O Museu de Arte Sacra de São Paulo anuncia a transmissão – pelo Instagram – da live entre a artista plástica e designer de joias Elisa Stecca e o artista plástico brasileiro, fotógrafo e multimídia Alex Flemming. A abordagem será nesta quinta-feira, dia 24 de setembro, às 17h30min, sob o tema “Conexões artísticas: São Paulo e Berlim”
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Thomaz Rosa na Artsy
22/set
A Bergamin & Gomide, Jardins, São Paulo, SP, tem o prazer de apresentar obras do artista Thomaz Rosa na Latitude Art Fair, que acontece de 24 a 27 de setembro, na plataforma Artsy.
O cerne do trabalho do Thomaz é a relação do pensamento e da prática. O pensamento da pintura e pensamento do pintor são elementos intrínsecos ao seu processo criativo, que perpassam as questões clássicas e atemporais da prática da pintura, mas que encontram significado na essência da execução.
Sobre o artista
Linhas, grafismos, gestos reflexivos, composições a partir de pontos e formas concretas, analogias verbais de imagens: marcas presentes na obra de Thomaz Rosa. Seus trabalhos são pensados como construções autônomas capazes de descrever a sensação do processo criativo – entre um idealismo romântico e um planejamento racional diante a tradição moderna. As obras de Rosa parecem sempre questionar sua inserção no mundo, de forma semiológica, onde a obra tenta de forma recíproca conviver com a história. A prática de Thomaz tenta re-processar, por meio de suas próprias línguas em prosa, as influências que, subjetivamente, ele escolhe como uma referência entre vários pintores-artistas, brasileiros ou não, em momentos específicos da própria produção. Essas escolhas mantêm um caráter transeunte com a coisa, uma caminhada que parte sem um objetivo claro, em que caminhar sem destino faz do eu um flâneur no meio dessas escolhas, intrincando uma interação entre matéria e significado. Assim, as discrepâncias entre singularidade e todo, indivíduo e história, experiência pessoal e significação, passam a assumir uma forma cristalina. A memória simbólica, sua força empírica e a vivência imediata do artista com a obra tomam corpo no projeto. O objetivo último de Rosa é mostrar uma pintura que fala de pintura; mostrar uma ou mais declinações de várias linguagens, porque a linguagem é fluida e mutável, e, assim como a arte de Thomaz, caminha em constante evolução. por Luiza Teixeira de Freitas
Thomaz Rosa (1989). Vive e trabalha em São Paulo. Em 2009, iniciou sua formação em Bacharelado e Licenciatura em Artes Visuais pelo Instituto de Artes da Universidade Estadual de São Paulo – UNESP. Entre 2012 e 2013, fez residência na Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto – FBAUP, em Portugal. Fez assistência para artistas como Lucas Arruda, Claudio Cretti, Caetano de Almeida, Marina Rheingantz, Paulo Monteiro e Sergio Sister. Em 2016, participou das exposições “Oito Artistas” na Galeria Mendes Wood DM, organizada pelos artistas Bruno Dunley e Lucas Arruda; “Circumscriptio, Compositio, Receptio Luminum” na BFA Boatos Fine Arts; “Um desassossego” na Galeria Estação; e a coletiva “Na soleira da noite” na Galeria Sancovski. Em 2017, realizou sua primeira individual “Unwelt” na BFA Boatos. No ano de 2018, fez residência artistica no PIVÔ. Em 2019, participou da exposição “Fevereiro” na Mendes Wood DM; e realizou sua segunda exposição individual e primeira na Europa “Intorno alla mia cattiva educazione” na galeria Castiglioni, em Milão. Também em 2019, organizou o projeto “Featuring” em parceria com os artistas Leandro Muniz e Marcelo Pacheco, e exposição no Ateliê Massapê. Em 2020, participou da coletiva Entre Bordas no SESC Santo André com curadoria de Paula Braga.
Incêndio florestal destrói troncos que iriam compor intervenção Tulio Dek. Abertura adiada para 25 outubro .
17/set
Exibição adiada
Um devastador incêndio florestal ocorrido no dia 12 de setembro, sábado, em Oliveira de Frades e na Serra dos Candeeiros, próximo a Lisboa, destruiu os 500 troncos de árvores que iriam esta semana para a montagem da intervenção do artista brasileiro Tulio Dek no Jardim do Torel, na capital portuguesa. Cedidos pelo governo português, os troncos eram oriundos de incêndios anteriores no país. Consternados com a amplitude dos incêndios, que desde julho assolam a região central do país, os dirigentes da Junta de Freguesia de Santo Antonio – que administra o Jardim do Torel – prorrogaram a abertura da exposição para o próximo dia 25 de outubro.
