AGENDA CULTURAL

Na Soleira da Noite

12/dez

A Galeria Sancovsky, São Paulo, SP, apresenta “Na Soleira da Noite”, exposição coletiva composta por 10 artistas, entre eles os quais, Oswaldo Goeldi, Lucas Costa e Regina Johas. Com curadoria de Claudio Cretti, a mostra apresenta mais de 20 trabalhos entre pinturas, desenhos, fotografias, filmes e gravuras, que fazem uma reflexão poética sobre a ausência de luz na produção recente de arte.

Tendo em comum uma luz finita pequena, que surge na escuridão, ou simplesmente de uma paleta reduzida a cores escuras e noturnas, as obras exibem de forma simples a sobriedade de questões vindas do expressionismo moderno.

Dentro dessa seleção exclusiva feita por Claudio Cretti, as obras de Oswaldo Goeldi aparecem nesse conjunto como uma proposição poética para a produção contemporânea, que se volta para o mundo da mesma forma que se coloca no universo da arte, ou seja, as preocupações e inquietações desses artistas atualizam questões de nossos dias à luz da tradição.

Artistas

Fazem parte da exposição os artistas: Ana Bê Elorza, Flora Leite, Germana Monte-Mór, Karen de Picciotto, Lucas Costa, Mariana Galender, Oswaldo Goeldi, Pedro França, Regina Johas e Thomaz Rosa.

Até 23 de dezembro.

Glauco Rodrigues, o filme

29/fev

Letícia Friedrich e Zeca Brito, produtores executivos do filme “Glauco do Brasil” iniciaram a divulgação e lançamento do filme dedicado ao grande artista brasileiro. Passados três anos do início do projeto de documentar a história do artista plástico Glauco Rodrigues, chegou o momento de prestigiar o resultado final dessa incrível jornada.

A Anti Filmes e a Boulevard Filmes, em parceria com a Cinemateca do MAM, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Parque do Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, convidam para a pré-estreia do documentário “Glauco do Brasil”, a realizar-se às 19h30 do dia 5 de março, data em que seria comemorado o 87º aniversário do artista. Será um momento muito especial para celebrar a arte através da carreira de um dos mais brilhantes artistas do Brasil. A estreia nacional do filme, ocorrerá dia 10 de março em salas de cinema de arte pelo país.

Frida Kahlo na Caixa Cultural-Rio

26/jan

A Caixa Cultural, Centro, Rio de Janeiro, RJ, em parceria com o Instituto Tomie Ohtake, apresenta a exposição “Frida Kahlo: conexões entre mulheres surrealistas no México”, que reúne 30 obras da grande artista nascida no México. Em torno desses trabalhos de Frida Kahlo – 20 óleos sobre tela e dez em papel, entre desenhos, colagens e litografias – estão cerca de cem obras de outras quatorze artistas, principalmente mulheres nascidas ou radicadas no México, autoras de potentes produções, como María Izquierdo, Remedios Varo, Leonora Carrington, Rosa Rolanda, Lola Álvarez Bravo, Lucienne Bloch, Alice Rahon, Kati Horna, Bridget Tichenor, Jacqueline Lamba, Bona de Mandiargues, Cordélia Urueta, Olga Costa e Sylvia Fein. Quando esteve em cartaz no Instituto Tomie Ohtake, em São Paulo,a mostra atraiu 600 mil pessoas. Integrará a exposição uma mostra de filmes, dedicados às artistas Alice Rahon, Rara Avis, Jacqueline Lamba, Leonora Carrington, Remedios Varo, além de Frida Kahlo.

Com curadoria da pesquisadora Teresa Arcq, “Frida Kahlo: conexões entre mulheres surrealistas no México” proporciona ao público brasileiro um amplo panorama do pensamento plástico da artista, e revela a intrincada rede e o potente imaginário que se formaram tendo como eixo sua figura. A exposição, que abrange pinturas, esculturas e fotografias – além de vestimentas, acessórios, documentos, registros fotográficos, catálogos e reportagens – ocupará todo o espaço expositivo do segundo andar da Caixa Cultural.

