AGENDA CULTURAL

Graciela Hasper na Galeria Oscar Cruz

10/out

Depois de realizar sua primeira exposição na capital de seu país, no MAMBA – Museu de Arte Moderna de Buenos Aires -, Buenos Aires, Argentina, no final de 2013, a artista plástica Graciela Hasper realiza o mesmo feito individual no Brasil. “Obra recente”, é composta de uma instalação e nova série de pinturas e desenhos e o cenário para esta realização é o espaço expositivo da Galeria Oscar Cruz, Itaim Bibi, São Paulo, SP. Graciela Hasper reafirma nesta mostra, toda a sua intensa busca e pesquisa no campo das formas e de suas relações cromáticas.

A palavra da artista

“Sempre pintei círculos e retângulos com suas variações e deformações. Associo o ortogonal com a civilização, com a construção, com a cidade e com a casa. O cubo é a habitação. O quadrado é uma invenção do homem e as formas redondas são as figuras geométricas que se encontram na natureza. A natureza está repleta de círculos: o sol, a lua, os planetas, a gota d’água. E o círculo também é infinito… com algum tipo de pensamento místico. Todo artista abstrato tem uma relação com o absoluto, com o nada… A abstração é como conectar-se com seu interior. Por isso, para mim, a pintura se faz com os olhos fechados. A cor está muito desvalorizada. Há um que de feminino em trabalhar com tanta cor, e a partir daí se apresenta toda uma cadeia associativa com algo menor, secundário. Eu gosto de seguir pelo lado menos valorizado, ir pela margem do caminho, pelo não transitado. Eu gosto de seguir novos caminhos, outras estradas.”

Até 11 de novembro.

Para rever: Alex Flemming

Fotogravuras, móveis pintados – com escritos – e livros são algumas das obras em exposição Alex Flemming, na Biblioteca Mário de Andrade, Consolação, São Paulo, SP. A mostra tem curadoria de Mayra Laudanna. Nela, Alex Flemming mostra suas experiências artísticas com fotografias e gravuras que começaram na época em que ele era estudante da Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da USP.

Alex é considerado um dos primeiros artistas no Brasil a utilizar essa técnica e, ainda assim, de modo não convencional. O artista interferia nas placas gravadas e após a impressão da série, destacava alguma área da composição com pinceladas, a exemplo de “Garçom”, que tem a sua gravata borboleta em vermelho. Essas gravuras da série “Paulistana” e as que pertencem a série “Eros Expectante”, estão expostas no terceiro andar da Biblioteca.

Ainda nesse espaço, a mostra exibirá dois livros do artista: “Colagens & Desenhos” e “Alex Flemming”, este último feito com mapas do Brasil. No saguão da entrada principal estarão dispostos objetos construídos pelo artista ao longo de sua carreira, móveis e bicho mumificado, que se referem a uma das diretrizes do pensamento de Flemming: dar uma nova vida aos objetos.

No salão de leitura, ao qual se tem acesso a partir da avenida São Luís, serão estampadas imagens e carimbado o nome do artista, não só para relembrar procedimentos constantes em suas obras, como também para procurar despertar o interesse do leitor anônimo que usa esse espaço. Com a intenção de instigar o frequentador da Biblioteca e por quem passar por sua entrada principal, na Rua da Consolação, serão impressos nos vidros da fachada retratos que remetem a uma das obras mais conhecidas de Alex Flemming, os painéis com anônimos da Estação Sumaré do metrô.

Até 01 de novembro.

Guilherme Dable em Salvador

09/out

O artista plástico Guilherme Dable, um dos jovens expoentes da arte contemporânea nacional, faz sua primeira exposição em Salvador na Roberto Alban Galeria, bairro Ondina. Guilherme Dable trabalha com formas geométricas em carvão e acrílica, traduzindo o desejo confesso de abstração diante de um mundo sobrecarregado de imagens. Seus trabalhos são reconhecidos pela crítica e já integram importantes coleções, como as de Gilberto Chateaubriand, Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, entre outras.

A mostra em Salvador tem um título, no mínimo, intrigante: “Desse lugar entre meio-dia e duas horas da tarde”, reunindo trabalhos em pinturas numa perspectiva que revela o criativo equilíbrio do artista entre a forma e a cor na apreensão dos flagrantes do seu cotidiano.

Ao apresentar a mostra, o crítico, curador e estudioso das artes visuais, Guilherme Bueno, enfatiza o papel do desenho nas telas de Dable: “A linha que corre os planos num momento serve para cercar uma área a ser pintada; noutro, delimita a superfície já pintada. Ela se esvai assim do mero caráter projetivo atribuído ao desenho, conferindo-lhe antes um valor de eixo para articular a relação entre esses planos, porém fazendo-o pela anulação de uma estrutura “imediata” de figura e fundo”, diz.

