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De Fiori na Almeida e Dale

26/ago

Se a harmonia, na música, é a soma de múltiplas tensões das notas musicais que compõem um todo uniforme e estético, na obra de Ernesto de Fiori (Roma, 1884 – São Paulo, 1945) são as tensões dos pincéis e das mãos, na composição da pintura e da escultura, que criam a harmonia, em uma obra marcada pela figura humana – sobretudo o feminino –, a vida mundana e as paisagens urbanas e naturais, com destaque para os barcos de velejo, esporte no qual o artista era campeão – inclusive no período em que viveu no Brasil, entre 1936 e 1945. Parte da obra desse artista admirado por seus pares e colecionadores, no Brasil e no mundo, mas ainda pouco conhecido do grande público, está reunida na mostra “Tensão e Harmonia”, com curadoria de Denise Mattar, na galeria Almeida e Dale, Jardim Paulista, São Paulo, SP.

 

A exposição reúne 22 esculturas, 25 óleos, 9 guaches e 12 desenhos. As esculturas cobrem o período de 1929 a 1945 apresentando obras realizadas ainda na Alemanha como Adam, Jungling e Barbara, de 1929; obras realizadas no Brasil como “Homem Brasileiro”, “Maternidade” e “Mulher Reclinada”, 1938, criados para o MES (Ministério da Educação e Saúde), e ainda bustos como o de “Greta Garbo”, de 1937, e de seu sobrinho “Christian Heins” (que viria a ser um dos primeiros pilotos brasileiros internacionais) e seu “Autorretrato”, de 1945. Entre os óleos e guaches, majoritariamente produzidos no Brasil, há três conjuntos de trabalhos: as Paisagens, nas quais retrata suas impressões da ainda acanhada cidade de São Paulo, e das regatas na represa de Santo Amaro, onde velejava. “São Jorge e o dragão” que são alegorias da luta entre o bem e o mal, fazendo referência à Guerra na Europa, e “Galas” nas quais retrata indivíduos isolados ou grupos, geralmente participando de acontecimentos em sociedade. Sua pintura nervosa e vibrátil, registra movimentos e tensões subjacentes a essas cenas, aparentemente mundanas, com um resultado de surpreendente contemporaneidade. Na mostra há ainda um conjunto de desenhos que explicita o seu processo de criação e alguns trabalhos caricaturando Hitler e o nazismo.

 

 

O artista

 

Nascido em Roma, mas descendente de uma família do Norte da Itália, num período marcado por forte crise política na região, em virtude do processo de unificação que criou o Estado italiano moderno, De Fiori inicia seus estudos de artes plásticas aos 19 anos, com Gabriel vonHackl (1843 – 1926) na KöniglicheAkademie der BildendenKünste [Real Academia de Belas Artes], em Munique. Em 1905, retorna a Roma e recebe orientação do pintor e litógrafo alemão Otto Greiner (1869 – 1916). Entre 1911 e 1914, vive em Paris, onde realiza as primeiras esculturas, com auxílio do artista suíço Hermann Haller (1880 – 1950).Em Paris, frequenta o chamado “círculo alemão” de Matisse junto a artistas, colecionadores e historiadores como: Marie Laurencin, Hans Purrmann, Rudolf Levy, Oskar e Margarete Moll. Conhece o pintor alemão Hugo Troendle e o escultor italiano Arturo Martini.

 

Com a eclosão da Primeira Guerra (1914-1918), o artista alista-se no Exército alemão e atua como correspondente para um jornal italiano. O horror da Guerra o repugna e, antes do final do conflito, deixa a função e muda-se para Zurique, onde volta a dedicar-se à arte.Polemista e combativo, entre 1918 e 1919, o artista discute na imprensa com o grupo dadaísta – do qual faziam parte artistas como Tristan Tzara e Hugo Ball – acerca do conceito do movimento, que propunha um rompimento com tudo que, até então, fora feito. Para De Fiori era impossível uma arte nova sem referência com o passado.

