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Mostra de Alice Quaresma

19/abr

 

 

Apresentando o desdobramento mais recente da sua pesquisa na construção de imagens, a artista Alice Quaresma se aventura na criação de NFT na mostra “Glorious Spell of Sobriety” em exibição na CASANOVA, Jardim Paulista, São Paulo, SP. A artista utiliza ferramentas digitais em fotografias intervindas com pintura.

 

 

Em 2021 participou do projeto “Every Woman Biennal” que aconteceu em diferentes locais das cidades de Nova Iorque e Londres. Já na sua quarta edição, é a maior bienal de arte feminina e não binária do mundo. Na ocasião Alice Quaresma exibiu seu primeiro NFT e subsequente foi convidada pela Tropix para fazer o lançamento do NFT exibido agora.

 

 

Essa obra focalizada na ideia da imagem como um registro subjetivo/abstrato, explorando o campo da imaginação, misturando técnicas antigas, como negativos de 35 mm com imagens digitais e geometrias criadas no computador. A paisagem criada é uma representação do momento atual, onde percorremos um processo de transição e questionamento.

 

 

Alice Quaresma sempre teve como grande influência na sua prática artística os trabalhos dos pioneiros do Neoconcretismo, Lygia Clark e Hélio Oiticica. Numa releitura do movimento artístico que aconteceu no Brasil no final da década de 1960, procurou criar qualidades sensoriais e interativas em suas obras através do uso de tinta, lápis, fita adesiva e bastão a óleo, criando intervenções geométricas sobre fotografias autorais, desconstruindo a imagem e trazendo características da pintura para a fotografia. Agora, com o uso das mídias digitais insere elementos visuais e animação expandindo a narrativa na construção das imagens.

 

 

Sobre a artista

 

 

Alice Quaresma nasceu no Brasil em 1985 e vive atualmente em Nova Iorque. Tem feito experiências com materiais que permitem que as suas fotografias sejam sensoriais e lúdicas, forçando os limites da fotografia como um meio descritivo. Utilizando imagens do seu arquivo pessoal, ela reflete sobre identidade e imaginação, estimulando o lúdico nas suas imagens. Participou de exposições em instituições de todo o mundo, tais como Patrick Heide Contemporary Art, Londres; Sobering Galerie, Paris; Félix Frachon Gallery, Brussels; Sotheby’s Institute, Nova Iorque; Centro de Cultura Laura Alvim, Rio de Janeiro; Cincinnati Contemporary Arts Center e A.I.R Gallery, Brooklyn, Nova Iorque. Realizou sua primeira exposição individual institucional na Caixa Cultural São Paulo em 2018 e lançou seu primeiro livro, “Playground”, com a editora francesa Editions Bessard, em 2019. Os prêmios incluem Photoworks Festive Commission Prize, 2021; Aperture Foundation Summer Open Prize, 2019; Houston Center for Photography Annual Exhibition Prize, 2019; Foam Talent Prize, 2014 e PS122 Exhibition Prize, 2009. Criou projetos especiais para várias organizações como Gap, Haus der Kulturen der Welt, Hermès, Air France, e Red Bull. Seu trabalho foi publicado em Exit Magazine, Espanha; Foam Magazine, Holanda; Extra Fotographie in Context, Bélgica; Edicola, Itália; IMA, Japão; Serafina, São Paulo; Lens Culture, e Artsy, entre outros. Alice Quaresma tem BFA do Central Saint Martins College, Londres e MFA do Pratt Institute, Nova Iorque.

 

 

Até 30 de abril.

 

 

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Fotografias de Daido Moriyama

13/abr

 

 

 

O Instituto Moreira Salles, IMS Paulista, apresenta até 14 de agosto a primeira grande retrospectiva de Daido Moriyama na América Latina. A mostra reúne mais de 250 trabalhos, além de uma centena de publicações e escritos do fotógrafo japonês, um dos principais nomes da fotografia contemporânea mundial. Através de dois andares do instituto preenchidos com o trabalho do artista é possível vislumbrar diferentes momentos de sua carreira, desde o interesse pelo teatro experimental dos anos 1960, passando pelos trabalhos contestadores dos anos 1970, até a documentação das cidades e a reinvenção do seu próprio arquivo nos últimos anos.

