Arquivos da Categoria: Arte Brasileira

Cenas Contínuas

11/mai

O Face Gabinete de Arte, Pinheiros, São Paulo, SP, apresenta pela primeira vez as pinturas da jovem artista Luisa Zimmer Ritter, na mostra “Nachleben – Cenas Contínuas” com vernissage marcado para o dia 16 de maio. Pinturas de séries realizadas entre 2014 e 2018 (óleo e cera de abelha sobre tela), intituladas “Rio Espelhado” e “Paisagens Vila Ipojuca”, serão apresentadas de forma inédita na capital paulista. A exposição tem curadoria da historiadora Eugênia Gorini Esmeraldo.

 

“Nachleben” em alemão pode significar vida após a morte e sobrevivência, como uma sequência de cenas que se estendem por tempos, eras, culturas… Aby Warburg se referia à sobrevivência das imagens e motivos, à continuidade ou pós-vida e à metamorfose das imagens. “Nachleben” envolve sequências não literais, gesto e ruptura, relacionados com o modo de ver, encontrar e lembrar dessas imagens abordadas nas diferentes séries, às sequências delas, que se conectam, mas também levam para uma particularidade específica. Uma mistura de vida urbana, vida familiar, nostalgia, trabalho, viagens. Isso tudo ressignificando e dando movimento às sequências de imagens.

 

 

Sobre a artista

 

Luisa Zimmer Ritter nasceu em Montenegro, RS, em 1988. Vive e trabalha em São Paulo. Com formação em publicidade, morando em São Paulo desde 2008, a artista fez experimentações com tecidos, objetos, fotografia. Porém a pintura acabou se revelando seu interesse maior e é isso que agora a leva para a Alemanha, onde pretende aperfeiçoar sua produção pictórica em um residência artística. Suas pinturas ilustraram a capa e a página central do Caderno Ilustríssima (21/jan/2018) do jornal A Folha de São Paulo. A pintura conquistou a artista quando frequentou cursos de história da arte. Decidida a seguir nessa trilha, aos poucos deixou as experiências que realizava e passou a fazer estudos de obras clássicas em frequentes visitas à coleção do MASP e às Bienais. Percebe-se também o uso da fotografia, mas ela avança e amplia o espaço ou modifica o real com inserções próprias. Seu trabalho tem uma pincelada segura, utiliza pigmentos de alta qualidade e consegue em cenas banais momentos de grande beleza com a luz cuidada e delicada que insere, principalmente nas paisagens. As cores fortes não resvalam para o excesso, dando boa resolução para suas composições. Os temas, mesmo que autorreferentes, retratam o mundo jovem, sugerem um viés pop que não pesa ao olhar e permite identificação imediata. Sua dedicação e seu trabalho persistente sugerem uma carreira promissora. 

 

 

Sobre a Face Gabinete de Arte

 

Com quase um ano de funcionamento, o espaço é dirigido pelo colecionador Francisco de Assis Cutrim Esmeraldo e pela historiadora Eugênia Gorini Esmeraldo e tem como foco a difusão de artistas brasileiros modernos e arte popular. 

 

 

A palavra da artista

 

“Nachleben” em alemão significa vida após a morte e sobrevivência, uma sequência de cenas que se estendem por tempos, eras, culturas… Aby Warburg se referia a sobrevivência das imagens e motivos, a continuidade ou pós-vida e a metamorfose das imagens. “Nachleben” envolve sequências não literais, gesto e ruptura, relacionados com o modo de ver, encontrar e lembrar dessas imagens abordadas nas diferentes séries, às sequências delas, que se conectam, mas também levam para uma particularidade específica. Uma mistura de vida urbana, vida familiar, nostalgia, trabalho, viagens. Isso tudo ressignificando e dando movimento às sequências de imagens. O tema gira em torno das pinturas que produzi nos últimos anos, muitas das cenas fazem parte do acervo de imagens que herdei do meu avô Ivan Zimmer. Fotografias que retratam do sul ao norte do Brasil. Na sequência a série “Rio Espelhado”, que faz parte de uma descoberta de negativos deteriorados da minha primeira ida ao Rio de Janeiro, em 1994. O fato gerou uma grande inspiração cinematográfica na minha infância; eram somente recortes, não lembrava das cenas até reencontrar as imagens quase 20 anos depois. Os retratos de Caroline Bittencourt, da série “Todas as Cores, do Preto ao Branco”, levam a essa permanência da imagem, quando a fotógrafa registra minha fase bem jovem. Projeto nas pinturas o que somente nas fotografias seria possível rever. As demais séries, mesmo sendo memórias mais recentes, também têm este significado marcante por serem visões contemporâneas. Nas duas pinturas “Pitangueira”, são retratos de uma árvore que secou. Mas cujos resquícios estão ainda presentes no jardim da casa da minha família, em Montenegro, no Rio Grande do Sul. 

