Arquivos da Categoria: Locais

Três artistas na Inox

05/fev

Chama-se “ Diálogo: Um Chão Para Brincar, Um Céu Para Voar”, exposição coletiva dos artistas Adrianna eu, Lívia Moura e Renato Bezerra de Mello, com curadoria de Isabel Portella,  na Galeria Inox, Shopping Cassino Atlântico, Copacabana, Rio de Janeiro, RJ. Em exibição: cinco objetos, dois desenhos, um vídeo, uma fotografia e duas instalações. Um diálogo sutil entre esses três artistas. Ao se apropriarem sutilmente de suas poéticas eles criaram diálogos entre si, traçaram pontes, caminhos e comungaram das mesmas questões. O olhar desses artistas alcança outras verdades. Escadas, gaiolas e espirais guardam visões e ampliam o olhar do espectador.

 

Adrianna eu apresenta uma instalação e dois objetos que abordam o campo dos afetos, tema recorrente em seus trabalhos. Depois de uma visita ao oftalmologista e a possibilidade de “corrigir” seu grau, por meio de uma cirurgia, a artista decidiu não mudar nada para que seu olhar singular sobre o mundo se mantivesse. Logo depois, começou a esboçar uma série inteira de trabalhos relacionados a esse tema, que vai ser apresentando na Galeria Inox. São óculos antigos, suspensos no ar, que hora estão ligados por costura, hora pendem do teto da galeria na altura dos olhos, seguros por fios transparentes, hora se agrupam dentro de uma gaiola de pássaros. Para a artista, eles questionam as distâncias, os padrões, o que é perto e o que é longe na relação com o outro, com si mesmo e com o mundo.

 

Depois de alguns diálogos com o grupo, Lívia Moura teve uma sensação que a acompanha desde pequena, quando está para dormir, naqueles instantes de vigília. Uma sensação de ser extremamente minúscula em um espaço gigantesco ou ser gigantesca num espaço extremamente minúsculo. Desse sentimento, veio a instalação “Vigília”, criada em Lisboa e banhada na água benta do santuário de Nossa Senhora de Fátima. Quase como um altar, a escada de rendas brancas fica pairando no ar e se desmancha em uma nuvem. Ela não toca o chão, mas um fio ligado a ela chega até o chão e se espalha pela sala. No fim do fio está o rolo de linha que a tudo originou. As rendas são uma marca no trabalho da artista, onde atuam como uma rede de conexões com a grande paisagem, com a totalidade.

 

Renato Bezerra de Mello mostra um conjunto de obras em diferentes mídias (um vídeo, três objetos, um desenho e uma fotografia) tendo como ponto de partida o vídeo “Um chão para brincar”, no qual o artista trava um embate inglório com pequenos tubos de papel, muito leves, que tenta a todo custo manter de pé, sem muito sucesso. Este movimento contínuo evoca primeiramente a visão do perfil de uma grande cidade e suas constantes transformações, mas o espectador não deve se prender a isto, estabelecendo outras relações. Na sua queda os tubos emitem um belo som, compondo uma discreta peça musical surgida do acaso. Esses mesmos tubos serão apresentados na exposição, quer seja deitados sobre uma superfície plana (nos fazendo pensar numa maquete de uma pequena biblioteca de rolos em pergaminho); ou recolhidos em pequenos rolos condicionados em pequenas caixas, uns dentro dos outros. Além disso, numa alusão aos tubos também vai mostrar uma nova série de desenhos em grafite. Por fim, vai exibir uma fotografia escolhida entre várias que costuma fazer durante a elaboração de suas obras, um fragmento do seu processo de trabalho.

 

 

Adrianna Eu

 

Nasceu no Rio de Janeiro, em 1972, onde reside e trabalha. É formada pela EAV-Parque Lage. Realizou sua primeira exposição individual em 2005, Trabalhos Recentes, Comemorativa de 20 anos do Paço Imperial/RJ. Participou de diversas exposições coletivas nacionais e internacionais. Tem como um de seus temas as relações das pessoas com a própria identidade. Gosta de pensar que sua trajetória é traçada pelo desejo.

 

 

Lívia Moura

 

Lívia Moura, 27 anos, nasceu e cresceu no Rio de Janeiro. Iniciou sua pesquisa poética nas artes plásticas aos 15 anos. Frequentou a Escola de Artes Visuais do Parque Lage, formou-se no Instituto de Artes da UERJ. Atualmente, vive e trabalha entre o Brasil e a Itália. Seus desenhos são como uma planta de arquitetura que se desdobra em instalações e performances. O resultado é uma produção multimidiática que inclui livros, fotografias e vídeos. Em março, Lívia fará uma exposição invidual na galería Dino Moora, em Nápoles, Itália.

