Arquivos da Categoria: Arte Contemporânea

Arte latino-americana na Pinacoteca

24/ago

A Pinacoteca de São Paulo, apresenta a grande exposição coletiva “Mulheres radicais: arte latino-americana, 1960-1985”. A mostra tem curadoria da historiadora de arte e curadora venezuelana britânica Cecilia Fajardo-Hill e da pesquisadora ítaloargentina Andrea Giunta e é a primeira na história a levar ao público um significativo mapeamento das práticas artísticas experimentais realizadas por artistas latinas e a sua influência na produção internacional. Quinze países estarão representados por cerca de 120 artistas, reunindo mais de 280 trabalhos em fotografia, vídeo, pintura e outros suportes. A apresentação na capital paulista encerra a itinerância e conta com a colaboração de Valéria Piccoli, curadora-chefe da Pinacoteca.

 

 

Mulheres radicais aborda uma lacuna na história da arte ao dar visibilidade à surpreendente produção, realizada entre 1960 e 1985, dessas mulheres residentes em países da América Latina, além de latinas e chicanas nascidas nos Estados Unidos. Entre elas, constam na mostra algumas das artistas mais influentes do século XX – como Lygia Pape, Cecilia Vicuña, Ana Mendieta, Anna Maria Maiolino, Beatriz Gonzalez e Marta Minujín – ao lado de nomes menos conhecidos – como a artista mexicana Maria Eugenia Chellet, a escultora colombiana Feliza Bursztyn e as brasileiras Leticia Parente, uma das pioneiras da vídeoarte, e Teresinha Soares, escultora e pintora mineira que vem recebendo atenção internacional recentemente.

 

 

O recorte cronológico da coletiva é tido como decisivo tanto na história da América Latina, como na construção da arte contemporânea e nas transformações acerca da representação simbólica e figurativa do corpo feminino. Durante esse período, as artistas pioneiras partiram da noção do corpo como um campo político e embarcaram em investigações radicais e poéticas para desafiar as classificações dominantes e os cânones da arte estabelecida. “Essa nova abordagem instituiu uma pesquisa sobre o corpo como redescoberta do sujeito, algo que, mais tarde, viríamos a entender como uma mudança radical na iconografia do corpo”, contam as curadoras. Essas pesquisas, segundo elas, acabaram por favorecer o surgimento de novas veredas nos campos da fotografia, da pintura, da performance, do vídeo e da arte conceitual.

 

 

A abordagem das artistas latino-americanas foi uma forma de enfrentar a densa atmosfera política e social de um período fortemente marcado pelo poder patriarcal (nos Estados Unidos) e pelas atrocidades das ditaduras apoiadas por aquele país (na América Central e do Sul), que reprimiram esses corpos, sobretudo os das mulheres, resultando em trabalhos que denunciavam a violência social, cultural e política da época. “As vidas e as obras dessas artistas estão imbricadas com as experiências da ditadura, do aprisionamento, do exílio, tortura, violência, censura e repressão, mas também com a emergência de uma nova sensibilidade”, conta Fajardo-Hill.

 

 

Para Giunta, tópicos como o poético e o político são explorados, na exposição, “em autorretratos, na relação entre corpo e paisagem, no mapeamento do corpo e suas inscrições sociais, nas referências ao erotismo, ao poder das palavras e ao corpo performático, a resistência à dominação; feminismos e lugares sociais”. E complementa: “Estes temas atravessaram fronteiras, surgindo em obras de artistas que vinham trabalhando em condições culturais muito diferentes”. Não à toa, a mostra é estruturada no espaço expositivo em torno de temas em vez de categorias geográficas.

 

 

A curadora da Pinacoteca, Valéria Piccoli, destaca a importância da representatividade das brasileiras dentro da mostra: “além dos nomes que participaram das exposições no Hammer e no Brooklyn Museum, também vamos incluir obras de Wilma Martins, Yolanda Freyre, Maria do Carmo Secco e Nelly Gutmacher na apresentação em São Paulo”, revela.

 

 

A América Latina conserva uma forte história de militância feminista que – com exceção do México e alguns casos isolados em outros países nas décadas de 1970 e 1980 – não foi amplamente refletida nas artes. Mulheres radicais propõe consolidar, internacionalmente, esse patrimônio estético criado por mulheres que partiram do próprio corpo para aludir – de maneira indireta, encoberta ou explícita – as distintas dimensões da existência feminina. Para tanto, as curadoras vêm realizando uma intensa pesquisa, desde 2010, que inclui viagens, entrevistas, análise de publicações nas bibliotecas da Getty Foundation, da University of Texas entre diversas outras.

 

 

O argumento central da exposição mostra que, embora boa parte dessas artistas tenham sido figuras decisivas para a expansão e diversificação da expressão artística em nosso continente, ainda assim não haviam recebido o devido reconhecimento. “A exposição surgiu de nossa convicção comum de que o vasto conjunto de obras produzidas por artistas latino-americanas e latinas tem sido marginalizado e abafado por uma história da arte dominante, canônica e patriarcal”, definem as curadoras.