A exposição foi idealizada e coordenada pelo Instituto Tomie Ohtake, de São Paulo, e tem o patrocínio da Caixa, com apoio da Secretaria de Relaciones Exteriores do México (SER), Embaixada do México no Brasil, do Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), do Consejo Nacional para la Cultura y las Artes (Conaculta) e do Conselho de Promoção Turística do México (CPTM).

Durante toda a sua vida, Frida Kahlo, nascida em 06 de julho de 1907, em Coyoacán, México, onde morreu em 13 de julho de 1954, pintou apenas 143 telas. Dentre as 20 pinturas de Frida na exposição, seis são autorretratos. Há ainda mais duas de suas telas que trazem a sua presença, como em “El abrazo de amor del Universo, la terra (México). Diego, yo y el senõr Xóloti” (1933), e “Diego em mi Pensamiento” (1943), além de uma litografia, “Frida y el aborto” (1932). Imagens de Frida Kahlo estão presentes ainda nas fotografias de Nickolas Muray, Bernard Silberstein, Hector Garcia, Martim Munkácsi, e na litografia “Nu (Frida Kahlo)” (1930), de Diego Rivera.

Teresa Arqc destaca que os autorretratos e os retratos simbólicos marcam “uma provocativa ruptura que separa o âmbito do público do estritamente privado”. “Em alguns de seus autorretratos Frida Kahlo, Maria Izquierdo e Rosa Rolanda elegeram cuidadosamente a identificação com o passado pré-hispânico e as culturas indígenas do México, utilizando ornamentos e acessórios que remetem a mulheres poderosas, como deusas ou tehuanas, apropriando-se das identidades destas matriarcas amazonas”, afirma. “Impressiona constatar como estas artistas subvertem o cânone para realizar uma exploração de sua psique carregada de símbolos e mitos pessoais”, observa a curadora. A presença vigorosa de Frida Kahlo perpassa ainda a exposição pelas obras de outras artistas que retrataram a sua figura icônica, como Cordélia Urueta. Por meio da fotografia, destacam-se os trabalhos de Lola Álvarez Bravo, Lucienne Bloch e Kati Horna.

Mostra de filmes

A Galeria 1, no térreo da Caixa Cultural, também com entrada gratuita, será transformada em espaço de exibição de filmes sobre as artistas Alice Rahon, Rara Avis, Jacqueline Lamba, Leonora Carrington, Remedios Varo e Frida Kahlo. A programação se repetirá nos mesmos horários, ao longo da exposição, com os filmes:

10h30 – Alice Rahon (2012), 64’, de Dominique e Julien Ferrandou (Produção: Seven Doc)

12h – Rara Avis – Bridget Tichenor (1985), 21’, de Tufic Makhlouf

12h30 – Jacqueline Lamba (2005), 120’, de Fabrice Maze (Produção: Seven Doc)

15h – The Life and Times of Frida Kahlo (2005), 90’, de Amy Stechler (Produção: Daylight

Films e WETA, Washington DC, in association with Latino)

17h – Leonora Carrington (2011), 107’, de Dominique e Julien Ferrandou (Produção:

Seven Doc)

19h – Remedios Varo (2013), 64’, de Tufic Makhlouf (Produção: Seven Doc)

Atmosfera criativa

A confluência dos grupos de exiladas europeias, como a inglesa Leonora Carrington, a francesa Alice Rahon, a espanhola Remedios Varo, a alemã Olga Costa (nascida Kostakovski) e a fotógrafa húngara Kati Horna, e das artistas que vieram dos Estados Unidos, como Bridget Tichenor e Rosa Rolanda, permanecendo no México o resto de suas vidas, além de outras visitantes vinculadas ao surrealismo, atraídas pelas culturas ancestrais mexicanas, como as francesas Jacqueline Lamba e Bona de Mandiargues, e a norte-americana Sylvia Fein, favoreceu a atmosfera criativa intelectual e uma completa rede de relações e influências com Kahlo e demais artistas mexicanas. “A multiplicidade cultural, rica em mitos, rituais e uma diversidades de sistemas e crenças espirituais influenciaram na transformação de suas criações. A estratégia surrealista da máscara e da fantasia, que no México forma parte dos rituais cotidianos em torno da vida, a morte no âmbito do sagrado, funcionava também como um recurso para abordar o tema da identidade e de gênero”, explica Teresa Arcq.

