AGENDA CULTURAL

Inéditos de Felipe Rezende

27/jan

Em sua primeira exposição individual na Galeria Leme, Butantã, São Paulo, SP, Felipe Rezende apresenta sua produção mais recente, composta de pinturas à óleo sobre lona de caminhão e desenhos em nanquim e grafite, todos inéditos. Com curadoria de Tiago Sant’Ana, “O último buritizeiro” permanece em cartaz de 02 de fevereiro até 10 de março.

Neste conjunto de trabalhos, Felipe Rezende combina observações de seu cotidiano com elementos da cultura pop, como personagens de animes e quadrinhos, em prol da constituição de uma narrativa visual. Nas obras presentes na mostra, o artista amplia seus assuntos de interesse e passa a incorporar os debates sobre as questões ambientais e os fluxos migratórios para São Paulo.

Na obra que dá título à exposição, o artista retrata no centro da composição Dona Ozelina e um buriti ao fundo. Ao redor dessa figura é possível notar uma colheitadeira, um balde e uma bacia cheios de frutos da planta, demonstrando duas formas distintas de colheita e plantio e um aviação agrícola expelindo agrotóxico. No topo esquerdo da composição um Koffing – personagem venenoso do anime Pokémon – veste um chapéu de cowboy.

Ozelina é moradora do quilombo Cacimbinha, no oeste baiano. A região vive um intenso conflito entre dois projetos antagônicos, de um lado os camponeses, geraizeiros e comunidades tradicionais, que vivem dos recursos hídricos abundantes da região, do cultivo do buriti e do conhecimento da biodiversidade do Cerrado e de outro o modelo do agronegócio, que hoje ocupa 150 mil hectares com plantio de soja, milho e algodão, de acordo com relatório da Comissão de Direitos Humanos e Minorias da Câmara dos Deputados (CDHM).

“Felipe desenvolveu uma maneira de criar a partir daquilo que ele observa e se relaciona no cotidiano, mas ele não para por aí, porque ele funde elementos dessa realidade tangível com outras figuras, que muitas vezes vem do universo do sonho, dos quadrinhos, da cultura pop. Ele utiliza esses elementos para fazer uma espécie de bricolagem, que vai justapondo diferentes elementos nessa atmosfera, que ele cria em prol da constituição de uma narrativa”, comenta o curador Tiago Sant’Ana.

A escolha da lona de caminhão como suporte para suas pinturas extrapola uma decisão exclusivamente matérica, contribuindo como uma metáfora do trânsito de pessoas, de elementos, de imagens de um lugar para o outro.

“Essas lonas viajam, deslizam nas estradas e carregam consigo uma sorte de desgastes do tempo, de marcas que ficam inscritas em suas fibras. Elas são uma estratégia, que o Felipe utiliza para tratar desses fluxos de migração, de finitude, de passagem do tempo”, acrescenta Tiago Sant’Ana.

Obras de Ivens Machado na Carpintaria

26/jan

“Tucci Russo, Torino, 1983″ apresenta pela primeira vez no Brasil, na Carpintaria, Jardim Botânico, Rio de Janeiro, RJ, cinco esculturas de Ivens Machado que foram expostas originalmente na Galleria Tucci Russo, em Turim.

Tucci Russo foi um antológico marchand italiano dedicado a promover expoentes da Arte Povera, e as obras de Ivens Machado compartilham com o movimento a fusão da fatura manual com procedimentos industriais, a reabilitação de materiais da construção civil, e a reintrodução de uma fisiologia corporal e carga libidinal nos espaços de arte. Após a exposição na Tucci Russo, Ivens Machado expõe na Nouvelle Biennale de Paris a convite do crítico e curador italiano Achille Bonito Oliva.

As quatro esculturas de chão são como livros abertos de concreto sobre finas pernas de metal. As “páginas” são abas espessas que se abrem em três ou quatro facetas. Cada faceta exibe uma determinada consistência, estabelecendo um contraste tanto cromático quanto textural entre o concreto cru e aquele pigmentado com óxido em tons terrosos, avermelhados. As variações em dimensões, tratamentos e distribuições de informação sobre a escultura dá a cada uma um caráter específico, como se fossem criaturas de uma mesma matriz que ganham autonomia própria.

A única escultura de parede da presente exposição traz a primeira incorporação de Ivens Machado das telas de arame que se tornaram recorrentes em seu trabalho. A variedade cromática das esculturas de chão passa a uma paleta ascética de preto e cinza. O concreto e o óxido reaparecem como o material principal, mas a tela de arame de onde pendem pedaços de concreto dá à obra uma mobilidade e leveza contraditórias com o seu peso.

