muitas vezes paro apenas quando a tinta do reservatório se esgota. Também me identifico com a cruza entre gato e ovelha descrita por Kafka. Amistoso e inquieto, certas vezes, aos olhos de seu dono o animal parece clamar por alívio através da faca do açougueiro. Como se eu pudesse carregar em mim a ausência de cada perda. 1

 

 

 

 

Eduardo Berliner

 

 

Eduardo Berliner é o primeiro pintor a ser convidado a participar do Projeto Respiração. Parecia-me natural não convidar pintores devido às características da Fundação Eva Klabin, que, por ser uma casa-museu, tem suas paredes totalmente preenchidas pela coleção, não sobrando espaço físico para absorver mais pinturas. E por isso, tornou-se mais simples trabalhar com instalações.

 

 

Para além dessa constatação, há subjacente outra intencionalidade, presente nos dois projetos de longa duração que criei, o Respiração e o Espaço de Instalações Permanentes do Museu do Açude, na Floresta da Tijuca, que reflete minha formação ao lado de Mário Pedrosa e que norteia minhas opções como curador. Meu objetivo nessas duas propostas é o mesmo: dar continuidade à experiência da ruptura pós-neoconcreto – marco fundador da arte contemporânea no Brasil -, que, ao aproximar arte e vida, rompe radicalmente com o conceito de representação.

 

 

Como, então, convidar um pintor, para quem a questão da representação ainda se coloca, mesmo que de outra maneira? Em razão da forte atração que sinto pela qualidade da pintura de Berliner, que mobiliza minha percepção, acreditei que deveria dar atenção à minha intuição e pensei que a experiência de um pintor participar do Respiração seria uma contribuição importante para o projeto, ao mesmo tempo em que me daria a oportunidade de explicitar a mim mesmo os limites do meu pensamento a partir do desafio que a potência de sua obra me propõe, buscando evidenciar questões de seu trabalho que vão para além da representação.

 

 

A pintura de Eduardo Berliner trabalha com a técnica da “colagem”, como percebeu Daniela Labra, no primeiro texto produzido sobre o artista, em 2008: As técnicas utilizadas na composição das obras são diversas, indo desde o desenho de observação minucioso até a colagem. Esta última, porém, é percebida como mote conceitual da produção total de Berliner. Recortes são justapostos a lastros de memórias e estes são semiencobertos por camadas de tintas, de lápis, de outros recortes, de espaços vazios. 2

 

 

Labra, tem razão, a colagem pode ser vista na obra de Berliner como o mote conceitual de sua produção. Eu a relaciono, num primeiro momento, como resultado da proliferação de imagens da realidade do mundo digital, que cria um estado de confluência de forças das mais diferentes origens, possibilitando, para a pintura, a construção de imagens que vão além da história da pintura, ao inseri-la no cruzamento de diferentes formas de expressão e informação, replicando, em certa medida, um dos conceitos do Respiração, que propõe intervenções a partir da ideia de espaços contaminados. Em outras palavras, espaços que já vêm carregados de diferentes camadas de informação, até mesmo conflitantes, como é o caso da Fundação Eva Klabin – uma casa e um museu -, que tem obras de diferentes períodos históricos convivendo numa mesma sala, que conserva a presença ausente de sua fundadora, fazendo com que seja um museu de uma vida, tornando presente, em cada visitante, fragmentos de memória de uma existência não convivida, com seus desejos, conflitos, dúvidas e sonhos. Cruzamento de memórias, de informação e de diferentes áreas de conhecimento e de formas de expressão aproximam a pulsão fundadora do Respiração e as imagens “superpostas” da obra de Berliner, que faz com que sua pintura não tenha qualquer sentimento fetichista ou nostálgico. 3

 

 

Porém, na medida em que fui convivendo com o artista e com a sua riquíssima produção, fui percebendo que a origem da “colagem” na sua obra teria outra dinâmica e preencheria talvez outra função, apesar dela ser evidente e de nos saltar aos olhos, e apesar do fato de o próprio artista e os que escreveram sobre sua pintura se referir à colagem ou à edição de imagens como uma prática constante na sua criação. Mas como em todo pensamento há rachaduras, minha reflexão sobre o tema foi penetrando nesses espaços vazios e fui me questionando, à maneira de Merleau-Ponty, se não seria graças às colagens e não apesar delas que poderíamos nos aproximar não do que elas mostram – do que nelas está evidente -, mas do que está implícito nessa fabulação imagética. Em outras palavras, o que me interessa é desmontar o brinquedo para ver como ele funciona, tronando visível o processo de sua geração. Acredito que esse procedimento nos ajudará a perceber o diagrama (para usar uma expressão foucaultiana), que permite trazer à superfície do entendimento o visível e o dizível da obra de Berliner. Se conseguir chegar a bom termo, acredito que perceberemos que a potência de sua obra está na maneira singular com que aborda a “colagem”, muito reveladora dos procedimentos da arte da atualidade.

