Arquivos da Categoria: Locais

Memórias do artista

03/dez

A Galeria Lume, Itaim-Bibi, São Paulo, SP, realiza a exposição “Avessos”, individual do artista plástico Lúcio Carvalho, com curadoria de Paulo Kassab Jr. A mostra é composta por 16 obras inéditas, entre fotos, esculturas, backlights e pinturas, totalizando a uma representação de uma coleção de memórias do artista por meio de lembranças reconstruídas.

 

Com recordações pessoais remontadas em suportes distintos, Lúcio Carvalho elabora suas obras a partir de elementos representativos de uma determinada época de sua vida, tais quais o onipresente coração, o crânio, o esqueleto animal, o pneu, entre outros. Cada um deles tem um significado único para o artista – como o pneu, que era um de seus “brinquedos” favoritos. Os trabalhos que compõem “Avessos” se apresentam como uma fusão de elementos da memória do artista. A série inédita possui uma intensa carga de memória afetiva e relata suas vivências.

 

Quando criança, Lúcio Carvalho conviveu com seus pais, avós, irmãos e primos em uma fazenda chamada “Não Sei”. O artista reparava e desenhava tudo ao seu redor, sempre em clima de diversão e amor, dentro de uma família muito extensa.  Entretanto, Lúcio Carvalho sentia-se deslocado nesse meio. Enquanto as demais crianças brincavam no campo e andavam a cavalo, o artista escondia-se embaixo da mesa ou em outros lugares, reparando o dia a dia na fazenda: “A mesma árvore onde brincávamos balançando em pneus, eram pendurados os alimentos. (…) Porém, ponderando sobre isso, eu percebi que meu trabalho é muito mais sobre os sentimentos nos quais se envolvem as minhas lembranças, do que simplesmente objetos pendurados. O “Avesso” é minha vontade de ver o contrário do que tudo aquilo representa como figura”, confessa o artista.

 

Nas palavras de Paulo Kassab Jr., diretor cultural da Lume e curador da exposição: “A nostalgia está sempre muito presente nos trabalhos de Lúcio Carvalho. Nessa série, observamos que todas as obras são acúmulos de memórias. Histórias contadas em uma única escultura, pintura ou fotografia. As cristaleiras de sua avó, usadas para guardar objetos e presentes importantes, misturam-se com os pneus que eram um dos seus brinquedos favoritos, envoltos em uma nevoa criada pela queima da cana de açúcar.”

 

 

 Até 21 de dezembro.

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As pedras de Dan Fialdini

Autor de uma sofisticada linguagem escultórica, o artista plástico Dan Fialdini inaugurou na Ricardo Camargo Galeria, Jardim Paulistano, São Paulo, SP,  uma rara exposição – “Silêncio feito de pedra” –  com 18 esculturas em mármore, realizadas entre 2002 e 2012. Dan Fialdini passou uma década de trabalho com a pedra, dando-lhe forma, volume, relevo e expressão. O resultado é, segundo a palavra de Ricardo Camargo e Roberto Comodo “…uma obra que conjuga metafísica, o lúdico e o construtivismo”.

 

 

 
A palavra de Ricardo Camargo e Roberto Comodo

 

Essa diversidade única pode ser vista na mostra em peças como o elegante Casamento, feito com dois blocos de travertino. E que se contrapões a Ra, homenagem ao deus Sol egípcio que usa arenito do Paraná e folha de ouro. E ainda com as majestosas peças Know-a-bit, em mármore de Carrara; e Era assim, em travertino persa. Uma característica no vocabulário do escultor – a de manter a forma original da pedra em um dos lados da peça – é realçada em Lembranças do etnólogo.

 

Dan Fialdini foi assessor de Pietro Maria Bardi, o mítico diretor do Museu de Arte de São Paulo (Masp) por duas décadas, de 1970 ao início dos anos 90, onde também foi curador de exposições e montagens. Em seguida, passou a se dedicar primordialmente à escultura, um nobre ofício em que comemora 30 anos de atividade. A princípio, ele talhava o mármore com a técnica tradicional até ir à Carrara, na Itália, onde se aperfeiçoou e aprendeu novas maneiras de esculpir a pedra.