 

 

Renato Bezerra de Mello

 

Natural de Pernambuco, mora no Rio de Janeiro há 30 anos, tendo trabalhado como arquiteto no restauro de bens tombados até o início dos anos 2000, quando vivendo em Paris passou a dedicar-se exclusivamente às artes plásticas. Já fez exposições em varios lugares do mundo e no Brasil. No momento, participa de uma exposição coletiva Play, no Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea, no Rio de Janeiro, assim como da itinerância da 17ºBienal de Cerveira, em Portugal.

 

 

De 19 de fevereiro a 22 de março.

0

RAQUEL ARNAUD APRESENTA DANIEL FEINGOLD

30/jan

Em 2014, quando Raquel Arnaud, Vila Fidalga, São Paulo, SP, completa 40 anos de dedicação à arte contemporânea, sua galeria inicia as atividades com uma exposição de telas e fotografias de Daniel Feingold. O conjunto de obras estabelece narrativas entre o espaço e seus desdobramentos, planos cromáticos e suas dobraduras, e revela uma longeva ambição por transcendência – o fundamento da poética do artista. Com curadoria do crítico norte-americano Robert C. Morgan, serão apresentadas oito telas e aproximadamente 30 fotografias.

 

O térreo da galeria foi dividido em dois ambientes, cada um recebendo uma família distinta de pinturas. O primeiro ambiente reúne duas pinturas monocromáticas preto sobre branco, também dípticos, intituladas “Yahweh”, Deus Judaico. De acordo com Robert C. Morgan, a escolha do “Deus Judaico” como título da série sugere mais do que um processo estritamente formal e a maneira com que a tinta escorrida (esmalte sintético), forma uma sorte de escrito religioso não é insignificante. “Ao contrário, é a própria essência que o artista está se esforçando para obter, como se a imprevisibilidade relativa da ação da tinta fosse parte de um plano aleatório, um universo construído sobre o impulso criativo, sugerindo uma espécie de espelho ou reflexão sobre o significado do ato criativo”, completa o curador.

 

No segundo ambiente estão os dípticos “Estrutura” e “Sócrates na Alice”. “São faixas formadas com tinta derramada (esmalte sintético), que não se movem em uma única direção e se cruzam com o uso de cores (principalmente primárias) de maneira altamente controlada, sugerindo uma versão mais comprimida de Mondrian”, afirma o curador.

 

Já as cerca de 30 fotografias apresentadas no primeiro piso são parte da série  “Homenagem ao Retângulo,” em paráfrase ao quadrado homenageado por Joseph Albers. Todas são abstrações geométricas em preto e branco, criadas a da topiária das árvores do “Jardin des Plantes”, em Paris. As imagens de Feingold são caligráficas, conectando-as ao grupo de telas e a maneira do artista de lidar com a fotografia. Para Feingold, a fotografia é simplesmente outra ferramenta por meio da qual se pode descobrir a pintura. “Tanto na pintura quanto na fotografia, o trabalho de Feingold sempre foi caligráfico no sentido dos escritos (religiosos). Sua obra é uma busca persistente pela ordem sistêmica. É um tipo de escrita pictórica, uma condensação de palavras que invocam a sua consciência como pintor”, reflete Morgan.

 

 

Sobre o artista

 

Formou-se em Arquitetura na FAUSS, RJ 1983. Estudou: História da Arte e Filosofia com o crítico Ronaldo Brito, UFRJ 1988-1992; Teoria da Arte & Pintura e Núcleo de Aprofundamento, EAV Parque Lage, RJ 1988-1991; Mestrado no Pratt Institute, NY 1993. Principais exposições individuais: Galeria Mercedes Viegas, RJ 1997; “Espaço Empenado,” Paço Imperial, RJ 2001; “Amigos da Gravura,” Fundação Castro Maia, RJ 2001; Galeria Candido Portinari, UERJ, RJ 2002; “Pintura,” Centro Universitário Maria Antonia, SP 2003; Galeria Marília Razuk, SP 1996, 1999; Galeria Raquel Arnaud, SP 1996, 1999, 2002, 2006, 2014; Atelier Sidnei Tendler, Bruxelas 2011; “Acaso Controlado,” MAM RIO, RJ 2013; “Pintura em Fluxo,” Múltiplo Espaço Arte, RJ 2013.  Principais exposições coletivas: CCSP, SP 1991; “Gravidade e Aparência,” MNBA, RJ 1993; “Coleção Chateaubriand, O Moderno e Contemporâneo na Arte Brasileira,” MASP, SP 1998; “Crossing Lines,” Art in General, NY 1998; “Artists in the Marketplace,” Bronx Museum, NY 1998; “O Beijo,” Paço Imperial, RJ 1998; “Gestural Drawings,” Neuhoff Gallery, NY 2000; 5ª Bienal do Mercosul, RS 2005; “Chroma,” MAM RIO, RJ 2005; “Itaú Contemporâneo Arte no Brasil 1981-2006,” SP 2007; “Minus Space at PS1 Contemporary Art Center,” NY 2008; “Escape From NY,” Minus Space curatorial, Sidney/Aus 2007, Melbourne/Aus 2009, Wellington/NZ 2010; “The Machine Eats,” Frederico Sève Gallery, NY 2010; “Arte Brasileira e Depois na Coleção Itaú,” Paço Imperial, RJ 2011; “Cinéticos e Construtivos,” Galeria Carbono, SP 2013. A Galeria Raquel Arnaud representa Feingold desde 1993.