Paulo Miyada, curador do Instituto Tomie Ohtake, observa que a mostra permite confrontar uma face desafiadora do surrealismo, em que “a intensidade, dramaticidade e subjetividade das obras dessas artistas tornam este conjunto inquietante até para aqueles mais familiarizados com o movimento, que originalmente surgiu na França na década de 1920, tendo como maior predicado a tentativa de escapar do império do realismo e da racionalidade, acenando para o inconsciente, o acaso e o onírico”. “Na produção das artistas conectadas ao surrealismo que passaram pelo México, os tópicos já consagrados na discussão do surrealismo se multiplicam e extravasam muitas fronteiras, o que se reflete em imagens pungentes e inesquecíveis por suas cores e traços impositivos, pelos elementos da cultura nativa mexicana, pelos gestos confrontadores e pelo desprezo por qualquer convenção do que seja o bom gosto burguês tradicional”, completa.

Sobre a curadora

Teresa Arcq, historiadora de arte, Mestre em Museologia e Gestão em Arte e em Arte Cinematográfica pela Universidade de Casa Lamm na Cidade do México, trabalhou como curadora chefe do Museu de Arte Moderna da Cidade do México entre 2003 e 2006. Foi co-curadora da exposição A Arte de Mark Rothko – Coleção da The National Gallery of Art, e de várias exposições do acervo permanente, destacando-se a de Remedios Varo. A partir de 2007, como curadora independente produziu para o Museu de Arte Moderna da Cidade do México Remedios Varo – Cinco Chaves, uma retrospectiva em comemoração ao centenário do nascimento da artista inspirada em seu livro homólogo; e Alice Rahon – Uma surrealista no México, que também foi apresentada no El Cubo, em Tijuana. Arcq é Professora de História da Arte no Centro de Cultura Casa Lamm. Publicou vários ensaios e faz palestras sobre arte moderna mexicana, movimento avant-garde europeu e mulheres surrealistas no México, Estados Unidos, Europa e Ásia.

De 29 de janeiro a 27 de março.

Leonilson, filme no Parque Lage

Dirigido por Carlos Nader, “A Paixão de JL”, realizado pelo Itaú Cultural em parceria com a produtora Já Filmes, foi produzido a partir de um único registro, o de fitas cassetes gravadas pelo artista na última fase de sua vida, entre 1990 e 1993. No dia 25 de fevereiro o longa-metragem entra definitivamente em cartaz no circuito Espaço Itaú de Cinema de São Paulo (Augusta, Shoppings Bourbon Pompeia e Frei Caneca), Brasília, Curitiba, Porto Alegre, Rio de Janeiro e Salvador.

A “Paixão de JL” (82′, cor, 2015), dirigido por Carlos Nader, com realização do Itaú Cultural, terá pré-estreia nacional na Escola de Artes Visuais do Parque Lage, Jardim Botânico, Rio de Janeiro, RJ, em sessão no Cine Lage, no próximo dia 29 de janeiro, às 20h. Após a sessão haverá uma conversa aberta com o diretor do filme, com a diretora da EAV Parque Lage, Lisette Lagnado, e o professor Ivair Reinaldim. Carlos Nader destaca que “a EAV foi um lugar central na carreira de Leonilson. Foi onde ele cresceu e se projetou”. Foi a partir da exposição “Como Vai Você, Geração 80?”, realizada no Parque Lage em 1984, com curadoria de Marcus Lontra Costa, Paulo Roberto Leal e Sandra Magger, que a obra do artista ganhou propulsão e ele passou a ser reconhecido nacionalmente.

O filme percorre os três últimos anos de vida de Leonilson (1957-1993), narrado pelo próprio artista, e seu depoimento é associado a imagens, músicas e algumas das suas principais obras, formando uma poética audiovisual sobre as impressões do que o artista viu e sentiu neste período. A ideia que culminou na realização do longa-metragem surgiu em 2011, quando o Itaú Cultural fez a mostra “Sob o Peso dos Meus Amores”, uma

retrospectiva da obra de Leonilson. Carlos Nader foi convidado a dirigir um curta sobre a exposição, cujo resultado levou, naturalmente, à produção deste longa-metragem. O filme recebeu o prêmio de melhor crítica e de melhor documentário brasileiro nos festivais “É Tudo Verdade” e “Mix Brasil de Cultura da Diversidade”, o reconhecimento de melhor longa-metragem pelo júri popular no “Festival Mostras CURTA-SE” (Festival Ibero-Americano de Cinema de Sergipe), e o prêmio especial pelo júri no “37º Festival Internacional do Novo Cinema Latino-Americano de Havana”, em 2015.