 

A série “Paisagens Vila Ipojuca” é uma homenagem ao amigo Emerson Pingarilho, que faleceu precocemente ano passado. Ali nos vimos pela última vez e foi onde fizemos nosso último filme. O lugar é especial para mim por estar ao lado do atelier em que passei os últimos três anos em São Paulo. Há uma vibração pictórica que vive por ali, que me lembram Van Gogh e Cézanne. Deve ser por causa das árvores e pedras, que foi o que me inspirou também em São Bonifácio, na Serra do Tabuleiro em Santa Catarina, da série “Terras de Egon Schaden”. Fui levada a notar com mais cuidado as cenas que a natureza nos apresenta, as histórias antropológicas sobre cada lugar; paisagens sublimes que mostram a passagem do tempo, pedras que mostram seres inanimados. Resquícios de que lá um dia foi mar e mais ainda, foi  terra de outros habitantes.

 

 

Sobre a Face Gabinete de Arte

 

Com quase um ano de funcionamento, o espaço é dirigido pelo colecionador Francisco de Assis Cutrim Esmeraldo e pela historiadora Eugênia Gorini Esmeraldo e tem como foco a difusão de artistas brasileiros modernos e arte popular. 

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Cassia Bomeny & Caetano de Almeida

10/mai

Após mais de dez anos sem realizar uma exposição individual no Rio de Janeiro, o artista plástico Caetano de Almeida inaugura, no próximo dia 15 de maio, exposição na Cassia Bomeny Galeria, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ. A mostra terá 22 obras inéditas, sobre tela e  papel, produzidas em 2017 e 2018. Tadeu Chiarelli assina o texto que acompanha a exposição.

Apesar de estar há bastante tempo sem expor no Rio de Janeiro, Caetano de Almeida tem uma relação forte com a cidade, onde começou sua trajetória artística. Sua primeira exposição individual foi em 1989, na extinta Galeria Thomas Cohn. Além disso, suas obras integram importantes coleções na cidade, como a Coleção Gilberto Chateaubriand, em comodato com o MAM Rio, e a Coleção João Sattamini, em comodato com o MAC de Niterói. 

 

As pinturas que serão apresentadas na Cassia Bomeny Galeria fazem parte da pesquisa do artista sobre trama, padrões e história e são feitas em diferentes técnicas, como aquarela sobre papel, acrílica sobre tela e resina e pigmento sobre tela. Em muitas delas, há furos na superfície (reais ou virtuais), como nos desenhos da série “Física” e na pintura “CAA40”. Há, ainda, duas obras, feitas de brasa sobre papel, intituladas “5 maços” e “2 maços. “Eles são uma leitura melancólica, talvez poética, dos furos presentes…”, diz o artista.

 

As pinturas são construídas a partir de uma linha colorida e outras, que se cruzam em composições cromáticas. O artista diz não mais se preocupar com as padronagens ou cores. “Cada pintura tem uma poética. Algumas dialogam com a cor (muitas vezes monocromaticas) e outras tratam diretamente da trama e do ato da pintura. Os ‘furos’ estão sempre presentes. As ausências são sempre presentes. Parodiando a artista francesa Camille Claudel: ‘Há sempre qualquer coisa que me falta’. A abordagem desse assunto vem de diversas formas, como devaneios matemáticos, impressões afetivas de viagens, etc”, afirma o artista. 

 

 

Sobre o artista

 

Caetano de Almeida nasceu em Campinas, em 1964, e vive e trabalha em São Paulo. Suas mais recentes exposições individuais foram na Galerie Andres Thalmann, em Zurique, Suíça, e na Eleven Rivington Gallery, em Nova York, EUA, ambas em 2017. Dentre suas exposições individuais, destacam-se, ainda, as mostras no Instituto Figueiredo Ferraz, em Ribeirão Preto, em 2015, e a mostra “Borda”, no MAM Rio e na Pinacoteca do Estado de São Paulo, ambas em 2007. Dentre suas mais recentes exposições coletivas estão “São Paulo Não É Uma Cidade – Invenções do Centro”, no Sesc 24 de Maio, em São Paulo; “Modos de Ver o Brasil: Itaú Cultural 30 anos, na OCA Ibirapuera, em São Paulo e “O MAC USP no Século XXI: A Era dos Artistas”, no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, ambas em 2017; “Por Aqui Tudo É Novo”, no Instituto Inhotim, em Brumadinho; “A Cor do Brasil: de Visconti a Volpi, de Sued a Milhazes”, no Museu de Arte do Rio (MAR), no Rio de Janeiro, e “O Estado da Arte”, no Instituto Figueiredo Ferraz, em Ribeirão Preto, ambas em 2016.