 

 

 De 30 de janeiro a 08 de março.

0

LiliRoze na Lume

A Galeria Lume, Itaim Bibi, São Paulo, SP, abre a exposição “Acervo: LiliRoze”, da fotógrafa franco-suíça LiliRoze, com curadoria de Paulo Kassab Jr. Composta por 10 obras da coleção pessoal do curador, são exibidas fotografias das séries “Eden”, “Colors” e “Vanité”, nas quais a artista expressa suas fantasias em ensaios que retratam o sentimento da mulher em harmonia com a vulnerabilidade e delicadeza das flores. A abertura da mostra contará também com uma performance de dança da bailarina Marina Droghetti.

 

Em “Eden”, verifica-se um ambiente de certa forma “frio”, no que se refere à temperatura de cor, onde LiliRoze fotografa o corpo de uma mulher nua, interagindo com plantas verdes, cena que remete ao título da série. Já na série “Colors”, distante da fotografia realista e no limiar da pintura, a fotógrafa revela a memória de uma sensação, dando a impressão de entrar na intimidade de seus modelos. Contornos imprecisos vistos como reminiscências de um sonho. Tudo se concentra em um segundo de abandono onde a graça e a intimidade se misturam em um gesto suspenso no tempo. Por sua vez, “Vanité” é um estudo sobre a natureza morta que exibe a fragilidade e o efêmero da existência.

 

Usando uma câmera de grande formato e filmes de Polaroid, o trabalho de LiliRoze é imbuído de intimidade, tendo como fonte de inspiração o desnudamento, a ideia da fragilidade e do abandono. Com pouca luz, filmes de baixa sensibilidade e longos períodos de exposição, sua obra se aproxima mais do imaginar do que da realidade, trazendo um leve desfoque e nuances que traduzem a imaginação da artista.

 

Paolo Roversi, Sarah Moon, Joel-Peter Witkins, Duane Michals são algumas das inspirações de LiliRoze para fazer suas imagens impressionistas, como ela mesma define. “Nunca expresso uma representação do real e sim algo próximo do imaginário, em que as cores e as formas contam uma história original”, afirma. Para Lili, a fotografia é uma realidade, porém uma realidade que provém das visões do fotógrafo. E as visões trazem consigo nossas fantasias, intimidades, loucuras, e outras pequenas coisas sem procedência.

 

 

De 30 de janeiro  a 20 de fevereiro.

0

DUAS VISÕES

Com exposições simultâneas no Centro de Arte Hélio Oiticica, Rio de Janeiro, RJ, os artistas  Armando Queiroz, inspirado em Serra Pelada, e Alessandra Bergamaschi, sob o fascínio do Morro da Viúva, apresentam trabalhos que transitam entre a transformação de espaços naturais, destruição e beleza.

 

De um lado, o olhar retrospectivo sobre o estrago ecossocial operado em Serra Pelada pela exploração desordenada do ouro, nos anos 1970; de outro, a visitação consentida de um espaço emparedado pelas transformações urbanas no Rio de Janeiro. Duas histórias distintas, aproximadas pela poética e pelos suportes da fotografia e do vídeo. Dois olhares argutos a contar histórias que não se parecem, mas se irmanam. Assim são as exposições “Visitas”, de Alessandra Bergamaschi, e “Midas”, de Armando Queiroz.

 

 

A natureza oculta pelo concreto

 

Os mistérios de um espaço natural encoberto – o Morro da Viúva, de quem todo mundo ouviu falar, mas que ninguém vê – motivaram Alessandra Bergamaschi a criar o projeto “Visitas”, quando foi morar naquela área, em 2008. O morro acabou escondido pelas construções feitas no seu entorno, de cujas janelas é possível divisar paisagens impensáveis: floresta densa no topo, rasteira nas bordas, voo de falcões e até visitas de respeitáveis corujas.

 

Alessandra teve a ideia de enviar uma carta aos moradores dos prédios que circundam o morro, pedindo para marcar uma visita e fotografar a grande montanha de pedra de suas janelas. Com a aquiescência e a colaboração dos quinze destinatários que responderam, a artista fez as fotos em preto e branco com máquina analógica e realizou reproduções com superposição de imagens, seguindo um exercício matemático que lhe permitia registrar pequenas, porém significativas transformações – e gerar, com isso, imagens que, na realidade, são “visões” que interpretam o real.  Os negativos também foram usados para produzir dois vídeos que dão ritmo às várias visões do espaço (quase) secreto, mas num processo inverso: enquanto as ampliações analógicas refletem tempos de espera em que os elementos reagem, os negativos – traduzidos em píxeis – são cirurgicamente recortados e manipulados em tempo real criando uma nova dinâmica de visibilidade.