Reorganizando o mundo

Revelando paisagens, o artista aposta num conceito muito particular de abordagem da realidade. Como ele mesmo confessa, o seu trabalho é a maneira que encontrou para “ um reorganizar interno do mundo”. Das caminhadas que faz pelas cidades que se encontra, anotando o que vê em cadernos, fotografando coisas, ele constrói repertório para alimentar o seu ateliê de criações.

“Meu trabalho não tem uma figuração explícita, ele alude à cidade, mas na verdade essas anotações sobre a arquitetura, as observações sobre como a luz incide nas coisas pela rua ou como a refração da luz altera a percepção, por exemplo, do que tenho dentro do ateliê em determinada hora do dia, servem como uma espécie de desculpa pra trabalhar, pra mexer com os materiais, pra achar alguma maneira de dialogar com essa experiência quando vou pra frente do suporte”, explica o artista.

Sobre o artista

Guilherme Dable, Porto Alegre, RS, 1976, é bacharel em Artes Visuais pela Universidade Federal do Rio Grande do Sul, com mestrado em Poéticas Visuais. Já participou de coletivas internacionais – como por exemplo, em Londres e Nova Iorque – e realizou seis individuais no país, em cidades como Porto Alegre, São Paulo, Rio de Janeiro e Recife.

Em 2009, conquistou as suas primeiras premiações, entre as quais é destaque a seleção no Rumos Artes Visuais 2011-2013, maior mapeamento da produção artística brasileira, organizado pelo Itaú Cultural. O último reconhecimento ocorreu em 2013 com a conquista do cobiçado Premio Marcantonio Vilaça, concedido pela Funarte. Além disso, seus trabalhos integram coleções importantes, como Gilberto Chateaubriand/ MAM- RIO; Fundação Vera Chaves Barcellos, Viamão, RS; e Museu de Arte Contemporânea, MAC-RS, Porto Alegre.

O texto do curador

Há duas cenas marcantes da história da pintura na metade do século XX: a primeira, mais conhecida, é a sequência com Jackson Pollock filmada por Hans Namuth, na qual ele comenta rapidamente seu método de trabalho, logo a seguir “demonstrado” em uma tela e um vidro; a segunda, célebre mas menos vista, traz o encontro de Duke Ellington e Joan Miró no ateliê do último em Jan les Pins, no sul da França. Não é à toa que remetemos a tais referencias para refletir sobre as pinturas de Guilherme Dable. Evidentemente, os sessenta anos que as separam corresponde as diferenças de lugar, prioridades e objetivos. Contudo, servem de pretexto para discutirmos como o artista gaúcho lida com dois termos ali visíveis e correntes em sua produção – a musicalidade e o improviso.

Os dois se apresentam principalmente em alguns trabalhos que Dable realiza com seus colegas do Ateliê Subterrânea em Porto Alegre. Neles há a alternância entre composição musical, performance e desenho, criando um “perímetro de energia poética” onde as três linguagens se fundem e se retroalimentam. O improviso ali funciona como um transplante não de uma obra, e sim de uma dinâmica do ateliê enquanto trabalho, isto é, do processo – com suas manobras e soluções – enquanto matéria poética. Nisso eles se desloca da pintura moderna (e os filmes citados testemunham melhor que ninguém) na medida em que tanto no caso de Pollock quanto de Miró / Ellington, a ênfase recaía sobre a correspondência, e não necessariamente sobre a convergência entre meios artísticos. Mas, para nos atermos ao nosso ponto, devemos nos perguntar: o que há e o que não há em comum entre o Dable do ateliê coletivo e o que vemos aqui em sua mostra individual? Esta pergunta se mostra fundamental naquilo em que percebemos suas pinturas como uma condensação num objeto (a tela) daquele campo delineado pela performance. Mais além, nos indaga sobre qual o lugar do improviso – se improviso há – em seus trabalhos. Nesse ponto justo notamos sua incisiva reflexão sobre a pintura.

Retornemos momentaneamente a Pollock, tal como o filósofo francês Hubert Damisch analisava sua pintura: “A questão desses entrelaçamentos [ele se refere ao dripping] não é […] um dado sobre o qual a pintura trabalha: ela nasce do gesto, do qual traduz cada um dos desvios, a menor hesitação, as recusas. É a conquista de uma relação imediata […] Um quadro de Pollock não é apenas o resultado de um trabalho, produto acabado que escapa ao produtor, mas o registro das etapas sucessivas de gênese de uma obra em que cada gesto vem, por sua vez, modificar ou completar a estrutura¹”.

A lógica aqui descrita é oportuna e permite em certa medida ser transposta para as preocupações de Dable. E nelas sentimos a inflexão, ou melhor, ajuste, entre o improviso e a articulação de uma ordem pictórica. Isso pode ser melhor notado por três fatores: o valor maleável do desenho, o sistema de “cortes” de algumas pinceladas e a equalização de determinadas qualidades plásticas a um meio nem sempre afável a elas. Desdobremos cada uma das partes.

