Arquivos da Categoria: Arte Brasileira

Débora Bolsoni – Pra Aquietar

19/jul

Artista exibe na Athena Contemporânea, Shopping Cassino Atlântico, Copacabana, Rio de Janeiro, RJ, obras inéditas, que fazem uma reflexão sobre o movimento e a quietude. A exposição foi pensada em conjunto com a mostra que Débora Bolsoni apresenta no Drawing Lab, em Paris. A mostra “Débora Bolsoni – Pra Aquietar”, reúne cerca de 30 obras inéditas, dentre desenhos e esculturas. Radicada em São Paulo, a carioca Débora Bolsoni acaba de voltar de Paris, onde realizou uma residência na Cité Internacionale des Arts e exposição individual no Drawing Lab, o primeiro centro de arte contemporânea da França dedicado ao desenho. Com curadoria de Claudia Rodriguez-Ponga o projeto surgiu há mais de um ano. Muitas obras da exposição no Rio foram concebidas em Paris e alguns elementos que compõem essas obras foram encontrados na cidade francesa, tanto na rua quanto em lojas de material de construção.

 

Débora Bolsoni é conhecida por seus trabalhos com formas tridimensionais e que se relacionam com a arquitetura dos espaços e o urbanismo das cidades. Nesse projeto, no entanto, a curadora quis focar na relação da artista com o desenho, com a sua poética. “Mesmo nas esculturas, há o desenho. Os trabalhos fazem uma reflexão sobre a quietude e o movimento. O movimento que fica contido nas obras, que a qualquer momento podem se mexer, podem mudar”, afirma a curadora.

 

Tanto em Paris quanto no Rio, há obras da série “No names, but names”, que é composta por “carrinhos” usados para transporte de mochilas infantis e venda ambulante. No lugar deles, a artista coloca caixas feitas por ela em papel cartão, que são banhadas de parafina, onde a artista faz desenhos usando pastel oleoso. “Os carrinhos são suportes para os desenhos, é um desenho-escultura ou uma escultura-desenho. É uma ideia sobre circulação, sobre algo que passeia entre as coisas. Há uma tensão de que um movimento que está prestes a acontecer”, diz a artista. “Os carrinhos são um movimento interrompido, assim como os desenhos”, ressalta a curadora.

 

Na exposição “Pra Aquietar” haverá um “carrinho” menor chamado “Sônia a Paquetá”, que faz referência à época em que Sônia Braga foi morar em Paquetá. Os desenhos dessa obra representam pegadas no chão. Para Débora, a cidade de Paris é muito feminina e ela passou a observar como as mulheres experimentam o espaço público. Com isso, lembrou de atrizes que representam essa feminilidade e lhe veio à cabeça a atriz Sônia Braga recebendo o prêmio no Festival de Cannes, no ano passado, e do tempo em que ela foi morar em Paquetá, “um lugar mágico”, segundo Débora.

 

Com isso, também surgiu o título da exposição “Pra Aquietar”, que foi retirado da música homônima de Luiz Melodia, de 1973, em que ele também faz referência a Paquetá e à calma das coisas. “Como nas paradinhas da música de Luiz Melodia que dá título à exposição, estes cortes no tempo são, na verdade, a chave de qualquer movimento, sua essência inesgotável”, diz a curadora. “Para criar minhas obras, trago outras expressões artísticas, como a música, e não só as artes visuais”, conta a artista.

 

A exposição terá, ainda, outros trabalhos que possuem elementos urbanos como referência, como “Shelf with Poteau”, que foi inspirada nas barras de ferro que impedem que os carros estacionem nas calçadas de Paris, e “Veneziana”, que é composta por um capacho preto, que imita ferro, que foi achado pela artista na capital francesa. Na obra, que será colocada no chão da galeria, ela fez intervenções com tinta branca.

 

Em uma das paredes da galeria estará uma roda vermelha, criada com carpete e parafina. “Ela estará representando a roda, um ícone do movimento”, afirma a curadora. Também na parede estará a obra “Inutile d’ajouter” onde, em uma pequena barra de ferro a artista apoia uma placa de linho e um azulejo verde com trechos do “manifesto surrealista”, de André Breton (França, 1896 – 1966). Haverá, ainda, uma caixa com textos e azulejos que a artista compra em lojas de materiais de construção usados. “São objetos que já tem uma história”, diz. Ainda em exposição, desenhos feitos em grafite, ecoline e lápis de cor sobre papel, de 2012, que se relacionam com a questão do movimento e com as demais obras. Os desenhos são muito sutis, com pequenos elementos e, às vezes, algumas frases. “Eles trazem silhuetas, que na verdade é uma presença e determina algo que já foi”, explica a curadora.

 

 

Sobre a artista

 

Débora Bolsoni nasceu no Rio de Janeiro em 1975. Vive e trabalha em São Paulo. Mestre em Poéticas Visuais pela Universidade de São Paulo e Bacharel em Gravura pela Universidade de São Paulo. Estudou, ainda, na Escola de Artes Visuais do Parque Lage e no Saint Martin School of Art, Londres. Possui obras em importantes coleções, como Pinacoteca do Estado de São Paulo; Museu de Arte Moderna de São Paulo; Museu de Arte da Pampulha; Museu de Arte de Ribeirão Preto; Instituto Figueiredo Ferraz; Pinacoteca Municipal de São Paulo e Remisen-Brande Art Collection. Dentre suas principais exposições individuais estão “No names, but names” (2017), no Drawing Lab, em Paris; “Urbanismo Geral” (2015), na Athena Contemporânea; “Fazer Crer” (2007), no MAMAM, em Recife; “Gruta Pampulha” (2006), no Museu de Arte da Pampulha; “Débora Bolsoni, Programa de Exposições do CCSP’’ (2005), no Centro Cultural São Paulo; “Individual e simultânea” (2001), no Centro Cultural Oswald de Andrade, em São Paulo, entre outras. Dentre suas exposições coletivas destacam-se: “Miniatures, Models, Voodoo and Other Political Projections” (2017), no Blau Project, em São Paulo; “A spear a spike a point a nail a drip a drop the end of the tale” (2016), na Ellen de Brujine Projects, em Amsterdan; “Aparição” (2016), na Caixa Cultural Rio de Janeiro; “Condor Project” (2015), na The Sunday Painter Gallery, em Londres; “Tout Doit Disparaître” (2015), na La Maudite, em Paris; “Southern Panoramas-19 Art Festival SESC Videobrasil” (2015), no SESC Pompéia; “Alimentário” (2014), no MAM Rio e na OCA, São Paulo; “Imagine Brazil, artist’s books” (2013), na Astrup Fearnley Museet, em Oslo; “Betão à Vista” (2013), no MuBe, em São Paulo; “O Retorno da Coleção Tamagnini” (2012), no MAM São Paulo; “Dublê” (2012), no CCSP;  “Mostra Paralela – A Contemplação do Mundo” (2010), no Liceu de Artes e Ofício, em São Paulo; “Corsário Cassino Museu” (2010),no Museu de Arte da Pampulha, em Belo Horizonte; “Absurdo” – 7ª Bienal do Mercosul (2009); “Quase Liquido” (2008), no Itaú Cultural, em São Paulo; “Cover – Reencenação + Repetição” (2008), no  MAM São Paulo; ‘’Contraditório – Panorama da arte brasileira’’ (2007), no MAM São Paulo, entre outras.