 

Ao longo das décadas de 1920 e 1930, o artista se estabelece no mercado europeu, com suas esculturas, desenhos e pinturas. Adquire prestigio artístico e intelectual.A consolidação do nazismo em 1933 é um golpe na vida e na trajetória de De Fiori. Sem condições de habitar uma Alemanha dominada por um dos mais violentos e soturnos estados totalitários que o mundo conheceu, De Fiori muda-se para o Brasil em 1936 – onde já residiam sua mãe e seu irmão – e instala-se em São Paulo. A capital paulista vivia um período de interregno entre os “loucos” anos 1920 e a retomada artística que ocorreria no final dos anos 1940 com a criação dos museus de arte moderna. De Fiori tenta se integrar à cidade e passa a colaborar para os jornais das colônias alemã e italiana, para O Estado de S. Paulo e a modelar figuras, então, proeminentes na sociedade paulistana, como o poeta Menotti del Picchia (1892 – 1988) e o conde Francisco Matarazzo.

 

A produção de De Fiori no Brasil compreendeu dois tempos distintos: o primeiro, no qual predominou a escultura, entre 1936 e 1939 e o segundo, de 1940 a 1945, em que ele reduziu essa atividade concentrando- se na pintura.Apesar de nunca ter-se integrado de fato ao Brasil, onde viveu um período internamente conflituoso, o artista vivenciou transformações em sua obra ao longo dos nove anos em que esteve aqui. Em seus anos brasileiros, que ele pretendia que fossem passageiros e não seus anos finais de vida, observa-se a ascensão da pintura em sua obra e o uso de técnicas variadas, como pinceladas rápidas ou diluídas em solvente, uso de instrumentos dentados, e o retrato livre dos limites da esquematização, com maior fidelidade à forma humana, adquirindo certo vínculo expressionista que se soma à forte carga psicológica, observada também em suas esculturas.

 

A presença do artista em São Paulo ajuda também a abrir novos horizontes no ambiente artístico da cidade, marcando a produção de artistas ligados à Família Artística Paulista – FAP, como Mario Zanini (1907 – 1971) e Joaquim Figueira (1904 – 1943), e também o trabalho de Alfredo Volpi (1896 – 1988), principalmente em algumas de suas marinhas.A sua contribuição estende-se ainda aos esportes: velejador, De Fiori não apenas conquista uma série de medalhas e honrarias para o Yatch Club de São Paulo, localizado no bairro de Santo Amaro, como também ajuda a promover e elevar o iatismo a uma nova categoria, mais profissional.

 

Admirado por Mário de Andrade, o artista é apresentado em 1938 ao ministro da Educação e Saúde, Gustavo Capanema, que o convida a criar uma série de esculturas para o edifício do Ministério da Educação e Saúde (MES) que, ao final, não são aceitas. O artista, que viera ao Brasil para fugir da repressão nazista, tinha de encarar um novo regime repressor: o Estado Novo de Getúlio Vargas, que o impede de realizar uma resistência aberta ao nazifascismo.De Fiori só consegue opor-se abertamente ao regime de Hitler em 1942, quando o Brasil entra na Guerra, ao lado dos Aliados. Pinta a tela que posteriormente ficou conhecida como “Saudação a Hitler”, na qual expressa a aversão à Alemanha Hitlerista e publica artigos n’O Estado de S. Paulo em oposição ao nazifascismo.Em 1945, modela seu último autorretrato. Morre em 24 de abril de 1945 sem ver a queda do nazifascismo, a morte de Hitler e, sobretudo, sem poder voltar à Alemanha, país onde se naturalizou e nunca quis deixar.

 

 

 Até 30 de setembro.

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Abaporu, até o dia 30

 

A célebre obra de Tarsila do Amaral, “Abaporu”, está na exposição “A cor do Brasil”, no MAR – Museu de Arte do Rio de Janeiro, Centro, Rio de Janeiro, RJ, que apresenta percursos, inflexões e transformações da cor na história da arte brasileira. A cor é apresentada como projeto nos pintores viajantes dos séculos XVIII-XIX, nas investigações acadêmicas, nas experimentações modernas, nos projetos construtivos, nas radicalizações da forma dos anos 1960/70, nas explosões de cor dos anos 1980 e da atualidade. A curadoria traz a as assinaturas de Paulo Herkenhoff e Marcelo Campos.

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Fabiano Al Makul na Galeria Um

25/ago

A Galeria Um, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, realiza a exposição “Caderno de Anotações”, individual do artista paulistano Fabiano AlMakul, com séries inéditas de fotografias dentro de sua pesquisa de cor, agora dedicada aos tons de laranja, azul-marinho e lilás, além do preto e branco.Serão mostradas três séries de fotografias dentro de sua pesquisa sobre cor, que atua como elemento de conexão de diferentes assuntos, como detalhes arquitetônicos, paisagens, objetos, texturas, cenas urbanas, entre outros. O artista cria conjuntos em média com 16 pequenas obras – os “polípticos” – que têm a predominância de uma só cor. Os diversos tons e materiais fotografados, agrupados como se fossem um grande quadro, levam o espectador a criar um ritmo com o olhar, que se detém em um detalhe e a seguir é atraído por outro. Na exposição estarão polípticos nas cores laranja, azul-marinho e lilás, em um total de cerca de 50 imagens.