 

 

Segundo o diretor da Pinacoteca, Jochen Volz, “foram, principalmente, artistas mulheres as pioneiras que experimentaram novas formas de expressão, como performance e vídeo, entre outras. Assim, a itinerância da mostra Mulheres radicais para o Brasil é de grande relevância para a pesquisa contemporânea artística e acadêmica e o público em pauta ampla e ao mesmo tempo urgente. Entretanto, ainda há muito geral”. Esse rico conjunto de trabalhos, bem como os arquivos de pesquisa, coletados para a concepção da exposição, chegam finalmente ao público paulista, contribuindo para abrir novos caminhos investigativos e entendimentos acerca da história latino-americana. ”O tópico agora faz parte de uma trabalho a ser feito e temos plena consciência de que este é apenas o começo”, finalizam as curadoras.

 

 

Mulheres radicais: arte latino-americana, 1960-1985 é organizada pelo Hammer Museum, Los Angeles, como parte da Pacific Standard Time: LA/LA, uma iniciativa da Getty em parceria com outras instituições do Sul da Califórnia e teve curadoria das convidadas Cecilia Fajardo-Hill e Andrea Giunta. Mulheres radicais será complementada com um catálogo que inclui as biografias das mais de 120 artistas e mais de 200 imagens de obras da mostra além de outras de referência documental, ampliando o panorama deste mapeamento para além da exposição. A publicação original é a primeira a reunir uma extensa pesquisa sobre o tema e sua versão portuguesa editada pela Pinacoteca de São Paulo é a primeira a tornar este conteúdo acessível aos leitores da América Latina. Diferentemente da mostra, o catálogo é organizado por países acompanhados de ensaios de Fajardo-Hill e Giunta, assim como outros dez autores, como a curadora-chefe do Hammer Museum, Connie Butler, e a guatemalteca Rosina Cazali.

 

 

 

Até 19 de novembro.

Legendas: Josely Carvalho

                  Lenora de Barros

                  Marie Orensanz

                  Sandra Eleta   

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Cesar Oiticica Filho no MAMRio

22/ago

O Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro inaugura no próximo dia 1º de setembro de 2018, das 15h às 18h, a exposição “Metaimagens”, com aproximadamente quinze trabalhos inéditos de Cesar Oiticica Filho, um desdobramento de sua investigação poética sobre o fim da fotografia na era digital. Nesta mostra, o artista associa a destruição parcial de seu trabalho e equipamento em 2009 – ocorrida no incêndio do Projeto Hélio Oiticica, do qual é o curador – à substituição da imagem fotográfica pela digital, abordada nos diferentes núcleos que formam a exposição. “Há dez anos eu já estava discutindo do fim da fotografia, e com o incêndio, objetiva e literalmente, isso ocorreu”, comenta o artista. As fotos “derretidas” viraram “outra coisa”. A exposição traz outra reflexão, a de que a digitalização da fotografia cria sua transformação em “imagem”, “manipulada e banal, onde perde a credibilidade”. Em trabalhos anteriores, Cesar Oiticica Filho havia experimentado a mídia fotográfica colorida “… até o esgotamento das possibilidades e do material, cortando a emulsão com a luz, usando feixes de luz muito fortes como laser e lanternas de alta potência direto no papel fotográfico”.

 

Nesses novos trabalhos, o artista articula – a partir da destruição pelo fogo do seu próprio trabalho e equipamento – a transformação da fotografia em imagem digital e os desdobramentos desse meio em pintura, cinema, realidade virtual e objetos, onde ganha materialidade. “Essa vocação transmidiática do artista permitiu o atravessamento generalizado dos diversos campos em que a produção visual era segmentada em áreas autônomas (como vídeo, fotografia, filme, publicações e pinturas)”, acentua o curador Fernando Cocchiarale. A obra central da exposição, “Núcleo Metaimagético” (2018), é uma grande instalação composta por uma série de lâmpadas cercadas por dezenas de imagens dos negativos e cópias danificadas pelo fogo, “… formando em torno da luz um núcleo que representa o final da imagem fotográfica e o início de uma série de possibilidades, mostradas nas demais obras da exposição”, comenta o artista. Outro grupo de trabalhos é o constituído pela série “Metaimagem” (2018), com quatro impressões em tela das fotos danificadas pelo incêndio, que ganham intervenções de pintura sobre as partes derretidas, e têm dimensões de 82cm x 51,5cm cada uma.

 

 

Trilogia “Brasil 2016” 

 

Na parte direita do foyer, que dá para o Pão de Açúcar, o público verá a trilogia “Brasil 2016” (2016), um conjunto de três jarros de vidro, os transobjetos,com aproximadamente 20cm de diâmetro e 30cm de altura cada um, em que o artista discute as questões do país de forma poética. “Talvez sejam as obras de significado mais óbvio na exposição”, observa ele. O primeiro contém uma porção de grãos de feijão contornada por grãos de arroz. O segundotraz uma vela de gel acesa sobre água, e o terceiro dois óleos de diferentes densidades e cores, de soja e de dendê, disputam o espaço. Na parede do fundo do foyer, serão projetadas as obras mais próximas do cinema, animação e vídeo, como o filme performance “É Tudo Verdade” (2003), originalmente em Super 8 depois transferido para digital, “Para os seus olhos somente” (2018, 8’), e “A Dança da Luz” (2003), um filme in progress, feito a partir da primeira versão da obra “Caixa de Dança”, apresentada na exposição individual “A Dança da Luz”, no Museu Nacional de Belas Artes, em 2003..