 

 

 

De 20 de julho a 19 de agosto.

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Hélio Oiticica no Whitney, NY

13/jul

 

 

O Whitney Museum of American Art, NY, apresenta “Hélio Oiticica: To Organize Delirium”, a primeira retrospectiva americana em grande escala exibindo duas décadas do trabalho do artista brasileiro. Um dos artistas mais originais do século XX, Oiticica (1937-1980) criou uma arte que nos desperta para nossos corpos, nossos sentidos, nossos sentimentos sobre estar no mundo: arte que nos desafia a assumir um papel mais ativo. A partir de investigações geométricas em pintura e desenho, Oiticica logo mudou para escultura, instalações arquitetônicas, escritas, filmes e ambientes em larga escala de natureza cada vez mais imersiva, obras que transformaram o espectador de um simples espectador em um participante ativo.

 

A exposição inclui algumas de suas instalações em grande escala, incluindo “Tropicalia” e “Eden”, e examina o envolvimento do artista com música e literatura, bem como sua resposta à política e ao ambiente social de seu país. A exposição capta a emoção, a complexidade e a natureza ativista da arte de Oiticica, enfocando em particular o período decisivo que passou em Nova York na década de 1970, onde foi estimulado pelas cenas de arte, música, poesia e teatro. Enquanto Oiticica se engajou em primeiro lugar com muitos artistas da cidade, ele acabou vivendo um isolamento auto-imposto antes de retornar ao Brasil. O artista morreu no Rio de Janeiro, em 1980, aos 42 anos.

 

 

A Tropicália

 

O estilo musical da “Tropicália”, que toma o nome da instalação homónima 1966/67 de Helio Oiticica, tornou-se um movimento artístico e sociocultural no Brasil. Após o golpe militar em 1964, a música popular desempenhou um papel fundamental na resistência estética e cultural ao clima político instalado. A música continuou a desempenhar um papel importante no trabalho de Oiticica em seus anos de Nova York, onde assistiu a concertos de rock no Fillmore East. A exposição apresenta uma lista de reproduções de músicas inspiradas por compositores e músicos do período de vigência da “Tropicália”, como Caetano Veloso e GiIberto Gil, além dos músicos do rock and roll em especial Jimi Hendrix, de quem Oiticica se inspirou na década de 1970.

 

 

Apoios e curadoria

 

Esta exposição foi organizada pelo Whitney Museum of American Art, Nova York; Carnegie Museum of Art, Pittsburgh e o Art Institute of Chicago. “Hélio Oiticica: Organizar Delirium” tem curadoria de Lynn Zelevansky; Henry J. Heinz II; Carnegie Museum of Art; Elisabeth Sussman, curadora e curadora de fotografia de Sondra Gilman; Whitney Museum of American Art; James Rondeau, presidente e diretor de Eloise W. Martin; Art Institute of Chicago; Donna De Salvo, diretora adjunta de Iniciativas Internacionais e Curadora Sênior, Whitney Museum of American Art; com Katherine Brodbeck, curadora associada, Carnegie Museum of Art. O apoio à turnê nacional desta exposição é fornecido pela Fundação Andy Warhol para as Artes Visuais e o National Endowment for the Arts. Apoiado em Nova York, pelo Comitê Nacional do Whitney Museum of American Art. Conta ainda com o apoio generoso fornecido pela Art & Art Collection, Tony Bechara; a Garcia Family Foundation e a Juliet Lea Hillman Simonds Foundation. O suporte adicional é fornecido pela Evelyn Toll Family Foundation. O Fundo de Exposição da Fundação Keith Haring também oferece apoio genérico de doações.

 

 

Até 01 de outubro.

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O tempo no MARGS

11/jul

O Museu de Arte do Rio Grande do Sul Ado Malagoli, Porto Alegre, RS, exibe a mostra “A paisagem no tempo – Carlos Petrucci e o acervo do MARGS”, em cartaz na Pinacoteca do MARGS. Organizada pelo Núcleo de Curadoria do MARGS, reúne 38 obras de 33 artistas pertencentes ao museu 8 obras de Carlos Petrucci, que fazem parte da coleção da antiga Pinacoteca Aplub de Arte Rio-Grandense, hoje denominada FUNDACRED.

 

O objetivo dessa mostra é resgatar o exercício da contemplação proporcionado pelo registro do espaço e do tempo, dentro da poética de cada artista  apresentado.  O espectador é convidado a realizar a fruição de uma cena, um ambiente, um lugar, um momento, uma paisagem…

 

O termo paisagem remete à contemplação, ao bucólico, ao nostálgico, a algo que se fixou no tempo. Essa temática na arte pode parecer, inicialmente, um gênero tradicional e demasiado romântico para os dias atuais. Porém, a observação do meio ambiente foi utilizada como inspiração por vários artistas dos séculos XIX e XX, principalmente na pintura. Podemos encontrar a expressão dessa poética em artistas importantes para a história da arte no Sul, como Libindo Ferrás, Ado Malagoli, Ângelo Guido, Francis Pelichek, Maristany de Trias, dentre outros.

 

O grande destaque da exposição é o artista gaúcho Carlos Petrucci, que se dedicou à pintura de paisagem ao longo de sua trajetória. Petrucci iniciou seus estudos artísticos com Adail Costa em Pelotas, e seguiu em 1938 para Porto Alegre, onde trabalhou de forma autodidata. Realizou sua primeira individual, em 1947, no auditório do jornal Correio do Povo, iniciando seu percurso em mostras coletivas e individuais, além de realizar cenários para o teatro gaúcho e ter criado murais com técnicas diversas em locais, como o Edifício Santa Cruz, na capital gaúcha.