O uso que Machado fez de materiais da construção civil – a tela de arame, o aço, o concreto, fragmentos de azulejo e cacos de vidro – e o caráter estrutural-arquitetônico que as esculturas apresentam, aproxima a exposição de uma casa suspensa entre a construção e a demolição. À época, a crítica italiana Luciana Rogozinski descreveu os trabalhos como “flores da ruína”, expressão que encerra bem a coexistência sempre contraditória, frequentemente violenta, entre a fluência orgânica das formas de Ivens e o seu material bruto, os escombros de onde parte sua elaboração plástica.

Anunciando a nova geração

A Baró Galeria, Carrer de Can Sanç, 13, 07001, Spain, anuncia seu próximo programa, “Gerações Baró”, com o objetivo de dar uma plataforma a artistas e curadores mais jovens dentro da cena artística estabelecida.

Sua primeira mostra “VANDL ART”, com curadoria do curador brasileiro Victor Valery, reúne obras de três artistas brasileiros contemporâneos, Antonio Kuschnir (2001, Rio de Janeiro), Brenda Nicole (1998, Campinas) e JAMEX (2001, Salvador, Bahia), atualmente investigando os limites do corpo e suas diferentes identidades potenciais através de seus trabalhos individuais.

A “VANDL ART” revela na Baró Galeria as obras de uma nova geração brasileira de artistas, permitindo uma oportunidade única para os colecionadores participarem do início de suas já florescentes carreiras.

No Museu de Arte Sacra de São Paulo

25/jan

Museu de Arte Sacra de São Paulo – MAS / SP, instituição da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Estado de São Paulo, em parceria com Metrô | Companhia do Metropolitano de São Paulo, exibe até 11 de março, a exposição “Amar-Te EnTramas”, da artista visual Almira Reuter com 15 trabalhos tridimensionais cujos temas estão diretamente vinculados a construções afetivas, conflituosas, imaginárias ou lúdicas, arquitetadas em tramas. A curadoria é de Daisy Estrá.

Almira Reuter mantém-se fiel à sua “caligrafia” criativa produzindo obras onde leva ao limite a exploração das técnicas e materiais disponíveis, “dando vida e forma ao instante vivido ou àquele que possa ser trazido novamente à vida”, explica a curadora. Suas narrativas são complexas construindo e solidificando vínculos emocionais entre pessoas e sua própria história, sugerindo novas permanências.

A mostra exibe obras construídas com fios coloridos, tecidos pintados e, também, outros elementos têxteis, trabalhados de forma a criarem paisagens abstratas onde figuras e pontos tradicionais de bordado despontam como fragmentos de memória. Em “Amar-Te EnTramas”, a série a artista explora o tempo buscando a espessura histórica nos fios, tecidos e outros materiais que compõem seus trabalhos; transpondo limites e reinventando a lógica de referenciais consagradas, oferecendo um universo multicolorido, com aspectos lúdicos e delicados, ou mesmo dramáticos, criando abstrações que permitem um olhar que busca a figuração.

“Amar-Te EnTramas”, orienta-se por diálogos propostos pelas próprias obras, rompendo com a coerência formal, onde almeja ampliar e incitar o olhar do público para novos e sucessivos arranjos, fidedignos a esse aspecto.

Sanagê Pele e Osso

Híbridos que transitam entre pintura, escultura e relevo compõem exposição que propõe imersão na diáspora africana e nas questões raciais. Resultado de mais de quatro anos de pesquisa em materiais e texturas, a exposição “Sanagê Pele e Osso” foi inaugurada no Espaço Cultural Correios Niterói, RJ, com telas de 1,60m por 2,10m e objeto escultórico concebidos pelo artista Sanagê. Sob curadoria de Carlos Silva, a exposição propõe uma imersão estética e sensorial à questão racial e suas consequências na sociedade contemporânea brasileira. Utilizando espuma expandida, matéria-prima muito empregada na construção civil, o artista conseguiu torná-la semelhante a texturas, volumes e cor de peles, ossos, fissuras e ligamentos.

A partir dessa experimentação ele se aproxima de um tema bastante familiar: a diáspora africana e suas consequências. “Num primeiro momento, há o encantamento com a matéria-prima e suas possibilidades. Este é um dado fundamental para a construção da obra, pois é sobre a espuma expandida que se projeta meu exercício de produção contemporânea em arte”, analisa Sanagê, radicado em Brasília desde 1972.

