AGENDA CULTURAL

Design e cotidiano na Coleção Azevedo Moura.

30/mai

A exposição Design e cotidiano na Coleção Azevedo Moura, realizada sob curadoria de Adélia Borges, em cartaz no Museu do Ipiranga, São Paulo, SP, apresenta um extenso conjunto de objetos colecionados especialmente no Rio Grande do Sul, que permitem refletir sobre as formas tradicionalmente excludentes de pensar o passado brasileiro. Reunidos pela sensibilidade do olhar do casal Maria Cristina e Carlos Azevedo Moura, esses objetos formam uma das maiores coleções brasileiras relativas à imigração de italianos e alemães chegados ao Sul do país a partir do século 19.

A coleta foi feita pelo casal ao longo de muitos anos e chega a milhares de itens. São móveis, utensílios domésticos, ferramentas, fotografias que nos ajudam a entender como uma coleção representa o dia a dia dessas pessoas enquanto construíam uma nova vida no Brasil.

Até 28 de setembro.

A experiência estética e política de Miguel Afa.

A Gentil Carioca, Higienópolis, apresenta até 23 de agosto “Um céu para caber”, primeira exposição individual de Miguel Afa em São Paulo. Com texto de apresentação da curadora e pesquisadora Lorraine Mendes, a mostra reúne um conjunto inédito de pinturas que exploram os limites e as expansões do afeto como experiência estética e política. O céu, aqui, surge como metáfora de amplitude e possibilidade: lugar de acolhimento, respiro e entrega.

Miguel Afa nasceu em 1987, no Rio de Janeiro, RJ. Iniciou sua trajetória artística em 2001, por meio do graffiti, nas ruas do Complexo do Alemão, onde nasceu e cresceu. Mais tarde, formou-se pela Escola de Belas Artes da UFRJ. Sua obra propõe uma reconfiguração poética da imagem do corpo periférico, contrapondo os estigmas da marginalização com cenas que evocam afeto, cuidado e resistência. Através de uma paleta cromática enigmática – que não ameniza, mas adensa a narrativa – Migeul Afa constrói cenas que, ao mesmo tempo, revelam o visível e o invisibilizado. Em sua pintura, cor é discurso: esmaecer não é apenas gesto técnico, mas ato de lembrança e posicionamento.

Em “Um céu para caber”, cada pintura é entregue como quem oferece uma dedicatória – à pintura, à vida, e às histórias que nela fazem figura. “Miguel Afa nos apresenta um conjunto de obras que versam sobre os limites daquilo que podemos chamar de amor. Se todos e cada um temos direito ao afeto, ao contato e às nuances de sentimentos que desabrocham ao se relacionar, o céu representa algo infinito, ilimitado, fecundo de possibilidades”, explica a curadora Lorraine Mendes.

A exposição continua no andar superior da galeria com uma seleção de obras inéditas que abordam temas ligados à intimidade e ao erotismo a partir de uma perspectiva sensível e crítica. Em função do conteúdo, essa parte da mostra terá classificação indicativa de 18 anos, respeitando as orientações para visitação de públicos diversos.

O pop brasileiro.

29/mai

A década de 1960, marcada por tensões políticas, transformações sociais e a chegada de novas linguagens artísticas ao Brasil, é o pano de fundo da nova exposição da Pinacoteca, “Pop Brasil: Vanguarda e Nova figuração, 1960-70″. Com 250 obras de mais de cem artistas do período na Pina Contemporânea, Luz, São Paulo, SP, é a maior mostra do museu no ano.

As obras, muitas exibidas em conjunto pela primeira vez, são principalmente do acervo da Pinacoteca e da Coleção Roger Wright – que estão em comodato com a instituição há anos. Fazem parte artistas como Hélio Oiticica, Pietrina Checcacci, Nelson Leirner e Cláudio Tozzi.

Quem entra na sala expositiva encontra o conjunto original de bandeiras serigrafadas do “Happening das Bandeiras” (evento artístico realizado em 1968 no Rio), revelam Pollyana Quintella e Yuri Quevedo, curadores.