 

De quebra, a partir de uma pergunta (Pode me descrever a visão da janela que fotografei?), Alessandra colecionou ricos depoimentos dos moradores visitados, que compartilharam com ela suas fantasias e afetos pelo encantado lugar que avistam todos os dias, como o de Gianluca Manzi:

 

“O magnífico exemplar de falcão carijó que vejo frequentemente das minhas janelas, diversamente de nós, prefere vigiar quase que exclusivamente o seu território, chamando de tanto em tanto a companheira, escondida sob as copas na mata ou protegendo-a, enquanto choca, entre as folhas secas sobre a rocha […]. Vigio-os com meus binóculos do mesmo modo que acompanho o crescimento das sarças, dos cactus e até mesmo das árvores na íngreme parede rochosa que dir-se-ia esboçada e cinzelada por um mestre impaciente.”

 

Na exposição, Alessandra apresenta onze reproduções fotográficas e dois vídeos digitais, realizados a partir dos registros feitos das janelas dos apartamentos visitados.

 

 

Armando Queiroz e o triste caminho do ouro

 

Miséria, hanseníase e abandono espreitam Serra Pelada quase trinta anos depois do início da ‘febre do ouro’. Restaram casebres abandonados, pessoas perambulando, quais mortos-vivos, numa cidade fantasma ao redor de um grande lago contaminado de mercúrio, o oco. Restaram velhos aposentados, mulheres e a prostituição infantil. O índice de HIV é altíssimo. O gigante ameaçador, percebido no clima tenso do local, está presente a todo o momento. O gigante quer terra, o gigante quer expulsão, o gigante tem papéis e advogados, o gigante tem anuência do poder constituído. (Armando Queiroz)

 

Nas telas das tevês no meio da desolação, o artista expõe, em fotos e vídeos, as vísceras de Serra Pelada e as pegadas de seus solitários e tristes habitantes na trilha da miséria e da degradação social – sempre assombrados pelo perigo de serem desalojados do pouco que ainda lhes resta.

 

– O garimpeiro tem apenas uma amarfanhada carteirinha de autorização para exploração de minério, e muita tristeza da sua atual situação – conta o artista. – O garimpeiro tem ao lado de si muitas cooperativas, nem todas bem intencionadas. Muitos não deixam o local simplesmente por vergonha; não teriam condição de encarar seus familiares tantos anos depois, sem nada nas mãos.

 

Para Armando, registrar em fotografia e vídeo essa chaga social brasileira é “uma ode aos primeiros vermes-insetos que irão comer nossas carnes frias”.

 

As fotos e vídeos serão exibidos em 15 televisores e DVDs interligados, fora de sincronia, de modo a ampliar a intensidade das cenas e criar uma sensação que reflita o drama real do esquecido lugar.

 

 

Os artistas

 

Alessandra Bergamaschi, nasceu em Lorena, SP, 1978.  Artista visual, graduada em Comunicação pela Universitá di Bologna, Itália, e pós-graduada em Escritura Criativa pela Accademia di Comunicazione, Milão, Itália. Estudos em fotografia e arte incluem cursos livres na Accademia di Belle Arti, Bologna, na Escola de Artes Visuais Parque Lage e no grupo de estudo do Prof. Charles Watson, Rio de Janeiro. Participou de projetos internacionais, Arte Laguna International Art Prize, Arsenal, Tesedi San Cristoforo/Veneza, residência no Teatro Monty/Antuérpia e coletiva Art Transponder Gallery/Berlim.  Em 2011 ganha menção honrosa no festival de documentários “É tudo verdade”. Vive e trabalha no Rio de Janeiro.

 

Armando Queiroz, nasceu em Belém, Pará, 1968. Expõe desde 1993 e participou de diversas mostras coletivas e individuais no Brasil e no exterior. Integrou, dentre outros, os projetos Macunaíma, Rio de Janeiro, 1997 e Prima Obra, Brasília, 2000. Participou do Salão Arte Pará como artista convidado em 1998 e de 2005 a 2008. Foi bolsista do Instituto de Artes do Pará, IAP, em 2003 e 2008. Conquistou bolsa de pesquisa em arte do Prêmio CNI/SESI Marcantonio Vilaça, 2009-2010 e o 2o Grande Prêmio do 28o Arte Pará 2009, com o site-specific “Tempo Cabano”. No ano seguinte, como homenageado, recebeu Sala Especial no 29o Arte Pará. Coletivas internacionais: Festival de L’oh, Maison-Alfort, Paris, França. 2003; coletiva em Wiesbaden, Alemanha, 2005, promovida pela Kunsthaus da cidade e pela Associação de Artistas Plásticos do Pará/AAPP. Vive e trabalha em Belém.

 

 

De 04 de fevereiro a 06 de abril.