 

Outro interesse do artista, a fotografia em preto e branco, também será exposto em “Caderno de Anotações”, com o registro de cenas do cotidiano caracterizadas pela simplicidade, e ricas em sombra e luz.  Serão 17 fotografias agrupadas em três polípticos: “Conflito”, “Caminhos” e “Elos”. Outras sete fotografias da série “Minha alma” serão exibidas separadamente.

 

 

Economista de formação, graduado pela FAAP, Fabiano Al Makul normalmente fotografa com câmeras digitais, mas não hesita em utilizar o celular quando está sem elas, e vê algo que o atrai. Independentemente da ferramenta que tem à mão, é fiel ao impacto do primeiro olhar. “É difícil encontrar novamente o mesmo ângulo”, diz. Reconhece que seu comportamento é quase compulsivo, por estar sempre ligado no que vê, e ser atraído por cenas na cidade a ponto de se desviar do caminho.  “Alguém deixa um paninho amarelo pendurado em uma porta turquesa, em um horário em que a luz está especial, e, pronto! A cena com alma está formada. A isso eu chamo de poesia do gesto”, explica. Ele conta ainda que às vezes está com uma série pronta, mas depara com novas situações que muitas vezes são inseridas no conjunto, e até modificam o contexto da obra. À medida que fotografa, vai delineando seu trabalho. A seleção se dá depois, entre dezenas de fotografias.

 

O título da exposição vem da definição dada por um amigo, o também fotógrafo Lucas Lenci, sobre o processo criativo de Fabiano AlMakul. “O Lucas sintetizou de maneira brilhante a melhor definição que alguém já deu de meu trabalho”, diz o artista. Além disso, foi no registro de um texto de rua, de autor desconhecido, a quem chama de “Curador do Acaso”, que encontrou a surpreendente leitura deste “Caderno de Anotações”.

 

 

 

Sobre o artista

 

Nasceu em 1973, na cidade de São Paulo, Brasil, onde vive e trabalha. Formado em Economia pela FAAP, em São Paulo, Fabiano Al Makul fez sua primeira exposição individual, “Elementos em Cor”, em 2013, onde mostrou sua pesquisa pela cor, a partir de elementos de cenas simples, cotidianas, ou mesmo em um espectro mais amplo. No mesmo ano, sua obra “Dona Tereza da Mangueira” se destacou na mostra coletiva “Mail ArtCupcake”, realizada no MuBE, em São Paulo, onde retrata outra de suas grandes paixões, a alma da velha guarda do samba. Em 2015, realizou sua segunda exposição individual, “A Riqueza da Cena Simples”, também em São Paulo, onde revelou em contexto poético a sutileza do detalhe de cenas que normalmente passariam despercebidas. Sua produção fotográfica, agrupada em polípticos, demonstrava então situações distintas conectadas pelas cores, e outras séries em que capturou com sensibilidade cenas do cotidiano ricas em sombra e luz. No final do mesmo ano, abriu em Belo Horizonte a exposição individual “Outros Olhos pra Ver”, uma seleção de seus trabalhos com curadoria do crítico Wilson Lazaro.Seu trabalho já integra coleções no Brasil e no exterior, como a CIFO – The CisnerosFontanalsArt Foundation, de Ella FontanalsCisneros.

 

 

De 01 de setembro a 15 de outubro.

 

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Na Galeria Oscar Cruz

O artista recifense Bruno Vilela inaugura exposição “Textos bárbaros”, exibição individual na Galeria Oscar Cruz, Vila Nova Conceição, São Paulo, SP.

 

 

Textos Bárbaros

 

O grafite nasce da necessidade ancestral do homem de marcar sua passagem pela terra. Das cavernas de Lascaux aos muros das nossas cidades as motivações continuam as mesmas: a demarcação de um território e a vontade do homem de mostrar sua passagem por essa vida. Uma transgressão, “é um terrorismo visual”, segundo a filósofa Márcia Tiburi. A primeira vista parecem apenas rabiscos para olhos destreinados mas, toda a manifestação artística feita com a palavra recebe o nome de literatura, então temos nos muros a literatura bárbara. Bárbaro significa pessoa não-civilizada. Para os gregos quem não era grego era um bárbaro. Quem picha deixa claro que não faz parte daquela estética grega de beleza da fachada branca. É um estrangeiro em sua própria cidade. Com outros códigos, dialetos e grafia.

