Arquivos da Categoria: Pinturas

José Cláudio e Guilherme Almeida

11/jun

A Galeria Base, Jardim Paulista, São Paulo, SP, abriu a exposição “José Cláudio & Guilherme Almeida – Convergência de Afetos” apresentando ao público cerca de 30 pinturas dos artistas. Guilherme Almeida utiliza o jornal como suporte, José Cláudio exibe pinturas sobre tela e em eucatex. Com texto crítico de Agnaldo Farias e coordenação artística de Daniel Maranhão, a mostra tem como foco a representação de cenas de trabalho, festas populares e do cotidiano do nosso povo. A mostra permanecerá em cartaz até 13 de Julho.

Segundo Agnaldo Farias, “…nascido em 1932 e falecido em 2023, o pernambucano José Claudio era um pintor consagrado, igualmente reconhecido por sua erudição e pelo tempero picante de seus ensaios e crônicas, quando em 2000, como que celebrando a entrada no milênio, nasceu o baiano Guilherme Almeida. José Cláudio integralmente desenhista e pintor, enquanto Guilherme, em sintonia com o agora, vai do desenho a pinturas, eventualmente misturando-os e, ainda mais, incorporando jornais e plásticos”. E acrescenta “Apesar da distância temporal que os separa, das expectativas diversas, das compreensões do que seja arte, do papel do artista, do seu lugar na sociedade, ambos têm um ponto em comum: o afeto pelas coisas do mundo, acima de tudo de suas gentes, suas festas, celebrações, oferendas, ofícios, comidas, seus ritos cotidianos, as porções de alegria que nos é distribuída, as dores da exploração, outras dores. Em que pese as diferenças, o trabalho de ambos foi e, no caso de Almeida, vem sendo dedicado a cantar a imensidão da vida”.

Há outra convergência que deve ser explicitada, completa Daniel Maranhão, “Ambos artistas gozam de currículos notáveis. Se de um lado, Zé Cláudio, morto aos 91 anos, encerrou seu ciclo com uma trajetória consolidada, formada com a participação em cinco Bienais de Arte de São Paulo, e obras espalhadas em importantes acervos de museus pátrios e estrangeiros, a exemplo do MoMa, Almeida, apesar de seus poucos 24 anos, acumula participações em expressivas exposições, a começar pelo IMS Paulista, quando ainda tinha 20 anos. Desde então, foi inserido em diversas exposições e suas obras passaram a agregar acervos de museus como o MAR (RJ), e o Reina Sofia, situado em Madri.”.

Ao se referir a José Cláudio, ressalta Agnaldo Farias “Hedonista até o talo, José Cláudio declarou que diante de uma bela manga ficava dividido entre pintá-la ou chupá-la. A julgar pela extensão do seu trabalho e por seu corpo “torado no grosso”, ele fez, e muito, as duas coisas. Amante das festas populares, a começar pelo Carnaval que brincou até não poder mais, do Pastoril, tema de uma pintura superior, o artista cuidava em registrar os inúmeros ofícios, por simples que fossem. Em todas essas pinturas sobressai a rapidez da execução, a elaboração que os mal informados acusavam de desleixada, desatentos à capacidade de capturar um acontecimento quase na mesma velocidade em que ele se dava”.

“Amante da vida e de sua gente, Guilherme Almeida tem colocado a tradição africana no centro da sua poética. A força de seu trabalho advém dessa clareza, do interesse em garantir uma posição central aos saberes, as religiões de ascendência africana, cuja presença viva, ademais do seu papel crucial no estreitamento das relações entre o corpo o espírito e a natureza, são trincheiras de resistência. Telas como Perfumes para Senhor do Bonfim, Cosme e Damião, Subindo a Barroquinha atrás de Santa Bárbara, se arrumando para Yemanjá, Samba de roda, são protagonizadas por representações econômicas, lavradas em desenhos de contornos grossos e cores vivas, de mulheres, homens, velhos e crianças, as voltas com ritos cotidianos de louvor as divindades, ao reconhecimento de que as atividades terrenas justificam-se a partir de empreendimentos conectados ao passado”, diz Agnaldo Farias.