O desenho nas telas de Dable oscila entre uma marcação inicial e uma final. A linha que corre os planos num momento serve para cercar uma área a ser pintada; noutro, delimita a superfície já pintada. Ela se esvai assim do mero caráter projetivo atribuído ao desenho, conferindo-lhe antes um valor de eixo para articular a relação entre esses planos, porém fazendo-o pela anulação de uma estrutura “imediata” de figura e fundo. Ele é um anti-contorno duplamente, naquilo em que não pré-determina o design da pintura, nem produz uma compartimentação que separa em definitivo as áreas, fazendo com que elas se permitam assumir valores conforme as relação com o todo e com segmentos vizinhos. O desenho pode, como dissemos, ser uma marcação final, mas ele não tem um sentido finalista de “concluir” a pintura, de lhe impor o “toque final”.

O sistema de “cortes” da pinceladas vai em sentido análogo. A impressão inicial que algumas partes podem suscitar é a de uma geometria, porém o contrário parece ocorrer. Afinal, a geometria é, queira-se ou não, uma estrutura senão aplicada, um instrumental previamente determinado a partir do qual o artista estabelece um método segundo o qual pretende conceituar o espaço dado da tela. Em Dable, as linhas e planos são antes a busca de um modo de definir até onde uma parte se assenta, quando separa ou junta duas áreas, como a pintura se organiza entre a contenção e o transbordamento da tela. Seria lícito, inclusive, perceber que não é contraditória a coexistência entre alguns desses cortes mais secos e a assimilação dos escorridos de tinta, uma vez que ambos trazem a justaposição entre uma dimensão física (a materialidade propriamente dita) e outra ótica (a organização espacial da tela, com seu jogo entre profundidade e superfície) constituintes da pintura, sem fazer a primeira tentar recalcar a segunda.

Por fim, o “atrito” entre certas qualidades plásticas e o meio que escolhem. Isto talvez soe estranho, mas se resume ao seguinte desafio: produzir transparências e veladuras com tinta acrílica. As características do acrílico não são das mais afáveis – aliás, tendem muito mais a serem arredias – a tal possibilidade. O acrílico exige execução ágil, na contramão da cadência demorada do óleo, que permite uma acumulação gradativa ou raspagens. A secagem rápida não daria margem para decisões ponderadas mais lentamente, como exigiria a obtenção de uma veladura. Ademais, um plano inferior pode deixar uma “cicatriz” naquele mais externo, dada a corporeidade adquirida pela tinta. Ou seja, Dable obtém uma qualidade pictórica mediante condições razoavelmente hostis: ela precisa conciliar uma substancial quantidade de intuição com um timming das tintas e misturas de cores num gesto cuja chance do improviso comprometer irremediavelmente a pintura é considerável. Afora isso, há ainda o bom desafio de obter de uma determinada matéria aquilo que ela parecia não oferecer, levando-nos então a reconhecer o quanto um discreto passo é capaz de desencadear um repertório de novos problemas para a pintura.

Comprometer-se com a pintura, mesmo sabido que ela não credita mais a sua longa tradição um privilégio hierárquico, não deixa com isso de guardar grandes ambições e expectativas. Depende da sensibilidade em reconhecer diante de supostos limites a fresta que permite esse passo – não para além, nem para trás, tampouco para o lado – certeiro em ativá-la como uma linguagem apta a nos dizer e fazer descobrir sua enorme potência e atualidade.

Guilherme Bueno

De 09 de outubro a 10 de novembro.

Dalí no Instituto Tomie Ohtake

O Instituto Tomie Ohtake, Pinheiros, São Paulo, SP, responsável pela organização da maior retrospectiva de Salvador Dalí já feita no país, traz agora a mostra para a sua sede. “Salvador Dalí”, em São Paulo, apresenta, no entanto, algumas novidades em relação à temporada carioca: cinco novas obras provenientes da Fundação Gala-Salvador Dalí e outras duas do Museu Reina Sofia, instituições detentoras da maioria dos trabalhos expostos. As obras que foram incluídas substituem alguns dos trabalhos da coleção do Museu Salvador Dalí, da Flórida, EUA.

Dentre essas sete obras do mestre do surrealismo está o valioso e pequeno óleo sobre madeira “O espectro do sex-appeal”, de 1934. Do tamanho de meia folha de papel, atribui-se à pequena pintura a forma como Dalí plasmou, de modo concreto, o temor pela sexualidade. “Desnudo”, de 1924, que pertenceu a Federico García Lorca, “Homem com a cabeça cheia de nuvens”, de 1936, de profunda carga simbólica, com referência explícita a René Magritte e “O piano surrealista”, de 1937, fruto de sua colaboração com os Irmãos Marx, estão entre os trabalhos incluídos.

Um catálogo especial acompanha a exposição e aborda a totalidade das peças apresentadas, um total de 218, assim como sua recepção crítica entre escritores e especialistas de grande renome, como Eliane Robert Moraes, Paulo Miyada e Veronica Stigger.