 

“Quem se dispõe a contemplar com atenção verdadeira a pintura de Petrucci logo se dá conta de que o prazer de acompanhar o artista através das minúcias do objeto, se transforma aos poucos num esforço apaixonado e nostálgico de fixar algo que não está nos objetos. É talvez essa dura luz do meio dia, que imobiliza as coisas na sua sombra projetada quase geométrica… é talvez a falta de qualquer presença humana, quase se poderia dizer viva, não fosse a vegetação… é talvez ainda o silêncio indiferente que situa cada coisa no seu espaço, dando esse caráter de presença imperturbável, o que, de repente, se torna dominante. A gratificadora imagem de eternidade das coisas e da ordem muda, então, numa presentificação do tempo e a memória estremece. (…) Tanto faz, portanto, que os temas das pinturas de Petrucci refiram realidades históricas ou cotidianas. Sua importância, de uma ou de outra forma, se banaliza diante da reflexão profunda e sintetizadora sobre a temporalidade que faz seu cerne. O tempo é, com efeito, o ´personagem´ central da atual pintura desse artista”; Carlos Scarinci.

 

A partir da obra de Carlos Petrucci  –  um pintor da realidade e da “presentificação do tempo”, – a mostra discute a representação da paisagem e da passagem do tempo, a partir de obras do acervo do MARGS e da FUNDACRED – antiga Pinacoteca Aplub de Arte Rio Grandense, liderada por Rolf Zelmanowicz, o criador do acervo e grande incentivador das artes visuais no estado.

 

 

Até 24 de setembro.

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Intervenções em japonês

Chama-se “Intervenções gráficas em japonês” a exposição individual de Téti Waldraff em cartaz até o dia 09 de agosto no Studio Clio, Cidade Baixa, Porto Alegre, RS. A mostra, com curadoria de Blanca Brittes e Paula Ramos, reúne trabalhos desenvolvidos nos últimos cinco anos, a partir de folhas de calendário com reproduções fotográficas de “ikebanas”, a arte japonesa de arranjos florais. A artista iniciou esta pesquisa em seu ateliê em Faria Lemos, pequena cidade localizada na Serra Gaúcha, no interior do estado do Rio Grande do Sul. Lá, movida pela energia e os ciclos da Natureza, começou a desenhar, pintar e intervir sobre as imagens, prolongando e alterando ramagens e flores, e os afetos, em um colorido vívido e singular. Téti Waldraff tem nos jardins um dos principais motes de sua poética. A artista é um dos jovens valores da geração de arte contemporânea revelados na década de 1980 em seu estado. Possui em seu currículo incontáveis participações em exposições coletivas de relevância no Brasil – como o Itaú Cultural, SP – , e individuais realizadas em museus e no exterior.

 

 

A palavra da artista

 

Porque faço intervenções gráficas em calendários?

 

Começa no tempo da Téti professora: pegava os calendários para marcar feriados, marcar datas de obrigações de entrega de documentos de trabalho, datas festivas. Mas, sobretudo, ao “abrir” um calendário enquanto professora, marcar os feriados, tanto para pensar em aliviar a tensão, como para poder fazer coisas necessárias para o trabalho com os alunos no tempo previsto… no calendário! Assim, vi, vivi, recolhi e continuo recolhendo calendários bonitos e estimulantes para marcar os dias e as coisas especiais!

 

Então, lá em 2012 ou 2013, em Faria Lemos, veio um amigo, o Márcio Chieramonte (um engenheiro eletrônico sensível!!!) com muitos e muitos calendários com imagens de Ikebana para mim: “Te trouxe… sei que és artista e vais saber fazer alguma coisa com eles.” Viva o Márcio! Então, olhei e deixei de “molho” lá no ateliê de Faria Lemos. Muitas ideias vindo e indo… Já era linda cada folhinha do calendário… Estava tudo pronto! Aí, um dia, lá em Faria Lemos, comecei a riscar, rabiscar, interagir, intervir nas folhinhas! Ora, ora… calendários Ikebana… folhinhas prontas. Elas me encantaram. Assim, botei, gravei, desenhei nelas os meus encantos! Foi uma delícia que levei a sério como trabalho, partindo da ideia de intervenção.

 

Ao começar cada trabalho, já estou embebida de cores, sabores, formas de flores arranjadas de um jeito singular! Um desafio que dá frio na barriga… Vou escolhendo as cores dialogantes, vou me estendendo no arranjo, até arranjar o arranjo do meu desejo! No meu trabalho, com meu trabalho, quero repartir alegria, quero repartir harmonia, indicar um lugar mais bonito pra olhar e se lambuzar de cor, linha e forma. Coisas bonitas pra olhar com “olhos de ver”, coisas pra nos puxar para o alto, coisas pra dar um salto, pra poder sempre ver, sempre admirar a vida no prumo da natureza, das flores com suas cores e formas! Fazer para poder sonhar no tumulto cotidiano, no avesso da pátria nossa, no avesso das coisas que são feitas sem nosso olhar, sem nossa participação! Quem dá atenção pra arte neste tumulto cotidiano? Quem consegue parar pra ver a singularidade e a exuberância de uma flor, de um vaso de flor, de um canteiro, de um jardim? Pois eu gostaria que todos pudessem se permitir olhar para o encanto das flores! Flores a todos, arranjadas de um modo singular! Sou assim, Téti flor e cor! Intervenções feitas nas flores arranjadas!

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“Urbanizia”

10/jul

“Urbanizia” foi o termo criado por sete artistas visuais atuantes no cenário artístico contemporâneo carioca, a partir de leituras e debates. Focando na poética urbana dos sintomas do mundo contemporâneo, eles apresentam cerca de 40 trabalhos inéditos, ocupando as galerias do 2º andar do Centro Cultural da Justiça Federal, Centro, Rio de Janeiro, RJ, com abertura no dia 18 de julho. Sob a curadoria de Isabel Sanson Portella e Jozias Benedicto, os artistas Benjamin Rothstein, Danielle Cukierman, Flávio Santoro, Henrique Kalckmann, Luciana Gaspar, Milena Soares e Rosana Diuana (ex-alunas de pintura na Escola de Artes Visuais do Parque Lage). Está prevista uma visita guiada e lançamento do catálogo no dia 02 de setembro.

 

Para o enfrentamento da temática urbana, alguns deles optaram por extrapolar os limites da pintura, do suporte ou da escala, enquanto outros ousaram em outras mídias, e todos aqui mostram suas pinturas, instalações, vídeos e objetos – como o painel multifacetado que se tem ao percorrer as vitrines de um centro urbano. “A mostra “Urbanizia” traz um olhar contemporâneo sobre quem vive nas cidades e é afetado, envolvido e modificado pelas questões do cotidiano e do convívio social em suas mais diversas nuances e sutilezas. Em um mundo em rápida mutação, vivemos e captamos o tempo todo flagrantes da vida onde a velocidade e a fragmentação dos fenômenos, a “erraticidade”, o voyerismo, a solidão urbana, o frenesi do consumo nos afeta, envolve e modifica”, diz Isabel Sanson Portella, curadora.