Inicialmente, a linguagem é direta, pois as obras se referem a países africanos de onde saíram e por onde passaram homens, mulheres e crianças capturados e vendidos como escravos para trabalhar em fazendas e minas no Brasil. E se, por um lado, o material se revelou ideal para pensar estruturas invisíveis de um ponto de vista externo, por outro, nunca foi intenção do artista fazer uma apropriação expressionista e explícita da condição básica da diáspora. Os mapas são regiões de circunscrições de uma experiência. Nesse lugar da experimentação, ele alcança a conjunção favorável de um trabalho com pé na pintura e um desdobramento imediato em relevo e escultura. As estruturas de espuma são rasgadas, serradas, quebradas e coladas entre elas e sobre a tela.

Telas e objetos escultóricos e espaço expositivo foram pintados de branco, do teto ao chão, revestido de espuma EVA. Ao optar pela cor que contém e reflete todas as outras, Sanagê conduz o visitante a uma experiência de espaço infinito. “O branco é a presença diáfana que simboliza uma ausência de limites. Porém, além de uma escolha estética, a cor também é política. Assim como as telas que contêm relevos e texturas que não representam os relevos ou acidentes geográficos dos países africanos, a cor também não ser refere a uma realidade. É uma provocação para a reflexão sobre passado, presente e futuro”, completa o artista.

A curadoria é assinada por Carlos Silva:

“Quando nos referimos ao racismo, estamos sempre imbuídos em destacar questões que o cenário educacional nos apresenta mormente de forma fantasiosa. A literatura escolar sobre a importância e o legado da cultura negra além de tendenciosa é extremamente fraca em seu conteúdo, deixando nítido seu gesto marginal, ou seja, estamos recebendo invariavelmente um legado pobre que não permite uma interpretação isenta e analítica dos momentos. Sanagê Pele e Osso busca, de forma tímida, porém consistente, despertar alguns desses fatos e momentos, trazendo luz a algumas questões que possam motivar a releitura de aspectos históricos importantes, considerando que nada é definitivo. Esta exposição é uma fagulha nesta proposta e entendimento da questão”.

A mostra já foi apresentada no Museu da República de Brasília, onde atraiu um público de mais de 39 mil pessoas, e no MAB – Museu de Arte de Blumenau, SC. Com vocação itinerante, a ideia é percorrer o país.

Sobre o artista

Sanagê Cardoso, nasceu no Rio de Janeiro, RJ, numa família com um casal de irmãos e filho de Maria do Carmo e Oswaldo Cardoso. Chegou a Brasília em 1972, com a mesma história de todos, em busca de qualidade de vida e pelas oportunidades. Experimenta várias atividades, mas o pendor para as artes se materializa na fotografia. Com um trabalho autoral e conceitual tento o clips como poética e desenvolvimento. Quando abandona a fotografia, resolve transformar as imagens abstratas e trazê-las para o plano tridimensional, fazendo da escultura seu ponto de partida. Para melhor desenvolver sua arte, buscou formação acadêmica na Faculdade de Artes Dulcina de Moraes, em Brasília. Tendo participado de diversas exposições individuais e coletivas, hoje contabiliza obras que fazem parte do acervo de alguns museus de arte contemporânea. Desde então, tem uma produção independente orientada pela linguagem neoconcretista.

Até 04 de março.

Memorial e o 469º aniversário de São Paulo

O Museu Afro Brasil Emanoel Araujo, Parque do Ibirapuera, São Paulo, SP, instituição da Secretaria da Cultura e Economia Criativa do Estado de São Paulo, promove no próximo dia 28 de janeiro, a inauguração do memorial, em homenagem ao fundador que leva o nome do espaço em comemoração ao 469º aniversário da capital paulista.

Emanoel Araujo, ao longo de suas cinco décadas de vida em São Paulo, nunca deixou de homenageá-la no dia de seu aniversário. A última de uma série de exposições dedicadas por ele à metrópole, “Arqueologia Amorosa de São Paulo”, foi inaugurada no dia em que a cidade comemorava seus 468 anos de existência e teve, como desdobramento, o lançamento de um catálogo homônimo. A publicação registra a mostra e também consolida uma série de outras exposições por ele realizadas em anos anteriores e que contaram a história da cidade sob diferentes ângulos.