 

 

Sobre a galeria

 

Cassia Bomeny Galeria (antiga Um Galeria) foi inaugurada em dezembro de 2015, com o objetivo de apresentar arte contemporânea, expondo artistas brasileiros e internacionais. A galeria trabalha em parceria com curadores convidados, procurando elaborar um programa de exposições diversificado. Tendo como característica principal oferecer obras únicas, associadas a obras múltiplas, sobretudo quando reforçarem seu sentido e sua compreensão. Explorando vários suportes – gravura, objetos tridimensionais, escultura, fotografia e videoarte.

Com esse princípio, a galeria estimula a expansão do colecionismo, com base em condições de aquisição, bastante favoráveis ao público. Viabilizando o acesso às obras de artistas consagrados, aproximando-se e alcançando um novo público de colecionadores em potencial. A galeria também abre suas portas para parcerias internacionais, com o desejo de expandir seu público, atingindo um novo apreciador de arte contemporânea, estimulando o intercâmbio artístico do Brasil com o mundo.

 

 

Até 30 de junho.

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Presença Afro Brasil

09/mai

Mostra homenageia artistas e personalidades negras dos séculos XIX e XX, além da arte afro-atlântica de Cuba e do Haiti. No dia 12 de maio, sábado, Museu Afro Brasil, instituição da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo em parceria com a Associação Museu Afro Brasil – organização social de cultura, inaugura a exposição “Isso É Coisa de Preto – 130 Anos da Abolição da Escravidão”. A mostra, com curadoria de Emanoel Araújo, destaca a definitiva presença negra na arte, história e memória brasileiras.

 

Nos 130 anos da abolição da escravidão (1888), o Museu Afro Brasil ressalta a competência, o talento e a resistência negra nos campos da arquitetura, artes plásticas, escultura, ourivesaria, literatura, música, dança, teatro, idioma e costumes. A mostra destaca a produção dos séculos XIX e XX, por meio de pinturas, fotografias, litografias, esculturas e desenhos que evidenciam e valorizam a fundamental contribuição africana e afro-brasileira na construção do país..

 

“Isso é Coisa de Preto é um jargão, um termo preconceituoso e racista nacional, muito usado para descriminar a condição de ser afro-brasileiro. Ressignificar tal terminologia, com o objetivo de ressaltar que ‘coisa de preto’ é ter excelência nas artes, ciências, esportes, medicina e em outros campos relevantes da sociedade, é um dos objetivos da exposição”, salienta Emanoel Araújo.

 

Mulheres e homens negros que marcaram época na recente história brasileira em suas respectivas áreas, tais como o médico Juliano Moreira, o poeta Luiz Gama, o escritor Manuel Querino, a cantora Elza Soares, o editor Francisco Paula Brito, os músicos Dorival Caymmi, João do Vale, Cartola, Milton Nascimento, Luiz Melodia, Jamelão, Pixinguinha, Paulinho da Viola e Itamar Assumpção, a bailarina Mercedes Baptista, o abolicionista José do Patrocínio, a atriz Ruth de Souza, o jogador Pelé, Madame Satã, entre outros, estão entre as personalidades negras representadas na mostra.

 

Nomes como o dos irmãos Arthur Timótheo e João Timótheo, Heitor dos Prazeres, Solano Trindade, Yedamaria, Mestre Valentim, Nelson Sargento, Eustáquio Neves, Walter Firmo, Rubem Valentim, Estevão Silva, José Teóphilo de Jesus, Benedito José Tobias, Mureen Basiliat, Rafael Pinto Bandeira, Washington Silveira, Otávio Araujo, Waldomiro de Deus, Antonio Firmino Monteiro, Pierre Verger, Carybé, João Alves, Maria Lídia Magliani, Caetano Dias, Belmiro de Almeida, Mestre Benon e João da Baiana são alguns dos artistas com trabalhos na expostos na mostra.