Pintor, desenhista e escultor brasileiro, José Leonilson Bezerra Dias nasceu em 1957 em Fortaleza, e morreu em São Paulo, vítima da Aids. Em janeiro de 1990, quando tinha 33 anos – três antes de morrer –, ele começou a produzir um diário íntimo gravado em fitas cassete. Carlos Nader, amigo próximo, conseguiu acesso ao material guardado pela família. “Alternando reflexões sobre sua intimidade e sobre o espírito de sua época, ele deixou um registro precioso em que um indivíduo especialmente sensível se relaciona com as grandes mudanças de seu tempo”, conta o diretor.

A partir do diário de Leonilson, ele optou por um caminho arriscado que, no entanto, resultou em uma produção no qual o espectador embarca em uma história pessoal de paixão, dúvidas e questionamentos, arte e criação, alinhavada por imagens de arquivo sobre aquele período. Os tempos narrados por Leonilson são acompanhados por cenas que fizeram parte do seu imaginário e dos seus comentários. “Além de mostrar algumas de suas obras, o documentário entretece o diário íntimo com imagens públicas ligadas a diversos temas mencionados nas gravações”, conta Nader, premiado no “É Tudo Verdade”, em 2014, com o filme “Homem Comum”. “São assuntos tão diferentes quanto o Plano Collor, a Guerra do Iraque, filmes de Wim Wenders ou Derek Jarman, novelas da Globo, a tragédia da Aids ou o reino pop de Madonna”, completa. Vale ressaltar, ainda, a presença de trechos de programas da televisão, como “Família Dó-Ré-Mi”, o noticiário do Jornal Nacional, em 1990 e 1992, a série “Mico Preto” e “Perdidos no Espaço”. Nas gravações, Leonilson fala de seus trabalhos, de tristezas e alegrias, amores e desamores, medos, família e da homossexualidade. Um dia se descobre soropositivo, tema principal da última fase da sua vida.

Na Galeria Fortes Vilaça

17/nov

Paralelamente à exposição “Interior Design” de Simon Evans – que inaugura amanhã, 18/nov às 19h, na Galeria Fortes Vilaça, Vila Madalena, São paulo, SP, será apresentado o curta-metragem “Cutaways” da artista polonesa Agnieszka Kurant no segundo andar da galeria. Assim como a exposição de Evans, o filme será exibido até o dia 22/dezembro.

Realizado em parceria com o premiado editor de cinema Walter Murch de “Apocalypse Now” e “O Poderoso Chefão”, o trabalho de Kurant traz à tela o universo invisível de personagens que, apesar de concebidos e filmados para certas produções cinematográficas, foram completamente excluídos na edição final. Em seu filme, a artista escolhe três desses coadjuvantes omitidos para lhes dar sobrevida, extraídos de obras cultuadas de Kubrick, Tarantino e Sarafian. Entre os atores que aceitaram reprisar seus papéis, está a atriz Charlotte Rampling.

“Cutaways” retrata o encontro de personagens de produções distintas, como se tivessem ganhado vida autônoma e passassem a compartilhar o mesmo limbo narrativo. O enredo toma como base os roteiros originais de cada filme, aproveitando inclusive algumas das falas. Três atores aceitaram reprisar seus papéis depois de anos da trama original: Charlotte Rampling como a caronista de Vanishing Point (de Richard C. Sarafian, 1971, lançado no Brasil como Corrida contra o Destino); Abe Vigoda como o advogado e melhor amigo do protagonista em The Conversation (de Francis Ford Coppola, 1974, lançado no Brasil como A Conversação); e Dick Miller como o dono do ferro-velho de Pulp Fiction (de Quentin Tarantino, 1994).