 

O artista prefere trabalhar em blocos maciços de mármore com tons claros, que ressaltam as sombras, dando maior dramaticidade às peças. O escultor lembra que o processo de esculpir é lento. Sem assistentes, é ele próprio que esculpe a pedra bruta. Uma atividade solitária e artesanal que contrasta com o marketing desenfreado de artistas que, com verdadeiras equipes, produzem obras em série.

 

Com várias esculturas que lembram cenários mediterrâneos, paisagens imaginárias e cidades mitológicas, esculpidas na dureza do mármore com sutileza poética, a obra de Dan Fialdini vista em conjunto transmite uma aura zen, que remete a um eloquente e sereno silêncio.

 

Ricardo Camargo
Roberto Comodo

 

 

Até 14 de dezembro.

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Lançamento de Sabina de Libman

02/dez

A galeria Arte Aplicada, Jardins, São Paulo, SP, abriu a mostra “Pés & Livros”, do artista plástico Juliano Lopes, com curadoria de Sabina de Libman. Composta por uma série inédita de 18 obras, entre desenhos e pinturas sobre tela e livros antigos, os trabalhos mostram que “os pés” e “os livros” levam a todos os lugares (física e imaginariamente).

 

Nesta nova série, Juliano Lopes remete o espectador a momentos do cotidiano e da atual, em síntese: à contemporaneidade. Com um toque de metalinguagem, Juliano Lopes utiliza livros antigos (alguns com mais de cem anos) como suporte para determinadas pinturas. Tais livros foram cuidadosamente pesquisados em busca da perfeita harmonia com os desenhos; todos os textos são de sua escolha pessoal, com conteúdos que se relacionam com a proposta e o conceito da exposição. Na representação das figuras, a base técnica é o desenho em charcoal e grafite, com um cuidado anatômico realista, denso em certas partes e diluído em outras. Quanto às cores, seu critério foi o uso de variações das cores primárias e cores terrosas em tons baixos. Nas manchas de tinta acrílica somam-se linhas e riscos na construção de uma identidade transitória, mutável e quase sem delimitações, gerando movimento e espontaneidade aos trabalhos apresentados.

 

Registre-se que “Pés & Livros” é a primeira exposição de Juliano Lopes em São Paulo, uma descoberta para o público paulistano que admira a arte tanto de nomes consagrados como de novos talentos.

 

 

A palavra da curadora

 

“Criativo, domina com segurança o desenho e a pintura. Fiel ao princípio de que a obra de arte deve ser mágica, se apropria de velhos livros que usa como suporte para seus desenhos. Magia Pura. A Galeria Arte Aplicada tem o prazer de trazer a São Paulo esse promissor artista.”, afirma a conhecida marchande Sabina de Libman.

 

Até 14 de dezembro.

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Convite da Gentil Carioca

A galeria Gentil Carioca convida para “ALALAÔ!” que acontecerá na praia, no mar e no céu do Arpoador, Rio de Janeiro, RJ, nesse sábado, dia 30 de novembro, a partir de 17hs. Como parte do projeto “SOMOS TODOS AMARILDO”, serão apresentados os seguintes trabalhos: BLOCKINI – Celina Portela; CANGAÇO – Opavivará; MENSAGEM AMBULANTE – Ernesto Neto; VOLTA PRO MAR OFERENDA – Guga Ferraz; ‘STAMOS EM PLENO MAR – Laura Taves; PAISAGENS FLUTUANTES – Paulo Paes; UM MAR DE AMOR – Ronald Duarte; BLOCK LETTER – Alexandre Vogler; ENTREVISTA COM O VÂNDALO – lançamento do libreto com o quarto ato da peça escrita por Luiz Eduardo Soares que está sendo montada por Marcus Faustini; DESAPARECIDOS DA DEMOCRACIA NO RIO DE JANEIRO: Joana Cseko+Isabel Ferreira + Fabio Araujo + Ícaro dos Santos.