 

“Se por um lado a data marca os 130 anos da extinção do trabalho escravo no Brasil, por outro ainda somamos 400 anos de preconceitos, racismo e indiferença das elites oligárquicas desse país com relação aos negros e negras. São 400 anos de ausência de políticas públicas capazes, ao menos, de sanar esses absurdos que não só envolvem a questão de cor e de raça, mas também a pobreza que atinge as comunidades onde a maioria negra é constantemente objeto do maltrato, do isolamento e da violência noticiada todos os dias pela imprensa, como se normal fosse o mal que atinge em pleno século XXI essa camada da população excluída da educação, da saúde, da moradia e dos direitos e privilégios das outras classes sociais”, afirma o curador sobre os 130 anos da abolição da escravatura no Brasil.

 

 

 

Arte Afro-Atlântica de Cuba e Haiti

 

A exposição “Isso É Coisa de Preto – 130 Anos da Abolição da Escravidão”, revê ainda a produção artística de dois países com predominante população negra: Cuba e Haiti. Obras provenientes do sincretismo religioso e da união entre os cultos do vodum e da igreja católica, presentes no cotidiano de inúmeras famílias destas duas nações abastecidas por corpos negros durante o período do tráfico negreiro também integram a exposição.

 

Esculturas e pinturas que remetem à prática religiosa nos templos afro-cubanos e revelam a sintonia deste povo com a ancestralidade africana, em especial seus escultores que entenderam intimamente como interpretar este sincretismo, integram a o núcleo dedicado a república socialista de Cuba.

 

A exposição mostra também a vitalidade criativa do povo haitiano, através das linguagens que a obra de arte pode oferecer: das esculturas em ferro recortadas com seres míticos, das assemblagens evocando associações secretas e das bandeiras bordadas com miçangas, com símbolos do sincretismo religioso. Todo esse cabedal exposto nesta exposição revela um povo voltado para manifestações artísticas profundas, unido pela fé e pelo desejo espiritual das permanências ancestrais.

 

 

Vernissage com música africana ao vivo

 

O grupo Os Escolhidos, criado em 2014, no Brasil, e formado por imigrantes e refugiados da República Democrática do Congo, se apresentará durante abertura da exposição “Isso É Coisa de Preto – 130 Anos da Abolição da Escravidão”. Na ocasião, o grupo entoará diferentes gêneros musicais como rumba congolesa, acapela, zouk, world music, além de estilos próprios da região do Congo cantados em diferentes idiomas como lingala, kikongo e swahili.

 

Até 29 de julho.

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Registro

Membro atuante do mercado de arte nacional e misto de artista plástico (escultor) e leiloeiro, Evandro Carneiro inaugurou dia 17 de abril galeria própria no Gávea Trade Center, Gávea, Rio de Janeiro, RJ. A Galeria Evandro Carneiro trabalha, dentre outros, com obras dos artistas Victor Arruda, Siron Franco, Grauben, Cosme Martins, Maurino e Rubens Gerchman.
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Brecheret na Pinakotheke Rio

07/mai

A Pinakotheke Cultural, Botafogo, Rio de Janeiro, inaugura no próximo dia 17 de maio, às 10h, a exposição “Victor Brecheret (1894 – 1955)”, antecipando as comemorações de centenário da Semana de Arte Moderna, e homenageia uma das figuras centrais daquele evento: o escultor Victor Brecheret.  Além de importantes obras de sua trajetória, a exposição reunirá raras obras que participaram da mostra histórica de 1922, não somente de Brecheret, mas também de Anita Malfatti, Di Cavalcanti, Menotti del Picchia, John Graz, Vicente do Rego Monteiro, Helios Seelinger e Zina Aita.

 

 

Até 14 de julho.

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Edição xilográfica

02/mai

“Cabuloza Wild Life” é uma publicação independente, editada em xilogravura pelo artista carioca Pedro Sánchez. Os cinco primeiros números tiveram uma configuração padrão, impressos frente e verso e dobrados, como um folder, de modo que, fechados, eram lidos e folheados como uma revista e, abertos, dispostos como um pôster. A partir de então, cada número teve um  formato próprio, por exemplo: a N. 6, em uma versão XXG, a N. 8, em uma edição in folio, e a N. 10, em lambe-lambe, composta por oito módulos e que teve suas cópias espalhadas pelas ruas do Rio. 