A retrospectiva de Dalí, com curadoria de Montse Aguer, diretora do Centro de Estudos Dalinianos da Fundação Gala-Dalí, foi organizada para convidar o público a mergulhar por um universo onírico, simbólico e fantasioso. O conjunto de peças é formado por 24 pinturas, 135 trabalhos entre desenhos e gravuras, 40 documentos, 15 fotografias e quatro filmes. O espectador terá contato com a produção de Dalí desde os anos 1920 até seus últimos trabalhos, proporcionando ao visitante uma clara percepção de sua evolução, não só técnica, mas de suas influências, recursos temáticos, referências ideológicas e simbolismos.

Será possível ver as telas do período de sua formação como pintor – além do já citado “Desnudo”, “Retrato de meu pai e casa de Es Llaner”, de 1920, “Retrato de minha irmã”, de 1925, e “Autorretrato cubista”, de 1926. Tais pinturas, além de marcarem o início da pesquisa de Dalí, também dão mostras de sua vasta e instigante produção de retratos, que, em suas diferentes interpretações e abordagens, acompanham a metamorfose de um trabalho marcado pelo questionamento sobre a realidade.

A fase surrealista, que deu fama mundial ao artista catalão, será exibida através de telas que apresentam seu método paranóico-crítico de representação, com obras muito significativas como “O Sentimento de Velocidade”, de 1931, “Monumento imperial à mulher-menina”, de 1929, “Figura e drapeado em uma paisagem”, de 1935 e “Paisagem pagã média”, de 1937.

O público também poderá conferir a contribuição de Dalí para a sétima arte. Os filmes “O cão andaluz”, de 1929 e “A idade do ouro”, de 1930, codirigidos por Salvador Dalí e Luís Buñel, e “Quando fala o coração”, de 1945, de Alfred Hitchcock, cujas cenas do sonho foram desenhadas pelo artista, serão exibidos dentro do espaço expositivo, apresentando um pouco mais da diversidade e da linguagem adotada pelo artista. Além disso, duas mostras de cinema acontecem em paralelo à exposição: a Mostra Internacional de Cinema de São Paulo, em outubro, que exibirá os filmes “O cão andaluz” e “A idade do ouro”, em suas versões integrais, e o Museu da Imagem e do Som (MIS) organizará a mostra “Surrealismo no Cinema”, entre os dias 16 e 21 de dezembro.

O acervo, por sua vez, apresenta documentos e livros da biblioteca particular de Dalí, provenientes do arquivo do Centro de Estudos Dalinianos, que dialogam com as pinturas proporcionando ao visitante uma viagem biográfica e artística pela carreira do pintor. É o caso dos títulos “Imaculada Conceição”, de 1930, de André Breton e Paul Eluard, e “Onan”, de 1934, de Georges Hugnet. As raridades tiveram seus frontispícios assinados por Salvador Dalí e retratam as bases do surrealismo na literatura.

O conjunto conta ainda com as ilustrações feitas para os clássicos da literatura mundial, como “Dom Quixote de La Mancha”, de Miguel de Cervantes, e “Alice no País das Maravilhas”, de Lewis Carrol. Merecem destaque os desenhos que ilustram o livro “Cantos de Maldoror”, de 1869, de Isidore Lucien Ducasse (mais conhecido como Conde de Lautréamont), autor de grande referência entre os jovens surrealistas. É possível reconhecer nesses desenhos, por exemplo, as muitas figuras recorrentes na obra de Dalí, como objetos cortantes, muletas, corpos mutilados etc. Eliane Robert Moraes, em texto que acompanha o catálogo da exposição, diz que, movidos por uma crescente revolta pós-guerra, esses artistas “viram na violência poética de Ducasse uma alternativa para seus dilemas estéticos e existenciais”.

“Queremos mostrar o Dalí surrealista, mas também aquele que se antecipa ao seu tempo, que é audacioso, que defende a liberdade de imaginação do artista em sua própria criação. Ao mesmo tempo, a mostra passeia pela trajetória artística e pessoal de Salvador Dalí”, explica Montse Aguer, curadora da exposição. “Após a visita, todos entenderão sua importância como artista, não só no surrealismo, mas na história da arte. Isso significa uma importante ligação com a arte contemporânea, enquanto Dalí parte de uma profunda compreensão e respeito pela tradição”, conclui.

Para trazer o acervo ao Brasil, o Instituto Tomie Ohtake participou de uma longa negociação com os museus envolvidos. “Foram cinco anos de muitas tentativas e conversas com os detentores das grandes coleções de Dalí, para se concretizar as exposições do artista no Brasil, pela primeira vez com pinturas, e com maior concentração na fase surrealista”, revela Ricardo Ohtake, presidente da instituição.