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Espaço para as pinturas de Maria Polo

A Pinakotheke apresentará na feira ArPa – feira de arte contemporânea no Mercado Livre Arena Pacaembu, São Paulo, de 26 a 30 de junho – um estande solo, dedicado à obra de Maria Polo (1937-1983), com aproximadamente quinze trabalhos emblemáticos da artista dos anos 1960 e 1970, período em que foi um dos nomes mais marcantes da abstração informal no Brasil. Na ArPa, a Pinakotheke estará no Estande D7, no Setor Principal.

Sobre a artista

Nascida em Veneza, Itália, em 1937, Maria Polo se mudou para São Paulo em 1959, convidada por Pietro Maria Bardi, então diretor do MASP, para preparar sua exposição individual no Museu, no ano seguinte, sua primeira individual no Brasil, quando escreveu sobre ela: “A pintura de Maria Polo é violenta e ao mesmo tempo grave, lança-se na aventura aforista das formas, compõe as manchas, juntando cores berrantes, gritando. É uma tímida com fogo por dentro. Os inúmeros críticos que dela falaram não descobriram que é uma mediterrânea: as cores vem do sol do Adriático que ilumina o imenso ungarettiano, mas através de um módulo pacato e harmônico. Maria Polo, por vezes mistura as luzes de sua terra com os trópicos, e deste conúbio saem as novidades colorísticas das mais estranhas e curiosas (Gauguin, fundindo os climas da Bretanha com os de Taiti, encontrou as suas soluções de cor)”.

Com estética própria, Maria Polo faleceu precocemente, no ápice de sua carreira. O físico, matemático e crítico de arte Mário Schenberg (1914-1990) escreveu sobre ela em 1969: “Em sua pintura, processava-se uma luta entre o naturalismo construtivista de sua formação italiana com o lirismo e a fantasia musical de sua personalidade. Nas paisagens pernambucanas, pintadas pouco depois de sua vinda para o Brasil, já se podia constatar que o impacto poderoso do cromatismo e da luz nordestinos haviam auxiliado a artista a afirmar suas tendências mais profundas, abalando a disciplina construtiva e o objetivismo naturalista de sua formação. A assimilação das experiências do expressionismo abstrato e do informalismo vieram, posteriormente, reforçar a manifestação do lirismo e da dramaticidade inerentes à personalidade de Maria Polo. No começo de 1965, a pintura abstratizante, de tendência expressionista caligráfica, solidamente construída, de Maria Polo atingiu ao seu nível mais alto. Realizou então telas soberbas, que lhe deram uma posição eminente no movimento artístico brasileiro. Poder-se-ia esperar uma pausa no desenvolvimento de Maria. Muito ao contrário, insatisfeita com os resultados obtidos, mas encorajada pelo que alcançara, iria iniciar uma fase de transformações radicais de sua arte. A última etapa do caminho de Maria Polo representa indiscutivelmente uma afirmação mais nítida de sua personalidade, numa libertação mais essencial dos condicionamentos objetivistas e estruturalistas de sua formação europeia. Paradoxalmente assim se aproximou mais do verdadeiro espírito da grande pintura de sua Veneza natal, tão cromaticamente musical e tão aberta para a fantasia e o sonho”.

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Pietrina Checcacci em exposição na Galatea

04/jun

A Galatea, Jardins, anuncia a exibição de Pietrina Checcacci: táticas do corpo, sua próxima exposição em São Paulo até o dia 13 de Julho.

A individual da artista ítalo-brasileira Pietrina Checcacci (1941, Taranto, Puglia, Itália) apresenta obras que datam desde a década de 1960 até os desdobramentos atuais de sua produção. A mostra coloca em evidência tanto os trabalhos de cunho político que dialogam com a estética da Nova Figuração Brasileira quanto as pinturas que trazem o corpo em primeiro plano a partir do olhar feminino, explorando ora as suas minúcias anatômicas, ora o seu potencial erótico.

Em uma ação coordenada visando lançar novos olhares curatoriais para a produção da artista, a Danielian Galeria inaugurou no dia 28 de maio mostra individual de Pietrina Checcacci, no Rio de Janeiro, sob o título de “Carnação”.