 

0

Fachadas cariocas

28/jan

O Centro Cultural Correios, Centro, Rio de Janeiro, RJ,  inaugura “O Rio que o Rio não vê — a ornamentação simbólica na fachada carioca”, uma exposição de 36 fotos, assinadas pelo fotógrafo, designer gráfico e historiador Luiz Eugênio Teixeira Leite. Trata-seda exibição de ornamentos simbólicos das fachadas de construções civis – instituições públicas e privadas do centro do Rio, área escolhida por ser a interseção arquitetônica de uma cidade que dali se expandiu. Nas legendas, haverá minifotografias da fachada inteira, para que o visitante se familiarize com o imóvel no qual está inserido o ornamento e possa visitá-lo e apreciar ao vivo o detalhe que as fotografias da exposição destacam.

 

Desde 2000, Teixeira Leite realiza esta pesquisa iconográfica que chega hoje a 974 ornamentos mapeados, catalogados, minuciosamente descritos e com endereço, uso original, nome do projetista, data do projeto da fachada, uso atual, autor do ornamento, técnica e data da execução. A pesquisa resgata nomes de artistas e artesãos executantes dos ornamentos, bem como dos arquitetos e projetistas de fachada. A partir de 2013, o autor vem estendendo o levantamento a outros bairros cariocas, incluindo portas e gradis, além decoração escultórica dessas construções.

 

Luiz Eugênio reuniu parte desta pesquisa no livro ”O Rio que o Rio não vê – os símbolos e seus significados na arquitetura civil do centro da cidade do Rio de Janeiro”, lançado em 2012, e avaliado pela Associação Brasileira de Críticos de Arte (ABCA) como o primeiro livro de arte do gênero no país e indicado e indicado pelo IPHAN como representante fluminense ao XXVI Prêmio Rodrigo Mello Franco de Andrade, entre outras indicações para prêmios.

 

A mostra é acompanhada de catálogo com reprodução de todas as fotos expostas e texto de Joaquim Marçal Ferreira de Andrade, mestre em design pela PUC Rio, doutorando em história social na UFRJ e autor de História da fotorreportagem no Brasil: a fotografia na imprensa do Rio de Janeiro de 1839 a 1900 (Campus, 2003). O lançamento do catálogo acontece no dia 8 de março, com visita guiada à mostra por Luiz Eugênio Teixeira Leite, aberta ao público.

 

A palavra do fotógrafo e pesquisador

 

A decoração aplicada à arquitetura, isto é, a forma pela qual se idealiza um programa ornamental para a fachada de uma construção, já teve papel de destaque na História da Arquitetura. A partir de determinado momento entrou em declínio, chegando a ser tratada com repulsa. Disso resultou um quase total abandono pelo estudo das artes da ornamentação. O Ecletismo, estilo que mais se valeu da ornamentação para fundamentar seu discurso arquitetônico, acabou por herdar, por tabela, essa repulsa, e tem ficado, desde há muito, esquecido pela historiografia da arte nacional.

 

Até 16 de março.

0

Ernesto Neto no Guggenheim Bilbao

22/jan

A partir de fevereiro, o museu Guggenheim Bilbao, Bilbao, Espanha, vai dedicar uma exposição ao artista brasileiro Ernesto Neto. A exibição ganhou o título de “The Body that Carries Me” e o artista, que se autodefine escultor, cria seus trabalhos para que sejam percorridos, habitados e sentidos, permitindo que o espectador, ao contemplá-las, experimente seu próprio corpo e sensações através da obra e vice-versa. Ao interagir com as obras e com as outras pessoas, os visitantes se veem imersos em uma fusão de escultura e arquitetura. Nelas, Ernesto Neto explora a sensualidade e a corporalidade, nos aspectos comuns das relações interpessoais. A exposição no Guggenheim Bilbao ocupará o átrio central e oito galerias do segundo andar do prédio. Cada uma delas oferecerá uma experiência diferente, que exigirá um ritmo distinto para sua consequente visão ou participação.

 

Segundo o Guggenheim Bilbao, a mostra foi desenvolvida em parceria com o artista. Suas obras exploram os sentidos, como olfato, visão, linguagem e outros aspectos sensoriais. Para Ernesto Neto, a mostra é um local para a poesia, onde os visitantes podem escapar da rotina. Ao todo, serão exibidos cerca de 25 trabalhos  que marcaram a trajetória do artista. A curadoria é de Petra Joos, um nome de referência no circuito artístico europeu.

 

 

A palavra do artista

 

“Estamos sempre recebendo informação, mas na exposição o meu desejo é fazer com que as pessoas parem de pensar e encontrem um refúgio na arte. Eu acho que não pensar é bom, porque isso nos dá um respiro da vida”.

 

De 13 de fevereiro a 18 de maio.