 

 

Realidade Virtual

 

Explorando a técnica da realidade virtual, “que coloca a pessoa dentro da imagem”, Cesar Oiticica Filho propõe em “Rolezinho” (2017, filme 360º, com smartphone, óculos de realidade virtual e headphones) um “delírio deambulatório” como os de Hélio Oiticica (1937-1980), em um alucinante deslocamento por skate pelas ruas de Nova York. No final do percurso expositivo, o artista propõe o visitante a “parar, fechar os olhos e se deitar para se voltar ao corpo, ao aqui e agora, despertando outros sentidos adormecidos pela enxurrada de imagens recebidas”. Isto poderá ser feito na instalação sensorial “SolAr” (2018), em que uma lâmpada de luz forte age simultaneamente a um ventilador, de modo a ativar a sensação de frio/calor, como um “antídoto para não ser engolido pela ditadura da imagem, que nos chegam em grande volume diariamente”.

 

 

 Sobre o artista

 

CESAR OITICICA FILHO nasceu em 1968, Rio de Janeiro, RJ. Foi criado em Manaus até os 18 anos, quando voltou à cidade natal. Retornou diversas vezes a Manaus, e fixou definitivamente residência no Rio em 1997, quando assumiu a curadoria do Projeto Hélio Oiticica. Formou-se em Comunicação Social em 1992, pela Faculdade da Cidade, e cursou cinema na New York Film Academy, em Londres, em 2007. Aos treze anos fez o seu primeiro curso de fotografia em Manaus. Aos dezesseis anos de idade integrava o catálogo da 1ª Fotonorte, mostra nacional feita pela FUNARTE com os principais fotógrafos da região norte do país. Sua primeira exposição individual foi no Teatro Amazonas, em Manaus em 1996. Trabalha com cinema, e arte contemporânea. Inventou uma nova técnica que transita entre a pintura e a fotografia, apresentada em 2003 na exposição “A Dança da Luz”, no Museu Nacional de Belas Artes. É há 17 anos curador do Projeto Hélio Oiticica. Entre seus principais trabalhos estão as curadorias de “Rhodislandia”, na OM_Art, no Jóquei Clube de Rio de Janeiro, em 2018, e de “José Oiticica Filho”, junto com Carlo Cirenza, no MIS de São Paulo, em 2018. Em 2015 participou da XII Bienal de Havana, e em 2014 de “Brasil x Brasil”, no Museu de Artes Aplicadas, em Frankfurt, Alemanha. Em 2013, participou da Bienal de Moving Image B3, em Frankfurt, Alemanha, onde ministra uma master class. Em 2011 realiza o filme “Museu é o Mundo” (Brasil, 2011, 12’), um making off da exposição “Museu é o Mundo”, de que foi curador, junto com Fernando Cocchiarale, uma retrospectiva de Hélio Oiticica, que percorreu em 2010 quatro cidades no Brasil e ganhou o Prêmio ABCA. Em 2011 também mostra seus trabalhos inéditos em “Quântica”, no Centro Cultural da Justiça Federal, Rio de Janeiro. Em 2008, faz o curta “Invenção da Cor” (Brasil, 2008, 7’), sobre o “Penetrável Magic Square 5”, de Hélio Oiticica, no Instituto Cultural Inhotim, em Minas Gerais. Em 2007 realiza a ação “É Tudo Verdade”, com Carlo Cirenza, no Rio de Janeiro, saindo ao mar com uma jangada que traz impressa na vela a imagem de Pelé. No mesmo ano, cursa cinema na New York Film Academy, em Londres. Em 2006, participa do Arte Pará, selecionado por Paulo Herkenhoff, com o trabalho “Pintura Quântica”. Em 2005 foi apontado pela revista “Photo” francesa como uma das revelações da nova geração de fotógrafos brasileiros, com o trabalho “Mulheres luz”.

 

 

Até 11 de novembro.

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Herança e Futuro, 22 fotógrafos

Pelo terceiro ano consecutivo, o Instituto de Pesquisa e Memória Pretos Novos, Gamboa, Rio de Janeiro, RJ, realiza em sua galeria, uma exposição com a chancela do FotoRio, o mais importante festival de fotografia da cidade. Nesta edição, foi feita uma convocatória pública dirigida aos fotógrafos afro-brasileiros de todo o país, com o objetivo de reunir o que tem de mais recente na produção nacional, ainda que neste grupo estivessem veteranos e novatos. Foram selecionados vinte e dois trabalhos, pela comissão formada pela organização do FotoRio e os três curadores da exposição.

 

 

A palavra do curador Marco Antonio Teobaldo

 

A diversidade de linguagens e temas apresentados nesta mostra reflete claramente quão vasto é o território percorrido por estes artistas, embora algumas das dificuldades sejam comuns a todos, em se tratando do espaço destinado à arte afro-brasileira nos centros culturais e galerias. Neste sentido, muitas alternativas vêm surgindo para suprir esta demanda e quebrar a barreira, sobretudo no âmbito do meio digital, por meio das redes sociais, evidenciando que a produção artística afro-brasiliera reivindica o seu “lugar de fala”. O recorte proposto para esta mostra, “Herança e Futuro”, trouxe de uma forma muito surpreendente obras com forte reverência às raízes africanas e ancestralidade, nos campos do registro documental e também na experimentação de ensaios. As imagens evocam temas emergentes e necessários para serem debatidos, como as diversas formas de racismo que ainda insistem em se manifestar, violência contra o jovem negro, misoginia, homofobia e exclusão social, que clamam por uma sociedade menos desigual, com o futuro mais digno e justo.