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Chico Cunha em cartaz na Danielian

O pintor Chico Cunha, importante nome da Geração 80, ocupa os espaços expositivos da casa principal da galeria na Gávea até o dia 20 de Julho com sua produção recente. Ele trabalha a pintura a partir de diálogos entre a História da Arte e suas referências visuais afetivas. O título da exposição é uma alusão ao livro publicado em 1977 pelo filósofo francês Roland Barthes (1915-1980), em que analisa a linguagem das relações amorosas. Curadoria: Marcus de Lontra Costa e Rafael Fortes Peixoto.

Sobre o artista

Chico Cunha é artista visual, professor, arquiteto e cenógrafo. Dentre exposições coletivas destacam-se a Bienal de SP, a Bienal de Cuba e a histórica exposição “Como vai você Geração 80?”, da qual se tornou um dos principais expoentes. É professor da Escola de Artes Visuais do Parque Lage desde 2002. Realizou individuais recentes em galerias e centros culturais como Paço Imperial no RJ, Centro Cultural Oi Futuro, Cavalariça do Parque Lage e Galeria Eduardo Fernandes, em São Paulo. No último ano participou, no Rio de Janeiro, de coletivas na Casa França Brasil, Pinakotheke Cultural e Casa Roberto Marinho. Seus trabalhos integram acervos de coleções como MAM RJ, MAM SP, MAC Niterói, Cisneros, Sattamini, Gilberto Chateaubriand, UNESCO e Shell, entre outras.

Texto curatorial

Fragmentos de uma pintura amororsa

Chico Cunha faz parte de um momento brasileiro em que a arte surgiu como um grito de liberdade de expressão. A Geração 80, da qual Chico de destaca no campo da pintura, resgatou a experimentação como ferramenta de conexão entre vida e arte: a aventura da expressão liberta de véus filosóficos ou trincheiras conceituais. Das inquietações plásticas de uma sociedade que produz imagens, entre o consumo e o descarte, o olhar do artista captura os hiatos. Em suas telas Chico Cunha reúne fragmentos de memórias afetivas, artísticas, visuais e ficcionais, na investigação da pintura como um palimpsesto, entre o ontem e o hoje, o transitório e o eterno. A voz íntima, delicada e sofisticada da pintura de uma geração de cores, contrastes, gestos e narrativas. Paisagens de Guignard, iluminuras medievais e a natureza fauve de Gauguin, suas obras suspendem a questão do tema através de uma névoa de imaginação que nos envolve. Os títulos parecem servir de farol do percurso do olho sobre a tela. O nome da mostra é uma citação ao famoso livro de Roland Barthes, “Fragmentos de um discurso amoroso”, publicado em 1977, onde o autor discute a linguagem romântica a partir de textos de filósofos, poetas e intelectuais como Sócrates, Freud, Werther e Nietzsche. No flerte entre estas duas pesquisas, essa exposição que reúne a produção recente de Chico Cunha aponta direções sobre a pintura como linguagem que são fundamentais para o cenário artístico contemporâneo, e fazem parte da trajetória de Chico de maneira íntima e processual.

Marcus de Lontra Costa e Rafael Fortes Peixoto.

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Celebrando a obra de Pietrina Checcacci

29/mai

Perto de completar 83 anos, a artista Pietrina Checcacci, nascida na Itália e residente no Rio de Janeiro desde seus treze anos, ganha uma dupla homenagem, no Rio e em São Paulo. No Rio, a Danielian Galeria, na Gávea, apresenta a partir do dia 28 de Maio a exposição “Carnação”, com 35 obras produzidas, principalmente, desde 2005 até agora, várias delas inéditas. Estarão também esculturas emblemáticas feitas nos anos 1970, 80 e 90.  O corpo feminino passou a ser o principal tema da artista a partir dos anos 1970, quando em meio à tortura ou ao exílio, “o corpo representava o primeiro espaço da manifestação política”, observam Marcus de Lontra Costa e Rafael Fortes Peixoto, curadores da exposição. As obras abordam questões que atravessam a trajetória da artista, e o reconhecimento de uma matriz pop/kitsch com referências surrealistas em sua pintura.

Os curadores Marcus de Lontra Costa e Rafael Fortes Peixoto afirmam no texto que acompanha a exposição “Carnação”: “Em um caminho adjacente às guerrilhas artísticas do cenário na época, suas investigações estéticas no campo da pintura e do desenho levaram-na a desenvolver uma identidade visual própria que trazia do pop, a apropriação da imagem, e do kitsch a assimilação de visualidades e linguagens na popularização destas imagens”.