 

 

Dia 30 de novembro

 

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SEIS MOSTRAS NO PAÇO IMPERIAL

29/nov

O Paço Imperial, Centro, Rio de Janeiro, RJ, espaço dirigido por Lauro Cavalcanti, volta a ter inaugurações múltiplas. As seis mostras individuais apresentam escultura, pintura, desenho, fotografia e material documental de artistas novos e históricos. É para todos os gostos e o Paço tem entrada franca reunindo artistas novos e históricos em seus três andares de espaço expositivo:

 

 

MARIANA MANHÃES | “EVENTO”

 

Em “Evento”, Mariana Manhães, mostra “máquinas orgânicas” e desenhos de sua produção mais recente, todos inéditos no Rio de Janeiro. A artista concebe esculturas de chão e de parede que interagem consigo mesmas, criando um sistema de convivência na área de exposição.
Unidas pelos materiais – plástico, pvc, câmera de vídeo e sensores, cada máquina é comandada unicamente por vídeos de animação de louças da casa-ateliê de Mariana. A projeção se move, atinge os sensores que vão inflar e desinflar os volumes de plástico das obras. O trabalho capta seus próprios estímulos luminosos para colocar as peças em movimento. Os desenhos, expressão pouco conhecida da produção de artista, surgem dos esboços de obras escultóricas. O conjunto desta mostra são ensaios visuais do comportamento dos sacos de plásticos usados nas esculturas. Eles resultam da sobreposição de folhas de papel vegetal, cuja translucidez dá a noção de movimento dos volumes.

 

 

WILMA MARTINS: RETROSPECTIVA. COTIDIANO E SONHO

 

A artista mineira Wilma Martins, radicada no Rio, apresenta uma retrospectiva com 140 ítens – pinturas, gravuras, desenhos, aquarelas, livros e documentos, celebrando 80 anos de idade e 60 de carreira, sob  curadoria do crítico Frederico Morais. A mostra segue para o Museu de Arte da Pampulha, BH, e para o Instituto Tomie Ohtake, SP, em 2014.  “Wilma Martins: Retrospectiva. Cotidiano e Sonho”, o primeiro panorama completo de sua produção, de 1955 a 2008, está montada em núcleos de cada uma das linguagens que a artista trabalhou e como elas se relacionam. Por exemplo, um mesmo tema tratado na pintura e no desenho. As ilustrações que Wilma realizou para jornais e livros infantis serão apresentadas em vitrines. O segmento documental reúne catálogos, fotografias e recortes de jornal.

 

“Cotidiano”, sua série mais famosa, de desenhos, pinturas e litografias, tem cenários domésticos que abrem espaço para animais, de elefantes a formigas. Sobre a presença de bicho na cena caseira, Wilma avalia que ele seria “um prisioneiro, um visitante ou anjo exterminador que irá transformar aquele espaço e a rotina do cotidiano.” Há telas em que cristais atravessam paisagens em narrativas fantásticas; em outras, figuras geométricas são formadas por corpos humanos. “A necessidade de compatibilizar o cotidiano e o sonho é que parece guiar a mão de Wilma Martins quando ela desenha ou pinta”, escreveu Ferreira Gullar sobre a artista.

 

Wilma Martins [BH, 1934] foi aluna de Guignard, Misabel Pedrosa e Anna Letycia ainda na capital mineira. Ela participou das Bienais Internacionais de São Paulo, Liubliana, Biella/Itália, Santiago do Chile, Porto Rico, Veneza, Cali/Colômbia, da Trienal de Carpi/Itália e da Xylon V, Genebra e Berlim, e de diversas mostras de arte brasileira na América Latina, EUA e Europa. Ela ganhou o Prêmio Itamaraty, na Bienal Internacional de São Paulo de 1967, Prêmio de Viagem ao Exterior do Salão Nacional de Arte Moderna de 1975 e o Prêmio Principal do Panorama de Arte Atual Brasileira em 1976, no Museu de Arte Moderna de São Paulo.