 

O grafite em sua gênese ocupou esse espaço transgressor de denuncia política. Hoje é aceito e “domesticado” pela sociedade. A arte que surgiu no Brasil nos meados dos anos 60 para denunciar a ditadura militar é a mesma feita hoje para afastar os pichadores que fazem uso da tinta para gritar sua voz nos muros da sociedade, livros em branco prontos para serem escritos.

 

Minha experiência de desenho e pintura migrou para fábulas urbanas, mitos ordinários das coisas comuns das ruas. Trago a expressão de anônimos pichadores, design de objetos públicos e sinalização de rua, para minha própria linguagem nos materiais clássicos das artes plásticas como o papel, pastel e a pintura a óleo. Eu que já fui grafiteiro nos anos 90 e designer nos anos 2000, resgato essa memória subvertendo esses meios para o campo das artes dentro de uma galeria. Minha intenção é mostrar que essa expressão considerada vandalismo, feia e suja, pode ser bela e poética; e que a beleza está no olhar de quem tem a capacidade de ver vidas, mistérios e histórias nos muros. “Muro branco é cidade sem voz” diz uma pichação que define esse pensamento.

 

Andy Warhol disse nos anos 80 que: “A coisa mais bonita em Tóquio é o McDonald’s. A coisa mais bonita em Florença é o McDonald’s. Pequim e Moscou ainda não tem nada que seja bonito”. Na minha opinião o que define civilização, no sentido de metrópole desenvolvida, visualmente falando, são as pichações dos muros. Uma cidade de muros brancos não tem nada que seja bonito. Não tem voz. E foi viajando por essas grandes capitais que criei esse vocabulário para minhas obras. Madrid, Paris, Buenos Aires, São Paulo, Lisboa e principalmente Londres de onde nasceu todo um caderno com estudos para essa exposição.

 

Muitos pichadores se referem a prática como o esporte da periferia. São os escaladores, montanhistas da cidade que arriscam a vida para deixar sua “bandeira” demarcando um território no cume dos prédios. Verdadeiros heróis que arriscam suas vidas para não passar nesse mundo como um muro em branco.A pichação, orgânica e analógica, amolece a arquitetura mecânica e digital da cidade. Gera contraste se fundindo a paisagem urbana e transforma tudo em dança.

 

 

De 13 de setembro a 30 de outubro.

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Individual de Maria Tomaselli

16/ago

A pintora e gravadora Maria Tomaselli exibe desenhos em pastel e acrílica sobre papel no StudioClio, Cidade Baixa, Porto Alegre, RS. A mostra, integra o “Projeto Quadro Branco”, uma parceria entre o Café Studio Clio, Cerveja Coruja e Museu do Trabalho.

 

 

Sobre a artista

 

Maria Tomaselli(Cirne Lima), nasceu em Innsbruck, Áustria. Veio para Brasil em 1965,morando e trabalhando entre Porto Alegre, São Paulo, Rio de Janeiro, Recife e Olinda. Estudou pintura com Iberê Camargo, gravura em metal com Eduardo Sued, Anna Letycia e Mario Doglio; iniciou escultura com XicoStockinger. Expôs individualmente inúmeras vezes em galerias de renome do Brasil e Europa. Participou das Bienais de São Francisco, Cuba, Maldonado, Áustria, São Paulo, San Juan e Mercosul, em Porto Alegre. Recebeu 19 prêmios e cinco destaques em salões do Brasil e exterior. Atualmente reside em Porto Alegre, onde freqüenta as oficinas de gravuras do Museu do Trabalho.

 

 

De 22 de agosto a 21 de outubro.

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Alex Flemming – RetroPerspectiva

O corpo, a obsessão do pintor Alex Flemming, ganha exposição no Museu de Arte Contemporânea, MAC-USP, Parque do Ibirapuera, São Paulo, SP. (*) A curadoria é de Mayra Laudanna.

 

Na mostra estão reunidas 120 obras entre pinturas, gravuras e objetos que exploram as manifestações físicas no campo da sexualidade, da política e da religião.