“Pietrina acentua a presença feminina na arte pop brasileira com suas figuras sensuais repletas de desejo. Fiel à imagem, Pietrina faz do corpo a sua principal ferramenta de criação e encantamento de mundo. Suas formas arredondadas, como as curvas e dobras barrocas, fazem do corpo feminino um território de luta, empoderamento e prazer”, diz Marcus de Lontra Costa.

Em São Paulo, a Galeria Galatea, Jardins, abrirá no dia 04 de Junho a mostra “Pietrina Checcacci – Táticas do corpo”, com destaque para seus trabalhos de cunho político, que dialogam com a estética da Nova Figuração Brasileira, e também para as pinturas que trazem o corpo em primeiro plano a partir do olhar feminino.

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A natureza poderosa e autônoma de Diambe

27/mai

A Simões de Assis, Jardins, apresenta a primeira individual de Diambe, intitulada “Sensação Térmica” em São Paulo. Ao redor do mundo dos sonhos e de possibilidades fabulativas de novos seres, dentre os dezenove trabalhos, dez pinturas manifestam escolhas cromáticas calorosas, e nove esculturas, feitas em bronze e alumínio com pátinas coloridas, discutem como culturas, em diversos contextos geográficos, consideram a temperatura local como fator determinante na escolha dos materiais a comporem seus objetos, endereçando a assimetria na reciprocidade de recepção sociocultural estabelecida pela diáspora africana no Brasil. As obras expostas foram produzidas em um momento crítico de temperatura ambiental no início de 2024, com sensação térmica maior que 60 graus Celsius em algumas cidades do sudeste brasileiro. Esse pensamento também está presente no projeto expográfico, com bases feitas de argila craquelada, compõem e refletem o uso de matérias vivas e elementos ornamentais da natureza. A artista possui obra em exibição na coleção permanente da Pinacoteca e seus trabalhos integram coleções de importantes instituições no Brasil, como o Museu de Arte de São Paulo (MASP), Pinacoteca de São Paulo e Museu de Arte do Rio (MAR).

Sensação térmica

A expandir sua poética através de fabulações de seres que podem ser assimilados como paisagens, figuras zoomórficas, alimentos, entidades trans-espécies e manifestações de uma memorabilia sonhada, Diambe (Rio de Janeiro, 1993) reverencia a inventividade efervescente que responde a máculas e muralhas impostas a corpos dissidentes na contemporaneidade. Em seu processo criativo, materializa criaturas que habitam uma natureza poderosa e autônoma, cujo poder sobrepuja o do ser humano e proporciona um escape de uma ilusória situação de dominação antropocêntrica. Paralelamente, na presente exposição, Diambe discute como culturas, em diversos contextos geográficos, consideram a temperatura local como fator determinante na escolha dos materiais a comporem seus objetos, endereçando a assimetria na reciprocidade de recepção sociocultural estabelecida pela diáspora africana no Brasil.

Em Sensação térmica, materialização de um sonho perpétuo ignizado por Diambe, apresentam-se pinturas que manifestam escolhas cromáticas calorosas, esculturas gotejadas em bronze com pátinas coloridas e bases de argila crua que racham em resposta ao tempo. As obras expostas nessa ocasião foram produzidas em um momento crítico de temperatura ambiental no início de 2024, com sensação térmica maior que 60 graus Celsius em algumas cidades do sudeste brasileiro. Ar e fogo confundiam-se. O calor alucinante atravessava não somente a matéria, mas a subjetividade posta em fogo no estabelecimento de uma poética do delírio. As gotas de suor que escorrem pelo corpo dançante. A saliva morna que recebe a água fresca. O suco da fruta mordida que colore o queixo e escorre pelo peito aberto. Nesse contexto de assombroso fervor, o transporte das esculturas em cera do ateliê de Diambe para a fundição em metal tornou-se crítico: os corpos derretiam, desmontavam, metamorfoseavam-se em resposta à fulminante onda de calor. Esse torpor também causa uma zona de descontrole, estabelecendo limites desobedientes sobre a manipulação da cera de abelha que molda as esculturas. Desse modo, Diambe não detém total autoridade plástica sobre a matéria, mas respeita sua própria agência, sua multiplicidade vital e suas delirantes possibilidades de comportamento. A partir de profunda intimidade com os elementos plásticos, congrega em torno do calor uma relação colaborativa com os materiais, sempre em trabalho sinérgico e ação mútua.