 

 

VICENTE DE MELLO | BRASÍLIA UTOPIA LÍRICA

 

“Brasília Utopia Lírica” é uma série fotográfica inédita de Vicente de Mello, na qual o artista propõe “uma leitura subjetiva e atemporal da cidade de Brasília”, como define ele. Em 23 imagens em preto e branco, realizadas em 2011, Vicente exemplifica sua concepção de arquitetura e urbanismo de uma cidade continuamente fotografada e seu consequente desgaste de imagem. Este foi o ponto de partida para o fotógrafo evitar caminhos já percorridos e se despir de vícios do olhar. As fotos desta exposição são as “de uma cidade atualizada, em sua fotogenia clássica, onde pontuo uma reorganização da narrativa histórica iconográfica”, revela Vicente.

 

Há imagens de lugares conhecidos e de pontos pouco comentados, entre os quals o artista cita a torre de TV, desenhada por Lucio Costa, a escultura “Rito do Ritmo” de Maria Martins, nos jardins do Alvorada, formas desconhecidas de edifícios de Oscar Niemeyer, os painéis de Athos Bulcão e nova Ponte JK, do arquiteto Alexandre Chan. Mas o título de cada fotografia denuncia um traço identificador. Vicente de Mello vive e trabalha no Rio de Janeiro. Ele tem obras na Coleção Gilberto Chateaubriand | MAM Rio, Coleção da Maison Européenne de la Photographie, Paris, Coleção Lhoist, Bruxelas, Bélgica, Coleção Joaquim Paiva, RJ, Coleção José Roberto de Figueiredo Ferraz, Ribeirão Preto, MASP-Coleção Pirelli, entre outras. Já expôs em instituições importantes como CCBB RJ,  Pinacoteca do Estado de São Paulo, MAM SP, MAM Rio, Fundação DAROS, Suíça, Fondation Cartier pour l´art contemporain, Paris,  MAMAM, Recife; MAC SP e MAM Brasília.

 

 

ROGERIO LUZ | DESENHOS (1991-2013)

 

O artista plástico, ensaísta  e poeta Rogerio Luz mostra 67 desenhos de 1991 a 2013, expressão pela qual foi premiado quatro vezes em salões, entre 1973 e 1980. Seus trabalhos sobre papel são exemplos de um sistema manual do princípio de repetição. Ao não reproduzir de modo técnico um original, a forma das séries resulta em variações deste original e leva o espectador “à leitura de sequências ou passagens – como no cinema ou na música – sem destino resolutivo”, avalia Luz. A seleção do artista segue linhas de continuidade na maneira de conceber e realizar os desenhos, acentuando traços permanentes e, ao mesmo tempo, diferenças de interpretação e realização.

 

Rogerio Luz é formado Filosofia pela UFRJ, mestre em Comunicação pela Universidade Católica de Louvain [UCL], Bélgica. De volta ao Brasil, foi lecionar na UFPb. No início dos anos 1970, frequentou cursos de artes plásticas no MAM Rio. Voltou a morar na Europa, de 1983 a 1987. Em Paris, obteve o título de doutor pela UCL. Foi professor da ECO|UFRJ até 1998 e professor visitante da Comunicação e de Artes Visuais da UERJ até 2008. Luz tem quatro livros de poemas publicados: Diverso entre Contrários (Rio, Editora Contra Capa, 2004), Correio Sentimental (São Paulo, Giz Editoral, 2006) Escritas (Goiânia, Editora da Universidade Federal de Goiás, 2011) e As Palavras (São Paulo, Scortecci Editora, 2013).

