Arquivos da Categoria: Exposições

Pleno verão com Sergio Gonçalves

20/fev

A Sergio Gonçalves Galeria, Centro, Rio de Janeiro, RJ, abriu suas portas para homenagear o verão. “Quem viver, verão!” é a exposição que reúne artistas de várias gerações, de todos os cantos do Brasil, de suportes e mídias diferentes, com um desafio especial. Criar, interferir, customizar e dar novas cores a diversos guarda-sóis que ocuparão a Galeria e sua fachada, trazendo um clima praiano ao Centro Histórico do Rio.

 

Ao todo, 24 artistas foram convidados para essa nova celebração das artes visuais ao verão, onde o guarda-sol – um dos nossos deuses protetores das radiações solares cada vez mais intensas, renegado por muitos, mas venerado e companheiro inseparável de outros nas incursões praianas – ganha status de arte nas mãos de artistas como Ana Durães, Anita Kaufmann, Carlos Araújo, Clarissa Campello, Cristina Sá, Daniel Ventura, Deneir, Denize Torbes, Eduardo Ventura, Felipe Barbosa, João Magalhães, Laura Michelino, Leonardo Videla, Ligia Teixeira, Lin Lima, Márcio Zardo, Newman Schutze, Osvaldo Carvalho, Raimundo Rodriguez, Roberto Tavares, Rosana Ricalde, Thereza Salazar, Vânia Barbosa e Wladimyr Jung. A curadoria é de Sergio Gonçalves.

 

Além de todas as criações, o artista Deneir leva sua bicicleta voadora, onde apresenta uma performance em que o artista acopla um guarda-sol a uma bicicleta, que é girado interativamente pelos presentes, fazendo com que todos interajam com a instalação.

 

Inspirados nos rituais que os povos antigos realizavam a cada mudança de ciclo da natureza, ou seja, a cada mudança de estação, a chegada do verão é celebrada com muita alegria em diversas culturas e religiões pelo mundo. Desde os anos 80, é comemorada na França com a “Fête de la Musique”, que já faz parte do calendário de mais de cem países.

 

No Brasil, principalmente no Rio de Janeiro, celebração é o que não falta. O verão carioca encanta todas as tribos; de músicos a empresários, de turistas a moradores, de hippies a patricinhas.

 

 

Até 15 de março.

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Isaque Pinheiro em Lisboa

19/fev

Isaque Pinheiro realiza exposição individual na Galeria Caroline Pagès , Lisboa, Portugal. A exposição  denomina-se “Memória” e nela, Isaque Pinheiro apresenta uma série nova de trabalhos cujo conjunto é, no mínimo, surpreendente. Desde os gigantescos dardos feitos de madeira nobre e metais ricos e de ressonância simbólica, como o latão ou a prata, até aos alvos encontrados, à maneira de Max Ernst nos singulares desenhos que a própria natureza fez no interior escondido das árvores, passando por uma gigantesca colagem cujas sucessivas camadas produzem todo um conceito de escultura bidimensional até a um imaginoso vídeo que retoma a temática desta última e a reconstrói num processo quase alucinatório que lhe multiplica os sentidos, todas estas novas obras convergem juntas numa quase instalação que multiplica o espaço que integram de coordenadas conceptuais surpreendentes, e em que as obras por si mesmas são como que partes de um todo, idealmente impossível de separar, mesmo se funcionam também cada uma delas separada das restantes.

 

 

Até 29 de março.

 

Fonte: Galeria Laura Marsiaj

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Uma seleção de Anita Schwartz

Anita Schwartz Galeria de Arte, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, apresenta, a exposição coletiva “Éter”, com 24 obras de 17 artistas representados pela galeria, sendo três delas – dos artistas Gustavo Speridião e Otávio Schipper – inéditas. As demais obras foram produzidas entre 1999 e 2013, em diferentes técnicas e suportes, como pintura, desenho, escultura, instalação e site specific.

 

“Éter é uma reunião de obras do acervo que preenchem delicadamente o espaço da galeria. Na mostra, encaramos o desafio de selecionar trabalhos que se confundem com o ambiente expositivo, seja por transparências, reflexões ou camuflagens. Por isso, o título da exposição se refere ao éter, no sentido de uma substância hipotética, menos densa que o ar, que já se acreditou ocupar todo universo”, afirma Anita Schwartz.

 

A mostra, que ocupará todo o espaço expositivo da galeria, terá obras dos artistas Abraham Palatnik, Ana Holck, Angelo Venosa, Antonio Manuel, Carla Guagliardi, Carlos Zílio, Claudia Bakker, Daisy Xavier, Estela Sokol, Everardo Miranda, Gustavo Speridião, Ivens Machado, Nuno Ramos, Otavio Schipper, Sabrina Barrios, Waltercio Caldas e Wanda Pimentel.