Depois de confeccionados os moldes, receptáculos que transfeririam suas formas e entidades ao bronze incandescente, os seres em cera retornavam da oficina de fundição a Diambe em pedaços, logo derretidos novamente para corporificar outras subjetividades e produzir novas esculturas com o mesmo material, já impregnado de tantos ciclos de vida e morte. No décimo primeiro andar de um edifício no centro de São Paulo – repleto de frutos, vegetais e raízes colhidas na Mata Atlântica, na floresta amazônica ou negociadas em mercados no Benin -, o aroma que exalava da cera de abelha reaquecida por Diambe atraía frequentemente um pequeno enxame que retornava, em transe, ciclicamente à matéria que havia criado. A preparação de novos corpos desencadeava um chamado aos seres que produziram aquela massa plástica, em um reencontro no momento da transformação material. Esse ecológico fluxo cíclico sugere, inclusive, uma postura harmônica e sustentável de lidar com a matéria, em constante mutação. Apesar das potências poéticas do calor, Diambe também alerta para os exílios climáticos e o racismo ambiental, a denunciar que as mudanças causadas pelo aquecimento global afetam de forma mais voraz pessoas com corpos dissidentes e grupos sociais marginalizados. Sua prática artística é perpassada pela temperatura desde quando ateava fogo em monumentos públicos que reverenciam ícones totalitaristas que, mesmo estáticos, continuam a violentar corpos e corroer histórias. O calor, por outro lado, também serve como analogia à entropia social causada pelos sistemas que mantêm predatórias dinâmicas colonialistas e imperialistas. Ao fundir corpos de diferentes âmbitos biológicos e espirituais, Diambe incorpora entidades híbridas que desafiam categorizações e encorajam relações mais respeitosas em uma natureza que pode ser aplicada às esferas sociais. Sendo pessoa negra, desobediente da binariedade de gênero, Diambe entende o corpo como lugar e o lugar como corpo, em uma espelhada geografia sempre política: “o assentamento (também chamado de ibá) no candomblé é, ao mesmo tempo, a morada do orixá, o próprio orixá materializado e o local onde a relação entre pessoa e orixá se faz”. Suas pinturas em têmpera de ovo retomam a origem da técnica milenar originária do nordeste africano, encontrando-se na indeterminação entre paisagens figurativas, seres surrealistas, abstrações cromáticas e outras miríades de possibilidades de existência. Seus trabalhos acontecem propositalmente em uma zona limiar, inegociavelmente híbrida, a amalgamar reinos naturais e metafísicos. Em respeito à individualidade dos seres que cria e põe no universo, Diambe escolhe que suas esculturas em bronze fundido sejam únicas, sem outras edições. Dessa forma, obedece a epistemologias ancestrais que entendem a criação – artística, nesse caso, mas também de qualquer outra natureza – como provedora de agência, dotando um ser de corpo e integrando-o em dinâmicas naturais como indivíduos que, embora autônomos, não existem sem comunidades harmônicas de cooperação. Através de sistemas de saberes da diáspora africana e de tradições amefricanas, as criações e corporificações de Diambe se relacionam com a noção de alimento, de oferenda, como combustível do corpo e da alma. Comer é, portanto, exercer a sua própria divindade e a do alimento, irradiando energia, prazer, felicidade e alegria de viver. Oferendar isso ao mundo abarca noções dilatadas de tempo ao criar entidades que, postas nesse banquete-encruzilhada, vão durar muito mais tempo que seu próprio corpo, que os vegetais moldados que constituem partes das esculturas e que o ovo utilizado na conservação da vivacidade dos pigmentos na têmpera. Ao reconhecer a perecibilidade do próprio corpo, Diambe sonha em direção a uma oferenda mais duradoura em temporalidades que extrapolam certas noções de vida.