 

 

“SERGIO CAMARGO, CONSTRUTOR DE IDEIAS”

 

E

 

“WILLYS DE CASTRO, DEFORMAÇÕES DINÂMICAS”

 

 

Completam a programação deste bloco do Paço Imperial mais duas individuais de artistas históricos já falecidos: “Sergio Camargo, construtor de ideias” e “Willys de Castro, deformações dinâmicas”. As curadoras Piedade Grinberg, da mostra do escultor Sergio Camargo, e Marilucia Bottallo, da do pintor, escultor e artista gráfico Willys de Castro apostam que a revelação de ítens do acervo e do arquivo documental destes artistas pode criar novas percepções à obra deles como um todo.

 

Para “Sergio Camargo, construtor de ideias”, Piedade Grinberg selecionou 100 ítens entre documentos, fotos, desenhos, estudos, rabiscos, frases, obras em pequenos formatos, divididos em seis núcleos: ateliês, esquemas, esquemas vermelhos, madeira, relevo azul e xadrez.

 

Em “Willys de Castro, deformações dinâmicas”, a curadora Marilucia Bottallo reuniu esquemas, esboços, fotografias, notas, partituras musicais, artigos de jornais e revistas, manuscritos, datiloscritos e correções, que ressaltam sua preocupação com a composição de séries, que acentuam o raciocínio moderno impresso em todas as suas experiências e pesquisas como artista: poemas, música, artes plásticas e gráficas.

 

A possibilidade de ter acesso ao arquivo documental e pessoal de um artista, cria circunstâncias inusitadas em relação à percepção de sua produção.  As descobertas dos segredos sutilmente guardados, os escritos, os arcabouços, esboços, pequenos detalhes que decorreriam dos croquis, rascunhos, projetos, são, muitas vezes, a essência do método, os pensamentos iniciais, que exigem uma parcela de indiscrição, de invasão da privacidade, de indiscutível constatação da dimensão da intimidade. Todos os ítens das duas exposições são do acervo em comodato do Instituto de Arte Contemporânea [IAC], de São Paulo.

 

Até 16 de fevereiro de 2014.

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Ana Durães na Sergio Gonçalves Galeria

Aproximar o passado do presente é a proposta da artista plástica Ana Durães, que apresenta obras recentes na sua mais nova exposição “Novos Pretos Novos”, cartaz da Sergio Gonçalves Galeria, Centro, Rio de Janeiro, RJ. A artista mergulha na obra de Rugendas, trazendo uma abordagem contemporânea através de pinturas, stencils e grafittis. A ideia para o novo tema surgiu quando, pensando em trabalhar o universo do Rio Antigo, resolveu mergulhar no mundo de Johann Moritz Rugendas, alemão viajante do século XIX, que chegou como espião no Brasil e criou, dentre inúmeras obras, um precioso acervo sobre a vida dos escravos.

 

Pesquisando sobre o tema, Ana descobriu que o Brasil teve o maior mercado de africanos escravizados da história da humanidade. E no Rio de Janeiro, quando desembarcavam, eram levados para depósitos na Rua Direita (atualmente Rua Primeiro de Março) onde eram colocados à venda nas calçadas. Após 1769 o desembarque foi transferido para o Cais do Valongo (hoje Gamboa) e o local se transformou num comércio de escravos à céu aberto. Por não terem nenhuma habilidade para os serviços da lavoura ou domésticos, eles eram chamados de “Pretos Novos”. Daí surgiu o nome da exposição, que faz uma releitura desses escravos através das obras de Rugendas e de amigos da artista que foram retratados em suas telas, como o cantor Chico César.

 

Ana Durães utiliza a arcaica técnica do estêncil sobre superfícies preparadas com camadas de tinta que, em alguns casos, sofreram intervenções como oxidação, ou apropriação de matérias decalcadas. É um processo que demanda tempo entre uma etapa e outra, para que a artista crie a sua própria “arqueologia”. “Novos pretos novos” traz, ainda, grandes retratos e outros menores que são exibidos com pequenas paisagens, aves e até inusitados helicópteros, compondo um cenário com elementos que evocam alegria. Sentimento que Ana busca, de alguma maneira, devolver aos personagens criados. A curadoria é de Marco Antonio Teobaldo.