Uma sequência de nomes hollywoodianos encerra a projeção, informando que vários outros atores também interpretaram personagens fantasmas em suas carreiras. A tipografia de cada nome é baseada naquela usada nos cartazes de seus respectivos filmes, como se a artista propusesse um jogo de descobrir de quais títulos eles foram excluídos.

Sobre Agnieszka Kurant

Agnieszka Kurant nasceu em 1978 em Lodz, na Polônia, e atualmente vive e trabalha em Nova York. Dentre suas exposições individuais, destacam-se: exformation, Sculpture Center (Nova York, 2013) e Stroom den Haag (Haia, Holanda, 2013); 88.2 MHz, Objectif Exhibitions (Antuérpia, Bélgica, 2012), Theory of Everything, Museum of Modern Art (Varsóvia, Polônia, 2012). Já participou da diversas mostras importantes como a Bienal Performa de Nova York (2013 e 2009), Bienal de Arquitetura de Veneza (2010), Bienal de Bucareste (2008), Bienal de Moscou (2007), além de diversas outras coletivas em instituições como Guggenheim (Nova York, 2015), MoMA PS1 (Long Island, 2013), Witte de With (Roterdã, 2011), Tate Modern (Londres, 2006), Palais de Tokyo (Paris, 2004), entre outros.

Até 22 de dezembro.

Casa Daros e o Cine Daros

06/ago

A Casa Daros, Botafogo, Rio de Janeiro, RJ, realizará a terceira edição do “Cine Daros no Pátio”

entre os dias 12 a 16 de agosto de 2015, às 19h, com a exibição gratuita (em seu pátio

interno), de cinco animações feitas nas últimas duas décadas em quatro continentes

diferentes. Entre os títulos escolhidos estão clássicos como: “As Bicicletas de Belleville”, do

diretor Sylvain Chomet, e “Persépolis”, de Marjane Satrapi e Vincent Paronnaud, e a recente

animação brasileira “Uma História de Amor e Fúria”, de Luiz Bolognesi, premiada em festivais

internacionais.

Cada um desses filmes apresenta técnicas e identidades visuais diferentes, desde animação

tradicional com traços simples e cores básicas de “Meu amigo Totoro” (1988) – do diretor

japonês renomado Hayao Miyasaki, do Studio Ghibli, referência no campo da animação

cinematográfico – à mistura de desenho artesanal e artifícios tridimensionais (“As Bicicletas de

Belleville”, de 2003), e ainda traços gráficos e expressionistas em preto e branco (“Persépolis”,

de 2007). “Fantástico Senhor Raposo” (2009), de Wes Anderson encerrará a programação do

Cine Daros.

“Em comum esta seleção de animações têm a fantasia, que talvez tenha sido desde o início a

estratégia de fundo principal do gênero para conquistar tanto o público infantil quanto o

adulto”, diz a curadora Karen Harley. “Por meio da animação algumas verdadeiras estrelas

surgiram como o coelho Perna Longa, o rato Mickey Mouse, o ursinho Winnie the Pooh”,

completa Harley.

CINE DAROS – PROGRAMAÇÃO

Quarta-feira, dia 12 de agosto – “Meu amigo Totoro” (1988), Japão, 86min, livre. Direção de

Hayao Miyazaki

Sinopse: Produzido pelo Studio Ghibli (fundado em 1985 por Hayao Miyazaki, Isao Takahata e

Yoshio Suzuki, uma das principais empresas de animação do Japão), o filme conta a história de

duas irmãs e seus encontros com os espíritos das florestas no Japão do pós-guerra. Há aqui

uma forte conexão do fantástico com o sagrado. Este filme lançou a carreira internacional de

Miyazaki e a Walt Disney relançou o longa em 2006. “Totoro” é tão amado e conhecido pelas

crianças japonesas quanto Mickey Mouse ou Winnie the Pooh no Ocidente.

Quinta-feira, dia 13 de agosto – “As Bicicletas de Belleville” (2003), França, 78min, 10 anos.