 

 

Até 15 de setembro.

 

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Retrospectiva de Irving Penn

21/ago

A retrospectiva em homenagem aos 100 anos de nascimento do fotógrafo norte-americano Irving Penn encontra-se em exibição nas galerias 2 e 3 do IMS Paulista. O acervo consta com mais de 230 fotografias concebidas ao longo de quase 70 anos de carreira, além de cerca de 20 periódicos. Igualmente em exibição suas fotografias de alta-costura, trabalhos iniciais em Nova York, América do Sul e México, retratos de povos indígenas de Cuzco, no Peru, e retratos de figuras como Audrey Hapburn, Truman Capote, Picasso, Joan Didion, Lisa Fonssangrives-Penn, 

 

O conjunto evidencia a ampla variação temática de Irving Penn (1917-2009), que, além de trabalhos inovadores no campo da moda, produziu retratos, naturezas-mortas, nus femininos, peças publicitárias, entre outras obras. A curadoria é de Maria Morris Hambourg, curadora independente, e de Jeff L. Rosenheim, curador do departamento de fotografia do Met.

 

Além do museu nova-iorquino, a retrospectiva passou pelo Grand Palais, em Paris, e pelo C/O Berlin. No centro cultural paulistano, as obras ocuparão dois andares e serão divididas em 12 eixos temáticos. Em cada seção, a curadoria destacará o processo de experimentação que permeia a produção do artista. Ao fotografar, Penn dedicava grande atenção aos detalhes, preferindo trabalhar no estúdio, onde se sentia mais confortável para criar.

 

Na sala inicial, serão exibidos os primeiros trabalhos de Penn, incluindo imagens coloridas de natureza-morta feitas para a revista “Vogue”. Segundo o fotógrafo, esses objetos eram “seguros e fáceis de controlar”, sendo um primeiro passo rumo à produção de retratos.

Em 1947, sob encomenda da “Vogue”, Penn começou a fotografar intelectuais que viviam em Nova York. Esses retratos, presentes na segunda sala da mostra, foram feitos em um cenário pouco convencional: um canto estreito, formado entre dois tapumes. Acuados nesse pequeno espaço, os modelos hesitavam, mas Penn os estimulava a improvisar, “sabendo que acabariam se revelando ao tentarem acomodar seus corpos, egos e expectativas à estrutura”, como afirma Maria Hambourg. Nessa famosa série, o fotógrafo retratou nomes como Igor Stravinsky, Marcel Duchamp, Alfred Hitchcock e Truman Capote.

 

Ao longo de sua carreira, Penn também registrou pessoas comuns. Em 1948, viajou ao Peru para realizar um ensaio de moda. Encerrado o trabalho, permaneceu no país e começou a fotografar os habitantes de Cusco em um estúdio alugado. São registros de mães carregando seus filhos, vendedores ambulantes, entre outros moradores da região. As fotos de Cusco dialogam com a série “Pequenos ofícios”, realizada em 1950 e 1951. Padeiros, carteiros, peixeiros e bombeiros posaram diante das lentes do fotógrafo, compondo um panorama dos trabalhadores de Paris, Londres e Nova York.

 

Outro destaque da retrospectiva é o conjunto de fotografias de moda. Em 1950, Penn registrou a alta-costura parisiense em imagens simples, que dispensavam os cenários grandiosos. “Os trajes eram apresentados com um intenso respeito por suas qualidades de corte, linha, textura, detalhe, e o mesmo respeito era dado à graciosidade e à personalidade das modelos”, afirma Philippe Garner em texto do catálogo. Nas famosas fotos da coleção de outono de 1950, também se destaca a presença de Lisa Fonssagrives, modelo experiente e ex-bailarina, com quem Penn viria a se casar.

 

Para conceber a série, Penn adotou como fundo uma antiga cortina de teatro que, estendida no chão e encurvada na vertical, gerava uma ambientação neutra. Ele gostou tanto das cortinas que passou a utilizá-las em inúmeros trabalhos, inclusive nos retratos quadrados de artistas e escritores, que realizou entre 1948 e 1962. Mais uma marca da produção de Penn, o fundo original será exibido na mostra no IMS.

 

Embora amplamente inserido na indústria da moda, o fotógrafo também criou obras que questionavam os padrões de beleza. Em sua série de nus femininos (1949-1950), ele voltou ao tema clássico da pintura, retratando o corpo como forma. Nas imagens, que na época foram mal recebidas, prevalecem os corpos de grandes medidas, representados de forma quase abstrata. Outro aspecto que chama atenção é a textura granular das imagens, com efeitos de distorção que se afastam de uma fotografia realista.

 

A mostra exibirá também a famosa série “Cigarros” (1972). Impressas em platina e paládio, as fotos mostram bitucas de cigarro, coletadas das ruas e fotografadas no estúdio. Penn retrata a sujeira da rua, que invariavelmente era banida das páginas das revistas. Esse olhar para os elementos do cotidiano, os signos do mundo real, era constante em sua produção, como evidencia Hambourg: “Penn reconhecia a poesia do detrito, genericamente como uma evidência refratada do estado do mundo, e intimamente como uma janela para outras vidas individuais. Ele recolhia o que encontrava nas ruas, literalmente, com uma câmera”.