 

A ideia dos artistas é envolver o espectador nesta teia e levá-lo a viver com eles a experiência urbana através da arte: “Desafiados a pensar em um projeto comum para esta exposição, os artistas levaram seu foco para a urbanidade contemporânea, chegando a criar neologismos como ‘Urbanizia’ – que ficou como o título da mostra – e “urbanêur”, que seriam os homens e mulheres imersos na vida das metrópoles. A partir deste núcleo comum os artistas expressaram, com suas poéticas, interpretações do tema urbano, visões particulares mas ao mesmo tempo partes do plano coletivo da exposição, falando desta realidade que nos marca profundamente, quando as promessas do iluminismo e do moderno se revelaram armadilhas”, afirma Jozias Benedicto, que também assina a curadoria da mostra.

 

 

OS ARTISTAS E SUAS PROPOSTAS

 

Em seu trabalho atual, Benjamin Rothstein procura, principalmente, falar do tempo, do nosso tempo e de um outro tempo, com novas roupagens, através de uma conjugação de imagens históricas ou não, mas colocadas para incomodar o observador. Em suas últimas criações, mais ligadas às cidades, o artista mostra um pouco das relações humanas sob a égide urbana atual e suas pressões.

 

Danielle Cukierman estuda os excessos do mundo, como tecnologia, consumo, lixo… Fósseis de um tempo de urgência. Seus trabalhos são compostos de diferentes planos e suportes, que originalmente envolvem, embalam ou carregam coisas, mas que agora estão esvaziados e obsoletos. Usa também materiais populares e de uso cotidiano. Danielle apresenta o objeto original transformado, dando a ele nova oportunidade de existir e/ou novo significado.

 

Flávio Santoro pretende demonstrar, através dessa exposição, as impressões emocionais e racionais, conscientes ou não, da condição de Ser Urbano. Utilizando colagens e pintura, o artista busca imprimir a urgência, a efemeridade, e por que não, a beleza da capacidade de mutação e adaptação do homem em seu desafio atual no mundo.

 

Nos trabalhos de Henrique Kalckmann a figura serve de suporte para uma proposta plástica, reflexo de sensações. A ideia para a produção dos trabalhos se inicia, preferencialmente, com fotos captadas nas ruas, em qualquer cidade que ele esteja. Na seleção da foto, o artista busca a escolha do que pode ser a síntese de uma cena que está acontecendo. A dimensão das telas é parte importante da composição e construção de um significado.

 

Luciana Gaspar tem obras que remetem a construção, estrutura e urbanidade – um universo onde as formas se relacionam. Trabalhando com uma geometria inquieta, construindo uma arquitetura aleatória de fragmentos, traz uma estruturação num clima essencialmente urbano, através de um jogo de encaixes numa abstração de formas partidas. São espaços labirínticos que querem envolver, mas que também permitem o escape. Nessa trama de formas, nesse labirinto de redes neurais, a artista explora relações da parte e do todo e de continuidade e descontinuidade.

 

Milena Soaraes parte de fotos da internet e fotos da performance “Puxar Pele”, da artista Juliana Ribeiro Wähner, inserindo fragmentos dessas imagens no contexto da sua pesquisa sobre relacionamentos na era das redes sociais, levantando algumas questões da contemporaneidade. A artista indica que no meio de tanta complexidade, os prazeres mais simples e primitivos acabam por se revelar uma forma de epifania. Suas pinturas trazem pouco espaço para o corpo humano (ou o que resta dele) se expressar, insinuando a existência de várias neuroses.

 

Rosana Diuana parte de um processo investigativo sobre o universo intimo de cada individuo. A artista retrata o mundo do “ser” sexual ao invés do “dever ser”, separando-o do que cotidiano impõe por meio das limitações morais, religiosas e éticas. Através da pintura e de outros meios, a artista apresenta algumas experiências sensoriais e sexuais vividas de forma oculta por parte significativa da sociedade. Da deglutição do fruto proibido, da cegueira que se descortinou para um mundo repleto de estímulos, a essência da libido, a busca pelo prazer sexual fora do que é moralmente aceito é o foco de seu trabalho.

 

“Urbanizia”

 

Artistas visuais atuantes no cenário artístico contemporâneo apresentam obras inéditas a partir da temática urbana.

 

 

De 18 de julho a 03 de setembro

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Burle Marx na Alemanha

06/jul

Roberto Burle Marx (1909-1994) foi um homem renascentista do século XX: arquiteto paisagista, pintor, escultor, set designer, ativista ambiental. Projetou, durante sua longa carreira, mais de 2.000 jardins ao redor do mundo e, em expedições, descobriu quase 50 novas espécies de plantas. Ao mesmo tempo, criou objetos independentes de extraordinária beleza. Em seu país natal, o Brasil, Burle Marx, juntamente com os arquitetos Lúcio Costa e Oscar Niemeyer, é reverenciado como pioneiro no Modernismo Brasileiro. Seus projetos para a capital Brasília e, acima de tudo, para o Rio de Janeiro, tiveram um impacto duradouro sobre essas cidades. Ainda hoje, sua arquitetura de paisagem revolucionária, orientada para a pintura abstrata, gozam de repercussão internacional, porém uma boa parcela de sua obra, no entanto, é praticamente desconhecida.

 

Após sua estréia no The Jewish Museum de Nova York em 2016, a mostra “Roberto Burle Marx: modernista brasileiro” está agora em exibição no Deutsche Bank KunstHalle, Berlin, Alemanha. A exposição ilustra a gama completa de sua produção artística, vista pela primeira vez na Alemanha, e apaga as fronteiras entre as diferentes mídias e disciplinas. Isso é documentado sobretudo pelas aquarelas e desenhos de Burle Marx para desenhos urbanos e paisagísticos que abrem a exposição, por exemplo, para o jardim do telhado projetado em 1938 para o Ministério da Educação e Construção da Saúde erigido por Niemeyer, Lucio Costa Costa e Le Corbusier; O Parque do Flamengo no Rio de Janeiro (1961) e o mundialmente famoso pavimento ondulado da Avenida Atlântica (1970) em Copacabana. Muitos desses projetos são semelhantes à arte abstrata e ressoam com as obras de arte contemporâneas apresentadas na exposição, como a pintura de 2003 da artista brasileira Beatriz Milhazes. Para ilustrar a influência artística de Burle Marx, seus trabalhos entram em diálogo com obras de artistas internacionais contemporâneos. Entre eles estão Juan Araujo, Paloma Bosquê, Dominique Gonzalez-Foerster, Veronika Kellndorfer, Luisa Lambri, Arto Lindsay e Nick Mauss.