 

Os trabalhos são muitas vezes tão sutis que exigem do espectador uma atenção, uma entrega do olhar. “A exposição busca encorajar os visitantes a contemplarem as obras, propondo um novo olhar sobre o espaço”, diz a galerista.

 

 

O espaço

 

Ao construir em 2008 seu novo espaço, com projeto do arquiteto Cadas Abranches, Anita Schwartz mudou o patamar das galerias de arte na cidade. Com cerca de 800 metros quadradas, o espaço moderno passou a ser um local privilegiado para as artes visuais no Rio de Janeiro. O projeto arquitetônico foi totalmente pensado para abrigar uma galeria, iniciativa pioneira na cidade. O cuidado com que se cercou essa construção é visível nos mínimos detalhes. Absolutamente tudo foi pensado para deixar o artista confortável em apresentar seu trabalho em qualquer formato ou suporte.  O conceito de “cubo branco”, ou seja, um espaço neutro que não interfira com a obra de arte, é o centro do projeto.  Com mais de sete metros de altura de pé direito, a sala principal tem 140 metros quadrados de área, permitindo a colocação de obras de arte em tamanho monumental.  Ainda no térreo, há uma sala multiuso, que permitirá desde trabalhos em papel a vídeos. No terceiro andar, mais um generoso espaço expositivo, e um terraço com piso de madeira.  Ainda no terraço, um contêiner com 20 pés que abriga videoinstalações.

 

 

Até 12 de abril.

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Krajcberg em Paris

12/fev

Uma escultura de Frans Krajcberg, denominada “Fragmento Ecológico nº5”, datada 1973/1974, faz parte da Coleção Permanente do Centre National d´Art et de Culture George Pompidou, em Paris, desde o final da década de 70. O acervo tem um sistema de rodízio e, atualmente, a escultura encontra-se em exposição. A imagem do espaço expositivo do Centro Pompidou, que ilustra esta nota, é de autoria do próprio Krajcberg. O artista é representado no Brasil pela Galeria Márcia Barrozo do Amaral, Copacabana, Shopping Cassino Atlântico, Rio de Janeiro, RJ.

 

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A Cara do Rio 2014

11/fev

Depois de sucessivas edições que ocuparam o Centro Cultural Correios com grande sucesso de público,  a coletiva “A Cara do Rio 2014/Qual é a cara do Rio?” mudou de endereço e inaugurou a Villa Olívia Artes – a primeira Galeria da Zona Portuária, no charmoso Morro da Conceição.

 

O desafio proposto pelo curador Marcelo Frazão aos quarenta expositores foi responder, em linguagem artística,  a  pergunta:  QUAL É A CARA DO RIO? Agora o público vai poder conferir o resultado de todo este processo criativo, englobando  pinturas esculturas, desenhos, fotografias, vidro, cerâmica e gravuras.  Os 40 trabalhos são assinados por Fernando Duval, Solange Palatnik,  Paulo Villela,  Sonia Madruga, Carlomagno, Clare Caulfield, Mauricio Barbato, Paula Erber,  Newton Lesme, Regina Guimmarães, Ana catarina Hallot entre vários outros.

 

O conjunto dos trabalhos expostos na mostra “A Cara do Rio”,  marcada pela diversidade e por ser multifacetada, oferece ao espectador uma pequena mas significativa  representação de ângulos de nossa cidade,  a partir da memória afetiva ou visual  de cada artista.  Já o catálogo da exposição,  reunindo  o perfil dos artistas integrantes da exposição,  vai além de fornecer dados sobre os autores,  funcionando  também como um anuário dos artistas que estão em atividade na cidade e nem sempre tem espaço para levar seus trabalhos ao público,  como explica Frazão.

 

Para esta exibição a artista plástica Marina Vergara, numa ode à mulher,  preparou uma monumental escultura com 4 metros de altura  para a fachada do antigo sobrado da Ladeira João Homem, número 13, onde se localiza a Villa Olivia.

 

Tendo iniciado em 2003,  a mostra “A Cara do Rio” chega a sua décima edição  apostando  na renovação e na continuidade do talento dos artistas.

 

 

Até 03 de abril.

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A linguagem múltipla de João Machado

A Caixa Cultural, Centro, Rio de Janeiro, RJ, inaugurou a exposição “Atlas”, individual com 20 obras do artista plástico João Machado. Sob a curadoria de Antônio Cava, a mostra apresenta trabalhos produzidos entre 2008 e 2013, como esculturas, desenhos, gravuras, fotografias e uma videoinstalação. “Atlas” é a primeira grande individual brasileira do artista que tem carreira consolidada em Paris, onde viveu até o ano passado.