 

 

Suas “colagens” não são como o papier collé do cubismo sintético ou das colagens de Matisse (não há nelas nenhuma preocupação estetizante); não são uma visão de composição por fragmentos; não são justaposição de imagens como ocorre nas telas dos computadores; nem tampouco são imagens oníricas ou inconscientes como nas pinturas surrealistas, mas há algo nelas que as aproximam da pulsão das obras de Magritte e Millet, que reveste a realidade com silêncios suspensos e situações ensimesmadamente estáticas, que nos indicam o vazio da presença da ausência; ou ainda, da pintura de Courbet, na sua apreensão direta da realidade, como nos indica Alcino Leite Neto 4, no seu texto “A pintura inquietante de Eduardo Berliner”. As imagens de Berliner são imagens sonambúlicas de uma realidade surpreendente e inquietante, que contêm todos os indícios da realidade. Por vezes são bem-humoradas, mas, muitas das vezes, trazem o prenúncio de acontecimentos, como se estivessem em suspensão, aguardando a ocorrência de uma situação trágica ou íntima por vir.

 

 

Ainda na tentativa de desmontar o brinquedo para ver como ele funciona, fui levado a refletir sobre o museu dos acidentes idealizado por Paul Virilio, cuja proposta era reunir registros da memória dos diferentes tipos de acidentes produzidos pela sociedade contemporânea. Acredito que essa reflexão poderá nos ajudar a pensar a questão da “colagem” de uma maneira diferente. O que é, para mim, a estética do acidente? É a proliferação de imagens que nos bombardeiam cotidianamente (que nos atrai e nos horroriza) em que nos confrontamos com todo tipo de destruição resultante da violência produzida pela guerra, pelo trânsito, pelos conflitos pessoais, pelas intempéries da natureza. A característica fundamental dessas imagens é que, como dois corpos físicos não podem ocupar o mesmo espaço ao mesmo tempo, o resultado visual é uma imagem de um corpo físico sendo atravessado por outro.

 

 

Imaginemos um carro que se choca contra uma árvore. A imagem resultante é um híbrido entre uma estrutura maquínica e uma estrutura orgânica, que não é nem mais carro nem mais árvore. É um terceiro estado em que a composição é dada pela falta de partes de cada um dos elementos que a compõem. É uma imagem em que a presença da ausência de partes do carro e da árvore se dá por subtração e não por soma, como ocorre na colagem. Podemos imaginar, então, que essas imagens são o resultado de estados híbridos e metamorfoseantes, como se estivesse sendo gerada uma “terceira natureza”, cuja matriz é a falta tornando-se presente. Para clarear melhor a questão, gostaria de citar a resposta dada por Berliner em uma entrevista realizada por Wang Fang, em 2013, para a revista Art World China, quando perguntado como ele tratava a relação entre o humano e o animal:

 

 

Assim como para muitas crianças, meu primeiro contato com a morte se deu através de um animal querido. O cachorro que considerava meu, um grande fila brasileiro dourado, teve câncer e precisou amputar a pata traseira. A caminho do veterinário minha mãe tentou explicar o ocorrido, mas ao ver o animal tive minha primeira lição no que diz respeito ao abismo existente entre a compreensão oral de um fato e a coisa em si. Quando vi o animal enorme sem a pata de trás, não consegui acreditar nos meus olhos. Pensando com distanciamento, percebi que talvez esta tenha sido minha primeira experiência visual com a ideia de colagem. O poder da ausência e a violência do corte. Onde havia perna, restou uma área desprovida de pelo e uma cicatriz desenhada com linha cirúrgica preta. 5

 

 

O que me chama a atenção nesse depoimento é o fato de Berliner declarar que essa talvez tenha sido sua primeira experiência visual com a ideia de colagem e que ela esteja relacionada exatamente com o poder da ausência e não com o poder da presença. Em outras palavras, a colagem para o artista não é provocada pelo que é adicionado, como no papier collé, por exemplo, mas pelo que desaparece quando uma imagem é interceptada por outra; tal como em um desastre, em que a imagem do mundo físico é reconfigurada pelo que foi perdido ou pela presença da ausência do que era antes, criando uma polifonia de imagens que dá expressão à forma como metamorfose.