 

Em sua busca por novas formas de representação, o fotógrafo viajou pelo mundo, produzindo uma série de retratos etnográficos. Realizadas entre 1967 e 1971, as imagens aparecem pela primeira vez na Vogue, em cores. Os retratos foram tirados na Papua-Nova Guiné, no Marrocos e no Benin. Durante as viagens, Penn carregava uma grande tenda, que montava para cada sessão de fotos, deslocando os habitantes de sua paisagem natural.

Entre outras obras, a retrospectiva também reunirá diversas edições da Vogue, exibidas em vitrines. Haverá ainda um cenário de canto, similar ao utilizado por Penn em seus retratos.

 

A exposição, que ficará em cartaz até 18 de novembro, é organizada pelo The Metropolitan Museum of Art, em colaboração com a Fundação Irving Penn. A itinerância internacional foi possível graças ao apoio da Terra Foundation for The American Art. 

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Novo espaço no Jardim Botânico

20/ago

Uma galeria de arte contemporânea que, através de ideias e formatos inovadores, contribui para uma nova forma de fazer e pensar arte e para estabelecer um novo conceito de coleções. Hoje representante de jovens artistas que integram em seus currículos exposições nacionais e internacionais, residência artística em renomadas instituições e obras em importantes coleções no Brasil e no mundo. Essa é a C. galeria, de múltiplas linguagens, que surgiu com discrição no Rio em meados do ano de 2016 e que no próximo dia 25 de agosto abre as portas de seu novo espaço na cidade. Em uma charmosa casa da década de 50 no bairro do Jardim Botânico, mais precisamente na Rua Visconde de Carandaí, a C.galeria será palco para pinturas, fotografias, esculturas e desenhos, que poderão serão vistos em “Primeiro Ato”, mostra coletiva que reunirá 15 obras inéditas em diferentes suportes dos 8 artistas representados.

 

Logo em seguida, a galeria inaugura sua primeira individual no espaço. Curada por Raphael Fonseca, a mostra será da artista carioca Eloá Carvalho que apresentará pinturas, desenhos e uma obra sonora. Eloá Carvalho recentemente realizou uma individual no MAM Rio e essa será sua primeira mostra depois da apresentada no Museu. Ainda para o ano de 2018, a C. exibe a individual doartista Paulo Setúbal , indicado ao prêmio PIPA e que participa da residência PIVÔ em São Paulo, onde na SPArte de 2018 participou do setor de perfomances a convite de Paula Garcia, curadora do Instituto Marina Abramovic.

 

Dirigida pela carioca Camila Tomé – uma das galeristas fundadoras da extinta Muv Gallery, aberta em 2012, dedicada à arte contemporânea -, a C.galeria, que até então tinha sede em Ipanema desde que foi inaugurada em 2016, com toda experiência e trajetória no mercado da arte, vem contando com um programa de exposições que ocupa atualmente o circuito das Artes Visuais no Rio de Janeiro, fomentando cultura e incrementando novas e tradicionais coleções de arte com mostras de artistas representados e convidados.

 

 

Até 06 de setembro.

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Tobinaga em roupagem pop

16/ago

A vida é bem mais feliz no Instagram e Facebook e todos sabem disso. Partindo dessa cultura de exposição em redes sociais, o artista Claudio Tobinaga apresenta sua primeira individual “Colapsos”, na galeria Simone Cadinelli Arte Contemporânea, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ. Com curadoria de Cezar Bartholomeu, a exposição reúne cerca de 30 pinturas em pequenos e grandes formatos, inspiradas em fotografias coletadas da internet e pautadas no subúrbio carioca. Neste cenário, as fotos se transformam em uma mise-en-scène, explorando uma narrativa quase cinematográfica. A atmosfera do ordinário toma contornos de um existencialismo barato, com uma superfície que seduz e ao mesmo tempo engana. As imagens ganham um novo significado aberto a diversas interpretações, com uma roupagem bastante pop.

 

“Gosto de olhar a relação midiática existente nesse contexto. As pessoas passaram a produzir suas próprias fotos como uma capa de revista, como se fossem celebridades. É uma exposição ‘fake’, uma relação de construção de mito, de imagem”, analisa Tobinaga.

 

O artista utiliza signos que colocam o espectador nas situações retratadas nas telas, cheias de iconografias de lugar e elementos pop. A intenção é “colapsar” estes elementos presentes nas obras com a relação que o espectador tem com a imagem, eliminando estereótipos. “As imagens se deformam porque quero tangenciar esse lugar que é, ao mesmo tempo, muito próximo e muito distante. A pintura tenta olhar para a imagem que vai se desfazendo enquanto forma e cor”, explica.

 

Segundo o curador Cezar Bartholomeu, o título da exposição se refere a uma tentativa de desarticular o que Tobinaga entende como uma sucessão de imagens. Para o artista, as imagens digitais e analógicas configuram um espaço e uma velocidade. Assim, há um colapso no sentido estrutural e, também, temporal.

 

“Quando as imagens se encontram sem que possam se encontrar, até certo ponto, entram em um colapso que permite que a pintura aconteça. É o que sustenta a pintura. Na obra ‘Encruzilhada’ por exemplo, o colapso da estrutura das imagens faz parte de um sacrifício de fé para que a pintura passe a existir”, avalia Bartholomeu.