Depois segue-se uma sala com obras que homenageiam ícones populares da época, como o cantor Roberto Carlos e astronautas, elevados ao status de celebridades com a corrida espacial. Em outro espaço, peças fazem críticas à ditadura militar (1964-1985). Ao lado, trabalhos sobre as mudanças de comportamento da sociedade ganham destaque. O trajeto expositivo termina em uma retrospectiva sobre a transformação da arte dos anos 1950.

Adoração/Na instalação criada em 1966, Nelson Leirner exibe uma espécie de palco que revela uma imagem do cantor Roberto Carlos, acessada por meio de uma catraca. Mesclando símbolos católicos com a imagem do artista em neon, reflete sobre a lógica da indústria cultural.

O Bandido da Luz Vermelha/O quadro de Cláudio Tozzi faz referência ao caso de João Acácio Pereira da Costa, criminoso que ganhou o apelido Bandido da Luz Vermelha e ficou conhecido por assaltos e homicídios em São Paulo. Nele, o artista remete à linguagem das histórias em quadrinhos com a pintura de uma mulher que se pergunta se o homem entrará em sua casa durante a madrugada.

Envolvimento/A série de Wanda Pimentel, feita em 1968, retrata um corpo feminino em um ambiente doméstico anárquico, retratado com linhas e enquadramento e precisos. A obra levanta questões sobre papéis de gênero.

Matéria e Forma/Também de Nelson Leirner, mostra a transformação da matéria-prima em produto de consumo por meio de uma instalação com um tronco de árvore, do qual sai uma cadeira pronta.

Parangolés/Um dos trabalhos mais radicais de Hélio Oiticica, são vestimentas feitas com tecidos e plásticos que têm a intenção de integrar o espectador à obra de arte, que pode experimentar suas réplicas. O artista é conhecido por questionar o uso de suportes tradicionais na produção artística.

O Povo Brasileiro/O conjunto de cinco bandeiras da artista Pietrina Checcacci faz parte do movimento “Happening das Bandeiras” e tem desenhos que tematizam questões ligadas à formação de uma família tradicional, aos problemas da classe média e à performance da política.

O Presente/Em 1967, a artista Cybèle Varela fez caricaturas que ironizam a figura dos generais da ditadura militar, como forma de resistência ao govern

Fonte: Isabela Bernardes/Guia Folhas.

Instrumento para pensar o tempo.

O MuBE, Jardim Europa, São Paulo, SP, inaugurou exposição inédita da artista e escultora Laura Vinci. Com curadoria de Agnaldo Farias, FLUXOS, aborda as relações das obras com as questões da natureza e da paisagem, conectando com o espaço arquitetônico em movimento e reflexões sobre o tempo e explora as interfaces da arte, arquitetura e ambiente, enquanto dialoga com a icônica arquitetura do MuBE, projetada pelo arquiteto Paulo Mendes da Rocha.

“Laura Vinci transforma o espaço em organismo sensível. Em FLUXOS, ela faz da matéria um instrumento para pensar o tempo, a impermanência e as forças invisíveis que nos atravessam. Sua obra não se impõe, mas se insinua, instaurando uma escuta do ambiente e uma desaceleração do olhar. O público percorrerá os ambientes do museu ao sabor de uma atmosfera habitada por acontecimentos que provocarão a desaceleração de seus passos; um encadeamento de experiências a um só tempo sensoriais e contemplativas, dele exigindo atenção e escuta.”, comenta Agnaldo Farias, curador da exposição

Composta por estruturas metálicas e sistemas mecânicos, como nas peças com vapor a frio, que é empregado como matéria efêmera ocupando o espaço de forma orgânica e imprevisível, a instalação evoca a presença do ar e de forças invisíveis, instaurando um ritmo silencioso e constante. O público é convidado a percorrer o ambiente e se deixar afetar por uma atmosfera que provoca desaceleração, atenção e escuta do espaço, propondo assim uma experiência sensorial e contemplativa. A mostra “FLUXOS” é uma continuidade da pesquisa poética de Laura Vinci sobre estados de transformação, presença e impermanência. Ao ocupar o espaço do MuBE, se integra à arquitetura brutalista do museu e revela, em sua leveza e escala, uma dinâmica marcada pela impermanência.