Tulio Dek, comenta o fato: “Fiquei muito triste ao saber do incêndio. Por outro lado, vejo isso como um sinal de que estamos no caminho certo, pois é exatamente este o tema abordado. A vida segue imitando a arte. Acho que quando nos propomos a fazer grandes projetos com o objetivo de mudar o mundo , o mundo também pede uma grande mudança dentro de nós. Remarcada para o dia 25 de outubro, tenho certeza de que a intervenção terá um impacto ainda maior”.
Matrioshka, mostra coletiva
A Bergamin & Gomide, Jardins, São Paulo, SP, e o Projeto Vênus têm o prazer de apresentar a coletiva “Matrioshka”, com obras das artistas Flora Rebollo, Giulia Puntel, Janina McQuoid e Paula Scavazzini. A exposição acontece de 19 de setembro a 31 de outubro de 2020.
“Matrioshka” parte de um processo criativo coletivo através de encontros virtuais entre as artistas, o Projeto Vênus e a equipe da Bergamin & Gomide.
A exposição será em 3 atos porque serão 3 os momentos em que a montagem poderá ser reconfigurada, assim, constitui-se como impermanente, uma vez que o espaço expositivo estará suscetível a transformações conforme as obras vão sendo inseridas, reorganizadas ou retiradas.
Enquanto a exposição estiver em cartaz, o conteúdo de comunicação também seguirá o fluxo dessas novas inserções de obras e diálogos. O público poderá acompanhar simultaneamente nas nossas redes sociais as transições da exposição, bem como a imprensa, que terá acesso aos novos materiais produzidos até o encerramento da coletiva.
Visitação: Segunda a sexta-feira das 10 às 19 horas, sábados das 11 às 15 horas.
*O uso de máscara é obrigatório em espaços de uso coletivo.
Turbulências Cerâmicas
14/set
A Galeria Simões de Assis, Jardins, São Paulo, SP, apresenta entre os dias 19 de setembro e 31 de outubro, a exposição “Turbulências Cerâmicas” individual de Juan Parada na qual explora uma via escultural inteiramente diferente. Seus relevos, nascem da alquimia da cerâmica e de seu lento processo – orquestrado pela mão e pelo calor do fogo – que leva do “húmus” da terra ao “lápis-lazúli” da pedra. No entanto, diferentemente da cerâmica milenar, essa transmutação não para na queima, mas se estende pelo aspecto versátil das obras e pelas suas muitas ressonâncias com a vida.
As turbulências cerâmicas de Juan Parada
Na era atual das impressoras 3D que expelem vagarosamente um fio de plástico derretido para materializar uma sequência digital de abscissas e ordenadas, Juan Parada (nascido em Curitiba, em 1979, atualmente vivendo e trabalhando em São Paulo) explora uma via escultural inteiramente diferente. Seus relevos, dos quais trataremos aqui, nascem da alquimia da cerâmica e de seu lento processo – orquestrado pela mão e pelo calor do fogo – que leva do “húmus” da terra ao “lápis-lazúli” da pedra. No entanto, diferentemente da cerâmica milenar, essa transmutação não para na queima, mas se estende pelo aspecto versátil das obras e pelas suas muitas ressonâncias com a vida.
Com efeito, o processo de realização dessas pinturas em relevo mostra-se livre de nostalgia do artesanal, na qual Last tweaks Os diversos micro-padrões e modulações luminosos revelam-se apenas ao observador atento, como em Estratificação Geométrica (2019), na qual a forma facetada de cada módulo produz um jogo de luz e sombra, dando a impressão de cores e tons instáveis. A cerâmica é considerada por Parada um “meio elástico”, de “natureza mais subversiva”, ao contrário das limitações impostas pelo seu uso tradicional. Assim moldada e harmonizada na sua composição, cada obra surge como um labirinto dotado de mil entradas e saídas, através do qual o olhar – canalizado, pois submetido a esta condução hipnótica – retorna constantemente em seu caminho. As correntes e ondas petrificadas, como que interrompidas em seu movimento, tal qual fragmentos congelados de um continuum, retêm o olhar – tem-se aqui em mente The Great Wave off the Coast of Kanagawa, a famosa gravura de Hokusai (1830).