 

Nesta exposição o artista mostra grande parte desta produção, além da “Cabuloza Wild Life N. 13”, edição feita por encomenda para o Consórcio de Gravuras do Museu do Trabalho, que vem devidamente assinada e numerada, com tiragem de 100 exemplares.

 

 

Sobre o artista 

 

Pedro Sánchez é artista visual, pesquisador e professor, formado em Gravura pela Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro (UFRJ). Mestre em História da Arte pelo programa de pós-graduação em História Social da Cultura, da PUC-Rio. Doutor em Design por esta mesma instituição. Desenvolveu a pesquisa Gráfica de Rua: estratégias e táticas na cultura visual de rua do Rio de Janeiro. É Professor Adjunto e Coordenador do curso de Gravura da Escola de Belas Artes da UFRJ, e membro do grupo Coletivo Gráfico. Sua mais recente exposição individual foi no Espaço Cultural Sérgio Porto, no Rio, em 2017.
 

 

De 03 de maio a 01 de julho.

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Sete anos de galeria

27/abr

A galeria Luciana Caravello Arte Contemporânea, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, completou sete anos. Para comemorar, apresenta uma exposição com obras de seu acervo ocupando os três andares da galeria. A mostra exibe pinturas, esculturas, desenhos e serigrafias dos artistas Afonso Tostes, Alexandre Mazza, Ana Linnemann, Bruno Miguel, Daniel Lannes, Eduardo Kac, Eliane Prolik, Fernando Lindote, Gê Orthof, Gisele Camargo, Igor Vidor, Ivan Grilo, João Louro, Lucas Simões, Luiz Hermano, Marcelo Solá, Nazareno, Pedro Varela e Ricardo Villa.

 

Dentre os trabalhos em exposição, a obra “Brasileiro #1”, de 2017, do artista paulistano Ricardo Villa, que mistura – em uma trama -, as bandeiras do Brasil e do Movimento dos Trabalhadores Sem Terra. O artista multimídia procura demonstrar em seus trabalhos como ideologias dominantes determinam nossa compreensão histórica do conhecimento e do mundo como natureza.

 

Outra obra em exposição, “Tênis Clube 6”, de 2017, traz a assinatura do artista paulistano radicado no Rio de Janeiro Igor Vidor. O trabalho é composto por 42 bolas de tênis usadas por três jovens – Maylon, Lucas e Raphael – que trabalham aos sábados, fazendo malabares em sinais de transito, na zona oeste da cidade do Rio de Janeiro. Igor Vidor passou a trocar as bolas usadas pelos garotos por novas. Após a troca, o acordo determina que no ato da venda do objeto, seja qual for sua configuração formal, o valor da venda seja igualmente dividido em três partes. Uma parte para a galeria, outra para o artista, e outra para o garoto. “Vejo o trabalho como um método involuntário de pintura que produz mínimas esculturas sociais. Há uma pregnância da economia marginal, do trabalho infantil, da pulsão de vida, da destreza individual versus a imobilidade social inserida no pós-colonial sob a forma de pós-escravismo. Essas bolas em movimentos são “sólidos piramidais”, pois são um sintoma da estrutura social rígida imóvel. A adição da palavra escrita parte do meu convívio com os garotos, insere uma camada de subjetividade, de individualidade, são códigos nativos, gíria-linguagem, que se projeta como voz diante da comum invisibilidade.”

 

Alexandre Mazza apresenta o trabalho “Na escuridão, a luz”, em que faz uma analogia entre o simbolismo da coruja – que para muitos povos simboliza mistério, inteligência, sabedoria, conhecimento e reflexão – e o artista, que pode cair em uma escuridão e vazio após todo o processo vivido para produção de uma exposição.

 

Lucas Simões exibe esculturas da série “White Lies”, em forma de coluna, feitas de concreto e pilhas de papel. As peças, organizadas em forma de grade, como se fossem pilares para um edifício imaginário em processo de construção ou demolição. O papel e o concreto parecem uma cascata em direção ao solo ou subindo para o céu num padrão regular, congelando o momento antes de cada pilar derrubar. Os elementos severos de concreto são inspirados pelo movimento pós-moderno, o Brutalismo, a arquitetura e contrastam bruscamente com o papel fino que os suporta.

 

A série “Space Poetry (Poesia Espacial), de Eduardo Kac, é uma edição em bordado inspirada na obra em papel “Telescópio Interior”, concebida especificamente para ser realizada no espaço, em gravidade zero. Os bordados “Space Poetry” foram emoldurados procurando transmitir a ideia de flutuação da obra original.