 

 

De 30 de novembro a 18 de janeiro de 2014.

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Dois na galeria Laura Marsiaj

26/nov

Edgar Martins nasceu em Évora e cresceu em Macao, mudando-se para Londres aos 18 anos, onde se especializou em fotografia. Seu trabalho hoje é conhecido na Europa, Estados  Unidos, China e América Latina. Participou de importantes exposições, inclusive da Bienal de Veneza em 2011, bem como foi ganhador de inúmeros prêmios pela sua obra. A exposição que a galeria Laura Marsiaj, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, inaugura traz duas séries fotográficas:  This  is not a House e A Metaphysical Survey of British Dwellings.

 

 

Isto não é uma casa

 

A crise das hipotecas no mercado americano, que tem suas raízes nos anos finais do século XX, tornou-se evidente em 2007, e expôs fraquezas generalizadas na regulação do setor financeiro e do sistema financeiro global. Este trabalho foi fotografado nos Estados Unidos, entre novembro e dezembro de 2008, no contexto de uma comissão do The New York Times Magazine. Produzido em oito estados separados em dezesseis locais diferentes, esses locais cuidadosamente pesquisados expõem toda a extensão, latitude e impacto desta crise. O projeto buscou reunir e catalisar novas experiências de uma nova forma de arquitetura americana convocando uma conjunção inquietante de realismo e ficção. Empregando tanto dispositivos analógicos quanto digitais permitiram aumentar as possibilidades paradoxais da imagem fotográfica e reunir contradições insolúveis. As casas descritas nesta série não se referem apenas ao particular. São imagens de coleções espaciais, de tipos de estágios em que uma série de narrativas completamente diferentes (e talvez incompatíveis) podem ser ordenadas. “Isto não é uma casa” surge justamente nesse momento em que as palavras claras hesitam, onde a linguagem é perturbada. Ele nos lança para as antinomias de percepção e existência, a exploração de limites e limites instáveis.

 

 

Uma pesquisa metafísica de moradias britânicas

 

Fotografado inteiramente em uma cidade cenográfica, construída em 2003, para treinar as
unidades de armas de fogo e de Ordem Pública da Polícia Metropolitana do Reino Unido, esta série trata de urbanismo em toda a sua contradição e ambiguidade. Este centro de formação especializada, ultrarrealista, não é apenas um simulacro de cidades britânicas contemporâneas, é também uma metáfora para a cidade moderna asocial. Nada se move dentro ou fora desses edifícios. O tecido urbano desaparece no crepúsculo, obrigando-nos a preencher as ausências que a noite implacavelmente expõe. Um ambíguo jogo de identidades e de relações está acontecendo, um jogo que engloba um conjunto enigmático da vida cotidiana, transmissão e fluxo, deslocamento, confusão e solidão. Há uma sugestão inquietante de que nem tudo é o que parece.

 

 

Andrea Rocco

 

Andrea Rocco fará sua primeira individual na galeria Laura Marsiaj ocupando o espaço do ANEXO. A exposição “Miscellanea” irá mostrar os diversos aspectos que Andrea vem desenvolvendo em seu trabalho: colagens, aquarelas, bordados e objetos.  Sobre ela afirma Agnaldo Farias: “De um lado a imaginação e o sonho, de outro o desejo de registro objetivo dos fatos da natureza, as pretensões de controle e certeza tão próprios a ciência. Entre um e outro domínio Andrea Rocco vai estabelecendo o seu território; um lugar onde os termos são embaralhados  como um caleidoscópio que se vai virando e que de quando em quando sacudimos com a expectativa de uma nova surpresa.”