 

“Há uma parte da arte que acredita que o fato de tematizar mídias digitais é o suficiente para que a obra de arte seja contemporânea. O contemporâneo em arte é mais complexo que isso. Diria que é mais do que simplesmente se apropriar do contemporâneo nas mídias digitais como uma imagem. É preciso lidar, de fato, com essa imagem”, completa o curador, que conheceu o trabalho do artista na Escola de Belas Artes da UFRJ.

 

 

Sobre o artista

 

Formado na Escola de Música Villa Lobos (UFRJ), frequentou diversos cursos na Escola de Artes Visuais do Parque Lage e foi monitor de modelo vivo (EBA-UFRJ) e desenho de observação (Parque Lage – EAV) junto ao professor Frederico Carvalho. Desde 2012 é assistente no Ateliê da artista Lucia Laguna. Atualmente tem se dedicado a livre docência em pintura e desenho. Participou das exposições coletivas “Visão de emergência” na Luhda Gallery (Rio de janeiro, 2014) e “Territórios” no Centro de Arte Hélio Oiticica (Rio de Janeiro, 2013) e do Kassel Documentary Film and Video Festival (Kassel, 2011).

 

 

Sobre o curador

 

Vive e trabalha no Rio de Janeiro. É artista plástico e doutor em linguagens visuais pela UFRJ (Rio de Janeiro) / EHESS (Paris) nas áreas de Teoria e História da Fotografia. Trabalha prioritariamente as relações entre fotografia e arte, em particular fotografia contemporânea e conceitualismo. É professor do Departamento de História da Arte da Escola de Belas Artes da UFRJ (Rio de Janeiro), na área de Teoria da Imagem.

 

 

Até 03 de outubro.

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A Caixa Preta na FIC

15/ago

Entre os dias 18 de agosto a 14 de outubro, a Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre, RS, apresenta a exposição “Caixa Preta”. Com curadoria de Bernardo José de Souza, Eduardo Sterzi, Fernanda Brenner e Verônica Stigger, a coletiva traz obras de 40 artistas – entre fotógrafos, poetas, arquitetos, cineastas e artistas visuais – como Augusto de Campos, Júlio Plaza, Carlos Fajardo, Eliseu Visconti, Chelpa Ferro, Iberê Camargo, Manabu Mabe, Mauro Restiffe, Nuno Ramos, Oscar Niemayer e Waltercio Caldas. Usando como metáfora a caixa-preta dos aviões – que registram importantes informações que antecedem um momento crítico, ao mesmo tempo em que guardam outras informações banais -, a exposição reflete sobre a relação entre arte e mundo, entre algumas obras de arte e o atual momento político do país e do mundo, mas também entre essas obras e o sistema das artes. Dessa forma, a exposição reúne “caixas-pretas” muito singulares, a serem localizadas, abertas, interpretadas e reinterpretadas. Os curadores pesquisaram e investigaram diversas coleções e acervos, públicos, privados e pessoais, na busca por elementos sem visibilidade, de interesse relativo ou simplesmente esquecidos, no intuito de aprofundar questões presentes nas muitas “caixas-pretas” com as quais convivemos, sejam elas de teor histórico, acadêmico ou artístico.

 

A exposição vai contar com uma série de atividades paralelas, como Seminário Sobre acidentes e caixas pretas do passado, do presente e do futuro, em que em que historiadores, engenheiros, filósofos e outros especialistas analisam as relações entre arte, política, ciência e história.

 

 

Artistas

 

Alfi Vivern | Augusto de Campos e Julio Plaza | Caio Fernando Abreu | Carlos Augusto Lima | Carlos Fajardo | Carlos Zilio | Chelpa Ferro | Daniel Jacoby | Dirnei Prates | Eliseu Visconti | Fabiana Faleiros | Fernando Corona | Eva e Franco Mattes | Frederico Filippi | Gabriela Greeb e Mario Ramiro | Gilberto Perin | Guilherme Peters e Roberto Winter | Iberê Camargo | Jac Leirner | Jeronimus Van Diest | Jordi Burch | José Marchand Assumpção | Kevin Simón Mancera | Letícia Lopes | Manabu Mabe | Marília Garcia | Mauro Restiffe | Nuno Ramos | Oscar Niemeyer | Pedro Motta | Pedro Victor Brandão | Rafael Borges Amaral | Regina Parra | Rodrigo Matheus | Runo Lagomarsino | Telmo Lanes e Rogério Nazari | Waltercio Caldas | Wilfredo Prieto.

 

 

Curadores: Bernardo José de Souza, Eduardo Sterzi, Fernanda Brenner e Veronica Stigger.

 

 

Sobre Iberê Camargo

 

Restinga Seca, 1914 – Porto Alegre, 1994 – Iberê Camargo é um dos grandes nomes da arte brasileira do século 20. Autor de uma extensa obra, que inclui pinturas, desenhos, guaches e gravuras, Iberê nunca se filiou a correntes ou movimentos, mas exerceu forte liderança no meio artístico e intelectual brasileiro. Dentre as diferentes facetas de sua vasta produção, o artista desenvolveu as conhecidas séries “Carretéis”, “Ciclistas” e “As Idiotas”, que marcaram sua trajetória. Grande parte de sua produção, estimada em mais de sete mil obras, compõe hoje o acervo da Fundação Iberê Camargo.