 

Já Fernando Lindote, comparece com a pintura “O Sismógrafo de Aby”, que apresenta a floresta polissêmica a partir da concepção não linear de Aby Warburg. A referência a Warburg se dá em vários níveis, desde a referência ao fígado de Piacenza quanto à efígie de Nietzsche ou a própria figura de Warburg. A escultura de Maria Martins aparece no mesmo sentido de permanência/imanência das imagens. A noção de pensador como sismógrafo aqui pode ser estendida as possibilidades do pintor e seu empenho/desejo de entender de modo mais intenso.

 

A obra “Máquinas mínimas”, de Gê Orthof também integram a mostra. A partir da admiração, de longa data, pelos poetas Francis Ponge e Murilo Mendes que nos apontam, em seus devaneios, para a potência imensurável das mínimas ações; máquinas mínimas criam diminutos arquipélagos de viagens que contrapõem culturas distintas geometrias improváveis e a potência de tesouros dos despossuídos. As assemblages, criadas a partir de postais descartados, nos provocam em reavaliar o sentido das viagens, seus registros e os instrumentos que parecem aferir nossas distraídas vulnerabilidades em tempos de complexas acelerações.

 

Fundada em 2011, o principal objetivo da Luciana Caravello Arte Contemporânea é reunir artistas com trajetórias, conceitos e poéticas variadas, refletindo assim o poder da diversidade na arte contemporânea. Evidenciando tanto artistas emergentes quanto estabelecidos desde seu período como marchand, Luciana Caravello procura agregar experimentações e técnicas em suportes diversos, sempre em busca do talento, sem discriminações de idade, nacionalidade ou gênero.

 

 

 

Até 26 de maio.

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O Bambuzal de Ronald Duarte

Artur Fidalgo Galeria, Copacabana, Rio de Janeiro, inaugurou a exposição “Ronald Duarte – Bambuzal”, com uma grande instalação composta por diversos bambus e 19 pinturas, que se relacionam com a instalação. Todos os trabalhos são inéditos e foram produzidos este ano especialmente para esta exposição.

 

Com curadoria de José Damasceno, a exposição é uma ocupação espacial da galeria a partir de um único material: o bambu. Por todo o espaço expositivo, o material distribui-se em diferentes formas, onde cria-se uma grande instalação com bambus que se organizam segundo o jogo entre ordem e desordem produzindo novos espaços. Deparamo-nos, então, com esse bambuzal inventado, esse bambuzal experimental. Espaço de liberdade e convívio. A escolha do material foi proposital: “Bambus vêm da ideia de resistência, que enverga, mas não quebra, como o momento atual que vivemos”, diz o artista.

 

Completa a mostra uma série de pinturas da série inédita “Bambuzal”, que faz parte de uma pesquisa que o artista vem desenvolvendo desde 2015, em que imprime o gesto através de um bastão oleoso sobre a tela, configurando energias das transversalidades e atravessamentos no espaço. As obras da série “Bambuzal” foram feitas utilizando bastão paint stick, dado de presente para o artista pelo escultor norte-americano Richard Serra, em 1997, quando realizou exposição no Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica, no Rio de Janeiro. Ronald Duarte foi assistente do artista nessa mostra e, após produzir os trabalhos com esse bastão oleoso, Serra o deu de presente para Ronald, que agora, mais de 20 anos depois, cria os desenhos em que representa bambus com esse mesmo bastão.

 

 

Sobre o artista

 