 

Quando o jovem Burle Marx viajou para Berlim procedendo do Rio de Janeiro com sua família em 1928, a capital alemã era um laboratório de modernismo. Neste momento, há muito tempo já conhecia a cultura alemã. Seu pai, Wilhelm Marx, um judeu alemão, imigrou para o Brasil de Trier, na Alemanha, no final do século XIX. O amor pela ópera e arte alemãs estava profundamente enraizado na família próspera e educada. Outro foco da exposição, portanto, é a metrópole de arte e cultura de Berlim, que impressionou, influenciou e ocupou continuamente Burle Marx. Por exemplo, pouco antes de sua morte ele criou um projeto para a Rosa-Luxemburg-Platz que não foi realizado.

 

Na Berlim da República de Weimar, Burle Marx resolveu ser artista e arquiteto paisagista. Suas visitas à coleção de arte moderna no Kronprinzenpalais, onde viu obras de expressionistas alemães e Van Gogh, contribuíram para sua decisão. Mas ele fez outra descoberta: nas estufas do Jardim Botânico em Dahlem, reconheceu a beleza da flora brasileira: os filodendros, bromélias e nenúfares que foram ignorados nos jardins brasileiros, mas cultivados com carinho aqui. “Odeio a ideia de que um arquiteto paisagista só deveria conhecer as plantas”, disse o artista décadas depois. “Ele também tem que saber o que é Piero della Francesca, o que constitui um Miró, um Michelangelo, um Picasso, um Braque, um Léger”.

 

Como é aparente nos estudos de plantas de Burle Marx e desenhos iniciais, pinturas e projetos de jardins, seu caminho, tanto nas artes visuais quanto na arquitetura paisagística, o conduziram à abstração. Em seus projetos de jardins, ele transferiu imagens bidimensionais para três dimensões. Enquanto a arquitetura da paisagem brasileira convencional ainda estava orientada para o design do jardim Belle Époque europeu, e flores e plantas eram importadas do exterior, Burle Marx trabalhava exclusivamente com a flora doméstica. Ele estava principalmente interessado nas formas, texturas e cores das folhas, o artista optou muito claramente pela cor, massa e superfície, por fortes contrastes, formas sinuosas e quadradas, campos geométricos.

 

No decorrer da exposição, os aspectos arquitetônicos e artísticos de sua carreira, inextricavelmente entrelaçados, são documentados repetidamente. As formas abstratas em seus projetos para jardins privados e praças públicas se refletem nos princípios de design, na pintura, e na arte aplicada de Burle Marx. Além das pinturas abstratas, cerâmicas, jóias, conjuntos de palcos e figurino são apresentados. Mostram como ele casou seu amor com as tradições brasileiras e com o modernismo europeu. Isso é aparente nas versões abstratas dos azulejos que ele usou nas paredes e na construção de paredes.

 

Burle Marx não era apenas um inovador, mas também um conservador e colecionador. Em sua propriedade de 365.000 m², uma antiga plantação de café perto do Rio de Janeiro, cultivou uma das maiores coleções mundiais de plantas tropicais. O Burle Marx Landscape Studio foi fundado por Roberto Burle Marx em 1955. Depois da morte do artista, Haruyoshi Ono – seu parceiro de negócios e parceiro criativo por mais de 30 anos – continuou seu legado por mais de 20 anos liderando o Estúdio, tornando-se responsável pelo desenvolvimento criativo de novos Projetos de escritórios e jardins. Esta exposição foi possível por causa de seu excelente trabalho e apoio. Mostramos aqui sua última entrevista para um programa brasileiro de arquitetura bem conhecida, chamado “Casa Brasileira”. Ono faleceu em janeiro de 2017. Perpetuou o legado artístico da paisagem de Roberto Burle Marx, tendo sido responsável pelo Landscape Studio e sua coleção por mais de 20 anos após a morte de Roberto Burle Marx.

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Por Oskar Metsavaht

04/jul

O Museu da Imagem e do Som, Jardim Europa, São Paulo, SP recebe a instalação multimídia “Soundtrack por Oskar Metsavaht”. Em um singular projeto, o artista plástico Oskar Metsavaht assumiu o olhar do personagem Cris, vivido por Selton Mello, e traz para a realidade o projeto final de Cris que teria ficado no universo cinematográfico. A mostra faz um percurso estreito e cada imagem é exibida junto a um headphone, onde é possível ouvir exatamente o que o personagem do longa, um artista e fotógrafo, ouvia no momento de seus próprios retratos.

 

“Nesta mostra, o artista Oskar Metsavaht nos dá a sua experiência de despersonalização. Cris é ele. Ele é Cris. Esta exposição é exatamente a que o personagem Cris teria feito no filme”, explica Marc Pottier, curador da mostra. “Soundtrack é uma instalação, um caminho labiríntico íntimo, pontilhado com uma série de autorretratos em pequenos formatos e fones de ouvido que convidam o público a mergulhar no mundo de Cris”, completa.

 

Na trama, Cris (Selton Mello) mergulha num projeto de autorretratos e captação de sons numa fictícia estação polar de pesquisas. O lugar inóspito e o estado emocional do personagem transbordam para as imagens conforme Cris ouve as músicas que selecionou para cada shooting. O trailer do filme está exibido em looping na montagem e a estreia nos cinemas, marcada para 06 de julho.

 

 

Sobre o artista

 

Oskar Metsavaht é uma personalidade essencialmente criativa. Natural de Caxias do Sul, RS, filho de pai médico e mãe professora de Filosofia e História da arte, ao longo da vida tratou de mesclar um pouco das duas heranças. Médico de formação, sempre manteve o hábito da fotografia. O lado estilista e diretor de arte nasceu quando fundou a Osklen e a colocou no mapa das maiores marcas de moda do país e de reconhecimento internacional.

 

Designer autodidata, Oskar Metsavaht usa a fotografia para registrar tudo aquilo que o inspira para seus projetos. O exercício com as imagens impulsionou o progresso do seu trabalho artístico individual e aflorou uma profissionalização que não tardou.