A curadoria da exposição é de Thyago Nogueira, coordenador da área de Fotografia Contemporânea do IMS, sendo o resultado de três anos de pesquisa, visitas ao arquivo de Moriyama em Tóquio, e consulta com os pesquisadores japoneses Yutaka Kambayashi, Satoshi Machiguchi e Kazuya Kimura.

 

Sobre o artista

Nascido em 1938, em Ikeda-cho, Osaka, Moriyama passou a infância em diversas cidades. Após se formar em Design, mudou-se para Tóquio em 1961, onde começou a fotografar para jornais e revistas de grande circulação, em um período de crescimento econômico e fortalecimento da cultura de massas. Logo, tornou-se conhecido por suas fotografias em preto e branco, granuladas e de alto contraste. Moriyama desafiou as ideias convencionais de fotografia documental e de realidade fotográfica em sua abundante produção, na qual livros e publicações independentes têm participação fundamental; a produção do fotógrafo está muito associada à indústria editorial, mais do que ao circuito da arte.

O primeiro andar da exposição destaca as décadas de 1960 e 1970, momento inicial de Moriyama influenciado por mestres do pós-Guerra, como Eikoh Hosoe e Shōmei Tōmatsu, e artistas americanos, como William Klein e Andy Warhol. Durante tal período, o fotógrafo documentou a efervescente cultura japonesa, marcada pela destruição da guerra, a ocupação das tropas americanas, o desaparecimento dos modos de vida tradicionais e a ocidentalização do país. Em 1969, Moriyama integrou a equipe da contestadora revista Provoke, formada por artistas e intelectuais que questionavam a submissão das imagens às palavras e o realismo engajado. A publicação consagrava o estilo are, bure, boke (granulado, tremido, desfocado), que marcaria a fotografia japonesa do período. Alguns anos depois, Moriyama produziu o livro Adeus, fotografia! (1972), uma coletânea de imagens feitas de negativos rasurados, riscados e inutilizados, quase indiscerníveis. Segundo o curador, a publicação, que completa 50 anos em 2022, revela “a revolta de um artista contra sua submissão ao código fotográfico, a expressão máxima da descrença no poder de transformação das imagens”. Sobre esse período, o próprio artista afirma: “Tentei desmontar a fotografia, mas acabei desmontando a mim mesmo”.

No segundo andar, a retrospectiva apresenta o retorno de Moriyama ao fazer artístico, nos anos 1980, após um momento de depressão e crise criativa. Entre as obras, estão as famosas séries Luz e sombra e Memórias de um cão, publicadas entre 1982 e 1983. A mostra também traz o arquivo completo da revista Record, seu diário pessoal iniciado em 1972, que chega à 50ª edição em 2022. No centro do andar, uma grande mesa-biblioteca exibe diversos livros do artista, muitos deles disponíveis para leitura do público.

A entrada é gratuita, liberada mediante apresentação do comprovante de vacinação contra Covid-19 (para todos acima de 5 anos). É recomendaddo o uso de máscaras.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

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Retrospectiva de Pedro Moraleida

 

 

 

 

 

A Janaina Torres Galeria apresenta individual inédita de Pedro Moraleida. O mais intrigante artista de sua geração. Uma história marcada pela produção compulsiva e cheia de significados. Um trágico fim disfarçado na inalcançável liberdade. A breve e contundente história de Pedro Moraleida (1977 – 1999) deixou como legado um considerável conjunto de obras que chamam atenção por sua singularidade, coerência, vigor e coragem de enfrentar a apatia dominante à sua volta. Nas artes, inclusive. Parte desse valioso acervo poderá ser visto na mostra “Fluxos Plenos de Desejo”, com curadoria de Ricardo Resende, até 26 de maio, na Janaina Torres Galeria, Barra Funda, São Paulo, SP.