Ronald Duarte nasceu em Barra Mansa, RJ, 1963. Vive e trabalha no Rio de Janeiro é mestre em História da Arte com habilitação em Linguagens Visuais pela UFRJ. Nos últimos 20 anos participou de importantes exposições e eventos culturais no Brasil e no Mundo. Faz sua primeira individual em 1999 no IBEU de Copacabana, Rio de Janeiro, RJ, em seguida em 2000 expõe no Museu Nacional de Belas Artes, Rio de Janeiro, RJ; em 2001 e 2002 ganha o Prêmio Interferências Urbanas em Santa Teresa, Rio de Janeiro, RJ, com os trabalhos “O Que Rola Vc Vê” e “Fogo Cruzado”; em 2004 ganha da Funarte o Prêmio Projéteis em Arte Contemporânea e realiza pela primeira vez o “Nimbo//Oxalá”; em 2005 apresenta o “Fumacê do Descarrego” no Ano do Brasil na França no evento Nuit Blanche em Paris, França; em 2006 ganha o Prêmio Marcantonio Vilaça – Funarte com a série de vídeo “Guerra é Guerra”; em 2007 interfere no Museu Imperial de Petrópolis, RJ com o trabalho “Funk da Coroa Imperial” “O Museu como lugar”, Petrópolis, RJ; em 2008 ganha o Prêmio Iberê Camargo, apresentando a Performance “Alvo Fácil” na Cidade do Porto, Portugal, Fundação Serralves, Portugal; em 2009 convidado a participar da 10ª Bienal de Havana, Cuba com o trabalho “Nimbo//Oxalá”, que será apresentado também na 2ª Bienal do Fim do Mundo, Ushuaia, Patagônia, Argentina; no mesmo ano propõe uma guerra civil em Paint Ball no Museu Het Domain, Sittard, Holanda. Em 2010 participa como convidado da 29ª Bienal de São Paulo, SP, e participa da exposição Afro-Modern na Tate Galery, Liverpool, Reino Unido, essa mesma mostra foi para o Centro Galego de Arte Contemporânea, Santiago de Compostela, Espanha; em 2011 ganha o Prêmio da Secretaria de Cultura do Rio de Janeiro, RJ, apresenta o trabalho “Peito de Aço” é convidado pra fazer a Abertura da Art Basel, Miami, EUA e em seguida representa o Brasil na Europália, Bélgica, no mesmo ano participa da 4ª Bienal de Porto Santo, no arquipélago da Madeira, Portugal, apresentando o trabalho “O Brilho dos Olhos”; em 2012, Ano do Brasil em Portugal, é convidado como curador e artista no projeto “Tranza Atlântica” em Guimarães, Portugal, Capital Cultural Européia; em 2013 é convidado a participar da Feira do livro de Frankfurt no Ano do Brasil na Alemanha; em 2014 apresenta “Matadouro/Boiada de Ouro”, no Neuen Berliner Kunstverein, Berlim, Alemanha. Ronald participa do Festival de Arte de Accíon, em Cuenca, Equador, no ano de 2015, construindo um espiral de brasas: “Ancestral”. Em 2016, com a ação “Tapete para Encantados” e “Ferramenta de Exu” compõe a exposição ORIXÁS, na Casa França-Brasil, RJ. No ano de 2017, em parceria com o Coletivo Carne e Lourival Cuquinha, acionam o “EIXU DA TERRA”, resultado de uma das oficinas do evento Criaturas Urbanas, Recife-PE. No mesmo ano faz a “Boiada de Ouro”, no centro de Nova Friburgo e a instalação “Boiada do Chico”, na galeria KM7.

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Até 17 de maio.
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Itinerante de Portinari

Após passar por Recife, Salvador e Curitiba e ser vista por um público em torno de 50 mil pessoas, chega ao Rio a exposição inédita “Portinari – A construção de uma obra” na CAIXA Cultural, Centro. Com entrada franca, a exposição poderá ser visitada de terça-feira a domingo, das 10h às 21h. Na abertura oficial para convidados, que acontece dia 02 de maio, às 19h, os frequentadores do espaço terão a chance de participar de uma visita guiada com o curador Luiz Fernando Dannemann. O projeto tem patrocínio da Caixa Econômica Federal e do Governo Federal.

 

A mostra reúne cerca de 70estudos, pinturas e obras do pintor, muralista e desenhista, que conquistou reconhecimento internacional retratando o cotidiano do país e a desigualdade social, com atualidade surpreendente. Também fazem parte da montagem 12 esculturas criadas pelo artista plástico Sérgio Campos, que reproduzem personagens de importantes obras de Portinari.

 

Segundo Dannemann, os trabalhos reunidos mostram o processo criativo do artista, ilustrando sua trajetória. “É uma exposição específica da construção da obra de Portinari, que mostra estudos, esboços e desenhos de grandes obras do artista”, comenta o curador. “São pedaços preciosos de um artista singular, de quem buscou originalidade na própria poesia do homem”. Entre eles, há estudos para o painel Guerra e Paz, que Portinari criou para a sede da ONU, em Nova York, entre 1952 e 1956.

 

Um dos grandes temas da obra do artista é a desigualdade social, revelada no registro do cotidiano, como em “Grupo com homem doente” e “Menino morto”, por exemplo. “Portinari era um ‘cronista’ que, ao invés de escrever, pintava as desigualdades, as efemérides”, diz o curador. “Os Retirantes” é a realidade do Brasil, pessoas que iam para as grandes cidades buscando melhores oportunidades. E muitas dessas obras continuam atuais, a crítica, a crônica, porque ainda vivemos em um país de desigualdade social”.