 

 

O corpo em suas diferentes manifestações – política, sexual, afetiva, religiosa – ocupa toda a “retroperspectiva” que o pintor paulistano Alex Flemming, 62, abriu no segundo andar do Museu de Arte Contemporânea (MAC). O neologismo é justificável, explica o artista, que mora há mais de 20 anos em Berlim: retrospectiva não se aplica a uma mostra distante do formato consagrado pela visão positivista do modernismo – que acreditou numa evolução linear da arte. A exposição se projeta para o futuro. Literalmente. A última série exibida na mostra é também o ponto final do pintor e dos espectadores: ela reúne seis dezenas de laptops pintados com nomes de amigos, como se fossem lápides de um cemitério, nossa última morada.

 

Não se trata de um exercício mórbido, mas do reconhecimento que também a obsessão que Flemming tem pelo corpo que um dia vai acabar. Em pó. Enquanto isso, ele celebra a beleza desse corpo – seja masculino ou feminino. Flemming expõe sua escancarada sensualidade em 120 obras (pinturas, objetos, gravuras).

 

Autor da intervenção visual na estação Sumaré do metrô, realizada em 1998 com retratos de anônimos estampados em placas de vidro, Flemming já explora a temática do corpo há quase 40 anos. Uma das séries mais antigas da exposição, que tem como curadora a professora e ensaísta Mayra Laudanna, trata do corpo político em plena ditadura. O título Natureza Morta (1978) alude à tortura de presos políticos durante o regime militar, no ano em que a Justiça responsabilizou a União pela morte do jornalista Vladimir Herzog (1937-1975) nas dependências do DOI-Codi.

 

Como tudo na obra de Alex Flemming é autobiográfico, também nessa série ele se coloca no lugar dos torturados. Em outras, ele pinta suas roupas (íntimas, inclusive), a valise que o pai comandante usava em suas viagens, sapatos velhos e até um divã (todos os seus móveis em Berlim também são pintados). Ou usa seu retrato no lugar do rosto do Cristo ou de Verônica, a santa do sudário, sem que isso lhe pareça uma atitude blasfema. Crente a seu modo, ele diz detestar a religião institucionalizada, fazendo uso sincrético de ícones católicos e da umbanda em pinturas de uma série que coloca lado a lado Santa Cecília, Iemanjá, São Jorge e uma sereia.

 

Ainda nessa série de corpos míticos, ele insere um Adonis sem roupa no interior de um ostensório, objeto usado para expor e transportar a hóstia consagrada em cultos da Igreja Católica. Não por provocação, como fazia seu amigo León Ferrari, garante o pintor. “Se o homem foi feito à imagem e semelhança de Deus, por que não comemorar essa beleza?”, pergunta Flemming com inocência pagã.

 

Essa criatura, como o homem vitruviano de Da Vinci, é um ser de corpo perfeito, celebrando a descoberta das proporções matemáticas do ser humano pelo pintor renascentista. Esse homem, símbolo da simetria que rege o universo, é construído e desconstruído por Flemming em séries como BodyBuilders (2001/2) em que corpos modelados nas academias servem de suporte de mapas territoriais de zonas de conflito, apontando para o paradoxo do mundo contemporâneo, que constrói um corpo e destrói o espírito.

 

O pintor argumenta que essa relação o distancia das fotografias de corpos nus masculinos por outro obcecado pelo físico, o norte-americano Robert Mapplethorpe (1946-1989). “A nudez de Mapplethorpe é clínica”, diz. “A grandeza dele está na temática”. Flemming, que morou em Nova York com uma bolsa da Fullbright, em 1981, já explorava o tema dos conflitos sociais e as paixões, mas o fazia desconstruindo o corpo. Exemplo disso é uma série iniciada em 1984, ao voltar dos EUA, que explora, por meio da alegoria, as deformações do corpo.

 

Alguns exemplares da série estão expostos na mostra do MAC. Um deles junta a parte superior da Vênus de Botticelli com os membros inferiores de Adão e Eva da Expulsão do Paraíso de Cranach, forjando uma criatura monstruosa de quatro pernas, como nas xilogravuras do naturalista italiano UlisseAldrovandi (1522-1605). Aldrovandi, que inventou seres híbridos, metade humanos e metade bestas, não é, contudo, sua única referência. Flemming também leva a Olympia pintada por Manet para um leito de hospital, mas ela, nua, não emana erotismo, e sim o fim de um ciclo (artístico, inclusive), respirando com a ajuda de aparelhos.