Segundo Ricardo Ohtake, o Instituto tem se destacado por realizar uma programação múltipla e independente, possível graças ao apoio de empresas que acreditam no poder da cultura e da arte na formação do país. “São parcerias que construímos em cada projeto” afirma. No caso da exposição de Dalí, foi fundamental o patrocínio em São Paulo, da Arteris, do IRB Brasil RE e da Vivo, o co-patrocínio da Atento e do Banco do Brasil e o apoio da BrasilCap, BrasilPrev, dos Correios, do Grupo Segurador BB Mapfre e da Prosegur.

De 18 de outubro 1 de janeiro de 2015.

Encontro com Vanderlei Lopes

Nesta quinta-feira, dia 9, às 20h, o artista Vanderlei Lopes, que está expondo seus trabalhos na galeria Athena Contemporânea, na mostra “Tudo o que reluz é ouro”, e no MAM-Rio, na exposição “Grilagem”, participa de bate papo com os visitantes e a curadora Fernanda Pequeno. O encontro acontecerá na Galeria Athena Contemporânea, Shopping Cassino Atlântico, Copacanana, Rio de Janeiro, RJ. O artista fará comentários sobre todas as fases de pesquisa das obras que fazem parte de sua exposição individual e também de sua experiência, que inclui uma individual no MAC, participação na Bienal do Mercosul, além de ter participado de “Pinta”, “ArteBA” e ver seus trabalhos em coleções como a Pinacoteca do Estado de São Paulo e a de Gilberto Chateaubriand/MAM-RJ.

Para participar, agende-se pelo telefone (21) 2513-0703 ou contato@athenacontemporanea.com

Quinta-feira, dia 9, às 20h

A figura humana na Caixa/Rio

: Vânia Mignone

: Camila Soato

: Rodrigo Bivar

A exposição “Figura Humana”, reúne trabalhos de 21 artistas de todo o país, na Galeria 4, da Caixa Cultural, Centro, Rio de Janeiro, RJ, com obras que dão destaque ao corpo humano e revelam ao público a diversidade da produção contemporânea brasileira.

A mostra reúne pintores de diferentes origens geográficas e gerações, em um arco temporal que vai desde pintores da chamada “Geração 80” até jovens emergentes com pouco mais de vinte anos. A exposição pretende estabelecer um diálogo entre escalas, perspectivas e modos de narrativas através da corporeidade, com obras produzidas a partir de diversas técnicas, como aquarela, guache, óleo, acrílica e spray sobre suportes variados como madeira, chapa de metal, linho e tela.

Entre os expositores estão nomes como Cristina Canale, que possui uma sólida produção desde os anos 1980 e é considerada uma das mais importantes pintoras brasileiras da atualidade. O projeto reúne ainda obras de Thiago Martins de Melo, indicado ao prêmio Pipa deste ano, e Rodrigo Martins, o mais jovem entre os pintores da mostra, indicado ao Prêmio EDP nas Artes, em 2014, além de Camila Soato, vencedora do prêmio Pipa, de público, em 2013. Todos contribuem com uma persistência no que diz respeito à centralidade do corpo em suas produções pictóricas.

A relação do tema e as pinturas selecionadas busca articular um elemento dos mais clássicos da história da Arte e atualizá-lo nos seus diversos modos de acionamento pela produção artística atual. “A exposição revela a diversidade de se pintar o corpo humano. Alguns artistas utilizam a cor de modo mais visceral e expressivo, outros se aproximam de uma visão mais detalhista e minuciosa do mundo”, explica o curador Raphael Fonseca.

Participam: Alex Cerveny, André Andrade, André Renaud, Camila Soato, Clarice Gonçalves, Clarissa Campello, Cristina Canale, Daniel Lannes, Danielle Carcav, Eduardo Sancinetti, Eloá Carvalho, Fábio Baroli,

Flávia Metzler, Julia Debasse, Marcelo Amorim, Roberto Ploeg, Rodrigo Bivar, Rodrigo Cunha, Rodrigo Martins, Thiago Martins de Melo e Vânia Mignone, Figura Humana.

De 14 de outubro a 14 de dezembro.

Memória mutante

08/out

A constante reconstrução do espaço urbano central de São Paulo é tema de “Memória Mutante”, exposição de fotografias simultânea à mostra “Ibirapuera: modernidades sobrepostas”, que ocorre também na OCA, Pavilhão Lucas Nogueira Garcez, Parque Ibirapuera, Portal 3, São Paulo, SP, sob realização do Museu da Cidade.

A curadoria de Henrique Siqueira reúne 210 fotografias pertencentes à Coleção de Fotografias Iconográficas do Museu da Cidade de São Paulo e propõe o encontro das imagens de Militão Augusto de Azevedo (1862) e Ivo Justino (1970), como forma de dimensionar a complexidade das camadas de memória urbana.