Mateus Nunes

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A arte introspectiva de Eleonore Koch

O silêncio e a elegância na obra de Eleonore Koch

Cadeiras, xícaras, uma máquina de costura, flores. Esses são alguns dos elementos que aparecem com frequência nos quadros de Eleonore Koch, artista que viu o início do reconhecimento de sua obra poucos anos antes de falecer, em 2018. Hoje, 6 anos depois de sua morte, essa valorização só cresce e tem alcançado cifras milionárias no mercado de arte, além de exposições e documentários. No Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC-USP), 190 pinturas estão expostas em sua primeira grande retrospectiva. Com curadoria de Fernanda Pitta e obras de coleções públicas e privadas,  “Eleonore Koch: Em cena” reúne décadas de produção da artista, incluindo trabalhos nunca antes exibidos. Abordando os gêneros tradicionais da pintura explorados por ela (paisagens, naturezas-mortas e interiores), a mostra evidencia a simplicidade, o silêncio e a elegância retratados por meio de suas telas.

O início de tudo

Eleonore Koch nasceu em Berlim, em 1926, e veio para o Brasil ainda criança, aos 12 anos de idade. Imigrantes judeus-alemães, seus familiares fugiam do regime nazista. Desde cedo ela sonhava em trabalhar com arte, mas seu desejo era visto como uma ambição distante, já que todos os seus parentes levavam a vida difícil de quem precisa escapar do próprio país e se estabelecer em um novo local. Mesmo assim, Eleonore manteve sua vontade e recebeu apoio da família.

Em meados de 1940, ela frequentou os ateliês de personalidades como Yolanda Mohalyi, Elizabeth Nobiling, Samson Flexor e Bruno Giorgi. Depois, viajou à Europa e teve aulas com o pintor húngaro Arpad Szenes e o escultor francês Roberto Coutin. De volta ao país tropical, Eleonore viveu períodos nas capitais de São Paulo e do Rio de Janeiro e experimentou diferentes métodos artísticos. Foi somente em 1953, quando conheceu Alfredo Volpi, que ela começou a desenvolver a técnica da têmpera a ovo. Ao conviver com o mestre visitando seu ateliê, discutindo arte e observando sua forma de produzir, Eleonore incorporou a têmpera em seu processo criativo e passou a se preocupar cada vez mais com as cores e composições. Embora não tenha aprendido exatamente a “receita” empregada pelo artista, ficou conhecida como sua única discípula. O conjunto de pigmentos utilizados por ela – minerais, vegetais e alguns poucos sintéticos, alguns herdados de Volpi – hoje integra a coleção do Núcleo de Conservação e Restauro da Pinacoteca de São Paulo. No arquivo do MAC USP, há diários da artista com breves anotações sobre sua prática de pintura. Em seus estudos, ela registrava os pigmentos e misturas realizadas para conseguir os matizes de seu interesse.

Na década de 1950, também conviveu com grandes nomes do movimento concretista, dentre eles o paulista Geraldo de Barros, e observou o diálogo de Volpi com esses artistas. Apesar disso, não abandonou a figuração para se tornar “abstrata”, como muitos de sua geração fizeram. Sua predileção por objetos fez com que sua obra avançasse nos gêneros pictóricos da natureza-morta e dos interiores.

Certa de que deveria se dedicar ao ofício, Eleonore optou por não casar e nem ter filhos. Para garantir sua independência financeira enquanto a arte não lhe rendia tantos frutos, Koch trabalhou como vendedora de livros, assistente de cenógrafa, secretária e tradutora. Foi apenas em 1968, ao se mudar para Londres, que conseguiu viver da pintura. Na cidade nova, o empresário e colecionador Alistair McAlpine, tocado pelas obras, passou a ser seu mecenas. Antes de partir para a capital inglesa, Eleonore conquistou, sim, espaços importantes no circuito da arte brasileira. Em 1961, por exemplo, teve seu trabalho aceito pela Bienal de São Paulo, depois de muitas recusas. Mas de forma geral, a inserção no mercado de arte foi custosa para uma mulher que não seguia as vertentes daquele momento – nem a arte concreta, nem a pintura figurativa de caráter social.