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Daniel Feingold na Bahia

Com uma bagagem artística repleta de experiências, muitas delas no exterior, o pintor Daniel Feingold apresenta a partir do dia 16 de agosto, na Roberto Alban Galeria, em Ondina, sua primeira exposição individual na Bahia, “Campos de Cor como Campos de Luz”, uma pesquisa de cores, com suas formas quase sempre incertas, exibindo o uso de luz e sombra como elementos focais da arte abstrata os quais se encontram na essência de seu trabalho.

 

Suas tramas quase sempre coloridas parecem dialogar com o infinito. Suas linhas geométricas se revelam inquietantes ao olhar do espectador, sendo esta uma das características do resultado de seu processo criativo, como ele mesmo reconhece:

 

“Ao longo do tempo, através da pintura, do desenho e mais recentemente da fotografia, tenho perseguido as formas estéticas abstratas de características não representacionais. Elas se apoiam na construção bidimensional que considera o plano e suas dobraduras, a linha, os campos cromáticos, a luz e a sombra. O resultado disso são trabalhos, na maioria, de grande escala”, afirma o artista.

 

Atualmente, pela natureza do seu trabalho, Daniel Fiengold diz procurar inventar técnicas que momentaneamente atendam aos seus propósitos criativos. “Quando vivi nos Estados Unidos, criei uma maneira de aplicar tinta sobre a superfície da tela, para evitar tocá-la com pincéis, e obter um entrelaçamento de linhas na construção da superfície bidimensional. Consegui isso com tubos plásticos de ketchup que, por pressão, expeliam a tinta através de bicos longos. Mais recentemente passei a aplicar esmalte sintético em longos despejos controlados, diretamente sobre a superfície. Isso me deu um outro tipo de resultado com a formação de bandas cromáticas engradadas”, revela.

 

Para a exposição da Roberto Alban Galeria, Tiago Mesquita, mestre em Filosofia, curador e crítico de arte, escreveu o texto de apresentação. Daniel Feingold expõe 15 telas em dimensões variadas, 11 papéis e 6 fotografias. A maioria dos trabalhos é de sua produção mais recente, pautada por uma geometria organizada, mas que tem uma fluidez propositalmente temperada pelo acaso, pelo inesperado. A junção desses dois parâmetros – o previsível e o programado – é um dos fatores que encantam na sua arte, conquistando o público e a crítica.

 

 

Sobre o artista

 

Artista do mundo, Daniel Fiengold tem obras em diversas coleções do Brasil e exterior. Seus trabalhos já passaram por vários museus, como o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, o Museu do Vale e pela respeitada Galeria Neuhoff, em Nova Iorque. Por diversas vezes, teve obras adquiridas pela Coleção Gilberto Chateaubriand. Também integrou a coletiva “Escape From New York”, com curadoria de Mat Deleget, realizada em Sidney e Melbourne, Austrália, e em Wellington, Nova Zelândia. Artista carioca, Daniel Feingold é arquiteto de formação, com mais de 30 anos de trajetória na arte contemporânea. Frequentou, no início da década de 1980, a Escola de Artes Visuais do Parque Lage, Rio de Janeiro. Como pintor, seus primeiros trabalhos aconteceram em 1989. Em 1990, conquistou o primeiro lugar no Salão Nacional de Artes Visuais/RJ. Com bolsa do governo brasileiro, mudou-se para os Estados Unidos, para fazer Mestrado no Pratt Institute, em Nova Iorque, dedicando-se à pintura, trabalhos em papel e pesquisas em fotografia, expondo em diferentes partes do mundo. Seu trabalho continuou sendo exibido no Brasil, criando uma produção em trânsito e estabelecendo conexão entre Brasil e Estados Unidos.

 

Ao voltar ao País, cerca de 10 anos depois, o artista iniciou nova e produtiva etapa, composta de pinturas de grandes formatos, agora mais influenciado pelas experiências vividas em Nova Iorque. Altamente vibrante, transbordando de cores e fortes traçados, o trabalho de Feingold destacou-se, então, pela sua originalidade e técnica precisa, mergulhando no mundo abstrato, mas sem estar preso aos caminhos percorridos nesta área por gerações artísticas anteriores. Com suas séries fotográficas abstratas, trabalhou na Europa e Estados Unidos.

 

 

De 17 de agosto a 06 de outubro de 2018.

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Espaço independente

Abrirá nesta sexta feira, dia 24 de agosto, a exposição “Experiência n.16 – Mesa de Cabeceira”, n’A MESA. Espaço independente localizado no Morro da Conceição, recebe os artistas Aline Besouro, Alexandre Colchete, Camilla Braga, Elian Almeida, Mariana Paraizo, Rafael Amorim e Rafael Lima numa exposição que se desdobra a partir de publicação homônima. O espaço propõe exposições temporárias, intituladas Experiências, com duração de dois dias, nos quais é ocupado com programação intensivas às sextas e sábados. A “Experiência n.16” conta com trabalhos de múltiplas linguagens que carregam traços de virtualidade, precariedade e relações diretas com o próprio mote da publicação: esboços, projetos e croquis. 

 

Na abertura, além de karaokê aberto até as 22h, haverá distribuição gratuita da publicação do grupo. No sábado 25/08, haverá um encontro de poetas Pós-Flip, com curadoria de Jessica DiChiara.

 

A exposição ficará aberta no dia 24 de agosto, das 18h às 22h, e no sábado 25, de 16h às 22h. Rua Jogo da Bola, n.119 – Centro, Rio de Janeiro.