 

 

 

Entregue a mergulhos em universos muito próprios, só dele, o jovem Moraleida ousou ignorar tendências, com a coragem de quem corta a própria carne para expor medos, desejos e sonhos, determinado a se envolver com tudo aquilo que existe e perturba, dentro e fora de si. Bem como se espera de um enfant terrible, um artista romântico pleno – e incontrolável.

 

 

Trata-se de um acervo que tem conquistado, à medida em que é exposto, repercussão e admiração imediata, no Brasil e no exterior. “É um trabalho extraordinário, feito por um artista extraordinário e que precisa ser mais mostrado, conhecido e estudado”, diz Hans Ulrich Obrist, curador da Serpentine Gallery, de Londres, e da mostra Imagine Brazil (2013), que levou os trabalhos de Moraleida pela primeira vez ao exterior, e é considerado um dos curadores de arte contemporânea mais influentes do mundo.

 

 

E é assim que o mundo herda um acervo reconhecido por suas dimensões, diversidade e poder de provocar as mais variadas reações. Muitas vezes irônica e irreverente; sempre corajosa e intensa, a obra de Moraleida surpreende, provoca e incomoda, mas não só.
“Nesta seleção, além de obras conhecidas, polêmicas, incluímos também alguns trabalhos pouco vistos, revelando outras características da sua produção, como uma série de paisagens que, mesmo sendo paisagens, mantêm seu traço visceral”, anuncia o curador Ricardo Resende.

 

 

“Fluxos Plenos de Desejo” traz 25 pinturas, 61 desenhos e 16 desenhos/pinturas de um criador arredio às regras, livre e  experimental, combinando formatos, técnicas e materiais. Um recorte que representa a potência de suas obras visuais (para além dos textos e arquivos sonoros), em sua maior parte sobre papel. A exposição é fruto de um projeto desenvolvido ao longo de oito anos de relacionamento e trabalho junto a família do artista.
Trata-se de uma seleção expressiva, dentro de um universo de 1.900 peças (1.450 desenhos e 150 pinturas) deixados pelo jovem artista. Moraleida abraçou a tradição clássica da pintura e do desenho em um momento – os anos 1990 – em que essas linguagens eram desacreditadas e  preteridas frente a uma explosão de performances, vídeos e instalações, sob domínio da arte conceitual.

 

 

“É como se estivéssemos descobrindo o artista agora há pouco, em 2017, em Belo Horizonte, quando a exposição de sua obra chamou muita atenção por conta do momento político conservador que estamos vivendo. Um assombro que continuou em 2019, em São Paulo, na “Canção do Sangue Fervente”, retrospectiva no Instituto Tomie Ohtake, onde caímos de joelhos diante da magnitude de trabalhos que compõem sua obra maior, “Faça Você Mesmo Sua Capela Sistina”, reflete Resende, no texto curatorial

 

 

Entre os destaques desta exposição na Janaina Torres Galeria, estão obras em que Pedro faz referência a outros artistas, evidenciando sua admiração a nomes como Andy Warhol, Leonilson e Picasso, que, assim como Caravaggio, Miró e, sobretudo, Arthur Bispo do Rosário, tiveram evidente influência no seu processo criativo. Também chamam a atenção as séries “Primitiva”, “Corpos sem Órgãos”, “Paisagens, Mulheres, Histórica – Presidentes Americanos” e “Líderes Comunistas Vendem Pornografia”, “Casais Sorridentes de Mãos Atadas”, “O Deslocamento dos Artistas”, “Deuses”, “Desenhos com Letras”, “Amebóide” e “Angústia”, exibidas pela primeira vez em uma galeria na cidade. Destaque, também, para a serpente em acrílica sobre papel de formato inusitado (“Cadáver adiado que procria – A roda da serpente”, de 1,5m x 1,5m), coração pulsante desta mostra na Barra Funda.