 

Oskar realizou sua primeira exposição individual, intitulada “Ipanema”, durante a Miami Art Basel, apresentado por Sue Hostetler e Vik Muniz em 2011. De lá pra cá, diversas exposições coletivas e individuais encorpam sua biografia artística que passam por instituições e eventos como a exposição coletiva “Madeby…Feito por Brasileiros”, no Cidade Matarazzo em São Paulo; na “Ocupação Mauá”, durante a ArtRio; no Arte Clube Jacarandá na Miami Art Basel; com individual no Museu Histórico da Cidade do Rio de Janeiro; dentre outras. Duas de suas obras, uma pintura e uma videoinstalação, foram selecionadas para fazer parte das coleções do MAR (Museu de Arte do Rio) e do Museu Histórico da Cidade.

 

Exposição / Cinema

 

De 21 de junho a 16 de julho.

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Relações de afeto

30/jun


Será inaugurada no dia 08 de Julho, sábado, às 18 horas, a exposição “AFÉTO”, de Roger Cipó, curadoria de Marco Antonio Teobaldo, na Galeria Pretos Novos de Arte Contemporânea, Rua Pedro Ernesto, 32, Gamboa, Rio de Janeiro, RJ. Em sua primeira exposição individual, o fotógrafo volta toda a sua atenção para as relações de afeto constituídas dentro dos terreiros de Candomblé, a partir de sua experiência como iniciado na religião.

 

Depois de percorrer dezenas de terreiros no estado de São Paulo, Cipó foca sua pesquisa no Asè Iya G’unté, localizado em Juquitiba, onde percorreu pelas rotinas mais comuns de seus adeptos, até às mais complexas. As imagens reveladas apresentam a interação dos fiéis entre si, como uma família ao redor de suas obrigações, e, durante as cerimônias, quando os orixás manifestam seu afeto por meio de seus sacerdotes.

 

De acordo com o artista, mais que um registro documental sobre um aspecto específico do Candomblé, o trabalho reitera a importância das relações interpessoais como forma de resistência da cultura afro-brasileira. O resultado da mostra se amplifica quando exibida sobre o sítio arqueológico do Cemitério dos Pretos Novos, dentro da programação do festival de fotografia FotoRio.

 

A Galeria Pretos Novos de Arte Contemporânea tem acolhido dentro de sua programação, diversas temáticas de exposições de artes visuais, realizadas por artistas do Rio de Janeiro e de outras localidades. A partir de pesquisa realizada pelo curador do espaço, Marco Antonio Teobaldo, os artistas convidados apresentam livremente suas propostas, tendo como ponto de partida as suas percepções acerca do ambiente expositivo e a importante história que ele abriga. Esta experiência tem superado expectativas e trazido excelentes resultados, que se refletem na crescente visitação que o espaço vem recebendo, desde a sua inauguração e o Prêmio Ações Locais, concedido pela prefeitura.

 

A coordenação geral é de Merced Guimarães dos Anjos. A exposição é uma produção da Quimera Empreendimentos Culturais, impressão do Estúdio Print em paraceria com a FotoRio. Uma realização do IPN.

 

 

De 11 de julho a 02 de setembro.

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5 artisti brasiliani geometrici