Direção de Sylvain Chomet

Sinopse: Indicado ao Oscar de melhor longa-metragem de animação e melhor trilha sonora

original, narra – por meio de música a pantomima – a história de Champion, um menino que só

se sente feliz quando está pedalando sua bicicleta. O filme mistura uma estética da

modernidade que tomava conta nos anos 1920, que teve seu epicentro na França com o

esporte nacional de lá, o Tour de France – a grande competição ciclista mundial. Muita música

(Ragtime), pantomima, referência ao cinema mudo, comentários Pop como alusão a filmes do

gênero Gangsters e principalmente um humor a la Jacques Tati estruturam esta divertida

mistura de nostalgia e metalinguagem com uma eloquente visão crítica do mundo.

Sexta-feira, dia 14 de agosto – “Persépolis” (2007), França e Estados Unidos, 96min, 12 anos.Direção de Marjane Satrapi e Vincent Paronnaud

Sinopse: Adaptacão da autobiografia em quadrinhos de Marjane Satrapi, uma iraniana nascida

em 1969, “Persépolis” conta a história de uma menina que vive a revolução islâmica no Iran

em 1979 e toda a opressão decorrente. Conforme ela se torna uma pessoa adulta, Marjane se

encontra dividida entre o ocidente e o oriente e tenta encontrar o seu lugar no mundo. O filme

é uma poesia visual, narrativa e sonora. Ganhou o Prêmio do Júri no Festival de Cannes, o

César Awards e foi indicado ao Oscar de melhor longa-metragem de animação.

Sábado, dia 15 de agosto– “O Fantástico Senhor Raposo” (2009), Estados Unidos, 87min, 10

anos. Direção de Wes Anderson. Vozes de George Clooney, Meryl Streep, Jason Schwartzman,

Mario Batali, Bill Murray, Wes Anderson, Brian Cox, Hugo Guinness e Michael Gambon.

Sinopse: O Sr. Raposo (George Clooney), a Sra. Raposa (Meryl Streep) e seu filho Ash (Jason

Schwartzman) vão morar em uma árvore, localizada em uma colina. Lá eles têm como vizinhos

o Coelho (Mario Batali), o Texugo (Bill Murray) e a Doninha (Wes Anderson), entre outros

animais, todos com suas respectivas famílias. O Sr. Raposo prometeu à esposa que deixaria a

vida de roubos de galinhas, já que ela estava grávida. Desde então ele iniciou uma respeitável

carreira de colunista de jornal. Porém, a proximidade do novo lar com as fazendas de Boggis

(Brian Cox), Bunce (Hugo Guinness) e Bean (Michael Gambon) faz com que volte à velha vida,

às escondidas. Só que logo o trio de fazendeiros se une para capturá-lo.

Domingo, dia 16 de agosto– “Uma História de Amor e Fúria” (2013), Brasil, 98min, 12 anos.

Direção de Luiz Bolognesi

Sinopse: O filme retrata o amor entre um guerreiro imortal e Janaína, a mulher por quem é

apaixonado por 600 anos, em quatro fases da história do Brasil: a colonização, a escravidão, o

regime militar e o ano de 2096, quando haverá uma guerra por água. O longa tem traço e

linguagem de HQ e ganhou o prêmio de melhor filme de animação no Festival Internacional de

Animação de Annecy, na França.

Meton Joffily : street art

02/jul

O artista Meton Joffily foi convidado para participar do júri oficial do Anima Mundi (Entre 10 e 15 de julho, no Rio de Janeiro). Além disso participa da exposição no Espaço GaleRio, primeira galeria municipal de arte urbana da cidade, em Botafogo, com outros 16 representantes da arte urbana, apresentando suas famosas placas de rua, e nos dias 24 e 26 de julho mostrará suas obras em um espaço reservado à arte urbana, no Jockey, com outros artistas como Marcelo Ment. O artista também está à frente do projeto “Tá ligado no movimento?”, uma série de animação produzida em parceria com o Antônio Sodré Scheiber, que apresenta uma narrativa de temáticas sociais e urbanas complexas, como a pobreza, abandono e violência infantil. Neste trabalho estão refletidas várias questões sociais através do personagem principal e seus coadjuvantes. Eles embarcam em uma jornada de aventuras, questionamentos e transformações que geram material suficiente para o desenvolvimento de mais de uma temporada, vislumbrando um segmento que carece de bons trabalhos de animação: o público adulto.