 

 

Assim como para Leonilson e Bispo do Rosário, a palavra para Moraleida tem papel importante no seu trabalho plástico, uma consequência da sua relação próxima com a literatura, poesia, filosofia, psicanálise e cinema (de Pasquim, MAD e Rê Bordosa a Fassbinder e Artaud), o que acabou por aproximá-lo de questões urbanas, políticas e sociais do seu tempo. Palavras o influenciaram até mesmo na titulagem das obras, como em “Cão morto e menino chorando”, “Tiro atinge estudante em colégio”, “Fúria diante de um morto”, “Homem faz declarações proféticas”, “Ó senhor, por que tenho tanto frio”, “Rapaz entristecido e o cão a consolá-lo”. Agora, na Janaina Torres Galeria, surge nova chance de decifrar uma obra de intensidade sem limites, fruto de um artista que nos presenteou com uma poética inquietante e representações que ousam revelar o que há de sedutor e assombroso em todos e cada um.

 

 

Sobre o artista

 

 

Pedro Moraleida (1977 – 1999, Belo Horizonte, MG) – Estudou na Escola de Belas Artes da UFMG. Desde a adolescência, produzia desenhos ligados à linguagem das histórias em quadrinhos, debruçando-se na Literatura e Filosofia. Possui uma obra provocadora e ácida, onde não se limitou apenas à produção visual, mas, também, ao estudo da linguagem e da comunicação, onde uma vasta produção de pinturas e desenhos, carregados de cor e expressividade, mesclam-se a textos e poemas autorais. Seu trabalho pôde ser visto em sua cidade natal, Belo Horizonte e também em grandes mostras póstumas, coletivas e individuais em espaços como Instituto Tomie Ohtake, Astrup Fearnley Museet (Noruega), Musée d’Art Contemporain de Lyon e 11ª Bienal de Berlim.

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Dois eventos na Bolsa de Arte SP

12/abr

 

 

Estreou na quinta-feira, 07 de abril, o espetáculo “Lygia.” na Bolsa de Arte, Jardins, São Paulo, SP. O monólogo é interpretado por Carolyna Aguiar com direção de Bel Kutner e Maria Clara Mattos, que também assina a dramaturgia desenvolvida a partir dos diários de Lygia Clark. A cenografia foi concebida pelo Estúdio Mameluca composto por Ale Clark, neta da artista, e Nuno FS.

 

Em parceria com a Associação Lygia Clark, o espetáculo fica em cartaz na Bolsa de Arte até 28 de maio, quintas e sextas-feiras às 20h e sábados às 18h. Os ingressos estão disponíveis na plataforma do Sympla.

 

Através dos diários, o monólogo “Lygia.” pretende apresentar ao público essa artista que usou a própria angústia como material de pesquisa, revelando não só o contexto de criação das obras, mas reflexões sobre o que lia e via, amores, temores, dúvidas e desencantamentos.

 

Juntamente à apresentação do espetáculo, inaugurou, sexta-feira, 08 de abril a exposição homônima com curadoria e texto de Felipe Scovino.

 

A exposição – com entrada gratuita – pode ser visitada de segunda a sexta-feira das 11h às 19h e sábados das 11h às 17h.

 

 

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Desejo imaginante

 

 

Uma exposição de Maria Martins, em colaboração com o Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand (MASP), aprofunda uma parceria que remonta não apenas a iniciativas recentes, como também aos tempos de nosso patrono.

 

Uma das primeiras obras a capturar o olhar do visitante, na Casa Roberto Marinho, é a escultura em bronze O implacável (1944), da mineira Maria Martins (1894-1973), instalada diante da fachada do casarão neocolonial, no Cosme Velho.

 

Até 26 de junho.