0

Coletiva na Galeria Laura Marsiaj

A Galeria Laura Marsiaj, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, apresenta a exposição coletiva “JUNTOS, APOLO e DIONISIO”, sob a curadoria da crítica de arte Ligia Canongia. A curadoria elencou os seguintes artistas (em ordem alfabética): Angelo Venosa, Antonio Dias, Daniel Senise, Fábio Miguez, José Damasceno, José Resende, Kilian Glasner, Laura Vinci, Marcos Chaves, Paulo Pasta e Paulo Vivacqua. A proposta da curadoria foi reunir artistas que fundem a bipolaridade entre as formas apolíneas e as dionisíacas, isto é, aquelas que primam pela definição de uma estrutura precisa e aquelas que carregam uma pulsão mais vital e romântica.

 

 

A palavra da curadora

 

“Essa tensão bipolar sempre esteve enraizada na civilização ocidental, como uma esquizofrenia crônica, gerando programas artísticos que pendiam ora para a grade matemática, ora para a prática mágica ou orgíaca.”

 

“A ideia da exposição é exatamente revelar como os artistas contemporâneos romperam essa dicotomia, fundindo os dois polos de sua oposição, e imiscuindo a energia dionisíaca no seio mesmo do equilíbrio apolíneo.”

 

“Os artistas escolhidos parecem impermeáveis às dicotomias que nortearam a tradição histórica da arte, propondo obras que entrelaçam o cogito com as experiências sensoriais, na busca de espacialidades mais complexas e dissonantes.”

 

 

De 28 de janeiro a 13 de março.

 

0

Inos Corradin no Espaço Citi

15/jan

O Espaço Cultural Citi, Paulista, São Paulo, SP, inaugura exposição do pintor Inos Corradin. A curadoria é do crítico de arte Jacob Klintowitz que também assina a apresentação do artista. O artista exibe seu conhecido universo poético e geometrizado povoado de músicos, malabaristas, jogadores, paisagens que ganhou o sugestivo título “Inos Corradin. No percurso da arte, o artista na estrada”.

 

 

A palavra do curador

 

É espantoso como os fios que o pintor Inos Corradin urde criam personagens tão vivos, atuais e dotados do encantamento lírico que quinhentos anos de história agregaram ao nosso psiquismo. Os seus mágicos, equilibristas, músicos, cantores, mímicos, artistas itinerantes sem pouso e que percorrem estradas apenas pressentidas, são quase os mesmos que no século XV andavam pelo interior da Itália e que criaram a lendária Commedia d’ella Arte. Hoje estes artistas ambulantes e a sua arte impregnada de improviso são o emblema da cultura antiacadêmica e o antípoda do naturalismo. O mundo contemporâneo ama e anseia por esta ação artística filha do eterno presente.

 

O nosso espaço é limitado, mas como não recordarmos da “Família de saltimbancos”, de Pablo Picasso, feita em 1905? Ou do casal de artistas ambulantes, na sua carroça, no “Sétimo Selo”, de Ingmar Bergman, no seu confronto com a morte e a fugacidade da vida, onde o símbolo da continuidade é o jovem casal itinerante e o seu bebê? Neste contexto, talvez seja pecado não citar “La Strada”, de Federico Fellini, de 1954, centrado num artista circense e na mais doce e evanescente musa inventada pela arte, Gelsomina- Giulietta Masina. Ou o mito americano do horizonte libertário, núcleo do épico no cinema do faroeste e raiz da literatura on the road. Esses e centenas de outros artistas buscaram os fios no mesmo tear que alimentou Inos Corradin.

 

A produção de Inos Corradin, aos 85 anos, é esfuziante e certamente ele é um exemplar raro do artista que cria por prazer. O seu domínio do ofício é também raro, pois ele pinta à semelhança dos mestres. É curiosa uma época na qual temos que destacar como virtude o que parece a obrigação mínima de qualquer profissional. A iconografia do artista está centrada na figura humana travestida na sua função poética, o que explica a quantidade de trajes característicos, instrumentos musicais, cenas teatrais. A partir desta proposta essencial, o artista se detém nas vilas e casarios e nas paisagens e nelas, antes de tudo, temos o espaço aéreo, o céu, como personagem. De certa maneira, o conceito de elevação simbolizado pela ação artística, pelos artistas, pelos emblemas populares como as bandeiras, os pequenos núcleos de moradia, a paisagem dominada pelo céu, é o que determina a pintura e a escultura de Inos Corradin. Refinamento pela poética da ação artística e o espaço celeste marcante como ascenção.

 

É possível que Inos Corradin, como parte da melhor arte da nossa época, possa ser entendido como um momento anárquico de rejeição de padrões institucionais marmóreos e estáticos, mas é, antes de qualquer outra coisa, um gesto pessoal de fidelidade à arte como poética e a certeza de que a humanização do ser humano não pode prescindir da vivência estética.

 

 

De 20 de janeiro a 21 de março.