Sobre o artista

Formado em desenho industrial pela PUC – Rio, Meton, 30 anos, ingressou cedo no cenário da arte urbana carioca e na carreira da animação gráfica. Aos 19 anos, seu curta “Ratos de Rua” foi exibido em mais de 40 países e venceu prêmios de melhor animação em alguns festivais. Conhecido como um reinventor da animação e da arte urbana, por criar novas técnicas como a Monitopia e a Sticker-Animation, e seus traços também são conhecidos nas ruas através dos graffitis dos mesmos personagens que desenvolve no desenho animado, como o moleque de rua Zinho e o Ratones. Em 2014 apresentou sua primeira exposição individual “ATENÇÃO OBRAS”, utilizando placas de trânsito como suporte para a arte.

A história com o Anima Mundi

Quando criança, já animava flip-books nos livros escolares. “Depois eu passei a usar o negatoscópio do meu pai, que era um excelente ortopedista, esse equipamento nada mais é do que é uma mesa de luz usada para para analisar radiografias”, conta. Fez os primeiros experimentos animados quando entrou para a Puc (design) e estagiava na Verdesign (onde foi sócio, hoje a Verdesing se dividiu entre soul filmes e zen filmes), onde ganhou uma mesa de luz para animação e teve ferramentas digitais e o suporte para realizar seus primeiros curtas de animação. Os três primeiros foram exibidos no Anima Mundi e tiveram grande destaque no festival. Em especial o primeiro “Ratos de Rua” que ganhou o prêmio dos melhores filmes do festival do ano de 2003. “Sinal Vermelho” em 2004 chegou a ser exibido no Fantástico. “Monitopia” era impróprio para menores e apresentava uma técnica que inventou combinando a monotipia com a rotoscopia, usando uma TV de segurança. Este ano, 2015, Meton foi escalado para o juri oficial.

Rogério Duarte no MAM-Rio

17/jun

O MAM-Rio, Parque do Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, através do Edital de Fomento à Cultura Carioca, da Secretaria Municipal de Cultura do Rio de Janeiro, apresenta, a partir do próximo dia 20 de junho, a exposição “Marginália 1”, uma retrospectiva da obra do artista gráfico, músico, compositor e poeta Rogério Duarte, um dos mentores do Tropicalismo. Rogério Duarte criou capas dos principais discos do período tropicalista, e foi parceiro de Gilberto Gil e Caetano Veloso em algumas músicas. Criou ainda cartazes de filmes emblemáticos do Cinema Novo, como “Deus e o Diabo na Terra do Sol”, do diretor Glauber Rocha, de quem era amigo. Produziu também capas para álbuns de artistas da MPB, como Gal Costa, Gilberto Gil e Jorge Ben Jor. Como compositor, fez a trilha de “A Idade da Terra”, filme de Glauber Rocha. A mostra terá cerca de 70 obras, dentre capas de discos, publicações e cartazes, incluindo trabalhos inéditos e objetos pessoais, como notas, esboços, rabiscos, fotos, vídeos, estudos, poemas e pedras, para que o público aprecie de perto o rico universo criativo do artista.

Em 2009, foi realizada uma grande exposição sobre a obra de Rogério Duarte no The Narrows, na Austrália. A partir disso, outras mostras sobre o trabalho do artista foram realizadas em Frankfurt, na Alemanha, em 2013, e na III Bienal da Bahia, em 2014. A exposição do MAM é uma síntese dessas duas últimas mostras. Para a exposição, que tem curadoria de Manuel Raeder e do próprio artista, com a colaboração de seu filho Diogo Duarte, será reeditado o livro “Marginália 1 – Rogério Duarte” (2ª Edição), que reúne diversos trechos da sua obra literária que, em grande parte, permanece inédita. Além disso, no dia 12 de agosto, haverá o evento especial “Musicúpula”, no qual composições musicais de autoria de Rogério Duarte serão apresentadas em uma escultura poliédrica de alumínio que ele chama de “neodésica”.