 

Para Flemming, vida e morte são indissociáveis. Isso explica a presença de sua Olympia entubada na última sala da exposição, que abriga a série Caos, projeto agora retomado – como em outros casos, em se tratando de uma obra circular, que sempre volta ao tema do corpo.

(*) Texto de Antonio Gonçalves Filho para O Estado de São Paulo.

 

 

 

 

A palavra de Katia Canton, Vice-Diretora do MAC-USP

 

É com enorme prazer que o Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo apresenta a retrospectiva de Alex Flemming. Comemorando 60 anos de vida, 40 anos de produção e uma carreira de reconhecimento internacional, o artista compartilha com o público um repertório vasto, potente e original de trabalhos realizados em várias fases de seu intenso trajeto profissional.

 

Autor de uma das obras públicas mais emblemáticas da cidade de São Paulo, a estação de metrô Sumaré, contendo imagens de retratos anônimos acompanhados de poemas brasileiros, que vão desde Anchieta até Haroldo de Campos, formando um imenso painel de celebração de uma identidade híbrida, impressa em vidro. Alex Flemming é um artista múltiplo. Maneja pintura, fotografia, gravura como brilhantes exercícios de liberdade e paixão.

 

No entanto, é predominantemente como pintor que ele se vê. Pintor, ainda que sua pintura se expanda para além das telas. No histórico vasto de suas criações, sua paleta é vibrante, às vezes ofuscante até. Parece gritar cores. As tintas são aplicadas às telas, mas também a objetos, tape tes, aviões, animais empalhados, móveis, roupas, cartelas de remédios, réguas e cartões plásticos. Se é que podemos definir Alex Flemming como um pintor, há que se dizer que se trata de um pintor que entinta as superfícies das menos convencionalmente adequadas para as normas tradicionais impostas na história das belas artes. E consistentemente sobre elas faz uso de toda a liberdade conquistada, podendo aplicar sobre as pinturas letras, objetos, mapas, utensílios domésticos e até ossos. Em cada obra sua, tudo se compõe num estranho e, ao mesmo tempo, sedutor alfabeto imagético absolutamente singular.

 

A intensidade desse alfabeto corresponde às buscas complexas do próprio artista. Seus temas se relacionam à vida, ao corpo, à sexualidade, à morte e à espiritualidade. Sua obra procura a alma, enfim.

 

 

Até 11 de dezembro.

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Fotos em co-autoria indígena

13/ago

Em 2008, o fotógrafo e educador visual Danilo Christidis começou a visitar Vherá Poty, cacique da aldeia Guarani Mbyá de Itapuã, em Viamão, no Rio Grande do Sul, a fim de ensiná-lo a fotografar. Não demorou muito para que os papéis se invertessem – Poty se mostrou um fotografo talentoso e passou a ensinar a Danilo como perceber sua comunidade, cultura, filosofia e costumes. “Vamos te receber como uma criança, que precisa ser ensinada a perceber o mundo como nós percebemos”, disse o cacique.

 

O resultado desse intercâmbio está no livro de fotografias “Os Guarani Mbyá”, com registros feitos pela dupla ao longo de sete anos em visita a quinze comunidades indígenas dos Mbyá, subgrupo Guarani que mantém uma unidade religiosa e linguística bem delineada, o que permite o reconhecimento de seus iguais ainda que em aldeias distantes. Do livro, foram selecionadas 24 fotografias para a exposição de mesmo nome, que estreou em Porto Alegre em 2015,já passou por Tucumán (Argentina) e Montevidéu (Uruguai), e chega ao Rio de Janeiro, agora em exposição no Rio Design Barra.

 

As imagens compõe um retrato único de uma sociodiversidade pouco conhecida pelos brasileiros, em íntima comunhão com as matas subtropicais do sul e sudeste do Brasil, distinta por características como organização social, relação com a natureza, religiosidade, arte, educação, medicina, modos produtivos e manejo de recursos naturais, culinária, gestação e parto, além da compreensão da infância, velhice, nascimento e morte. A importância do entorno como fonte para a vida Guarani-Mbyá se reflete em todos os aspectos do “seu modo de ser”.

 

Quem traz a exposição pela primeira vez ao Rio de Janeiro é a marca carioca Reserva, através de seu programa de incentivo ao empreendedorismo social, Rebeldes com Causa. No período da exposição, a loja Reserva do Rio Design Barra terá venda exclusiva do livro “Os Guarani Mbyá”, por R$ 99,00, com renda destinada a projetos sociais conduzidos por Vherá Poty.