 

A curadoria optou por uma montagem panorâmica que permite ao expectador participar da “viagem” do artista. “O que me atrai no trabalho do João, além da contemporaneidade dos temas abordados e da experimentação em diferentes suportes, é a sua natureza espiritual na conjugação de tempo e espaço. Sua obra é ao mesmo tempo autobiográfica e universal. Possui uma brasilidade intrínseca, principalmente no que diz respeito a natureza”, afirma o curador Antonio Cava.

 

 

Sobre João Machado:

 

Filho do também artista Juarez Machado, João mudou com o pai para Paris aos oito anos. Formou-se em arte pela École de Beaux Arts, de Paris, e em cinema pelo Art Center College, de Los Angeles. Com uma sólida carreira como artista plástico na Europa e Estados Unidos, também realizou alguns filmes como, Sons of Saturn (2006) e The Champagne Club (2001).

 

 

Até 09 de março.

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Graphos:Brasil apresenta Lippe Muniz

A galeria Graphos:Brasil, Copacabana, Rio de janeiro, RJ, inaugurou a exposição “História da Melancolia”, individual do artista plástico Lippe Muniz. A mostra reúne cerca de 50 obras produzidas desde 2010, apresentando diferentes séries cuja temática aborda a condição humana.  A partir de imagens coletadas em feiras de antiguidades, em velhos álbuns de fotografia ou em revistas antigas, o artista trata com uma ótica ultra contemporânea de temas recorrentes no imaginário humano: “Falo da morte usando imagens do passado. Logo, a memória e a história tornam-se elementos chaves em minha problemática. Toda a minha poética é baseada na ideia de uma arte trágica. Colagem, desenho, pintura, instalação e performance se entrecruzam, se contaminam e criam uma obra única. Talvez uma Gesamtkunstwek (obra de arte total),” diz o artista. Na obra de Lippe Muniz cenas de conflitos e do cotidiano sob a ótica da opressão social e da construção de utopias, criam uma atmosfera onde passado e presente, memória e atualidade convergem de forma incisiva.  A exposição apresenta telas impregnadas de tinta negra, instalações, assemblages e apurados desenhos em grafite. As obras são marcadas por textos escritos à mão e por detalhes pictóricos que flertam com o surrealismo, na medida em que a incorporação de objetos do dia a dia e sua consequente resignificação por meio da colagem reforçam a poética metafórica dos trabalhos. Para a crítica literária Lívia Letícia “os muitos negros que saem da palheta de Lippe se entrelaçam à poesia da palavra-tinta em diferentes línguas, para invadir e dilacerar as tramas históricas e as cavernas da memória, deslocando sentidos, pelo riso melancólico e nervoso que macula e tatua com cicatrizes a História e a história. Marcas na memória: arte suja, bela e feia”.

 

 

São apresentadas três séries e um conjunto de objetos e uma instalação:

 

“Weltwehmut” – desenhos que tem por base imagens fotográficas combinadas com novos elementos, objetos, estranhas formas negras e fragmentos textuais, denotam impressões do absurdo, solidão, tristeza, opressão e morte.

 

“História da Melancolia” – série de pinturas negras que explora as possibilidades de criação pictórica sem a presença marcante da cor. São vestígios de rabiscos, respingos e as camadas de tinta preta (e branca) cortado por linhas vermelhas finas semiprecisas que formam estruturas geométricas e desenham um espaço quase que gráfico. As estruturas geométricas nos remetem ao desejo construtivo de ordem e de utopia e em meio a massa pictórica escura da obra, evocam lucidez.  A colagem de imagens do passado, imagens fotográficas de anônimos e figuras históricas, achadas nas gavetas da memória trazem consigo nostalgia e melancolia. A visão de um passado trágico, da história traumática de um homem que gravita entre o incerto e a finitude.

 

“Homens Carregam Homens Desde Que Eu Me Conheço” – Pinturas negras sobre papel feitas sob o impacto visual, sensível e intelectual das manifestações políticas que povoaram as ruas do mundo nos últimos anos.

 

“Objetos e instalação” – objetos (assemblages) e instalações criados a partir da combinação de imagens e objetos coletados ao acaso, mas que carregam uma memória, uma história, e que quando combinados (muitas vezes de forma precária) exprimem uma condição frágil, de equilíbrio precário, numa metáfora da própria condição humana.

 

Repletas de referências históricas, literárias e filosóficas, as obras desdobram-se em muitas camadas, proporcionando um convite à reflexão – nem sempre fácil, mas necessária – de temas humanos, demasiado humanos.