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Recortes de paisagens

O pintor Fernando Leite descobriu a fotografia como “campo de atuação”, ao trabalhar com photoshop para editar reproduções para livros de arte na sua também atividade de designer gráfico. A constatação levou-o a colecionar imagens, fotografadas por ele ou não, que se tornaram e se tornarão pinturas a óleo, como os 12 trabalhos inéditos que apresenta na individual “VER TE”, a partir de 16 de agosto na Marcia Barrozo do Amaral Galeria de Arte, Shopping Cassino Atlântico, Copacabana, Rio de Janeiro, RJ. São telas a óleo de recortes de paisagens, detalhes de florestas e jardins, datadas de 2015 a 2018, que têm em comum a origem fotográfica. O conjunto de pinturas maiores (160x130cm), intitulado “Jardins”, tem base em fotografias clicadas pelo artista, assim como “Parques” e flores – cada uma tem um título e as pinturas batizadas “Igapós” têm matriz na série de mesmo nome do fotógrafo francês Marcel Gautherot, feita na Amazônia nos anos 1950 e pertencente ao acervo do Instituto Moreira Salles.

 

 

 

Origem

 

Fernando Leite conta: “Em 2007 comecei a fotografar para atender algumas demandas do meu trabalho em design gráfico. A fotografia digital mudou minha relação com imagem fotográfica. A edição em photoshop, que comecei a realizar para os livros de arte, me apresentou a fotografia como um campo de interferência, em que eu poderia editar, manipular, fazer cortes, mudar perspectivas, alterar cores, enfim, um vasto campo de construção visual.”

 

Nas telas desta mostra, a fotografia orienta a estruturação da pintura. Não se trata de fazer uma pintura fotográfica, um “engana-olho”, uma imitação, mas de fazer uma pintura com suas especificidades, que conversa a fotografia, que conversa com a história, que conversa com a natureza. A estruturação da imagem na pintura vem de uma linguagem de construção pela mancha que é específica do fazer pictórico, das matérias e dos materiais e da caligrafia|gestualidade do pintor.

 

 

 

Paisagem e ponto de vista

 

A tradição da paisagem subentende um observador que vê o mundo sob um ponto de vista, de um lugar, separado do espaço apresentado. Isso se aplica à pintura e também à fotografia: o fotógrafo está aqui, o objeto está lá.

 

 

Qual é o ponto de vista do artista ao fotografar a cena para fazer as pinturas? No conjunto “Jardins”, o observador|fotógrafo|pintor está fora e, portanto, ele escolhe um recorte da grande paisagem que é uma floresta. Já as pinturas de “Parques” têm como fonte fotos feitas em um dia nublado em um parque nacional em que observador|fotógrafo|pintor estava dentro da floresta que estava dentro da nuvem, como esteve Gautherot em seu barco dentro da floresta amazônica quando fotografou os igapós.

 

 

Fernando Leite explica que aprendeu com as fotos de Gautherot a diferença entre o observador dentro da cena, em meio à cena. O barco do fotógrafo francês estava dentro da floresta. Portanto “não há ponto de vista. Naquele momento, ele é parte do todo, um organismo dentro de outro organismo”, descreve.

 

 

Embora não tenha transitado entre os igapós amazônicos, o pintor viu no conjunto de fotos de Gautherot um força pictória impressionante e uma correlação com a pintura que estava fazendo na época. Todas as fotos do francês pareciam pinturas.

 

 

 

Sobre o artista

 

 

Fernando Leite é paulista, radicado no Rio de Janeiro desde os 18 anos, quando começou a estudar pintura e desenho no MAM e na Escola de Artes Visuais do Parque Lage. Como bolsista da Pollock-Krasner Foundation, em Nova York, entre 1999-2000, cursou Graphic Design na Parsons New School of Design, e Silkscreen Studio, na School of Visual Arts. Frequentou a oficina de gravura da Mason Gross School of the Arts – Rutgers University (New Brunswicck, Nova Jersey), sob orientação de Lynne Allen. A bolsa Pollock veio depois de o artista ter se graduado em pintura pela Escola de Belas Artes da UFRJ. Desde 2008, é diretor de arte da Verbo Arte Design, onde trabalha em colaboração com artistas e curadores na produção de livros, catálogos e exposições de arte contemporânea em diversas instituições. É professor-orientador em programação visual da Escola sem sítio, no curso Imersões curatoriais. Leite fez exposições individuais no Centro Cultural São Paulo, São Paulo, 2000, no Centro Cultural Cândido Mendes, Rio de Janeiro, 1995, Galeria Centro Empresarial Rio, Rio de Janeiro, 1990 e Galeria Macunaíma, Funarte, Rio de Janeiro, 1987. O artista participou de várias exposições coletivas, entre elas, Novos Novos, Centro Empresarial Rio, Rio de Janeiro, 1987; Salão Carioca de Artes Plásticas, 1985 e 1988; Salão Paulista de Arte Contemporânea, 1989; Doze Caminhos, Galeria Montesanti-Roesler, Rio de Janeiro, 1990; Sechs Aus Rio, Maerz Gallery, Linz, Áustria, 1993; Suporte, Galeria Vilaseca, 2007, e Verdadeira Grandeza, Ateliê da Imagem, 2008.

 

 

 

 

Em cartaz de 16 de agosto a 11 de outubro.

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