A complexa geometria ondulatória que norteia principalmente os patterns óticos de Estranhos Atratores I e II é herdada de artistas do neoconcretismo. Podemos citar, por exemplo, Lygia Clark. Seu primeiro Bicho, em 1960, já aliava o rigor geométrico à variabilidade dos seres vivos, e foi dado a Sérgio Camargo, cujos relevos monocromáticos, povoados por pequenos cilindros cortados, eram igualmente ambíguos. Além dessa referência óbvia, Parada também toma emprestado o movimento característico de seus patterns da arte cinética dos anos 1960 e 1970, como de Bridget Riley, Enrico Castellani e Abraham Palatnik. No entanto, seus relevos, como Linhas de Força (2016), remetem a elementos biológicos – como teias de aranha e a carapaça ou pele de certos répteis – pois Juan Parada apresenta acima de tudo uma estética naturalista, orgânica (mesmo visceral). Pequenas ondas de areia criadas pelas correntes marítimas lhe servirão, por exemplo, de ponto de partida para os relevos da série Elogio à Água (2018), cujos moldes foram confeccionados diretamente nas praias de Superagui (especialmente preservadas da presença humana).
Uma história naturalista, até mesmo ecológica, se revela igualmente nas primeiras esculturas de vidro transparente em forma de colmeia e com conteúdos vegetais diversos (Série Invólucros, 2013-15), destinadas a serem inseridas nos relevos arquitetônicos. Já os Volumes Simbióticos (2011-12) evocam as formas básicas da Minimal Art – como os L-Beams (1965) de Robert Morris –, mas com uma das superfícies, externa ou interna, dotada de abundante vegetação. Essas formas por vezes chegam a envolver o observador – à maneira de Anish Kapoor –, mas em uma matriz muito densa, constituída de plantas e flores (Memória da Matéria, Museu da Gravura, Curitiba, 2012). Aliás, somente em 2018 esse tipo de ambiente foi mineralizado, com a obra Glaciares, que incorpora uma superfície all-over em cerâmica monocromática. Trata-se de um quadro panorâmico de imersão, evocando a curva panorâmica das Nymphéas, de Claude Monet, no Museu Orangerie em Paris (1915-26).
Mesmo que a forma em tondo (circular) de certos relevos ecoe a história da shaped canvas, Parada direciona o espectador ao interior do padrão visual, em vez de lhe oferecer um objeto de estudo a ser observado à distância, friamente (temos aqui em mente Mark Rothko ou Barnett Newman, que preconizavam uma distância reduzida entre suas obras e os espectadores, no intuito de aumentar a sensação de imersão). Esse tropismo de absorção – tanto do olhar como do corpo – é essencial nas pinturas em relevo. Tal prática é, aliás, um paradoxo em Parada: faz coexistir, e isso não é simples, o caráter ondulatório e fenomênico da vida com a invariável dureza do “lápis-lazúli”, o rigor geométrico do pattern e a materialidade curvilínea dos relevos, cujas saliências e reentrâncias evocam as do corpo humano. Um relevo recente, Cascata Invertida (2020), apresenta claramente um motivo de onda, é verdade, porém voltada para cima, invertendo o sentido da gravidade. Várias excrescências, ora orgânicas, remetendo a vísceras, ora geológicas, evocando rochas, emergem dessas ondas verticais. A sua estranheza, podendo despertar certa aversão, refuta o registo ornamental ao qual se poderia erroneamente associar o artista. Essa prática, que se desenvolve há cerca de dez anos, por mais singular e promissora que seja, insere-se em uma perspectiva histórica mais ampla.
O fazer artístico de Parada tem suas raízes nos anos do pós-guerra, quando se misturam arte abstrata e psicologia da percepção, régua óptica e traço manual, cinetismo e neoconcretismo, geometria e psicodelia. Entre os atores de vanguarda, o alemão Heinz Mack, – fundador do grupo ZERO, em 1957, com as obras intituladas Metallreliefs ou Lichtreliefs – estabelece um diálogo constante, importante para Juan Parada, entre ordem e caos, matéria e luz. Embora abstratas, suas duas obras evocam a ação de elementos naturais – luz do sol, vento e chuva em superfícies aquáticas ou desérticas –, cuja aparência não deve nada ao acaso, mas surge da ação de forças fluidas sobre um material maleável – sem desconsiderar, ao mesmo tempo, a rigorosa economia de meios visuais de Lee Ufan (dando simples toques de tinta em relevo em telas imaculadas). O resultado geral desse processo evoca, naturalmente, os tecidos plissados e recobertos com caulim branco de Piero Manzoni, para sua série de “Achromes”. Porém, enquanto o trabalho do italiano lembra as dobras das esculturas da Antiguidade, as obras de Mack e de Parada distinguem-se por seu eco natural e sua dinâmica perceptiva.