Siqueira destaca que, há pouco mais de 100 anos, São Paulo assistiu ao desaparecimento da antiga Igreja da Sé e de todo o quarteirão ao seu redor, operação que marcou o começo das grandes obras destinadas à edificação de uma cidade moderna e cosmopolita. Ele reforça que o binômio demolir/construir, repetido no período da verticalização da área central e da implantação do plano viário de Prestes Maia, consolidou-se como um dos pilares da renovação urbana. “Privilegiando o novo, esta lógica de reconstrução ininterrupta desafiou a permanência dos espaços públicos, conduzindo a um apagamento da paisagem e do pensamento arquitetônico vigente no passado.”

Essa característica paulistana tem como consequência a ampliação do papel da fotografia no registro da história da cidade. Intencionalmente, o curador selecionou fotografias pontuais de casos históricos que agitaram a identificação afetiva da cidade, como a demolição do Belvedere Trianon, o incêndio da Estação da Luz ou a construção do Hangar do Campo de Marte. A mostra também apresenta a documentação realizada pela Seção de Iconografia da Prefeitura sobre as habitações populares e ensaios que reproduzem o cotidiano nas indústrias de tecelagem.

O gesto oficial de colecionar fotografias na municipalidade inicia-se em 1938, com a aquisição do lote de negativos de vidro pertencente ao fotógrafo Aurélio Becherini, dando origem à atual Coleção de Fotografias Iconográficas do Museu da Cidade de São Paulo, de onde vieram todas as imagens apresentadas nessa exposição. Coube a outro fotógrafo, Benedito Junqueira Duarte, iniciar a ampliação e a primeira catalogação dessa coleção; hoje ela conta com mais de 70 mil fotografias que documentam a transformação urbana de São Paulo nos últimos 154 anos.

De 09 de outubro de 2014 a 01 de fevereiro de 2015.

A Coleção Joaquim Paiva no MAM

: Luiz Zerbini

: Wanda Pimentel

: Marcel Gautherot

O Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Petrobras, Bradesco Seguros, Light e Organização Techint apresentam, a exposição “Limiares – A Coleção Joaquim Paiva no MAM”, 40 fotografias do acervo pertencente ao diplomata nascido em 1946, em Vitória, que reuniu uma das mais importantes coleções do país em fotografia brasileira e estrangeira. Fotógrafo desde 1970, Joaquim Paiva começou a colecionar em 1978, quando adquiriu trabalhos da fotógrafa americana Diane Arbus, 1923-1971. Depois de se formar em Direito, ingressou na carreira diplomática em 1969, e desde então serviu em vários países, como Canadá, Venezuela, Peru, Argentina, Portugal, Espanha e Estados Unidos.

Completam a exposição 19 obras das coleções do MAM e Gilberto Chateaubriand, também em comodato com o Museu. A ideia de se fazer uma mostra em que as fotografias da coleção dialogassem com obras do acervo do Museu e da coleção de Gilberto Chateaubriand, partiu do próprio Joaquim Paiva e foi prontamente aceita pela curadoria do Museu. “Mostra-se aqui uma parte da coleção de Joaquim Paiva, que não esgota nem esgotará as suas múltiplas leituras. A esse recorte confrontam-se outros trabalhos das coleções do MAM, não necessariamente fotografias, procurando contaminar aquilo que, por motivos de taxonomia, ainda permanece separado: o vídeo com a pintura, o precário com o que foi feito para durar, o documento com a arte”, explicam os curadores do MAM.

Em 2005, o MAM passou a abrigar a Coleção Joaquim Paiva sob o regime de comodato, e atualmente estão no Museu 1.963 trabalhos de fotógrafos brasileiros e estrangeiros, adquiridos a partir do início dos anos 1980.

“Embora tenha sido iniciada como uma coleção privada, o gesto do colecionador é invariavelmente público e coloca ao escrutínio coletivo o que foi acervo privado ou criação individual. É sobre diferentes representações do público e do privado no mundo da arte que fala “Limiares – a Coleção Joaquim Paiva no MAM”, propondo ser um recorte sobre as naturezas dos espaços representados na materialidade da imagem, em especial a imagem fotográfica”, afirmam os curadores.

Dois trabalhos abrem a exposição: uma série de José Diniz, na qual o aparece o próprio Joaquim Paiva e uma instalação de sacolas de instituições museológicas internacionais, de Jac Leirner, “que iguala, com humor e argúcia, o mundo da arte ao mundo dos negócios, centrando a sua atenção sobre aspectos formais”.

A mostra terá, ainda, a fotografia “Gol”, do importante fotógrafo Thomas Farkas, Budapeste, Hungria, 1924 – São Paulo SP, Brasil, 2011, da década de 1940; “Índio Yanomami”, de 1991, da fotógrafa Claudia Andujar, Neuchâtel, Suíça/Brasil, 1931; “Sem título”, de Alberto Ferreira Lima; fotos da série “Natureza Moderna”, de Bill Jorden, entre outras.

Dialogando com as fotografias da coleção Joaquim Paiva, haverá obras do acervo do MAM e da Coleção Gilberto Chateaubriand, como a escultura “Mapa Mudo”, de Ivens Machado, de 1979; “Duas casas”, de Nuno Ramos, de 1996; a pintura “A Ilha”, de Luiz Zerbini, de 1995; “Sem título”, de 1979/1988, de Miguel Rio Branco, entre outras.