Em cena

No MAC USP, os quadros de paisagens aparecem com certo destaque. Eles foram feitos depois de visitas da artista a parques de Londres, Versailles e outras localidades da Europa. Combinando observações, fotografias e uma mistura de realidade e fantasia, Eleonore criou algo de encenado – daí o título da exposição. Como explica o texto curatorial, “essas paisagens se assemelham a cenários ou imagens do pensamento, […] nas quais se “intrometem” elementos da memória e do afeto: a cadeira predileta, plantas azuis, um chão como a superfície do mar”. A sensibilidade de Koch é expressa principalmente pelos objetos colocados nas telas. Mais do que pela combinação minuciosa de cores, é por meio dos cômodos e das praças vazias que ela se comunica com o público. São os elementos da memória e do afeto – os cafés, os brinquedos, a casca da laranja e as cadeiras desocupadas – que fazem o observador se identificar com a introspecção da artista. Não se trata da mera figuração por ela mesma, mas da abertura às sensações que ela provoca.

Na mostra do MAC USP, é possível conhecer, ainda, todo o processo criativo de Eleonore, que documentava cada um de seus trabalhos. Em grandes vitrines, estão expostos os registros fotográficos de suas pinturas finalizadas – este era um modo de documentar e inventariar sua produção de forma independente. Entre os negativos, estão algumas das trinta pinturas de propriedade do Barão Alistar McAlpine, que se perderam em um incêndio na West Green House, na Inglaterra.  Além da mostra que permanece em cartaz até 17 de julho, o trabalho de Eleonore Koch tem ganhado destaque também em outros meios. Em abril deste ano, o festival de cinema “É tudo verdade” fez quatro exibições do documentário “As cores e os amores de Lore”, sobre a vida íntima e a trajetória profissional da artista. Com 80 minutos, o filme dirigido pelo cineasta Jorge Bodanzky apresenta um retrato dos últimos anos da artista, que faleceu aos 92 anos. Em breve, a película deverá chegar aos cinemas. Para o segundo semestre, está previsto, ainda, o lançamento de um livro sobre sua obra, com imagens e textos críticos.

Publicado por  Victoria Louise

Fonte: Artsoul.

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Um diálogo entre Gerben Mulder & Iberê Camargo

23/mai

A Fortes D’Aloia & Gabriel apresenta até 20 de Julho “Gerben Mulder & Iberê Camargo” na Carpintaria, Jardim Botânico, Rio de Janeiro, RJ. A mostra-diálogo evidencia paralelos entre dois pintores figurativos, de contextos geográficos e gerações distintas, cujos trabalhos traçam afinidades temáticas, plásticas e simbólicas. Curadoria de Luiz Zerbini, Paulo Azeco e Tiago Mesquita. Entre novas pinturas de Mulder (Amsterdã, Holanda, 1972)   e uma seleção histórica de Camargo (Restinga Seca, Brasil, 1914 – Porto Alegre, Brasil, 1994), os trabalhos da exposição pensam dimensões dramáticas da pintura contemporânea, sugerindo cenas e narrativas fragmentárias por meio de superfícies densas de tinta e pinceladas turbulentas e gestuais. Destacam-se as figuras-personagens presentes no repertório de ambos e suas relações com o vazio. Animadas  como fantoches desconjuntados, elas nos guiam por espaços soturnos e indeterminados.

Motociclistas (1988) de Iberê, traz duas figuras montadas sobre uma motocicleta esquelética. Suas cabeças pendem para o lado e devolvem um olhar vago ao espectador por trás da máscara de tinta a óleo que forma seus rostos, e suas silhuetas se borram contra o fundo noturno. Em Mommy’s favorite little soldier (2024), Mulder representa uma dupla de mulheres numa superfície arranhada, respingada e corroída. Tais atributos formais, presentes nas obras de ambos, traduzem-se numa atmosfera psicológica angustiada e taciturna e num campo pictórico onde criaturas se furtam à visibilidade, habitando uma região de manchas, nódoas e vultos sobrepostos.

Gerben Mulder explora flores, figuras humanas e animais como pontos de partida para suas pinturas oníricas repletas de energia erótica. Em cenas fragmentárias ou naturezas-mortas, a ambientação taciturna de seus quadros responde à observação do público com ecos de alucinação. Vacilando entre rostos de adultos e corpos infantis, seus personagens em permanente transformação trilham uma linha tênue entre inocência e perversidade. Mulder emprega paletas de cor sombrias e gestos turbulentos para retratar seres ameaçadores. Apesar do teor lúgubre de suas imagens, o artista trata suas criaturas algo patéticas e deslocadas com um senso de humor sarcástico, conforme os sorrisos tortos e títulos irônicos em muitas de suas pinturas dão a ver.