 

 
De 15 de agosto a 04 de setembro.

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Diferentes olhares na Virgilio

A exposição Raros Vintages & Inéditos, cartaz da Galeria Virgilio, Pinheiros, S~]ao Paulo, SP, traz o trabalho de 32 fotógrafos brasileiros, de várias regiões do país com um resgate histórico da construção da história da fotografia brasileira nas últimas cinco décadas. Trata-se de uma exibição com diferentes olhares, técnicas e suportes diversos e algumas produções contemporâneas, com curadoria de Fausto Chermont.

 

As obras revelam o significado que as fotografias tiveram ao longo do tempo em que foram realizadas, e que trazidas para o presente, proporcionam uma reflexão sobre as imagens e os artistas que ajudaram a construir esta trajetória. São profissionais com idade entre 39 e 67 anos de carreira extensa e ainda em atividade, premiados e que participaram de exposições nacionais e internacionais, com livros publicados.

 

Com o incremento microeletrônico e o advento das mídias digitais – com suas facilidades e conveniências e também por um inegável avanço qualitativo –, a fotografia vive um momento de consolidação de um novo modo de produção. Momento este em que se instala uma dicotomia entre uma produção eminentemente artesanal e histórica e os novos métodos automatizados, possibilitados pela tecnologia digital. Uma revisita técnica, tecnológica e estética do que foi produzido entre os anos 1970 e hoje e os autores que vivem esta transformação estão narrando visualmente esta experiência. São eles: Ana Lucia Mariz (SP), Antonio Saggese (SP), Artur Lescher (SP), Cesar Barreto (RJ), Claudio Machado (RJ), Daniel Renault (MG), Dimitri Lee (SP), Eduardo Castanho (SP), Eustáquio Neves (MG), Fausto Chermont (SP), Fred Jordão (PE), Gentil Barreiras (CE), Guilherme Maranhão (RJ), Hilton Ribeiro (SP), Kenji Ota (SP), Luiz Carlos Felizardo (RS), Marcelo Lerner (SP), Mônica Zarattini (SP), Nair Benedicto (SP), Neide Jallageas (SP), Patricia Yamamoto (SP), Paulo Angerami (SP), Penna Prearo (SP), Ricardo de Vicq (RJ), Roberto Linsker (SP), Roger Sassaki (SP), Rogerio Assis (PA), Rogerio Reis (RJ), Rosa Gauditano (SP), Silvio Dworecki (SP) Vania Toledo (MG) e Zé de Boni (SP).

 

Os fotógrafos que desenvolvem processos diversos, são pesquisadores de técnicas históricas, híbridas e alternativas com diferentes abordagens e olhares em diferentes épocas. Vania Toledo, por exemplo, escolheu uma foto de 1991, época que sofreu um grave atropelamento. No trabalho ela quis fazer uma homenagem à morte com a atriz Gulia Gam e usou uma luz de cinema, soturna que ilumina basicamente o rosto com um clima de morte ou pós-morte. Já Rosa Gauditano optou por um trabalho de 2008 que faz parte do livro Índios os Primeiros Habitantes e mostra oito etnias indígenas e seus rituais.

 

Na foto “Máquina”, Artur Lescher e Fausto Chermont usaram de muita engenharia para chegar ao resultado final. Em “Raros Vintages & Inéditos”, Silvio Dworecki apresenta uma coletânea de séries usadas para sua Tese de Livre Docência à Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da USP. Numa delas, mostra as andanças de um elefante e seus encontros. Assim, cada prancha apresenta várias fotos como que a solicitar a atenção do espectador. As narrativas de cada imagem, são únicas, advindas do histórico de experiências profissionais e pessoais de cada artista.

 

“Colocados lado a lado, a produção imediatamente contemporânea, dialoga intensamente com o passado das sombras nas cavernas queimadas, estas hoje são projetadas sobre telas de Amoled – active-matrix organic light-emitting diode. Não importa o nome, pois amanhã já terá outro. É disso que se trata a exposição “Raros Vintages & Inéditos”, define o curador da mostra, Fausto Chermont.

 

Além da exposição, faz parte da programação palestras, mesa redonda, visitas guiadas e outras atividades com os artistas, de forma a sugerir um fórum de debates sobre a fotografia no Brasil e ampliar a perspectiva de uma discussão sobre o tema, por meio de agentes que ajudaram a construir e produziram parte deste tecido histórico.

 

 

De 19 de agosto a 15 de outubro.