A produção de Laura Vinci, transita por escultura, instalação e intervenções, com ênfase em experiências sensoriais e materiais em transformação. Ao longo de sua carreira, participou de importantes mostras institucionais, como a Bienal de São Paulo, além de realizar exposições individuais em grandes instituições de arte. Sua obra integra acervos públicos e privados e é reconhecida por sua sutileza formal e profundidade conceitual.

Até 07 de setembro.

Artista representado e seu legado.

26/mai

A Galatea, São Paulo, SP, anuncia a representação do artista Paulo Roberto Leal (Rio de Janeiro, 1946 – Rio de Janeiro, 1991) e seu legado.

Ao longo de sua carreira, Paulo Roberto Leal trabalhou com pintura ao mesmo tempo que se manteve em constante experimentação com materiais e suportes não convencionais. Desenvolveu, a partir do início da década de 1970, uma produção marcada pelo rigor formal e pelo interesse nas qualidades plásticas do papel, aprofundando-se de modo autodidata na investigação dos limites da pintura e da visualidade construtiva. Sua obra é atravessada pela pesquisa em torno da materialidade do suporte e dos processos repetitivos e modulares. Utilizou com frequência papéis kraft e papéis nobres, tecidos costurados e caixas acrílicas, criando objetos e composições que questionam as fronteiras entre pintura, escultura e instalação.

O artista participou de duas Bienais de Veneza, em 1972 e 1980, ocasião em que teve destaque especial, além da 11ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1971, onde foi premiado. Em 1984, foi cocurador da histórica mostra “Como vai você, Geração 80?”, realizada na EAV do Parque Lage, no Rio de Janeiro – marco da arte brasileira daquela década. Em 1993, Roberto Pontual foi um dos fundadores do Projeto Concreto/PRL, criado com o objetivo de preservar e difundir a obra do artista. Em 1995, o MAM Rio implantou o Centro de Referência Iconográfica e Textual Paulo Roberto Leal, preservando a documentação deixada pelo artista.

Entre as exposições inidivuais e coletivas recentes, destacam-se: Moments in Modernism (Coletiva, Art Gallery of Ontario, Toronto, 2025); Estado bruto (Coletiva, MAM Rio, Rio de Janeiro, 2021); Casa carioca (Coletiva, MAR, Rio de Janeiro, 2021); Espaços articulados (Individual, Paço Imperial, Rio de Janeiro, 2015); Sensitive Geometries (Coletiva, Hauser & Wirth, Nova York, 2013); Da matéria nasce a forma (Individual, MAC Niterói, 2007). Suas obras integram importantes coleções públicas, como o Museu de Arte de São Paulo (MASP), Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio), Museu de Arte Contemporânea de Niterói (MAC-Niterói) e a Art Gallery of Ontario (Toronto, Canadá).

A Galatea agradece especialmente à Lorena Leal pela confiança e parceria neste projeto. Com essa representação, a galeria reafirma o compromisso de ampliar o alcance da obra de Paulo Roberto Leal, preservando seu legado e renovando o interesse por sua prática junto às novas gerações e no cenário da arte contemporânea. Em 2026, a Galatea dedicará uma grande exposição ao artista.

Os fluxos da ancestralidade em Roney George.

A Galeria Carmo Johnson Projects apresenta a primeira exposição individual do artista Roney George, “Fixos, Fluxos e Orikis”, Alto de Pinheiros, São Paulo, SP.

Com trabalhos recentemente produzidos, alguns feitos especialmente para a mostra, a exposição tem a curadoria de Danillo Barata, artista, pesquisador e professor reconhecido por sua atuação nas áreas das artes, mídias e culturas digitais, com uma abordagem interdisciplinar que explora as intersecções entre corpo, imagem e tecnologia. Danilo Barata traz um olhar sensível e aprofundado, fruto de uma relação construída ao longo de anos de proximidade e colaboração com Roney George.