 

 

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Kogan Amaro Digital Art Gallery

 

 

A galeria Kogan Amaro, amplia sua área de operação e começa a atuar também com NFT, aproximando este universo de artistas, colecionadores, investidores e o grande público.

 

 

A partir de agora, com uma curadoria específica, a Kogan Amaro Digital Art Gallery passa a oferecer ao mercado NTFs com o objetivo de simplificar as atividades nesta área e contribuir com a formação de novos públicos. Com esta iniciativa, a galeria, que tem unidades no Brasil (São Paulo) e na Suíça (Zurique), reforça sua atuação global, expandindo seu alcance e facilitando as operações das carteiras digitais.

 

 

“Nossa intenção é servir como uma ponte entre os universos físico e digital, simplificando os processos em todos os pontos da cadeia de produção de arte em NFT, desde o momento da criação à realização da venda, ao mesmo tempo em que a nossa atuação no mercado físico vive um momento de muito vigor”, declara Ricardo Rinaldi, diretor da Kogan Amaro. Uma das vantagens da operação facilitada via Kogan Amaro é que as compras de NFTs poderão ser realizadas mesmo que o cliente não tenha criptomoedas em carteira. A operação digital da Kogan Amaro já conta com perfil próprio na Foundation.app, uma das plataformas mais importantes do mercado global de NFT, dedicada a construir essa nova forma de atuação em Web 3.0, aproximando artistas e colecionadores em todo o mundo.

 

 

Ao mesmo tempo em que terão forte exposição no mundo virtual, os NFTs passarão a fazer parte dos ambientes físicos da Kogan Amaro. A galeria pretende realizar uma exposição física de NFTs até o fim de 2022 com exposição de obras tokenizadas via painéis de led e televisores especiais. A princípio, a curadoria foi feita dando espaço para artistas físicos da galeria e abrindo espaço para uma série de artistas internacionais que já atuam com ferramentas digitais, em áreas como ilustração, fotografia e animação.

 

 

Entre os artistas físicos já representados pela galeria e que agora também disponibilizam NFTs exclusivos à venda estão: Daniel Mullen, Fernanda Figueiredo e o duo Tangerina Bruno. Entre as novidades estão os artistas e fotógrafos: Kandro, João Branco, Diris Malko, Fxaq27, Attilagaliba, Reinis Couple, UMiDART e Giovani Cordioli.

 

 

 

 

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Tim Burton em São Paulo

09/abr

 

 

Uma mega exposição sobre o universo criativo de Tim Burton chegou em São Paulo. Os fãs do diretor responsável por obras como “Edward Mãos de Tesoura” e os remakes de “Dumbo”, “A Fantástica Fábrica de Chocolate” e “Alice no País das Maravilhas” poderão mergulhar nessas obras com a mostra “A Beleza Sombria dos Monstros: 13 Anos da Arte de Tim Burton”.

“É a mais abrangente antologia da obra do cineasta nos últimos quarenta anos”, ressalta Jenny He, curadora da exposição, que acompanhou o projeto em cada detalhe. “À medida que o público adentra as imersivas e interativas experiências presentes nas diferentes galerias da exposição, a ilimitada criatividade e prolífica produção artística de Tim Burton se revelam intimamente”, destaca ela.

O evento terá uma área de 2600m² para a exposição, ocupando dois andares da Oca, no Parque do Ibirapuera. O evento ocorre entre os dias 08 de maio e 14 de agosto.

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Simone Cupello: Sombras sem figura

 

 

A Central Galeria, São Paulo, SP, apresenta até 21 de maio “Sombras sem figura”, a segunda exposição individual de Simone Cupello na galeria. Com curadoria de Marisa Flórido, a mostra reúne obras recentes – produzidas ao longo da pandemia e em parte influenciadas por ela – que refletem sobre o tempo e o estatuto da imagem.

Como é recorrente na prática da artista, um grande acervo de fotografias analógicas coletado ao longo de anos é empregado em trabalhos com características escultóricas e instalativas. Esse uso não convencional do material fotográfico aponta para temas basilares de sua poética, na qual a artista está mais interessada na imagem como prática humana do que enquanto mídia em si.