28/jun

A Um Galeria, da marchand Cassia Bomeny, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, inaugurou a exposição “5 artisti brasiliani geometrici”, com cerca de 20 obras recentes e inéditas, dentre esculturas e pinturas, dos artistas Luiz Dolino, Manfredo de Souzanetto, Maria-Carmen Perlingeiro, Rodrigo de Castro e Suzana Queiroga. Com curadoria de Luiz Dolino, a mostra traz uma seleção de obras de artistas ligados à linguagem geométrica e seguirá ampliada para Roma, Lisboa, Basel e Bolonha.
“O eixo central do argumento se sustenta na vontade de exibir cinco artistas que se aproximam e se tornam íntimos, sem prejuízo da singularidade de suas escolhas diante do ilimitado da expressão. A Geometria – geom, tudo aquilo que em Matemática se ocupa do estudo do espaço e das figuras que podem ocupa-lo – é, na largada, o polo que nos une. O rigor formal permeia o sonho, constrói e desconstrói. Há uma arquitetura que se impõe, que edifica; mas há também uma ordem que deforma, implode, desmonta”, afirma o curador Luiz Dolino.
Rodrigo de Castro e Luiz Dolino apresentarão pinturas inéditas. Esses dois artistas “…perseguem mais de perto a rota euclidiana – exploramos figuras que não possuem volume”, explica o artista e curador Luiz Dolino, que ressalta uma diferença: “Rodrigo ousa dizer que está sempre em busca da cor que melhor se ajuste ao seu propósito. Do meu lado, sou mais direto, cético. Preciso tão somente de quatro cores”, diz.
Manfredo de Souzanetto apresentará obras “…onde a fragmentação do suporte, os pigmentos naturais de terras brasileiras e a construção da forma determinam o dinamismo da obra no espaço”, conta o artista. Para o curador, vem da obra de Manfredo “…o privilégio atribuído à presença do objeto que, antes de tudo, nos surpreende. Mais ainda talvez, nos assusta e perturba com sua arritmia. Extasiamo-nos diante da permanente proposta que visa a recomposição de um imponderável puzzle. Leva e traz. Diz e contradiz. Dialeticamente se impõe: cheios e vazios. O impasse enganoso conduz o nosso olhar para periferia irregular. A percepção sofre reveses. A catedral se estrutura e abriga uma arquitetura arquetípica”.
Maria-Carmen Perlingeiro apresentará uma série de esculturas composta por pedras Mica, colocadas em painéis de acrílico, que parecem flutuar no espaço.  “Prismas, cones, segredos, luz e pedra, ouro, são palavras de ordem na compulsão criativa dessa artista que, por meio de delicada magia, impõe expansões da própria forma”, afirma o curador.
Suzana Queiroga também apresentará esculturas. “A experiência proposta ao espectador modifica a sua percepção e promove a expansão dos sentidos, do espaço e do tempo”, diz o curador.
Itinerância Internacional 
A partir do dia 02 de novembro no Palazzo Pamphilj, em Roma, em parceria com a produtora italiana ATRIVM. A itinerância da mostra seguirá no próximo ano para a Fundação Medeiros e Almeida, em Lisboa, Portugal, para a Brasilea Stiftung, em Basel, na Suiça, e para Bolonha, na Itália.
Sobre os artistas
Luiz Dolino nasceu em Macaé, RJ, 1945. Vive e trabalha no Rio de Janeiro. Dentre suas exposições mais recentes estão a mostra no Espaço Cultural da UFF (2016); no Centro Cultural de Montes Claros (2015); na Galeria Marcantonio Vilaça, em Bruxelas, no ARTMARK, em Viena e na Casa-museu Medeiros e Almeida, em Lisboa (2014). Destacam-se, ainda, as mostras na Jordania Cultural Center (2013); no CCBB Rio e Brasília (2012); no Museum of Young Art, em Viena, no SEGIB, em Madri, no Palácio Maldonado, em Salamanca, no Museu Nacional da Costa Rica e no CCBB Rio, ambas em 2008. Em 2007, expôs na Caixa Cultural de Curitiba e no CCBB Rio, entre muitas outras.
Manfredo de Souzanetto nasceu em Jacinto, MG, 1947. Vive e trabalha no Rio de Janeiro. Estudou arquitetura no Brasil e artes plásticas no Brasil na França. Dentre suas exposições individuais destacam-se a retrospectiva no Paço Imperial (2016), as mostras na Stiftung  Brasilea (2013), na Suíça, no Museu Nacional de Belas Artes (2010), no Centro de Arte l’Espal em Le Mans, na França, Kulturtorget em Stavanger, na Noruega (2007), a panorâmica de sua obra no Centro Cultural Correios, na Caixa Cultural em Brasília e no Palácio das Artes, em Belo Horizonte (2006), a mostra no Instituto Moreira Salles (2005/2006), no Musée National de la Porcelaine Adrien-Dubouché (2000), no Centro de Arte Moderna da Fundação Gulbenkian (1994), no MAM Rio (1982), entre outras.
Maria-Carmen Perlingeiro nasceu no Rio de Janeiro, 1952. Vive e trabalha em Genebra. É escultora e seu material de predileção ė o alabastro. Dentre suas exposições individuais destacam-se “Sculpture et rayonnnement”, na Simon Studer Art, em Genebra (2016), as realizadas em Basel (2015), no MAM Rio (2012), na Pinacoteca Cívica de Volterra (2008), na Itália, no Espace Topographie de l’art, em Paris (2007), na França, no Museu da Chácara do Céu (2007), no Paço Imperial (2006) e no CCBB (1999), ambas no Rio de Janeiro, entre outras.
Rodrigo de Castro nasceu em Belo Horizonte, MG, 1953. Vive e trabalha em São Paulo. Filho do escultor Amilcar de Castro, iniciou sua carreira na década de 1980. Premiado no 11º Salão Nacional de Artes Plásticas, Funarte, no Rio de Janeiro e agraciado com o Prêmio Principal, no 13º Salão de Arte de Ribeirão Preto, Rodrigo de Castro participou de diversas mostras individuais e coletivas, no Brasil e no exterior, entre elas, uma exposição no MAM Rio, na década de 1990. Sua mais recente exposição foi na Um Galeria, em maio deste ano.
Suzana Queiroga nasceu no Rio de Janeiro, 1961. Vive e trabalha no Rio de Janeiro. Estudou na Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro e no MAM Rio. Em 2002, concluiu o Mestrado em Linguagens Visuais pelo Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais, na UFRJ. Atualmente, expõe no Museu Nacional de Belas Artes, no Rio de Janeiro, e é uma das finalistas do Prêmio Marcantonio Vilaça. Recebeu o Prêmio Aquisição na XVIII Bienal da Cerveira, Portugal (2015), o 5º Prêmio Marco Antônio Villaça (2012) e o 1º Prêmio Projéteis de Arte Contemporânea da Funarte (2005). Participou da exposição Como Vai Você, Geração 80?, na Escola de Artes Visuais do Parque Lage (1984).
Sobre a galeria
Fundada pela colecionadora Cassia Bomeny, a Um Galeria foi inaugurada em dezembro de 2015, com o objetivo de apresentar arte contemporânea, expondo artistas brasileiros e internacionais. Trabalha em parceria com curadores convidados, procurando elaborar um programa de exposições diversificado. Tendo como característica principal oferecer obras únicas, associadas a obras múltiplas, sobretudo quando reforçarem seu sentido e sua compreensão. Explorando vários suportes – gravura, objetos tridimensionais, escultura, fotografia e videoarte. Com esse princípio, a Um Galeria estimula a expansão do colecionismo, com base em condições de aquisição, bastante favoráveis ao público. Viabilizando o acesso às obras de artistas consagrados, aproximando-se e alcançando um novo público de colecionadores em potencial. A galeria também abre suas portas para parcerias internacionais, com o desejo de expandir seu público, atingindo um novo apreciador de arte contemporânea, estimulando o intercâmbio artístico do Brasil com o mundo.
Até 09 de agosto.
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No Instituto Tomie Ohtake

21/jun

A mostra inédita, organizada e realizada pelo Instituto Tomie Ohtake, Pinheiros, São Paulo, SP, sob a curadoria de Paulo Herkenhoff, coloca em destaque a produção e a trajetória de diversas mulheres que desafiaram convenções e limites de suas épocas, nos séculos XIX e XX no Brasil, seja no campo estético ou social. “Invenções da Mulher Moderna, Para Além de Anita e Tarsila” é o resultado de uma extensa pesquisa que o curador Paulo Herkenhoff desenvolve há décadas, alimentada pela contínua reflexão sobre a obra de diversas mulheres artistas brasileiras. Esta mostra, portanto, desdobra o já conhecido comprometimento de Herkenhoff com o registro histórico da produção feminina e com a reflexão teórica sobre suas invenções.

 

Para a exposição, com cerca de 300 obras, além de fotos e documentos, o curador toma como referência dois pilares do modernismo no Brasil, Anita Malfatti e Tarsila do Amaral, e apresenta novos apontamentos sobre suas obras e histórias. Em torno dessas referências, a maior parte das obras e das narrativas presentes na exposição vai mais longe, e apresenta mulheres que são em sua maioria desconhecidas do grande público.

 

Entre mostra e catálogo, o curador não pretende organizar um dicionário/glossário de nomes e imagens, muito menos construir uma grande narrativa completa e acabada, mas situar de maneira historiográfica e crítica diversas personagens que complementam e transformam a história da cultura e da arte no país.

 

Assim, ao invés de uma narrativa linear, a mostra elege diversos núcleos, que se distribuem como uma rede ou uma constelação. Núcleos heterogêneos são estabelecidos e dão visibilidade a questões e temas relevantes, que abrangem tanto dados históricos e factuais quanto tentam evidenciar a subjetividade das artistas escolhidas. As invenções, como sugere o título, dizem respeito às criações dessas mulheres e também à construção da imagem da mulher que foi sendo aberta e lapidada ao longo dos séculos XIX e XX. Além de seu pioneirismo, essas personagens têm em comum o enfrentamento de tensões e conflitos de diversas ordens.