Em seu texto curatorial, Danillo Barata, menciona que: “A exposição propõe uma reflexão sobre a transformação contínua das tradições e identidades afro-brasileiras, explorando as permanências simbólicas e as dinâmicas dos deslocamentos culturais. Aqui, a arte não se restringe à materialidade dos objetos, mas se expande como território vivo, onde tradição e contemporaneidade se entrelaçam, em um gesto que reafirma a potência criadora dos fluxos da ancestralidade”. (…)

Sobre o artista

Natural de Itapetinga, no sudoeste da Bahia, Roney George carrega em sua poética artística as marcas do sertão, incorporando em suas obras a simbologia dos caboclos de couro, figuras emblemáticas da cultura sertaneja e afro-indígena. O artista graduou-se pela Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia UFBA. Ao se deslocar para Salvador, Roney George ampliou seu repertório visual e conceitual, vivenciando a complexidade das interações entre sertão e cidade, articuladas por processos históricos que moldam o Recôncavo baiano e suas extensões culturais. Suas obras se desdobram como processos contínuos, nos quais a dimensão ambiental, a participação do público e a história afro-atlântica se tornam partes intrínsecas de sua construção. Inspirado por paradigmas que valorizam o fazer artístico como experiência total, o artista traduz em suas pinturas uma complexa trama de resistência, memória e ancestralidade que conforma a diáspora africana, conectando o passado às urgências do presente.

Em “Fixos, Fluxos e Orikis”, está proposto um evento vivo, onde tradição e contemporaneidade dialogam continuamente, promovendo reflexões sobre pertencimento, memória e a continuidade dos saberes afro-diaspóricos.

Até 28 de junho.

A obra original de Antônio Poteiro.

16/mai

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A CAIXA Cultural São Paulo inaugurou a exposição Antônio Poteiro – A luz inaudita do cerrado, em homenagem ao centenário do artista. Com curadoria de Marcus de Lontra Costa, a mostra – em cartaz até 27 de julho – reúne 53 obras, entre pinturas e esculturas, que abrangem diferentes fases da carreira de Antônio Poteiro.

Antônio Poteiro já era um ceramista conhecido quando começou a pintar, incentivado por nomes como Siron Franco e Cléber Gouvêa. Seu trabalho logo se destacou pelo uso vibrante das cores, composições densas e temas ligados ao cotidiano brasileiro – com ênfase na religiosidade, nas festividades populares e na vida rural. Autodidata, o artista construiu uma obra autêntica e original.

“As obras de Poteiro encantam as pessoas por sua capacidade de manipular diversas referências para a construção de objetos de grande potência estética e apelo filosófico”, afirma Marcus de Lontra Costa. “Popular em sua essência criativa, toda a trajetória do mestre Poteiro cria pontes entre percepções e saberes diversos. Ela retrata e reflete cenas do cotidiano. Ela cria histórias sobre fatos históricos e aproxima a arte e a religião como objetos da fé”, completa o curador.

Trata-se de uma exposição retrospectiva que destaca o acervo do Instituto Antonio Poteiro. A mostra reúne pinturas e esculturas, todas de autoria de Antonio Poteiro, produzidas a partir da década de 1960 até sua morte em 2010.

Sobre o artista.

Antônio Poteiro nasceu em 1925 na aldeia de Santa Cristina da Pousa, em Braga, Portugal, veio com a família para o Brasil quando ainda era bebê. Após uma passagem por São Paulo, o artista morou em Araguari e Uberlândia, ambas em Minas Gerais, onde deu início à sua trajetória artística como ceramista. Em 1940, a família de Poteiro se estabeleceu em Goiânia (GO), cidade onde o artista viveu a maior parte da vida, naturalizou-se brasileiro e consolidou sua carreira artística. Um dos nomes mais emblemáticos da cultura goiana, Antônio Poteiro deixou um legado singular nas artes visuais brasileiras.

Cores vibrantes e texturas de Sophia Loeb.

“Através da pintura, quero mostrar uma nova forma de enxergar o mundo”, diz a artista Sophia Loeb. Nascida em São Paulo e baseada em Londres, Sophia Loeb retrata com cores vibrantes e texturas uma maneira específica de ver o mundo através de um olhar que transita entre o micro e o macro.

Sophia Loeb obteve seu diploma de Artes Plásticas (Fine Art) e História da Arte na Goldsmiths University, em Londres, e fez seu mestrado na Royal College of Art, também em Londres. Suas obras compõem coleções internacionais renomadas e conceituadas, como o Institute of Contemporary Art em Miami, Green Family Art Foundation em Dallas e o Museu de Arte Moderna em Fort Worth, nos Estados Unidos.