 

 

Outro dado importante desse depoimento é quando ele menciona o abismo entre a compreensão oral de um fato e a coisa em si. Esse vazio é responsável por impulsionar a imaginação criadora e a enorme capacidade de fabulação do artista. De fato, existe esse abismo, que Foucault apresenta como uma irredutibilidade entre as palavras e as coisas. Imagens e palavras não se comunicam diretamente entre si, como tendemos a imaginar, mas, ao contrário, uma não pode ser reduzida a outra; são como duas pedras que ao se chocarem provocam uma centelha, que nos ilumina a realidade. Portanto, por haver um gap entre o mundo das palavras e o mundo das imagens, o não dito pelas palavras é expresso nas coisas do mundo, assim como o que é silenciado pelas ações e pela materialidade do mundo é expresso pelas palavras. Apesar de não ser possível reduz\ir uma a outra, só percebemos o diagrama sobre o qual a realidade se sustenta quando fazemos ver por meio das palavras e quando conseguimos ler as coisas e suas imagens. Essa conjunção é que permeia e o que agencia o sentido de uma época.

 

 

No caso de Berliner é a consciência da intransponibilidade entre o dizível e o visível (entre a compreensão oral e a coisa em si) que fará que ele busque outra sintaxe visual, cuja narrativa vai impregnar a imagem não mais pela ideia da forma como fôrma, mas através da forma que se transmuta constantemente pela metamorfose. Suas pinturas são guiadas por um olhar que procura nos apresentar a imagem na sua incompletude, tal como a percebemos, pela simples razão que uma imagem esconde sempre o que está por detrás dela. Suas pinturas, então, não usam, de fato, o artificio tradicional da colagem, mas nos apresentam aquilo que realmente vemos quando vemos. Isto é, uma imagem encobrindo a outra. Ao apresentar a imagem dessa forma, ele nos indica a radicalidade da intransponibilidade entre as palavras e as coisas. São puras associações imagéticas que não permitem a entrada da palavra como costura de sentido. Ele nos apresenta pela sua pintura a radicalidade do visível e é por isso que elas têm essa aparência de realidade fantástica.

 

 

Quando percebi que a questão de Eduardo Berliner na pintura era a radicalidade do visível, entendi, então, o que me atraía na sua obra: diante da realidade e do real não há recuo possível. Não há metafisica transcendente. Essa questão me é muito próxima na medida em que eu acredito que a potência da arte resida nesse fato. Foi isso que a ruptura pós-neoconcreto nos trouxe. Em outras palavras, a arte é em potência; não representa nada: é expressão da radicalidade do real, que é a via que temos para nos aproximar do caos, que é o magma que alimenta a poesia: pura metafisica imanente.

 

 

A Fundação Eva Klabin foi um território fértil para o trabalho que Eduardo Berliner pôde realizar no Projeto Respiração. A possibilidade de atravessamentos de tempos e imagens permitiu que seu olhar fosse descobrindo incessantemente novas formas que iam sendo formadas pela metamorfose que seu olhar é capaz de construir, erigindo uma polifonia de imagens que ressoam ao longo do percurso de sua intervenção. Nenhum artista conseguiu aproximar-se tão intensamente da história das imagens que é apresentada pela coleção. Percorrer a exposição de Berliner é rever os múltiplos detalhes do acervo que nos passam despercebidos. O que apresenta nessas pinturas e esculturas são extrações e afecções da coleção ou remissões a outras obras já realizadas, que são memórias despertadas pela sua intensa convivência com o acervo da Fundação Eva Klabin. É incrível poder percorrer o circuito expositivo da fundação através de sua experiência e ver como as obras são transmutadas em novas formas que podem nos revelar, no mais singelo vaso, uma violência avassaladora ou ainda nos surpreender com a familiaridade de animais, que descobrimos estar espalhados nos desenhos dos tapetes, ou personagens das pinturas que retornam em um novo contexto.