0

José Patrício na Chácara do Céu

13/jan

O Museu da Chácara do Céu, Santa Teresa, Rio de Janeiro, RJ, exibe a última edição do projeto Os Amigos da Gravura. Desta vez os trabalhos apresentados são do artista José Patrício e convidam o público a um mergulho em sua obra recente. José Patrício criou especialmente para Os Amigos da Gravura a obra “Vertigo”, cujo título remete a um dos mais famosos filmes de Alfred Hitchcock, no Brasil chamado “Um corpo que cai”, e conduz o olhar do expectador a um labirinto ao revés, um efeito inventado por Hitchcock que simula uma espécie de vertigem, na época chamado de contra zoom. Patrício também vai mostrar a série “Afinidades Cromáticas”,  de 2012, que será exposta pela primeira vez no Rio. São sete trabalhos nos quais o artista utiliza botões coloridos costurados sobre tela.

 

Segundo o crítico Paulo Sérgio Duarte “se nos detivermos nas Afinidades cromáticas somos levados à memória do jogo numérico de trabalhos anteriores de José Patrício com os dominós. Aqui o protagonista do jogo é mais prosaico e lidamos com ele todos os dias: o botão. Os botões são vários nos tamanhos e nas cores, mas nunca grandes demais, são comuns. Todo botão espera uma casa para cumprir sua função: abotoar, manter presas duas superfícies de tecido. Mas aqui sua utilidade está banida. Costurados na superfície com regularidade geométrica constituem uma multidão aprisionada, cada indivíduo em seu lugar, para se transformarem em superfície de uma obra de arte. O resultado é evidente, estão presos para nos prender, nos deter na trama vertiginosa de suas sutis variações de forma e cor. Na sua banalidade de coisa comum, juntos se erguem e se emancipam na “coisa” arte.”

 

As obras de Patrício se caracterizam pela preocupação com a forma e, ao mesmo tempo, pelos resultados inesperados de suas composições geometricamente organizadas.  O artista já trabalhou anteriormente com papel, produzido artesanalmente, ainda no início de sua trajetória, depois passou a explorar objetos prontos, feitos em série, passando para os dominós, até chegar aos botões de Afinidades Cromáticas. A exposição ocupa as duas salas expositivas do 3º andar do museu. A tiragem limitada da gravura “Vertigo” está sendo vendida na loja do próprio museu.

 

 

Sobre o projeto Os Amigos da Gravura

 

Raymundo de Castro Maya criou a Sociedade dos Amigos da Gravura no Rio de Janeiro em 1948. Na década de 1950 vivenciava-se um grande entusiasmo pelas iniciativas de democratização e popularização da arte, sendo a gravura encarada como peça fundamental a serviço da comunicação pela imagem. Ela estava ligada também à valorização da ilustração que agora deixava um patamar de expressão banal para alcançar status de obra de arte. A associação dos Amigos da Gravura, idealizada por Castro Maya, funcionou entre os anos 1953-1957. Os artistas selecionados eram convidados a criar uma obra inédita com tiragem limitada a 100 exemplares, distribuídos entre os sócios subscritores e algumas instituições interessadas. Na época foram editadas gravuras de Henrique Oswald, Fayga Ostrower, Enrico Bianco, Oswaldo Goeldi, Percy Lau, Darel Valença Lins, entre outros. Em 1992 os Museus Castro Maya retomaram a iniciativa de seu patrono e passaram a imprimir pranchas inéditas de artistas contemporâneos, resgatando assim a proposta inicial de estímulo e valorização da produção artística brasileira e da técnica da gravura. Este desafio enriqueceu sua programação cultural e possibilitou a incorporação da arte brasileira contemporânea às coleções deixadas por seu idealizador. A cada ano, três artistas plásticos são convidados a participar do projeto com uma gravura inédita. A matriz e um exemplar são incorporados ao acervo dos Museus e a tiragem de cada gravura é limitada a 50 exemplares. A gravura é lançada na ocasião da inauguração de uma exposição temporária do artista no Museu da Chácara do Céu. Neste período já participaram 44 artistas, entre eles Iberê Camargo, Roberto Magalhães, Antonio Dias, Tomie Ohtake, Daniel Senise, Emmanuel Nassar, Carlos Zílio, Beatriz Milhazes e Waltercio Caldas.

 

 

Sobre o artista

 

José Patrício nasceu em Recife, Pernambuco, em 1960, onde vive e trabalha até hoje. Quando jovem, estudou na Escolinha de Arte do Recife. Mais tarde, graduou-se em Ciências Sociais pela Universidade Federal de Pernambuco. Já participou de diversas bienais, como a 22ª Bienal de São Paulo, São Paulo, SP, 1994; a 3ª Bienal de Artes Visuais do Mercosul, em Porto Alegre, RS, 2001; e a 8ª Bienal de Havana, Cuba, 2003. Suas mais recentes mostras individuais são: “A espiral e o labirinto”, Galeria Nara Roesler, São Paulo, SP, 2012; “José Patrício: o Número”, Caixa Cultural, Rio de Janeiro e no Centro Cultural Banco do Nordeste, Fortaleza, CE, 2010; “Expansão múltipla”, Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo, SP, 2008; e “Connections”, no Pharos Centre for Contemporary Art, Nicosia, Chipre, 2008. José Patrício é representado pela Galeria Nara Roesler, São Paulo, desde o ano 2000. Em 2013, tornou-se artista convidado a participar do projeto Amigos da Gravura no Museu da Chácara do Céu – Museus Castro Maya.