 

 

Até 21 de dezembro.

 

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Planos de expansão

25/nov

A  Galeria Fortes Vilaça, Vila Madalena, São Paulo, SP, apresenta “Planos de expansão”, exposição coletiva com 13 artistas do time da galeria: Armando Andrade Tudela, Cerith Wyn Evans, Franz Ackermann, Gabriel Lima, Iran do Espírito Santo, Julião Sarmento, Los Carpinteros, Luiz Zerbini, Marine Hugonnier, Mauro Restiffe, Rodrigo Cass, Rodrigo Matheus e Sarah Morris.  A mostra se estrutura em dois eixos principais; arquitetura e urbanidade que ora se confrontam e ora se sobrepõem à abstração e geometria.

 

 

As obras de Franz Ackermann, Luiz Zerbini e Sarah Morris desconstroem elementos da arquitetura. Na pintura “Torrada”, de Luiz Zerbini, volumes são sobrepostos, um jogo de encaixes que forma um grande ponto de fuga. A superfície da tela é ativada por lacunas brancas que emprestam a imagem uma natureza virtual. Na tela de Ackermann podem-se ver detalhes de prédios fragmentados em uma composição acêntrica e acelerada. Em “Praça da Apoteose”, de Sarah Morris, o título revela a referência a Niemeyer, que de outra forma seria discreta e abstrata. A relação entre abstração e história está no centro da produção da artista e fica evidente na colagem “Black Tie”, onde as mesmas formas de Niemeyer se sobrepõem ao pôster americano do filme “Eles não usam black-tie”, de Leon Hirszman.

 

 

Armando Andrade Tudela apresenta uma escultura que sugere uma construção rígida onde materiais de natureza coorporativa, como acrílico, se misturam à juta. Esta obra, assim como o vídeo de Rodrigo Cass, faz referência ao neoconcretismo brasileiro e aos pavilhões de Hélio Oiticica, construídos através de planos de cor. Já a pintura de Gabriel Lima, “Leste”, – onde uma bandeira branca é sobreposta ao plano branco do painel -, transita entre a abstração e a significação nos obrigando a tomar um ponto de vista. Os trabalhos “Forma” de Rodrigo Matheus e “Les Actualités” de Marine Hugonnier traçam um diálogo explícito entre urbe e abstração. Marine contrapõe uma foto do World Trade Center à uma escultura abstrata, enquanto Matheus usa o título do trabalho para reforçar a abstração geométrica presente na arquitetura de edifícios. A cidade como cenário, tema, ponto de partida, plano em expansão é o fio condutor da mostra.

 

 

Até 24 de janeiro de 2014.

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Em Curitiba, na SIM galeria

22/nov

O pintor Paolo Ridolfi exibe uma série de obras inéditas na SIM Galeria, Curitiba, PR. Essa nova série de trabalhos foi designada pelo artista como “Pintura ao Quadrado” e ganhou apresentação assinada pelo crítico Fernando Cocchiarale.

 

 

 

A palavra de Fernando Cocchiarale

 

 

As pinturas mais recentes de Paolo Ridolfi, aqui expostas, podem ser tomadas como um balanço poético de sua trajetória, iniciada na década de 1980. Neste balanço, porém, o artista não se contentou em reavaliar as conquistas visíveis daqueles trabalhos que lhe abriram novos caminhos. Ridolfi foi além e mergulhou em direção a uma camada profunda e menos evidente de seu processo criativo: aquela da articulação semântica de recorrências – cromáticas, espaciais, temáticas e intuitivo-conceituais, etc. – que em três décadas formaram um sentido comum, processual, subjacente à sua produção, desde o florescimento inicial até o presente. Dentre as diversas séries de pinturas expostas algumas dão continuidade a experiências anteriores. Este não é o caso de suas Pinturas Vazias. Novas, estas pinturas são a melhor expressão da radicalidade do mergulho dado por Ridolfi. As Pinturas Vazias não são, porém, planos simples. Formadas por paralelepípedos montados e costurados com a mesma lona de suas telas, elas estão pintadas por camadas monocromáticas de tinta acrílica que ratificam seu status pictórico apesar de sua tridimensionalidade flácida.Mais próximos dos temas da própria arte as Pinturas Vazias de Paolo Ridolfi parecem corresponder ao anseio do artista manifesto em seu depoimento – voltar ao primeiro assunto: apenas a arte.