Sobre a Coleção Joaquim Paiva

Desde 2005, o MAM Rio possui, em regime comodato, grande parte da coleção do diplomata Joaquim Paiva. A coleção teve início em 1981 quando o diplomata começou a adquirir sistematicamente fotografias brasileiras contemporâneas. No museu estão depositadas 1963 obras que registram o que há de mais representativo na fotografia brasileira de nosso tempo. Desde retratos e paisagens à experimentos fotográficos dos anos 1990. Entre os nomes mais representativos da coleção estão: Pierre Verger com a sua preciosa documentação sobre a cultura afro-brasileira; Geraldo de Barros e seus experimentalismos técnicos; Miguel Rio Branco que busca a intensidade das cores no universo mais dura da realidade brasileira, o fotojornalismo ligado à temática social e bem brasileira de Walter Firmo, a atitude questionadora sobre o ato de fotografar da artista Rosângela Rennó entre outros. Nesse sentido a Coleção Joaquim Paiva representa no MAM toda a qualidade e a pluralidade de trabalhos e tendências que a fotografia contemporânea brasileira pode oferecer.

Texto da Curadoria

Em 2005, sob a forma de comodato, o MAM passou a abrigar a Coleção Joaquim Paiva que conta atualmente com 1.963 trabalhos de fotógrafos brasileiros e estrangeiros, adquiridos a partir do início dos anos 80.

Embora tenha sido iniciada como uma coleção privada, o gesto do colecionador é invariavelmente público e coloca ao escrutínio coletivo o que foi acervo privado ou criação individual. É sobre diferentes representações do público e do privado no mundo da arte que fala “Limiares – a Coleção Joaquim Paiva no MAM”, propondo ser um recorte sobre as naturezas dos espaços representados na materialidade da imagem, em especial a imagem fotográfica.

Mostra-se aqui uma parte da coleção que não esgota nem esgotará as suas múltiplas leituras. A esse recorte confrontaram-se outros trabalhos das coleções do MAM, não necessariamente fotografias, procurando contaminar aquilo que, por motivos de taxonomia, ainda permanece separado: o vídeo com a pintura, o precário com o que foi feito para durar, o documento com a arte.

Dois trabalhos abrem a exposição: uma série de José Diniz, na qual o próprio Joaquim Paiva aparece mostrando as diane arbus e os geraldo de barros de sua coleção, e uma instalação de sacolas de instituições museológicas internacionais, Names (Museums), de Jac Leirner, que iguala, com humor e argúcia, o mundo da arte ao mundo dos negócios, centrando a sua atenção sobre aspectos formais.

Uma vez definidos os pontos de partida da exposição – o colecionador e o museu –, o percurso se torna aberto e não linear ao redor das ideias de espaço físico e mental. Os espaços da casa, da rua, da praia ou do abrigo coexistem com os lugares de passagem, a informalidade do espaço público e o enfrentamento social.

O espaço do íntimo e as novas relações objeto-sujeito fotografados caracterizam boa parte da produção fotográfica contemporânea. Existem vestígios de subjetividade na materialidade da fotografia que se torna campo de partilha de angústias, fraturas pessoais e afirmação do eu, com particular relevância para o diário e as narrativas/ficções pessoais.

Na videoinstalação Os Raimundos, os Severinos e os Franciscos, de Maurício Dias & Walter Reidweg, porteiros nordestinos na cidade de São Paulo simulam um regresso à casa depois de um dia de trabalho, entrando um a um, e agindo como se não estivessem vendo um ao outro, e quando todos estão instalados, olham diretamente para a câmera, deixando evidente a cumplicidade deles com o ato de filmar.

A transitoriedade do lugar de quem vê e de quem é visto é patente no “distanciamento” das imagens de Bill Jorden e Anderson Wrangle, na “narrativa em abismo” de Javier Silva Mainel ou nos sujeitos que se tornam objetos de perseguição, em Regina de Paula.

Finalmente, a cauda do tatu desaparecendo por baixo de uma mesa (Miguel Rio Branco). Intrigante fotografia. Intrigante animal que se transforma em bola quando ameaçado pelo perigo. Metáfora para pensar as imagens hoje numa dupla condição: a sua abertura às mais imprevistas relações e, no sentido inverso, o fato de os signos terem se tornado tão densos a ponto de formar uma casca dura, através dos quais já não se vê nada.

Até 18 de janeiro de 2015.