 

 

Poderia me estender longamente sobre como os “encobrimentos” e as “revelações” do artista estabelecem relações polifônicas com o acervo, criando um território de metamorfoses; mas acredito que o mais importante é percorrer sua intervenção nos permitindo ser atentos, assim como ele foi, ao visitar várias vezes a fundação, e permitir-se simplesmente ver. A maior potência do seu trabalho é seu poder arrebatador de nos lançar diretamente em contato com a crueza do visível. Essa maneira direta de relacionar a imagem ao visível abafa a representação no que ela tem de desviante da intensidade do caos, que é o que permeia a apreensão poética do mundo, e nos permite atravessar a realidade e descobrir que o mistério é transparente – lembrando Octavio Paz – e, por isso mesmo, ele é a própria realidade manifesta. Por essa razão não há representação, ou melhor, tudo é expressão. Esse é o fulcro que me interessa na arte e Berliner consegue manifestá-lo ao criar uma sintaxe visual que não se sente tributária às palavras porque, como nos indica Daniela Labra, ele manifesta uma “[…] vontade consciente de desafiar novas possibilidades na difícil prática de retornar à pintura para conseguir tocar no mundo”. Eu acrescentaria: a difícil tarefa de tocar na realidade através de imagens que carregam consigo a presença da ausência.

 

 

 

Marcio Doctors

 

 

1 – Entrevista dada a Wang Fang. Publicada na revista Art World China, 2013; 2 – LABRA, Daniela. “Colagens”. Texto de parede da exposição realizada na Galeria Durex, São Paulo, 2008; 3 – LEITE NETO, Alcino. A pintura inquietante de Eduardo Berliner. In: Prêmio CNI SESI Marcantonio Vilaça artes plásticas, 2009/10: mostra itinerante, Brasília, 2011, p. 44-48; 4 – Alcino Leite Neto indica que, para sua surpresa, a obra de Berliner aproxima-se da de Courbet e dos pintores realistas do século XVIII. Concordo com ele e eu destacaria o fato de que essa aproximação denota que, assim como os realistas estavam interessados naquilo que há de radical nas temáticas da realidade social do povo, Berliner está interessado na radicalidade da realidade visual. Retomo essa questão mais adiante; 5 – Entrevista dada a Wang Fang. Art World China, 2013.

 

 

 

Até 31 de janeiro de 2016.

 

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Sergio Camargo no Itaú Cultural

01/dez

Escultor intelectual, que estudou com Lucio Fontana, conviveu com Brancusi e foi aluno de filosofia de Bachelard, o escultor Sergio Camargo, falecido em 1990, é homenageado com a mostra “Luz e Matéria”, em cartaz no Itaú Cultural, Cerqueira César, São Paulo, SP. A exibição abriga mais de 100 obras do artista. Com curadoria dos críticos Paulo Sergio Duarte e Cauê Alves, ocupa três pisos da instituição com esculturas, vídeos, fotografias, documentos e uma reprodução do último dos quatro ateliês do escultor, o de Jacarepaguá, no Rio de Janeiro.

 

 

A mostra não foi organizada em ordem cronológica. No segundo piso, por exemplo, obras figurativas de bronze de pequeno formato, produzidas nos anos 1950, quando Camargo voltou ao Brasil após estudar filosofia na Sorbonne, dividem o espaço com peças do último período. Entre as obras selecionadas encontra-se uma escultura de mármore de Carrara (Homenagem a Brancusi) dedicada ao escultor romeno, versão em escala menor da exposta ao ar livre em Bordeaux, na França, e que teve ainda outra versão, exibida em 1067, na 33.ª Bienal de Veneza.

 

 

Sergio Camargo é um dos raros escultores brasileiros com obras nas coleções do Museu de Arte Moderna de Nova York e da Tate Modern de Londres.

 

 

Com “Luz e Matéria”, o Itaú Cultural encerra a série de grandes exposições em 2015.

 

 

 

Até 09 de fevereiro de 2016.