A palavra do curador do MAM-Rio

“Desde meados da década de 1960, por suas parcerias definitivas em momentos cruciais das carreiras de Glauber, Oiticica e os tropicalistas, a trajetória de Rogério Duarte vem sendo protagonista em nossa história e, ao mesmo tempo, menos valorizada do que deveria. Indo muito além da experimentação marginal dos anos 1960, o design, a inteligência visual e o vigor plástico de sua obra são uma contribuição definitiva para a história da arte no Brasil”, afirma Luiz Camillo Osorio.

Sobre o artista

Rogério Duarte nasceu em Ubaíra, interior da Bahia, em 1939. Intelectual multimédia, é artista gráfico, músico, compositor, poeta, tradutor e professor. No início dos anos 1960, ele, sobrinho do sociólogo Anísio Teixeira, é enviado ao Rio de Janeiro para estudar arte industrial, tendo sido aluno de Max Bense (fundador de uma nova estética, de base semiótica e teórico-informacional). Militante político de esquerda nos anos 1960, Rogério Duarte aderiu ao movimento HareKrishna na década seguinte. Nos últimos anos, tem se dedicado à tradução de clássicos da literatura da Índia, à luteria (construção de violões), à geologia, à numismática, ao estudo do xadrez, à literatura, tendo criada prolífica obra, e à música. No disco “Abraçaço” (2014), de Caetano Veloso, está uma das canções inéditas de Rogério Duarte, “Gayana”. Além disso, ele vem, há décadas, se dedicando ao seu projeto rural ecológico no interior da Bahia.

Até de 16 de agosto.

Margaret Mee e a Flor da Lua

12/mai

Como levar um filme para dentro de uma galeria de arte? Esta é a premissa da exposição “Margaret Mee e a Flor da Lua – um olhar da equipe sobre as filmagens na Amazônia”, na Galeria Modernistas, Santa Teresa, Rio de Janeiro, RJ. A partir do diário da diretora Malu De Martino, a exposição mostra através de fotografias, croquis em aquarela, objetos e imagens, os bastidores das filmagens do documentário “Margaret Mee e a Flor da Lua” na Amazônia. O olhar da equipe que registrou a cada dia de filmagem, uma perspectiva diferente sobre a Amazônia e a ultima expedição da ilustradora botânica inglesa, Margaret Mee, para retratar a rara Flor da Lua.

Através das lentes de Julia Equi, diretora de fotografia, das aquarelas botânicas de Malena Barretto, consultora e ilustradora botânica do filme e do diário de filmagem de Malu De Martino, a Amazônia ganha intensidade sob novos ângulos. A exposição também conta com uma experiência sensorial através dos muitos sons que a floresta possui, fazendo o convidado mergulhar no universo no filme e vivenciar o dia a dia da filmagem.

Com curadoria e ambientação da designer Mariana Rodrigues, especialista em projetos sustentáveis, tudo foi criado e será montado a partir de elementos da natureza, como folhas secas e também reaproveitados, como o papelão. Um convite a todos para viver esta experiência de cinema, através da exposição do processo de realização do filme. A data da abertura da exposição foi escolhida por ser o aniversário de nascimento de Margaret Mee, quando completaria 106 anos.

De 22 de maio a 22 de junho.

Darcílio Lima em retrospectiva

04/mai

A exposição “DARCÍLIO LIMA – “Um Universo Fantástico”, cartaz da Caixa Cultural – RJ / Galeria 2; inaugura no próximo sábado, dia 9 de maio às 16:00h. A curadoria é do psicanalista Guilherme Gutman.

Esta retrospectiva, resgata a pequena e ainda pouco conhecida obra deste artista tão importante e singular, um dos expoentes da arte surrealista no Brasil. Além dos muitos trabalhos, serão exibidos filmes, fotos, livros e inclusive a bandeira do município de Cascavel, no Ceará, terra natal do artista, idealizada por Darcílio Lima.

Seus trabalhos, sobretudo em papel, são obsessivamente trabalhados, em sua grande maioria em bico de pena, com forte ênfase em temas místicos, sexuais e religiosos. Um trabalho virtuoso, vigoroso, impressionante e notável.

Esstá programada para o decorrer da exposição, uma visita guiada com o colecionador Afonso Costa e o curador Guilherme Gutman, quando será lançado o catálogo, com todos os trabalhos expostos reproduzidos, além de textos, depoimentos, e farta memorabilia.

Até 28 de junho.