 

Em “Mulheres de Vassouras” – trocadilho entre as mulheres e a cidade carioca que foi polo do café do século XIX e de revoltas de escravos – estão: retratada em pintura anônima, Eufrásia Teixeira Leite (1850 – 1930), intelectual que se relacionava com Joaquim Nabuco e se notabilizou por libertar seus escravos e por seus atos de filantropia; registros da prisão, oriundos do Arquivo Nacional, de Mariana Crioula, negra, casada com o quilombola Manoel Congo e que, ao seu lado, participou da maior fuga de escravos ocorrida em 1838; e obra de Abigail de Andrade (1864 – 1890, França) que, segundo o curador, foi uma das primeiras a executar no Brasil as chamadas pinturas de gênero, pautadas nas cenas cotidiana de interiores doméstico.

 

Para pensar as “Mulheres do Século XIX”, Paulo Herkenhoff se vale da ideia do “muxarabi”. O elemento da arquitetura que lembra uma grade de madeira, de origem árabe, permite entrada da luz, se pode ver de dentro para fora, mas não de fora para dentro. Essa posição representa o lugar protegido e reservado que era designado à mulher e foi, gradualmente, superado conforme mulheres decidiam abandonar tal “mediação” ao pintar e registrar a cidade, encarando e sendo encaradas de volta. No século XIX houve cerca de 50 mulheres conhecidas como pintoras e a exposição reunirá cerca de 15 delas.

 

Já o núcleo “Modernas antes do Modernismo” elenca nomes de artistas que marcaram a época e o local em que viveram, por estarem desvinculadas dos princípios da arte acadêmica, porém não integrando o modernismo organizado como vanguarda no país no começo do século XX. É o caso da espanhola, que chegou ao Brasil nos anos de 1890, Maria Pardos em Juiz de Fora, Minas Gerais, uma pintora da intimidade e do mundo privado e que ganhou diversos prêmios em salões. Outra artista pertencente a este grupo é Nair de Teffé (1886 – 1981, RJ) que, segundo o curador, foi a primeira caricaturista mulher de quem se tem notícia em escala mundial.

 

O segmento dedicado à “Fotografia” evoca a atuação da mulher no século XIX, como a chegada, em 1842, de cinco daguerreotipistas no Rio de Janeiro, dentre eles, uma mulher. A mostra traz a figura que modificou os parâmetros da fotografia no século XIX, Fanny Volk, alemã radicada em Curitiba no ano de 1881. Com interesse voltado ao social, uma de suas pesquisas constava de fotografar o trabalho masculino ao ar livre. Já entre as presenças no início do século XX o curador ressalta as fotografias de Hermínia Nogueira Borges (1894, RJ – 1989, RJ), fundadora do Foto Clube Brasileiro, no Rio de Janeiro, e as cerca de 10 mulheres que dirigiram estúdios, a primeira em 1908, no Estado de São Paulo, e em 1910, na capital. As lentes estrangeiras que chegam ao Brasil no século XIX também são investigadas pelo curador que, no caso, envolve mulheres e homens com olhares não modernista, pois se afastavam de questões nacionalistas e preocupavam-se com a subjetividade e os registros sociais.

 

Um dos pilares da mostra, Anita Malfatti (1889 – 1964, SP), além de pinturas, comparece acompanhada de uma análise crítica do texto “Paranoia ou mistificação?” (1917), de Monteiro Lobato. Para dissecar o texto de Lobato, que ficou célebre pelo impacto que teve na percepção da trajetória da artista, Paulo Herkenhoff   baseia-se no código civil da época. Lobato era Procurador do Estado e os termos de seu artigo refletiam o pensamento retrógrado que tratava a mulher como cidadão minoritário, parcialmente incapaz de tomar decisões. Já sobre Tarsila do Amaral (1886 – 1973, SP), além de uma série de pinturas, a exposição apresenta desenho/estudo do Abaporu (obra de 1928).

 

Em “Escultoras” há obras a partir da primeira metade do século XX, concebidas por artistas como: Nicolina Vaz de Assis (1874, SP- 1941, RJ), que na cidade de São Paulo tem uma de suas mais conhecidas esculturas, a Fonte Monumental na Praça Julio de Mesquita (1927), participa com algumas de suas peças em bronze e um retrato seu pintado por Eliseu Visconti; Zelia Salgado (1904, SP – 2009, RJ), que foi professora da Lygia Pape, ganhará destaque a partir de alguns momentos de sua obra, como o que faz referência à “Unidade tripartida”, de Max Bill; e Adriana Janacopoulos (1897, RJ), reconhecida por conceber monumentos, cabeças e bustos, tem um de seus trabalhos representado.

 

Maria Martins (1894, MG – 1973, RJ) é um núcleo em si. A curadoria evidencia a ousadia de sua produção ao abordar diretamente o desejo como centro poético de sua obra e a cópula como tema direto de algumas. A abordagem do trabalho enfatiza o contraste dessa atitude com o pudor vigente no Brasil naquele período.

 

Já para Lygia Clark (1920, MG – 1988, RJ), a mostra constrói um percurso pelas noções poéticas fundamentais de sua obra, com leitura e análise de conceitos como o de “espaço modulado”, enquanto Lygia Pape (1927 – 2004, RJ) é apresentada por meio de alguns de seus vídeos, como “Eat me” (1975) e “Divisor” (1967). Tomie Ohtake (1913, Kioto, Japão – 2015, SP) é aproximada da pintura de Alina Okinaka (1920, Hokkaido Japão – 1991, SP), formando o núcleo “Mulheres Japonesas”, que traz questões sobre o silêncio, a fala e a escrita, análogas à obra de Mira Schendel que acrescenta, ao silêncio e à fonética, o indivisível.

 

Por fim, produções pouco conhecidas pelo grande público, por partirem de personagens que não vêm do eixo Rio-São Paulo compõem “As Amazonas”, com Julieta de França (1872 – 1951, PA) e Antonieta Santos Feio (1897 – 1980, PA), ambas de Belém e com estudos em arte na França e Itália.  Julieta de França aproximou-se do Art Nouveau e expôs junto de Rodin, na França. Foi uma das primeiras mulheres a enfrentar o regime acadêmico e disputar os espaços com os homens artistas, sendo duramente criticada por isso. Antonieta Santos Feio usou seu olhar atento para representar figuras e personagens locais e seus costumes. Em um primeiro momento suas obras dedicam-se à figura da mulher engajada no trabalho e na religião e depois passa a mostrar a extração da borracha, universo majoritariamente masculino.

 

 

Até 20 de agosto.

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