Nesse 469º aniversário de São Paulo, nada mais justo que o museu por ele fundado, retribua essa dedicação de Emanoel Araujo à cidade que o adotou, com a inauguração de um memorial em sua homenagem que passará a integrar a exposição de longa duração do acervo da instituição. A homenagem, organizada pela equipe do Museu, sob a coordenação de Claudio Nakai, que colaborou com Emanoel Araujo durante mais de três décadas, incorporará aspectos da produção artística e da biografia do artista, intrinsecamente ligada à história da metrópole. O memorial conta com texto do curador e pesquisador Claudinei Roberto, segundo o qual “o pioneirismo e protagonismo de Emanoel Araujo deixou marcas indeléveis no cenário artístico nacional e na cidade de São Paulo” e ficará aberta ao público durante todo o ano de 2023.

A programação contempla ainda o “Sarau Literário – Meus Poetas Negros”. O evento será coordenado e mediado pelo poeta, ficcionista, crítico e historiador da literatura, Oswaldo de Camargo, um dos maiores nomes da literatura brasileira e parceiro de vários projetos de Emanoel Araujo. O sarau tem participação dos convidados Abílio Ferreira e Mariana Per para a leitura de poemas de autores e autoras negro(a)s e um diálogo sobre a contribuição de Emanoel Araujo – a partir das curadorias e acervos – no campo da literatura afro-brasileira.

Palestra e e-book no Paço Imperial

24/jan

Nesta sexta-feira, dia 27 de janeiro, às 16h, será realizada uma palestra gratuita com o artista Daniel Feingold, o curador Paulo Venancio Filho e o arquiteto e museólogo Giacomo Pirazzoli na exposição “Pequenos Formatos”, que comemora os 30 anos de trajetória do artista Daniel Feingold, no Paço Imperial, Centro, Rio de Janeiro, RJ. Na ocasião também será lançado o e-book da exposição, editado pela AREA27 e Tamanduá, com visualização gratuita, 112 páginas, bilíngue, texto do curador Paulo Venancio Filho e imagens da exposição e das séries “Pintura Espacial”, “Oval Orgânica” e “Pinturinhas”.

A exposição pode ser vista até o dia 12 de fevereiro de 2023, no Paço Imperial. Com curadoria de Paulo Venancio Filho, são apresentadas cerca de 60 pinturas recentes e inéditas, em pequenos formatos, em óleo e bastão oleoso sobre tela, que marcam uma nova fase na obra do artista, com cores mais vivas e campos cromáticos inéditos. Como um desdobramento dessas novas obras, também são apresentadas oito pinturas inéditas, em grandes dimensões, produzidas este ano em óleo sobre tela, que dialogam com as obras de menor formato. A mostra tem patrocínio do Governo do Estado do Rio de Janeiro, Secretaria de Estado de Cultura e Economia Criativa do Rio de Janeiro, através do Edital Retomada Cultural RJ2.

“São planos cromáticos, linhas e situações de encontros plásticos que geram uma suposta dobradura do espaço, a partir de uma cor, na maioria das vezes plana, na superfície bidimensional da pintura”, diz o artista. “Faiscantes, elétricas, ácidas, como uma dança de centelhas que, entre si, disputam o espaço total da tela – um all over da era digital. Oriundas de um estilhaçamento prévio, em curso, que impossibilita toda e qualquer possibilidade e insiste em se conter nos limites da tela, que a custo o corpo procura controlar – o élan vital pintura”, completa o curador Paulo Venancio Filho.

Conhecido por suas pinturas monumentais, nas quais escorria o esmalte sintético pela tela, criando tramas, Feingold não só mudou o material, mas também as formas e a paleta, com cores mais vivas, muitas delas em neon, além da introdução do prata, trazendo mais luz e vitalidade para as telas.

Sobre o artista

Daniel Feingold nasceu no Rio de Janeiro, em 1954. Formou-se em Arquitetura na FAUSS, RJ, em 1983. Estudou História da Arte e Filosofia na UNIRIO/PUC, de 1988-1992; Teoria da Arte & Pintura e Núcleo de Aprofundamento, na EAV Parque Lage, de1988-1991 e fez mestrado no Pratt Institute, Nova York, em 1997. Dentre suas mais recentes exposições individuais estão “UrbanoChroma” (2019) – Projeto Tech_Nô, no Oi Futuro Flamengo; “Acaso Controlado” (2017), no Museu Vale do Rio Doce – Vitória, ES; “Fotografia em 3 séries” (2016), no Paço Imperial do Rio de Janeiro; ” Acaso Controlado” (2016), no Oscar Niemeyer (MON), em Curitiba, PR.