 

 

 

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Livro para Grassmann

O Ministério da Cultura, Instituto Olga Koss de Inclusão Cultural e a Cinemateca Brasileira, convidam para o lançamento no próximo dia 10, do livro sobre o M. Grassmann, “Matéria dos sonhos” e abertura simultânea de exposição de obras do artista na Cinemateca Brasielira, Largo Senador Raul Cardoso, 107, Vila Clementino, São Paulo, SP. O livro é de autoria do crítico de arte Jacob Klintowicz.

 

 

A palavra de Jacob Klintowicz

 

 

Eu amaria que o Marcello ainda estivesse entre nós, pois a cada afirmação minha corresponderia  longas conversas, como os comoventes diálogos que mantivemos durante décadas. O meu livro é insuficiente para dizer da grandeza deste artista, mas é capaz de oferecer indícios, rastros, trilhas, sensações, vislumbres, sensíveis aproximações. A obra de um artista não se esgota no afetivo olhar do interlocutor, ao contrário, ela se abre para novos encontros.

Eu separei alguns recortes do meu ensaio para este convite. Também não esgotam o tema, mas enunciam o meu sentimento, pois são, na verdade, como disse mestre Barthes, fragmentos de um discurso amoroso.

 

 

1. Talvez nada seja mais belo, poético, revelador, profético e inspirador do que a “Tempestade”, de 1612, a última peça de Shakespeare (1564-1616). E, é provável, que este texto outonal seja o testamento do poeta, a derradeira mensagem, a sua síntese sobre a humanidade e a saga dos homens. Nele, Próspero, a sublime criatura  sonhada por William Shakespeare, define a natureza do homem e da vida: “Somos feitos da matéria dos sonhos”.

 

 

Ao contemplar as formas criadas por Marcello Grassmann, a extraordinária qualidade do seu desenho, o aprofundamento do tema de maneira tão elevada e com tanta propriedade, resta em nós a convicção de que entramos num universo antes desconhecido e agora revelado pela lucidez do artista. Este mundo que ele nos descobre e do qual sentimos que dele habitava em nós certo conhecimento, agora recuperado e reconhecido, esta enevoada e submersa realidade: a estranheza deste lugar de cavalheiros e armaduras, animais míticos, seres das sombras, quimeras, donzelas intangíveis e belas, e no qual o destino paira sobre todos. É o mundo feito da mesma matéria de que se fabricam os sonhos.

Marcello Grassmann elabora com a matéria sutil e a sua revelação é a de uma estrutura metafísica e ideal, densa e soberana, mas, e aqui uma das marcas do artista, construída na atmosfera da energia delicada e inapreensível, aquela feita de mitos e fábulas, que somente se acende quando a consciência adormece.

 

 

2. E como são figuras arcaicas e atemporais, a perenidade lhes confere, por sua vez, a fatalidade. Eternamente esta cena e este olhar se repetirão.

 

 

3. A característica atemporal da cena e o fantástico das figuras representam uma intervenção nas ordenações rotineiras do nosso mundo.

 

 

4. Em arte a nuança é tudo. Mais que a nuança, o subjacente é tudo. O que permeia, o não explícito, o intervalo, o silêncio entre os ruídos, o oculto entre os sinais, o simplesmente impregnado. A nuança é o sol e a lua, o dia e a noite e, quando se trata de Marcello Grassmann, o subjacente é a treva e o diálogo entre o perecível e o destino, entre a fragilidade do vital e a entropia da morte.

 

 

5. Lilith assumiu o seu próprio destino, a sua natureza, é o ser diante do mundo. Lilith recusou a proteção divina e as regras impostas por Deus às suas criaturas. De certa maneira, Lilith cria o seu próprio metro. Os filhos da lendária Lilith são personagens de Grassmann na recriação do mundo. Marcello Grassmann não nos devolve o paraíso, mas o mundo a partir de Lilith.

 

 

6. …é o mais próximo da intenção do artista, é o confronto do ser humano com o seu inelutável destino. O diferencial entre o ser humano e a vida puramente animal é a consciência que é identificada, fundamentalmente, pela percepção do tempo. O homem é aquele que sabe que morrerá.

 

 

7. Marcello Grassmann penetra neste universo não cotidiano da mesma maneira como isto sempre ocorreu, através da vidência. E a vidência não é um estado de delírio. Ao contrário, é um se colocar noutro tempo e espaço conservando a lucidez e a memória. O vidente é aquele capaz de retornar com a memória da visão. 8. “Eles não entendem. Eu nunca escreverei um grande romance. Meu grande romance é o mosaico de todo os meus pequenos romances. Entende?”. G. Simenon em entrevista a C.Collins. Carvell Collins entendeu. Eu entendi. E o Marcello Grassmann, a seu próprio respeito, sempre soube disto.