 

 

Esculturas

 

As esculturas de Sergio Campos contracenam com as obras de Portinari na mostra. Campos finalizou o planejamento do próprio artista plástico, que queria transformar suas figuras em esculturas. O Rio de Janeiro recebe 12 trabalhos, revelando uma tridimensionalidade da visão de Portinari. “Ele pretendia eternizar alguns de seus personagens em bronze. Como morreu prematuramente, aos 59 anos, não conseguiu concluir este projeto”, explica Dannemann. “Sergio Campos, membro da família do pintor, decidiu finalizar a ideia, criando esculturas fidedignas em cada detalhe”.

 

 

Sobre os artistas 

 

Portinari nasceu em 30 de dezembro de 1903, em Brodowski, interior de São Paulo. Filho de imigrantes italianos, teve uma infância humilde e recebeu apenas a instrução primária. Desde criança manifestou sua vocação artística, começando a pintar aos nove anos. Estudou na Escola de Belas-Artes do Rio de Janeiro e visitou países como a França e a Itália, onde concluiu os estudos. Em 1935 recebeu em Nova York um prêmio por sua obra “Café”, que o projetou para o mundo. Faleceu em 1962, tendo como causa aparente uma intoxicação causada por química presente nas tintas.

 

Sergio Campos – Desenhista, pintor e escultor, é formado pela Escola de Belas Artes da UFMG. Criou técnica para construção de esculturas em aço e cobre e executou monumentos públicos de grande porte. Estudou pintura mural e escultura em bronze com o italiano Franco Cerri. Seus desenhos, desde os primeiros, tem uma alta tensão de músculos retesados, de veias saltando, um quê de flerte com os personagens de Portinari.

 

 

 

De 02 de maio a 1º de julho.

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Laura Vinci em Porto Alegre

25/abr

O Instituto Ling, Porto Alegre, RS,  apresenta a exposição “Todas as Graças”, da artista paulista Laura Vinci. Com curadoria de Virginia Aita, “Todas as Graças” é uma instalação concebida especialmente para a galeria do Instituto Ling, com peças das séries “Graças”, “Pins” e “Mundos”, produzidas entre 2015 e 2018, em que a artista trabalha com materiais como latão (banhado a ouro e prata) e vidro borosilicato. São 21 peças da série “Graças”, quatro peças da série “Mundos” e “180 Pins”, dispostas no solo e paredes, em conjuntos que se relacionam entre si e preenchem de forma harmônica o espaço da galeria.

 

Conhecida do público portoalegrense por suas participações na Bienal do Mercosul (1999, 2005, 2009 e 2015), Laura Vinci é escultora e artista intermídia, com atuação em cenografia teatral. A artista se interessa, principalmente, pelo espaço e suas possíveis configurações. Com sua narrativa particular, poética e política em torno do corpo, do espaço e do efêmero, seus trabalhos são intervenções que provocam mudanças no ambiente, muitas vezes diante dos olhos do espectador. Laura Vinci investiga diferentes materiais, explorando suas diversas propriedades e seus potenciais de transformação visível, como nas passagens de estado (como mármore, pó e vidro, ou água, gelo e vapor) ou nas metamorfoses desses materiais.

 

Desde o final dos anos noventa, Laura também se dedica ao teatro, fazendo cenografia e direção de arte. Em 1998 fez “Cacilda!”, com o diretor Mundana Companhia, “O Duelo”, uma adaptação teatral da novela de Anton Tchekhov.

 

Suas obras fazem parte dos acervos da Pinacoteca do Estado de São Paulo, Inhotim, Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo e do Museu Nacional de Belas Artes do Rio de Janeiro.

 

Segundo diz, em seu texto de apresentação, a curadora Virginia Aita, “a instalação Todas as Graças é um recorte peculiar na sua produção: mais intimista, solicita uma ‘escuta’ sutil das formas, que se coagulam num desenho despojado, pontuando elegantemente um silêncio aparente. Condensações de espaço e tempo, essas esculturas funcionam num conjunto dinâmico”.

 

A exposição é organizada pelo Instituto Ling com patrocínio da Crown Embalagens e realização do Ministério da Cultura / Governo Federal.

 

 

Até 21 de julho

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