Heinz Mack expressou do seguinte modo esse desejo de separar a parte fenomênica e perceptiva da obra de seu suporte estritamente material: “Eu não enxergava mais um relevo de metal, mas uma estrutura vibrante e pulsante, feita de luz. Minha impressão era de que a estrutura pairava sobre o relevo de metal, dele se separando, como o reflexo da luz no mar que começa a vibrar sob o sol intenso, assumindo a aparência de um tapete de luz feito de reflexos de uma luz dançante”[1]. Com outros termos estéticos e materiais, Juan Parada pretende, através de uma matriz material e tangível, tornar-nos conscientes da natureza ondulatória, rítmica e corporificada da vida, como resistência última ao devir digital do mundo.
Prof. Dr. Matthieu Poirier
[1] Heinz Mack, citado por Yvonne Schwarzer [tradução nossa], Das Paradies auf Erden schon zu Lebzeiten betreten. Ein Gespräch mit dem Maler und Bildhauer Heinz Mack, Witten, ars momentum Kunstverlag GmbH, 2005, p. 15.
A Gentil Carioca, ano 17
09/set
17 Anos A Gentil Carioca [17 Years A Gentil Carioca]
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MAM Río #Abertoparatodos
08/set
Após quase seis meses com as portas fechadas, reabriremos o MAM Rio, Parque do Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, no sábado, 12 de setembro, trazendo várias novidades: um cuidadoso protocolo de segurança, novas exposições, novos horários e uma nova forma de interagir com o museu – sem cobrança obrigatória de ingresso. ⠀
Desde março, muita coisa aconteceu. Amigos queridos e artistas geniais foram perdidos para a Covid-19. Diversos museus fecharam. E enfrentam muitos desafios para retomar as atividades.⠀
Mesmo em meio à crise, procuramos nos reinventar. Fizemos um amplo processo de escuta dos públicos. Adotamos o home office. Nos recriamos no ambiente digital, com oficinas educativas e festivais de cinema online. Fizemos uma limpeza total dos dutos de ar-condicionado. Abrimos uma convocatória de residências e bolsas de pesquisa em parceria com o Capacete recebendo centenas de propostas. Contratamos novas pessoas e lançamos uma chamada aberta internacional que escolheu a dupla Keyna Eleison e Pablo Lafuente como a nova diretoria artística do museu. ⠀
Agora estamos reabrindo as portas, comprometidos com a visitação de todos os públicos, por meio da contribuição sugerida, que traz a opção do ingresso gratuito. Com isso, confiamos a você a opção de pagar o valor sugerido, contribuir com outro valor ou entrar de graça. O convite à colaboração espontânea é uma nova forma de apoiar o museu como puder.⠀
E estamos confiantes em trazer uma experiência segura aos visitantes. A arquitetura do MAM oferece um espaço amplo de circulação nas áreas expositivas e externas. Com isso, o museu consegue controlar o fluxo, o distanciamento mínimo de 1,5 metro, oferecendo a você um dos espaços culturais mais seguros na cidade. ⠀
Nos próximos dias, você poderá reservar seu ingresso em www.mam.rio e verificar tudo sobre as novas exposições. ⠀
Venha nos ver neste sábado. Ou quando sentir que é o seu momento de sair de casa. A partir de agora, mais do que #Abertos, estamos #Juntos. Um museu para todos, todas e todos.⠀
Agradecemos a Petrobras, Itaú Cultural, Ternium mantenedores do MAM Rio pela Lei Federal de Incentivo a Cultura e ao Grupo PetraGold, patrocinador.
Fábio Schwarcwald
ARTRio on line
04/set
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Acontece no MAM Rio
02/set
O dia 02 de setembro – data que marca os dois anos do trágico incêndio que destruiu o Museu Nacional – o MAM Rio dará início ao “Programa Intervenções”, que comissiona artistas visuais para criarem projetos para as áreas externas da instituição. A obra “Noite de Abertura”, que apresenta um vídeo e uma escultura de Thiago Rocha Pitta, ambos inéditos, inaugura o programa curatorial de Fernando Cocchiarale e Fernanda Lopes.
No vão livre do museu, foi instalada uma escultura que se apropria da estrutura de uma fogueira à espera de ser acesa, com uma porta fixada em seu topo.
No foyer, uma projeção de grandes dimensões exibirá uma fogueira queimando continuamente, até a total destruição da porta. Graças à configuração arquitetônica do local, a imagem extrapola os limites da tela e reflete, não só no piso de granito preto, mas através das paredes de vidro do museu, transformando o espaço em uma grande fogueira imagética.