 

Até 10 de março.

0

Na Caixa Cultural – SP

08/jan

A artista plástica paulistana Bel Falleiros, apresenta “Sobre ruínas, memórias e monumentos”, sua primeira individual, já em um dos grandes espaços expositivos da cidade, a CAIXA Cultural São Paulo, Praça da Sé, Centro, São Paulo, SP. Com curadoria de Paulo Miyada e texto crítico de Jacopo Crivelli Visconti, a exposição traz cerca de 20 colagens, 04 grandes pinturas, além de instalações, fotografias e objetos coletados durante a fase de concepção do projeto.
Arquiteta de formação, Bel Falleiros tem a relação com a cidade como um dos temas centrais em seu trabalho. E não apenas São Paulo, mas também Berlim e Nova Iorque, metrópoles onde morou recentemente, e a pequena Ituverava, cidade natal de seu pai no interior paulista, que faz parte de suas memórias afetivas. Ao ser selecionada pelo edital, a artista se propôs a realizar quatro percursos em direção às fronteiras da capital paulista, sempre partindo do antigo marco zero da Sé, e tendo os pontos cardeais como referencial de direção. Para Crivelli Visconti, ao realizar tal ação, a artista retoma o processo criativo iniciado pelo movimento dadaísta, em Paris, no início do século passado. Em suas palavras: “Ao colocar como metas utópicas das suas andanças os lugares, correspondentes aos quatro pontos cardeais, onde a cidade de São Paulo teoricamente acaba, ela situou-se, ao mesmo tempo, na periferia da metrópole e no cerne da linhagem das derivas artísticas… Sua viagem aos confins da cidade aconteceu paralelamente no âmbito físico e no imaginário, considerando que os elementos da realidade ao redor dela eram constantemente comparados com lembranças de Ituverava, onde nasceu seu pai e onde por primeira vez ela vivenciou a sensação de chegar até a extremidade de uma cidade. O deslocamento que qualquer deriva pressupõe, consequentemente, era duplicado aqui pelo fato da viagem acontecer simultaneamente na imaginação e na realidade”, conclui o crítico.

 

Para cada uma das quatro longas caminhas, a artista realizou uma pintura de grande proporção. As quatro obras são apresentadas em uma única sala. Segundo Paulo Miyada, “O surpreendente é que nelas não há espaço para o acúmulo de papéis, texturas e gestos, como outrora nas produções resultantes de leituras urbanas. Há um imenso vazio quase informe, um terreno indistinto e estranhamente desprovido de profundidade. Aqui e ali, dois ou três elementos povoam as paisagens… Estão presentes o primeiro Marco da Independência no Ipiranga, o Farol do Jaguaré, a Ponte Grande e a Serra da Cantareira. Mas eles ocupam um vazio atemporal e sem muitas referências, descolado do skyline paulistano. Mais ainda, convivem com alguns símbolos importados de outra paisagem mnemônica da artista, a cidade de Ituverava, no interior do Estado”. Crivelli Visconti esclarece que “Para além da força inegável dos painéis, é interessante notar que um projeto que foi concebido como uma deriva urbana, e de cunho efetivamente urbanístico, considerando o objetivo (vagamente utópico) de encontrar os limites de uma metrópole, transformou-se numa excursão no campo, rica de reminiscências pessoais”, enquanto Miyada conclui que “para nós, resta a tarefa de encontrar possíveis conexões entre monumentos e ruínas, enquanto nos perdemos no espaço sem tempo da claridade dos desenhos”.

 
Sobre a artista
Bel Falleiros, nasceu em São Paulo, 1983, vive e trabalha na capital paulista. Bacharel em Arquitetura pela FAU-USP, a artista é uma das fundadoras do Aurora, misto de atelier e espaço expositivo localizado no centro da cidade. Foi assistente dos artistas Héctor Zamora e Andrés Sandoval e desde 2012 participa ativamente do Atelier Fidalga. Já realizou uma série de colaborações como ilustradora para o caderno Ilustríssima, da Folha de São Paulo, além de ilustrar livros para diferentes editoras. Já participou das coletivas: Laço, no subsolo do Paço das Artes, São Paulo, 2012; 3 artistas, na Interaction Gallery, Berlim, 2011; Portfólio | Charivari, no SESC Santos, 2011 e Collective Exhibition, no Bushwick Project for the Arts, Nova Iorque, 2010. “Sobre ruínas, memórias e monumentos” é sua primeira exibição individual.

 

 

Atividades extras:

 

18 de janeiro: Conversa com Paulo Miyada e lançamento de catálogo, às 11h.
25 de janeiro: Oficina com Bel Falleiros, às 11h.

 

 

De 11 de janeiro a 16 de fevereiro.

 

 

0