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Destaques/Seleção Olímpica

09/ago

A Galeria de Arte Ipanema, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, realiza a mostra “Destaques do acervo – Seleção olímpica”, com cerca de 40 obras de artistas como Cildo Meireles, Carlos Cruz-Diez, Rubens Gerchman, Franz Weissmann, Henrique Oliveira, Olimpíada e Paralimpíada, Jesus Soto, Raymundo Colares, Beatriz Milhazes, Amilcar de Castro, Frans Krajcberg, José Resende, Waltercio Caldas, Sarah Morris, Lygia Clark, Lygia Pape, Sergio Camargo, Djanira, Di Cavalcanti, Alberto Guignard, Alfredo Volpi, Djanira, Julio Le Parc, Manabu Mabe, Wanda Pimentel, Maria Leontina, Victor Vasarely, Luis Tomasello, Juan Mele, Tomie Ohtake, Aluisio Carvão, Mira Schendel.

 

Dentre as pérolas do acervo da histórica galeria sediada na Rua Aníbal de Mendonça, Ipanema, está o conjunto de oito desenhos “Descala”, feitos em 2003 por Cildo Meireles, gravados quimicamente em chapas de aço carbono. De Carlos Cruz-Diez, um dos pioneiros da arte cinética, estará exposta a obra “Physichromie nº 1848” (2013), que se transforma à medida que o espectador olha enquanto caminha a sua frente. O raro trabalho “Tô Fora SP” (1968), de Rubens Gerchman, pintura com tinta acrílica sobre cartão, também está na exposição. Do escultor Franz Weissmann, a galeria mostrará “Coluna”  (1989), em ferro pintado, com 81 cm de altura. O paulista Henrique Oliveira, que já frequentava o circuito internacional da arte ganhou ainda mais notoriedade ao integrar a 29ª Bienal Internacional de São Paulo, em 2010. Dele, será mostrada a pintura com acrílica sobre tela, também de 2010.

 

 

Breve histórico

 

Fundada por Luiz Sève, aos 24 anos, que cursava o último ano de engenharia na PUC, e sua tia Maria Luiza (Marilu) de Paula Ribeiro, a Galeria de Arte Ipanema teve como terceiro sócio Luiz Eduardo Guinle, e se instalou em 1965 em um dos salões do Copacabana Palace, passando depois para o térreo do Hotel, na Avenida Atlântica, onde permaneceu até 1973. Em 1968, Frederico Sève, irmão mais moço de Luiz Sève, entrou na sociedade no lugar de Luiz Eduardo Guinle. Com direção de Frederico Sève, a Galeria de Arte Ipanema manteve também um espaço em São Paulo, entre 1972 e 1989, na Rua Oscar Freire, em uma casa projetada por Ruy Ohtake especialmente para este fim, e depois na Rua da Consolação. Frederico permaneceu na sociedade até 2002.

 

Atualmente, Luiz Sève dirige a galeria ao lado de sua filha Luciana, no número 173 da Rua Aníbal de Mendonça, em Ipanema, até finalizar a construção do espaço que tem projeto arquitetônico assinado por Miguel Pinto Guimarães, previsto para 2017, na quadra da praia da mesma rua, no endereço original que ocupou desde 1972 (ano compartilhado com o espaço no Hotel Copacabana Palace).

 

 

Até 24 de setembro.

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O novo espaço da dotART

A dotART galeria, Centro, São Paulo, SP, inaugura novo espaço cultural e apresenta a partir do dia 17 de agosto, para visitação das exposições individuais de quatro importantes artistas contemporâneos: Marina Saleme, Alvaro Seixas, Daniel Lannes e Roberto Freitas. As exposições têm curadoria assinada pelo diretor artístico da dotART galeria, Wilson Lázaro.

 

No dia 20 de agosto, a galeria inaugura a CASA dotART, Rua São Paulo, 249, Centro, e, em parceria com a Revista Ernesto, presenteia a cidade com este novo espaço cultural. A inauguração contará com a abertura de três exposições individuais, do panamense Jhafis Quintero e dos brasileiros Roberto Freitas e Alvaro Seixas. A entrada é gratuita e deve ser agendada por email. A partir do próximo ano, a CASA dotARTdará início a seu programa de residências artísticas, com a proposta de que os artistas acolhidos possam transformar o local em atelier, experimentando cotidianamente temas como centro, território e conviver junto, de forma específica, e criação, de forma geral.

 

 

Até 01 de outubro

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