A artista utiliza a cor em suas obras de forma intuitiva, e a escolha de cores vivas fazem referência a uma natureza exótica. Para Sophia Loeb, cor é celebração: “A cor transmite alegria de viver e gratidão pela vida. Quero que as pessoas sintam isso ao ver minhas pinturas”, explica.

Próximas exposições

A obra “Peregrinos a você” (2024) participa da quarta edição da exposição “Aberto”, em cartaz em Paris até 08 de junho na Maison La Roche, casa projetada pelo arquiteto modernista Le Corbusier (1887-1965). Sophia Loeb realizará sua primeira exposição individual no Brasil na Carpintaria, no Rio de Janeiro, apresentada pela Galeria Fortes D’Aloia & Gabriel. A abertura acontece no dia 05 de junho.

Fonte: VEJA por Vitoria Monteiro de Carvalho.

Obras históricas e inéditas.

15/mai

A partir de 17 de maio a Central, Vila Buarque, São Paulo, SP, apresenta a segunda exposição individual de Sergio Augusto Porto. Com texto de Yuri Quevedo, “Espaço do Invisível” reúne obras históricas e projetos inéditos realizados especialmente para a ocasião.

Três núcleos de obras do artista guiam a exposição – dois deles exibidos ao público pela primeira vez. “É a oportunidade de ver uma pesquisa consistente, com poucos paralelos em sua época e que, apesar dessas características, se manteve à margem das antologias dedicadas ao início da arte contemporânea entre nós”, comenta Yuri Quevedo no texto crítico da mostra.

Sobre o artista.

Sergio Augusto Porto nasceu em 1946 no Rio de Janeiro, vive e trabalha em Salto, Brasil. O artista integra uma geração que busca romper com os paradigmas do projeto modernista. Forma-se entre o Rio de Janeiro e Brasília, recém inaugurada, onde frequenta o curso de Arquitetura da UnB. Nos anos 1970, Porto atraiu atenção ao se distanciar de uma abordagem artística convencional, restrita aos espaços institucionais ou aos ateliês, optando por uma prática mais ambiental, experimental e participativa. Destacam-se as participações no 4o Salão de Verão, MAM – Rio de Janeiro (1972), recebendo o prêmio de viagem à Europa; na 12ª Bienal de São Paulo (1973), que lhe rendeu o Grande Prêmio Latino-Americano da mostra; no 7º Panorama da Arte Atual Brasileira (1975), ocasião na qual recebeu o Prêmio-Estímulo/Objeto; e na 37ª Bienal de Veneza (1976), quando integrou a Representação Oficial do Brasil. Mais recentemente, seu trabalho também foi incluído em exposições como Mitologias por procuração, MAM – São Paulo (2013); Brasília – Síntese das Artes, CCBB – Brasília (2010); Arte como Questão: Anos 70, Instituto Tomie Ohtake – São Paulo (2007); Situações: Arte Brasileira Anos 70, Casa França-Brasil – Rio de Janeiro (2000).

O Jardim do MAM.

13/mai

O Sesc Vila Mariana, São Paulo, SP, recebe – até 31 de agosto – a exposição inédita “Jardim do MAM no Sesc”, uma correalização do Museu de Arte Moderna de São Paulo e do Sesc São Paulo. A mostra tem curadoria de Cauê Alves e Gabriela Gotoda e reencena na entrada do Sesc Vila Mariana elementos do Jardim de Esculturas do MAM.

A seleção de obras inclui peças que já integraram o Jardim do MAM, além de trabalhos do acervo do museu que dialogam com temas como natureza, cidade e materialidade. A montagem no Sesc Vila Mariana recria a dinâmica do Jardim de Esculturas, utilizando elementos cenográficos que evocam a topografia sinuosa do Parque Ibirapuera projetada pelo escritório do emblemático arquiteto paisagista Burle Marx, estimulando novas interações entre corpo, espaço e arte.

Artistas participantes.

Alfredo Ceschiatti, Amilcar de Castro, Bruno Giorgi, Eliane Prolik, Emanoel Araujo, Felícia Leirner, Haroldo Barroso, Hisao Ohara, Ivens Machado, Luiz 83, Marcia Pastore, Marepe, Mari Yoshimoto, Mário Agostinelli, Nicolas Vlavianos, Ottone Zorlini, Regina Silveira, Roberto Moriconi, Rubens Mano.