Texto: Fabio Szwarcwald
Arte Urbana
28/ago
Em setembro, o Rio de Janeiro será palco do “Rua Walls”, projeto de arte pública, aberta e acessível que contará com a participação de 18 artistas. Eles irão transformar 1,5 Km dos muros dos Armazéns da Zona Portuária, na Av. Rodrigues Alves, em obras de arte. Cada convidado será responsável por produzir um mural em 30 noites a partir do dia 22/08 com auxílio de 14 plataformas elevatórias distribuídas ao longo do trecho. O início da exposição está previsto para o dia 27/09. O projeto de urbanismo tático foi criado pela produtora Visionartz, que há mais de 10 anos desenvolve na região ações e revitalização urbana, sempre associadas ao desenvolvimento social por meio da arte.
Mais do que uma exposição artística, a iniciativa serve como ferramenta de revitalização da região e movimentação da economia local, impactada pela crise do coronavírus. De acordo com André Bretas, um dos idealizadores do evento, o Rua Walls traz um novo colorido para o bairro em um momento tão cinzento. “As pinturas revitalizam a cidade e podem ser vistas de dentro do carro, ônibus ou por pessoas que estejam passando pelo local a turismo ou não”, explica. Os passantes poderão admirar as obras, que estarão expostas na altura do prédio AQWA Corporate, Túnel Marcelo Alencar até a Rodoviária Novo Rio.
O Rua Walls faz parte de um novo projeto urbanístico da região que tem como objetivo integrar a Região Portuária à vida cultural e profissional da cidade. “A Zona Portuária ficou muito atrativa com a revitalização urbana realizada nos últimos anos e, agora, a Companhia Docas do Rio de Janeiro tem a oportunidade de também colaborar nesse trabalho com a implementação do projeto Rua Walls nos muros do nosso Porto do Rio de Janeiro, em parceria com empresas arrendatárias dos terminais”, afirmou o diretor-presidente da CDRJ, Francisco Antonio de Magalhães Laranjeira.
Para o presidente Laranjeira, as pinturas que contemplarão os muros externos do porto, entre os armazéns 10 e 18, estreitarão a relação porto x cidade: “A Avenida Rodrigues Alves será transformada em um verdadeiro museu à céu aberto, atraindo cidadãos cariocas e turistas ao Porto do Rio de Janeiro, o que certamente vai promover ainda mais a região, já consolidada como referência histórica e cultural”.
O projeto oferece ao público a oportunidade de consumir e admirar manifestações artísticas de artistas visuais talentosos do cenário atual. Atividades ao ar livre já são uma prática atuante entre cariocas e turistas, e as obras surgem para reforçar o lazer da população através do urbanismo tático na Zona Portuária da cidade. Vale ressaltar que, durante a concepção do Rua Walls, também será realizada a pintura artística nos muros da Escola Municipal General Mitre, no Morro do Pinto. A ação faz parte do projeto “Voltando às Aulas”, liderado por Ricardo Célio, um dos artistas escalados.
Dentre os nomes confirmados para execução das obras estão: Agrade Camís, Amorinha, Bruno Lyfe, Célio, Chica Capeto, Diego Zelota, Doloroes Esos, Flora Yumi, Igor SRC, Leandro Assis, Luna Bastos, Mariê Balbinot, Marlon Muk, Miguel Afa, Paula Cruz, Thiago Haule, Vinicius Mesquita e Ziza.
Cuidados e interdições
Com a pandemia da COVID-19 os cuidados foram redobrados. A equipe de produção foi reduzida e estão sendo seguidas todas as recomendações do Ministério da Saúde. As pinturas serão feitas durante a madrugada, período em que a avenida permanece interditada para o trânsito.
Sobre o Rua Walls
Rua Walls é um projeto de urbanismo tático da produtora Visionartz, que há mais de 10 anos desenvolve na região ações de revitalização urbana associada ao desenvolvimento social por meio da arte. A ação contará com a participação de 18 artistas que serão responsáveis por transformar 1,5 Km dos muros dos Armazéns da Zona Portuária, na Av. Rodrigues Alves, em obras de arte.
Dentre os patrocinadores do evento estão: Triunfo Logística, ICTSI Rio Brasil, Multiterminais, Terminal de Trigo do Rio de Janeiro – TTRJ, Lei Municipal de Incentivo à Cultura, Prefeitura do Rio de Janeiro, Secretaria Municipal de Cultura – SMC. Sherwin Willians e Color Gin Arte Urbana são as marcas das tintas oficiais e a Otima é o mídia partner. Os apoiadores são: Companhia Docas do Rio de Janeiro, Hotel Mar Palace Copacabana, Tishman Speyer, Veloe, Taeco, Pincéis Atlas, Faria Cendrão e Maia – FCM Law. O projeto conta ainda com o apoio institucional da Companhia de Desenvolvimento Urbano da Região do Porto – CDURP.