 

 

 

De 26 de novembro a 21 de dezembro.

 

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Em Curitiba: Alex Flemming e Clif

19/nov

Com o tema “Território estrangeiro”, o Curitiba Luz Imagem e Fotografia (Clif), Curitiba, PR, começa hoje, na capital paranaense, com uma programação que inclui exposições, palestras, oficinas e sessões de cinema, com curadoria do artista visual Tom Lisboa. A coletiva “Território Estrangeiro”, no Museu Municipal de Arte (MuMa) – Portão Cultural,  abre a programação e reúne nomes importantes da fotografia e das artes visuais, como Juliane Fuganti, Tony Camargo, Vilma Slomp, Rosangela Renó, entre outros.

 

O artista visual Alex Flemming, que também ministrará uma das palestras no Museu Niemeyer, veio da Alemanha especialmente para duas exposições no Brasil, entre elas, a que acontece em Curitiba. “Ele é uma das estrelas do evento”, diz o idealizador do Clif, Guilherme Zawa, que realiza a ação em Curitiba desde 2011.

 

Os trabalhos de Flemming integram importantes coleções de museus no Brasil e no mundo, como o MASP, São Paulo, o Museu Nacional e Belas Artes, Rio de Janeiro, e o Museu de Arte da América Latina, em Washington. No MuMa, estarão expostas obras de uma de suas séries mais famosas, Body Builders (2001-2002), quando o artista fotografou corpos jovens e esbeltos e desenhou em cima das imagens mapas de áreas de conflitos e guerras.

 

Na programação, Zawa destaca ainda a palestra com Eder Chiodetto, um dos maiores curadores de fotografia do país, e a oficina de construção de câmeras digitais artesanais, com Guilherme Maranhão. Pela Rua XV de Novembro, os fotógrafos do coletivo “O Estendal” levarão imagens da série “Paisagem Alterada”, impressas em papel de algodão. As obras, que estarão à disposição do público a partir de amanhã, poderão sofrer intervenções das pessoas. No final do Clif, no sábado, 23, acontece também o “Foto Escambo”, projeto idealizado por Hans Georg, no qual fotógrafos e amadores trocam, sem a necessidade de dinheiro, imagens expostas e sem identificação do autor. “No meio das imagens, têm fotos valiosas que são dadas de bom grado pelos artistas. Também é um momento imprescindível para o fotógrafo que quer tirar um trabalho da gaveta”, diz Zawa.

 

 

Ideia

 

O curador do Clif, Tom Lisboa, conta que a escolha do tema “território estrangeiro” (um recorte para falar sobre as outras áreas que “invadem” a fotografia) foi bastante particular. “Quando fui convidado para fazer a curadoria, o Guilherme Zawa me pediu para dar um enfoque muito pessoal à mostra. Toda minha produção mescla a fotografia com outras áreas, tais como a literatura, o vídeo, a pintura, o cinema, a intervenção urbana e a internet”, diz. Lisboa conta que o projeto coincidiu com a leitura do livro Cidade Polifônica, do antropólogo italiano Massimo Canevacci. “Nele, ele afirma que compreendeu o que é ser italiano quando se sentiu perdido em um território estrangeiro, no caso o Brasil. A partir dessa vivência, eu desenhei o que seria o território estrangeiro do Clif. A fotografia deveria aparecer diluída, mas, ao mesmo tempo, afirmando sua identidade perante os outros meios”, define Lisboa.

 

Até 15 de dezembro.

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