Na Coleção do ICA Miami

23/jan

A Galeria Simões de Assis, São Paulo e Curitiba, PR, anuncia que o trabalho “O vaso de Marcel” (2022), de Zéh Palito, passou a integrar a coleção do Institute of Contemporary Art Miami (ICA Miami). A pintura foi uma peça central da primeira individual do artista no Brasil, a exposição “Eu sei por que o pássaro canta na gaiola”, realizada em São Paulo em 2022. O ponto de partida para realização de suas obras é a representação de minorias étnicas e sociais, com destaque para a presença de pessoas negras e indígenas, em ambientes envolvidos por elementos que remontam ao tropicalismo brasileiro, com presença marcante de frutas e matizes fantásticos. Em paralelo, também lança mão de uma iconografia muito midiática, incluindo imagens de sneakers, roupas e marcas, carros e outros objetos. Em “O vaso de Marcel”, Zéh Palito presta homenagem a seu pai, ainda que a figura retratada não seja literalmente seu genitor. A celebração da negritude para o artista se dá em esferas políticas, públicas, tanto quanto íntimas e pessoais, e essa sensibilidade ímpar é traduzida de maneira singular nesta obra.

Em NY na Galeria Nara Roesler

A Galeria Nara Roesler divulga a segunda exposição individual de Bruno Dunley em sua galeria em Nova York na qual o artista apresenta um conjunto de cerca quinze telas a óleo, a maioria em grandes dimensões, além de vinte desenhos em papel. Desta vez, sua característica abstração gestual tem como principal referência a forma lúdica das nuvens, no entanto, estes elementos oníricos em suspensão na atmosfera surgem nos trabalhos mais como uma ocorrência abstrata do que uma figuração. Bruno Dunley costuma dizer que “…um trabalho de arte é um ato pensante, uma linguagem que nos coloca em contato com o mundo”.

Falar sobre arte abstrata é sempre complexo, subjetivo, teórico, quando não resvala para o terreno do intangível e do metafísico. Duas questões são perceptíveis na obra de Bruno Dunley. A primeira é a importância do desenho no questionamento estético do artista e como esta incansável investigação é central à produção de suas pinturas a óleo. A outra questão é a cor.

A produção recente de Bruno Dunley segue investigando as tensões constitutivas da pintura, entre a imagem e sua estrutura física, sempre determinada pelo uso enfático da cor. Iniciada durante a pandemia e portanto, em um ambiente mais isolado, “Clouds” inclui trabalhos que parecem ter internalizado o ambiente do artista neste determinado momento, propondo campos claustrofóbicos e labirínticos, mas principalmente criando um tom onírico e subjetivo onde a cor se manifesta em seu excesso, através de espaços indeterminados.

Desde 2020, o artista tem intensificado sua pesquisa cromática, tendo como incentivo a criação da Joules & Joules, marca de tinta a óleo, encabeçada por Bruno Dunley e o também pintor Rafael Carneiro. O empreendimento teve início frente às dificuldades de se importar tinta durante a pandemia de Covid-19, buscando oferecer um material alternativo de qualidade no mercado brasileiro. Esta iniciativa lançou o artista em uma relação minuciosa e altamente experimental com os pigmentos, cujos reflexos ecoam nos trabalhos recentes de Bruno Dunley. Motivado pela busca da luminosidade das cores pelo do uso do óleo, ele opera através das camadas de tinta, raspadas ou por fazer, revelando-nos, em suas pinturas, uma narrativa da matéria.

Os desenhos, por sua vez, são feitos com giz e carvão sobre papel, com um vocabulário formal e cromático muito mais econômico. Muitos deles se debruçam, também, sobre o tema da nuvem. Bruno Dunley parece repetir a figura, sem se motivar pela busca do rigor compositivo, mas deixando-se levar pelas possibilidades da investigação do desenho como estrutura para suas pinturas.

Em “Cloud”, a nuvem é mais uma ocorrência abstrata do que uma figuração. Em trabalhos como “Nuvem amarela”, “A nuvem e A cidade” as formas beiram o informe, como presenças que flutuam na incerteza. Nuvens sempre foram figuras-limite contra o fundo da geometria e da perspectiva, fragmentos do real que desafiam a mensuração e o controle gráfico e, potencialmente, como o trabalho recente de Bruno Dunley, são formas simbólicas de abstração, transmitindo luminosidade e onirismo lúdico.

Até 25 de fevereiro.