Figura decisiva da pintura brasileira no século XX, Iberê Camargo revolvia a matéria pictórica incessantemente, dando forma às suas composições com figuras em espaços ermos e imaginários, imersas numa paisagem solitária e metafísica. Na sua insistência sobre o motivo do carretel, aproximava-se da abstração com uma fatura a um só tempo tecnicamente profícua e emocionalmente densa. Iberê criou um campo pictórico movediço e pegajoso e articulou as oposições entre expressão e incomunicabilidade, figura e fundo, vigor material e esvaziamento subjetivo em pinceladas nervosas. Sempre em posição antagônica com relação às vertentes construtivas tão influentes na arte brasileira de sua época, o artista empregava influências expressionistas em obras carregadas de pathos e tensão dramática.

O diálogo se desdobra em O burro cansou, exposição retrospectiva de Mulder na NONADA ZN com curadoria de Luiz Zerbini e Paulo Azeco em parceria com a Fortes D’Aloia & Gabriel. Com abertura no dia 25 de maio, a mostra reúne pinturas, desenhos e esculturas dos últimos 20 anos da produção do artista.

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Gustavo Nazareno em Milão

A Cassina Projects, Milão, Itália, anuncia “Estrela de um Herói”, segunda exposição individual na galeria do artista brasileiro Gustavo Nazareno nascido em 1994 em Minas Gerais, 1994. Nazareno vive e trabalha em São Paulo, SP. A mostra estará em exibição de 06 de Junho até 20 de Julho.

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A relevância da obra de Wesley Duke Lee

A Ricardo Camargo Galeria, Jardim Paulistano, São Paulo, SP, anuncia a exposição “O Filiarcado” do renomado artista Wesley Duke Lee. Nesta série, composta por oito pinturas de grandes dimensões (257 x 227 cm), o artista utiliza bastões de pastel a óleo sobre uma base de argamassa que remete às paredes de pedra das cavernas, criando uma textura sólida e enrugada que dá vida às suas figuras. As obras exploram a temática dos jogos infantis ancestrais, retratando crianças que nadam, correm, pulam sela e fogueira, atiram dardos e jogam cartas ou bolinhas de gude.

Wesley Duke Lee começou a dar forma à série “O Filiarcado” após comemorar 40 anos de vida artística com uma grande retrospectiva no Museu de Arte de São Paulo (MASP) em 1992. O conceito do “filiarcado”, a era do filho, surgiu de conversas com a poetisa Dora Ferreira da Silva, esposa do filósofo Vicente Ferreira da Silva, amigos de Wesley Duke Lee. Inspirado pelos desenhos renascentistas de Andrea Mantegna e pelas gravuras barrocas de Jacques Stella, Wesley Duke Lee utilizou computação gráfica para recriar essas imagens em uma perspectiva renascentista, organizando-as no formato do losango, uma figura que ele associava ao equilíbrio instável entre os triângulos masculino e feminino.

Os quadros de “O Filiarcado” foram agrupados cromaticamente pelo artista em fases que remetem às transmutações alquímicas: Albedo, com tons claros e brancos dourados sobre fundo ocre; Rubedo, com vermelhos dourados; e Nigredo, com magentas dourados e enegrecidos. As figuras infantis, os objetos e os cenários são dispostos de maneira a criar uma trama delicada dentro dos losangos, remetendo aos jogos e à paisagem da infância do artista.

A exposição “O Filiarcado” oferece ao público uma oportunidade única de apreciar o trabalho de Wesley Duke Lee em sua plena maturidade artística. A combinação de técnicas inovadoras e referências históricas cria uma experiência visual e conceitual rica, reafirmando a relevância do artista no cenário contemporâneo.

Sobre o artista

Wesley Duke Lee, nascido em São Paulo em 1931, é uma figura central na arte contemporânea brasileira. Formado pela Parsons School of Design e pela New York School for Social Research, nos Estados Unidos, ele retornou ao Brasil na década de 1960, onde desenvolveu uma carreira marcada pela experimentação e pela integração de diversas formas artísticas. Participou do movimento “Ruptura” e foi um dos fundadores do grupo “Rex”, que revolucionou a cena artística paulistana. Sua obra é conhecida pela fusão de elementos clássicos e modernos, e pela profunda reflexão sobre a condição humana e suas expressões culturais.

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