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Exposição de Amelia Toledo

Um dos principais nomes da arte brasileira da geração dos anos 60, Amelia Toledo integra o elenco de artistas que soube conjugar a paixão pelas formas, traduzida em múltiplas linguagens, como a pintura, o desenho, a escultura e o design de joias, com a inquietação pelo pensamento, no qual atuou como docente nas principais universidades do país. Para destacar a sua importância, e homenagear a artista de 89 anos de idade, a Galeria Marcelo Guarnieri, Jardins, São Paulo, SP, abre no próximo dia 05 de dezembro – sábado -, ás 10h, exposição individual com o nome da artista. Na seleção, o destaque é a recente produção dos últimos 20 anos de Amelia Toledo, incluindo a série de pinturas iniciadas no ano de 1993.

 

 

Percorrendo em sua trajetória um caminho “interiorizado e solitário”, Amelia Toledo não se encaixa, a priori, em nenhuma vanguarda artística. O seu trabalho, apesar da consonância com as questões e temáticas abordadas em um circuito internacional, converge para uma preocupação com o duplo do controle formal e a intuição. Esta tarefa pôde ser traduzida, ao longo dos anos, na busca do uso de materiais como plásticos, bolhas de espuma, águas coloridas, chapas de aço, nos orgânicos e nas telas com saturações e vibrações de cores.

 

 

Na individual da Galeria Marcelo Guarnieri, Amelia Toledo utiliza recursos naturais em diálogo com materiais industriais, o fio condutor que aproxima os trabalhos é a natureza. Em cinco obras: “Bambuí” de 2001/2015, “Dragões Cantores”, de 2007, “Impulsos”, de 2000-2015, “Da cor da corda”, de 2014 e “Horizontes”, de 1993-2015, a liberdade de expressão se traduz na multiplicidade dos meios de discurso e apresentação das formas, com instalações, esculturas e pinturas.

 

 

Destaques para as instalações “Bambuí” e “Da cor da corda”. Na primeira, a obra é composta por pedras brutas e polidas e uma bobina de inox que ocupará parte do espaço da galeria. A placa tem uma forma sinuosa e reflexiva que faz com que as pedras que estão espalhadas pelo espaço se multipliquem de forma distorcida. “Bambuí” também é o nome de uma região em Minas Gerais onde são encontradas as pedras utilizadas na instalação, mesma região onde a milhões de anos atrás existia mar. Em “Da cor da corda”, cordas na cor azul suspensas numa parte da galeria, convidam o público a passar entre elas, e adentrar um segundo ponto do espaço. A instalação tem uma proximidade com as pinturas da artista, uma vez que trabalha com cordas de algodão impregnadas com resina acrílica e pigmentos com tonalidades distintas, criando assim uma espécie de pintura no espaço. Iniciadas em 1993, a série “Horizontes”, pinturas em acrílica sobre tela, exibem um horizonte sugerido pelo encontro entre as cores, ora saturadas e ora esmaecidas.

 

 

As esculturas “Dragões Cantores” e “Impulsos” serão exibidas conjuntamente. Em “Dragões”, pedras em estado bruto e esculpidas pelo impacto causado pelas ondas do mar, dialogam com o concreto bruto. “Impulso” é composto por pedras parcialmente polidas, como quartzo, ametista e calcita.

 

 

 

Sobre a artista

 

 

Escultora, pintora, desenhista e designer. Em 1958, frequentou a London County Council Central School of Arts and Crafts, em Londres. De volta ao Brasil, em 1960, estuda gravura em metal com João Luís Oliveira Chaves, no Estúdio/Gravura. Obtém, em 1964, o título de mestre pela Universidade de Brasília – UnB. Lecionou na Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade Mackenzie e na Faculdade Armando Álvares Penteado – Faap, em São Paulo, e na Escola de Desenho Industrial – Esdi, no Rio de Janeiro.

 

 

 

De 05 de dezembro de 2015 a 23 de janeiro de 2016.

 

 

Haverá um período de recesso entre 23 de dezembro de 2015 a 10 de janeiro de 2016.

 

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