A pintura do interior paulista

18/jan

O Museu de Arte Sacra de São Paulo – MAS/SP, instituição da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Estado de São Paulo, apresenta a exposição coletiva “A Pintura do Interior Paulista “, sob curadoria de Ruth Sprung Tarasantchi com, aproximadamente, 51 pinturas de 28 artistas – Agostinho Batista de Freitas, Alberto Emilio Naddeo, Aldo Caldarelli, Alexandre Reider, Antonio Ferrigno, Benedito Calixto, Carlos de São Thiago Lopes, Campos Ayres, Clodomiro Amazonas, Enrico Vio, Gentil Garcez, Glycério Geraldo Carnelosso, Guerino Grosso, João Batista da Costa, Joaquim Dutra, Jorge de Mendonça, José Ferraz de Almeida Jr., José Wasth Rodrigues, José Maria da Silva Neves, José Perissinoto, José Rossini, Luiz Gualberto, Lucilio de Albuquerque, Oscar Pereira da Silva, Pacheco Ferraz, Paulo do Valle Jr., Paulo Vergueiro Lopes de Leão, Tulio Mugnaini – exibe obras que são inspiradas em cenas do interior do Estado de São Paulo. Uma parceria, já em sua terceira ação, entre o Museu de Arte Sacra de São Paulo – MAS/SP e a Associação dos Amigos de Arte de São Paulo – SOCIARTE, traz ao público um recorte dessa produção característica e formadora da iconografia memorial do verdadeiro símbolo da origem da imagem do paulista de raiz.

“Nesta exposição temos artistas que estudaram no exterior, viveram muitos anos na França, na Itália, e receberam grande influência de seus mestres estrangeiros. Outros estudaram com pintores renomados na época, como Oscar Pereira da Silva, Pedro Alexandrino, Antônio Rocco e Tulio Mugnaini. Os que viveram no interior deixaram uma obra que eles consideravam a “verdadeira”. Nas obras dos pintores que não viajaram para o exterior, fica certa ingenuidade que hoje temos que aceitar, por serem um documento de época, apesar de certa dureza, um mundo que não existe mais”, explica a curadora.

Inúmeros foram os artistas que viveram, se inspiraram e registraram cenas do interior paulista e as diferenças sutis, em suas representações, podem ser observadas no conjunto selecionado para a exposição. “Na obra de Ferrigno, temos o trabalhador do campo, enquanto Carnelosso representa o caipira exausto, sentado num canto depois de um dia de trabalho. Lopes de Leão pinta bananeiras que preenchem toda a superfície da tela e Wasth Rodrigues pinta moradias rústicas interioranas”, comenta Ruth Tarasantchi.

“A SOCIARTE, buscando divulgar as características do interior do Estado de São Paulo através da pintura, apresenta esta exposição com obras de pintores que imortalizaram as paisagens, os costumes, a riqueza da terra e a diversidade desta importante região brasileira.” Francisco de Paula Simões Vicente de Azevedo

Sobre o museu

O Museu de Arte Sacra de São Paulo, instituição da Secretaria de Cultura e Economia Criativa do Estado de São Paulo, é uma das mais importantes do gênero no país. É fruto de um convênio celebrado entre o Governo do Estado e a Mitra Arquidiocesana de São Paulo, em 28 de outubro de 1969, e sua instalação data de 29 de junho de 1970. Desde então, o Museu de Arte Sacra de São Paulo passou a ocupar ala do Mosteiro de Nossa Senhora da Imaculada Conceição da Luz, na avenida Tiradentes, centro da capital paulista. A edificação é um dos mais importantes monumentos da arquitetura colonial paulista, construído em taipa de pilão, raro exemplar remanescente na cidade, última chácara conventual da cidade. Foi tombado pelo Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional, em 1943, e pelo Conselho de Defesa do Patrimônio Histórico, Artístico e Arquitetônico do Estado de São Paulo, em 1979. Tem grande parte de seu acervo também tombado pelo IPHAN, desde 1969, cujo inestimável patrimônio compreende relíquias das histórias do Brasil e mundial. O Museu de Arte Sacra de São Paulo detém uma vasta coleção de obras criadas entre os séculos XVI e XX, contando com exemplares raros e significativos. São mais de 10 mil itens no acervo. Possui obras de nomes reconhecidos, como Frei Agostinho da Piedade, Frei Agostinho de Jesus, Antônio Francisco de Lisboa, o “Aleijadinho” e Benedito Calixto de Jesus, entre tantos, anônimos ou não. Destacam-se também as coleções de presépios, prataria e ourivesaria, lampadários, mobiliário, retábulos, altares, vestimentas, livros litúrgicos e numismática.