“Simone Cupello debruça-se, pela fotografia, à investigação da imagem: seu estatuto difícil, sua indeterminação constitutiva, os lugares e o movimentos de sua aparição e desaparição, os códigos de enquadramento e os dispositivos que determinam os regimes de visibilidade, que moldam as subjetividades, que codificam vida e arte”, analisa a curadora Marisa Flórido.

Ainda que a figura humana não apareça de forma ostensiva, ela é evocada ao longo de toda a exposição, sugerindo histórias de pessoas que se apagaram com o tempo. Lápides, fragmentos e vazios também são elementos que se repetem para indicar ausências. “De fato, tenho a sensação que alguma coisa importante mudou nos últimos tempos”, reflete Simone. “Acho que não iremos mais nos relacionar como antes, que a tal ‘ruptura comportamental’ via tecnologia, que tanto temíamos e prevíamos há décadas, foi finalmente consolidada. Estamos partidos, mais além das divisões de classe. Minhas fotos parecem pertencer a um outro momento da vida, viraram vestígio”.

 

Sobre a artista

Simone Cupello nasceu em Niterói, RJ, 1962. Vive e trabalha no Rio de Janeiro. Graduada em Arquitetura (1986) e com uma extensa carreira com cenografia, TV e cinema, desenvolve desde 2013 sua pesquisa como artista visual. Já realizou exposições individuais em: Central Galeria (São Paulo, 2018), Centro Cultural Cândido Mendes (Rio de Janeiro, 2017), Centro Cultural Justiça Federal (Rio de Janeiro, 2016), entre outras. Entre suas exposições coletivas recentes, destacam-se: Arte Londrina 7, Casa de Cultura da UEL (Paraná, 2019); 43° SARP, Museu de Arte Ribeirão Preto (Ribeirão Preto, 2018); MONU – A Arte Delas, Marina da Glória (Rio de Janeiro, 2018); Frestas – Trienal de Artes, Sesc Sorocaba (Sorocaba, 2017); Mostra Bienal Caixa de Novos Artistas (mostra itinerante, 2015-2016); Fotos Contam Fatos, Galeria Vermelho (São Paulo, 2015). Sua obra está presente nas coleções do MAR (Rio de Janeiro) e do FAMA (Itu).

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Livro para a pintura de Lucia Laguna

08/abr

 

 

Lucia Laguna pinta a partir do entorno do subúrbio onde mora – o bairro do Rocha, no Rio de Janeiro – ao operar uma colagem de referências que passam pela história da arte, o jardim de seu ateliê e uma extensa vista da cidade. Entre a figuração e a abstração, as pinturas reunidas neste livro sussurram a insistência desordenada da vida a partir de flores, folhas e galhos de encontro às linhas urbanas: a linha do trem, a linha do mar, a Linha Vermelha, a Linha Amarela, a Avenida Brasil.

Com organização do curador Marcelo Campos, o volume traça um panorama da carreira da artista a partir de uma divisão em três partes que remetem às categorias – ou esferas de trabalho – que dão nome às séries de pinturas de Lucia Laguna: “Paisagem e arquitetura”, “Jardim e mundo” e “Estúdio e janela”.

A edição, bilíngue, conta ainda com três textos inéditos. Em “A artista de janelas abertas”, o escritor e historiador Luiz Antonio Simas discorre sobre a genealogia do bairro do Rocha e da influência do subúrbio, visto pelas janelas do ateliê, na obra de Laguna. Já em “Em busca do Jardim de Laguna”, a curadora Diane Lima se debruça sobre a relação da artista com os grandes mestres da pintura, assim como com seu próprio jardim, além de abordar seus procedimentos pictóricos. Marcelo Campos, organizador da publicação, constrói em “A travessia de mundos banais” um ensaio no qual articula elementos fundamentais para compreender a obra da pintora: a observação do cotidiano, a influência da geografia da cidade, o método, a disciplina e as referências à história da arte.