Fotografias de Daniel Sasso

06/out

Um verdadeiro paradoxo toma conta do Museu do Trabalho, Porto Alegre, RS, quando as fotografias de Daniel Sasso, repletas de vivacidade e frescor invadem o espaço expositivo do Museu na mostra “Ideia Morta – A Frustração em Delírios Cintilantes”. Essa exposição no Museu do Trabalho é um desdobramento da mostra “Ideia Morta – A Frustração em Devaneios Coloridos”, apresentada por Sasso em 2010, na Livraria Cultura de Porto Alegre, sucesso de público e crítica. Publicitário, artista e principalmente fotógrafo, Daniel Sasso sempre mergulhou profundamente no estudo das mais diversas técnicas fotográficas. Daí o seu perfil ousado que mistura o tradicional com a inovação, captando imagens com técnicas rudimentares como a pinhole (câmera fotográfica sem lente), até a tecnologia digital de captura e tratamento. Inquieto, Sasso já está trabalhando em um novo projeto totalmente diferente do exposto no Museu, mas que ainda está em segredo.

Texto de Vitor Necchi

Há uma tríade de efes sugerida pelas imagens reunidas na exposição Ideia Morta – A Frustração em Delírios Cintilantes, de Daniel Sasso: fato-farsa-fantasia.

Cada palavra decorre de uma leitura, da maneira que se reage à visão nada corriqueira de uma mulher se lançando ao espaço, quando os pés se desgrudam de uma superfície elevada. Ou ainda quando ela se detém sobre trilhos, confrontando o vagão que se aproxima. Não há fim em nenhuma delas – tudo é começo. Cada cena surpreende e instaura uma nova possibilidade, principalmente para quem traduz o mundo ancorado na vida que se tem, e não na que se poderia ter.

Fato. Se encaradas dessa forma, esta seria a associação imediata: suicídio. Esqueça-se disso. O mundo está farto de literalidade. No universo das possibilidades sugeridas pelo trabalho de Daniel, abandone a leitura que cumpre o protocolo da obviedade. O mundo pode ser tão previsível que o entendimento das pessoas beira a grosseria, deformação de olhos viciados, embrutecidos ou preguiçosos. A vida é mais do que fatos.

Farsa. Esqueça também. Não existe tapeação nessas imagens que sugerem mulheres aladas e destemidas, quase mitológicas, quase impossíveis, senhoras do acaso. Não há engodo, mentira, embuste. Não seja ingênuo em pensar que a fotografia guarda compromisso com a realidade. Nem mesmo da foto documental se poderia exigir um estatuto de verdade, como se o registro fosse testemunho de fé sobre a existência de algo. A verdade é uma perspectiva, um compromisso do autor com a situação ou o personagem fotografados. Trata-se de uma relação ética, uma intenção. A farsa resulta da traição do olhar de quem faz – ou de quem vê.

Fantasia. Bem-vindo seja a este reino tão necessário e abandonado. Humanos são terrestres e não nasceram para voar, mas as mulheres de Daniel conseguem mais do que meramente caminhar porque o artista se insurge. Ele desdenha a previsibilidade dos fatos e a doença coletiva que torna o olhar refém da mesmice. Se manipulou, se de fato flagrou uma das cenas, pouco importa – a fantasia independe do que se vê, ela resulta de como se vê. Sem ela, resta a loucura.

Até 23 de novembro.

Cruz-Diez na nova Galeria Ipanema

Obras inéditas no Brasil e de autoria de Carlos Cruz-Diez, assinalam o novo endereço da Galeria de Arte Ipanema, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, a mais antiga do país em atividade, com quase 50 anos. A mostra intitulada “Cruz-Diez: Um Olhar Sobre a Cor” reúne quinze trabalhos do consagrado artista plástico venezuelano, de 91 anos, como as “Physichromie” e “Transchromie”.

Na primeira série, as estruturas revelam diferentes circunstâncias e condições da cor, que se modificam de acordo com o movimento do espectador e da intensidade da luz. Na segunda, por meio de lâminas translúcidas e dispostas em uma certa ordem espacial, são produzidas várias combinações de cores, que mudam de acordo com o movimento do espectador, da iluminação e da luz natural.

A Galeria de Arte Ipanema também exporá obras da série “Induction Chromatique”, em que o artista provoca uma indução cromática. A técnica explora o conceito de persistência retiniana, no qual as cores que observamos se armazenam por um rápido instante em nossa vista. Dessa forma, unindo o que foi armazenado e o que é visto em seguida, Cruz-Diez consegue induzir o observador a perceber uma cor momentânea. Há ainda obras das séries “Couleur Additive’ – baseada na irradiação da cor, ou seja, quando dois planos de cor se tocam, uma linha virtual mais escura aparece na área de contato – e “Couleur dans l’espace”, trabalho que pretende tornar mais evidente a experiência vital da cor formando-se e desintegrando-se no espaço.

Premiado na França, Venezuela e Argentina, Carlos Cruz-Diez tem obras expostas em mais de 80 museus pelo mundo e seu trabalho integra coleções permanentes de instituições como Museum of Modern Art (Nova York); Centre Georges Pompidou (Paris); Museum of Fine Arts (Houston); Tate Modern (Londres); Wallraf-Richartz Museum (Colônia) e Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris.

Até 25 de outubro.