As correspondências são infinitas e o ato de escrever sobre a produção de Lucia Laguna nos coloca diante de um desfazer de enganos. Aproximar-se desta obra de mais de uma centena de pinturas é, também, viver a cidade, buscar nos quintais as reflexões, e, de outro modo, assumir a mobilidade que retira qualquer recalque antes estimulado por uma comparação entre nacionalismo e internacionalismo, figuração e abstração. Poder escrever sobre uma artista em consonância a sua vigorosa criação coetaneamente ao seu processo de produção nos faz rever os vícios históricos que deixavam a produção de mulheres artistas somente destinadas ao resgate. Aqui, vida e obra nos colocam diante de uma trajetória de conquistas aguçada pelo desejo de seguir adiante, permanecer, querer ser, escreviver, como nas palavras de Conceição Evaristo.

Marcelo Campos

 

Sobre a artista

Lucia Laguna nasceu em Campos dos Goytacazes em 1941. Vive e trabalha no Rio de Janeiro. Lucia ainda era professora de português quando fez experimentos à la Lygia Pape, sem ter a menor ideia de que já́ era uma artista: ela levava os alunos para uma sala escura, onde colocava potes com água, álcool, areia, sal, entre outros elementos. A ideia era fazê-los usar outros sentidos, que não a visão, para estimular a linguagem e, assim, incrementar as redações. Laguna vive e trabalha em São Francisco Xavier, RJ, mas sua mente e olhos vão e vem, miram o interior e o exterior. Muito além de uma busca formal ou social, as telas de Laguna são sobre diálogos visuais, entre seus gestos e os dos assistentes. Davi Baltar, Claudio Tobinaga e Thiago Pereira começam as narrativas para, em seguida, ela entrar numa dança de formas, cores e signos. Se o futuro é coletivo, ele está aqui. E se for possível resumir esses trabalhos em uma palavra, é “generosidade”.

 

Sobre o organizador

Marcelo Campos é carioca e vive e trabalha no Rio de Janeiro. É curador-chefe do Museu de Arte do Rio (MAR), diretor do Departamento Cultural da Universidade Estadual do Rio de Janeiro (UERJ) e membro dos conselhos do Museu do Paço Imperial e do Museu Bispo do Rosário de Arte Contemporânea. Desde 2004 curou diversas exposições como À Nordeste (SESC 24 de Maio, 2019); O Rio do Samba (Museu de Arte do Rio, 2018); Orixás (Casa França Brasil, 2016) e Bispo do Rosário, um Canto, Dois Sertões (Museu Bispo do Rosário de Arte Contemporânea, 2015). É doutor em Artes Visuais pela Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ), professor do Departamento de Teoria e História da Arte do Instituto de Artes da UERJ e da Escola de Artes Visuais do Parque Lage. Campos é autor de Escultura contemporânea no Brasil: Reflexões em dez percursos (2016) e possui textos publicados sobre arte brasileira em inúmeros livros, catálogos e periódicos nacionais e internacionais.

 

Sobre os autores

Diane Lima é baiana e vive entre São Paulo e Salvador. É curadora, escritora e pesquisadora. Mestra em Comunicação e Semiótica pela Pontifícia Universidade Católica de São Paulo (PUC-SP), é docente da Especialização em Gestão Cultural Contemporânea do Itaú Cultural e suas palestras, textos e participações já ressoaram em instituições como Museum of Modern Art (MoMA, NY), Pérez Art Museum Miami, Patricia Phelps de Cisneros Research Institute, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio), Museu de Arte de São Paulo (MASP) e outros. Seus projetos são marcados pelo pioneirismo no debate sobre práticas artísticas e curatoriais em perspectiva descolonial em instituições brasileiras. É ainda pesquisadora/curadora convidada do Programa de Curadoria Crítica e Estudos Decoloniais em Arte no acervo do Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC-USP) em parceria com a Getty Foundation.

 

Luiz Antonio Simas é carioca, vive e trabalha no Rio de Janeiro. É escritor, professor, historiador, educador e compositor. É autor e coautor de mais de vinte livros, além de ter uma centena de ensaios e artigos publicados sobre carnavais, folguedos populares, macumbas, futebol e culturas de rua. Foi colunista do jornal O Dia e jurado do Estandarte de Ouro, prêmio carnavalesco do jornal O Globo. Recebeu o Prêmio Jabuti de Livro de Não Ficção do ano de 2016, pelo Dicionário da história social do samba, escrito em parceria com Nei Lopes. Foi finalista do Prêmio Jabuti de 2018 e 2020, na categoria Crônica. Também ao lado de Nei Lopes, assinou a curadoria textual da mostra Semba/Samba: Corpos e Atravessamentos – Brasil e África (Museu do Samba, 2021).

 

Ficha Técnica

Título: “Lucia Laguna”

Autores: Marcelo Campos, Diane Lima, Luiz Antonio Simas

Organizador: Marcelo Campos

Idiomas: Português, Inglês

Número de páginas 224

ISBN 9786556910482

Editora Cobogó

Capa e projeto gráfico de miolo Bloco Gráfico

Encadernação Capa dura

Formato 21 x 26

Ano de publicação 2021

Lucia Laguna

Diane Lima

Luiz Antonio Simas

Lucia Laguna

Marcelo Campos (org.)

R$ 150,00

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A história do tear

07/abr

 

 

O Instituto de Pesquisa Histórica e Arqueológica do Rio de Janeiro e o Memorial da Humanidade convida para o evento “OS FRUTOS DO TEAR – PATRIMÔNIO INDUSTRIAL FLUMINENSE DO SÉCULO 19 AOS DIAS DE HOJE ” a ser realizado no dia 16 de Abril das 15:00 às 19:30 h. Em Ancheta, Rio de Janeiro, RJ.

 

O evento contará com palestras sobre os primórdios e evolução da Tecelagem e das suas transformações durante a Revolução Industrial do Século XVIII e a implantação das primeiras fábricas de tecido no Brasil . Tomando como exemplos de casos, especialistas farão exposições sobre as fábricas de Paracambi e de Bangu .

 

A programação do Seminário será como segue:

 

Boas Vindas – 15.00 h

Conferência 1 – 15:15 as 16.05 h (50 minutos)

Prof Ms Claudio Prado de Mello

Título: “Tecelagem : História/ Sociedade e Patrimônio por trás dos tecidos ”

 

Conferência 2- 16:15 às 17.05 h (50 minutos)

Prof Ms Davi Romeiro Neto

Título: “Companhia Têxtil Brasil Industrial: Da Fabrica de Tecidos à Usina de Memória, Conhecimento e Cidadania ( título provisório )”

 

Conferência 3- 17:15 às 18.05 h (50 minutos)

Prof Ms Vitor Almeida

Título: “A Cidade, a Freguesia e a Fábrica: a Belle Époque Suburbana e a Industrialização na Freguesia de Campo Grande”

 

Lançamento do Livro a partir das 18.05 h – “A Cidade, a Freguesia e a Fábrica: A Belle Époque Suburbana e industrialização da Freguesia de Campo Grande” com seção de autógrafos do autor Prof . Vitor Almeida

 

Visitação Guiada à Exposição com instrumentos e artefatos relacionados a Tecelagem Antiga a partir das 18:20 h. Mas aberta a visitação desde 15 h

 

COFFEE BREAK gratuito a partir das 18:40 h

 

O valor da contribuição antecipada para o evento será de R$ 20,00. No dia, a inscrição será de R$ 25,00.

 

As inscrições antecipadas já podem ser feitas pelo email ipharjeventos@gmail.com ou por mensagens de Whatsapp (21) 989131561

 

 

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