 

 

Sobre o artista

 

Lippe Muniz nasceu em Duque de Caxias, RJ, em 1986. Estudou Gravura na Escola de Belas Artes da UFRJ, frequentou os cursos Arte Hoje, Performance: O Corpo Como Linguagem e o Aprofundamento na EAV Parque Lage, e o curso Pósmodernidade:  A arte na Contemporaneidade na Escola de Belas Artes da UFRJ. Participa do Programa de residência Master der Fremde=Master der Heimat – Wortwedding Lade für Kunst und Poesie, residindo por um ano em Berlim na Alemanha. Participou de diversas exposições coletivas no Brasil e na Alemanha. Na Alemanha apresentou as individuais: A Minha Euforia Eu Carreguei Para um Canto Longe, Wortwedding Lade für Kunst und Poesie, Berlim, Alemanha, 2012; e Bühne für Kohle, Stöcke und Schweigen, Kunsthof Jena, Jena, Alemanha, 2010.

 

Até 1º de março.

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Três artistas na Inox

05/fev

Chama-se “ Diálogo: Um Chão Para Brincar, Um Céu Para Voar”, exposição coletiva dos artistas Adrianna eu, Lívia Moura e Renato Bezerra de Mello, com curadoria de Isabel Portella,  na Galeria Inox, Shopping Cassino Atlântico, Copacabana, Rio de Janeiro, RJ. Em exibição: cinco objetos, dois desenhos, um vídeo, uma fotografia e duas instalações. Um diálogo sutil entre esses três artistas. Ao se apropriarem sutilmente de suas poéticas eles criaram diálogos entre si, traçaram pontes, caminhos e comungaram das mesmas questões. O olhar desses artistas alcança outras verdades. Escadas, gaiolas e espirais guardam visões e ampliam o olhar do espectador.

 

Adrianna eu apresenta uma instalação e dois objetos que abordam o campo dos afetos, tema recorrente em seus trabalhos. Depois de uma visita ao oftalmologista e a possibilidade de “corrigir” seu grau, por meio de uma cirurgia, a artista decidiu não mudar nada para que seu olhar singular sobre o mundo se mantivesse. Logo depois, começou a esboçar uma série inteira de trabalhos relacionados a esse tema, que vai ser apresentando na Galeria Inox. São óculos antigos, suspensos no ar, que hora estão ligados por costura, hora pendem do teto da galeria na altura dos olhos, seguros por fios transparentes, hora se agrupam dentro de uma gaiola de pássaros. Para a artista, eles questionam as distâncias, os padrões, o que é perto e o que é longe na relação com o outro, com si mesmo e com o mundo.

 

Depois de alguns diálogos com o grupo, Lívia Moura teve uma sensação que a acompanha desde pequena, quando está para dormir, naqueles instantes de vigília. Uma sensação de ser extremamente minúscula em um espaço gigantesco ou ser gigantesca num espaço extremamente minúsculo. Desse sentimento, veio a instalação “Vigília”, criada em Lisboa e banhada na água benta do santuário de Nossa Senhora de Fátima. Quase como um altar, a escada de rendas brancas fica pairando no ar e se desmancha em uma nuvem. Ela não toca o chão, mas um fio ligado a ela chega até o chão e se espalha pela sala. No fim do fio está o rolo de linha que a tudo originou. As rendas são uma marca no trabalho da artista, onde atuam como uma rede de conexões com a grande paisagem, com a totalidade.

 

Renato Bezerra de Mello mostra um conjunto de obras em diferentes mídias (um vídeo, três objetos, um desenho e uma fotografia) tendo como ponto de partida o vídeo “Um chão para brincar”, no qual o artista trava um embate inglório com pequenos tubos de papel, muito leves, que tenta a todo custo manter de pé, sem muito sucesso. Este movimento contínuo evoca primeiramente a visão do perfil de uma grande cidade e suas constantes transformações, mas o espectador não deve se prender a isto, estabelecendo outras relações. Na sua queda os tubos emitem um belo som, compondo uma discreta peça musical surgida do acaso. Esses mesmos tubos serão apresentados na exposição, quer seja deitados sobre uma superfície plana (nos fazendo pensar numa maquete de uma pequena biblioteca de rolos em pergaminho); ou recolhidos em pequenos rolos condicionados em pequenas caixas, uns dentro dos outros. Além disso, numa alusão aos tubos também vai mostrar uma nova série de desenhos em grafite. Por fim, vai exibir uma fotografia escolhida entre várias que costuma fazer durante a elaboração de suas obras, um fragmento do seu processo de trabalho.

 

 

Adrianna Eu

 

Nasceu no Rio de Janeiro, em 1972, onde reside e trabalha. É formada pela EAV-Parque Lage. Realizou sua primeira exposição individual em 2005, Trabalhos Recentes, Comemorativa de 20 anos do Paço Imperial/RJ. Participou de diversas exposições coletivas nacionais e internacionais. Tem como um de seus temas as relações das pessoas com a própria identidade. Gosta de pensar que sua trajetória é traçada pelo desejo.

 

 

Lívia Moura

 

Lívia Moura, 27 anos, nasceu e cresceu no Rio de Janeiro. Iniciou sua pesquisa poética nas artes plásticas aos 15 anos. Frequentou a Escola de Artes Visuais do Parque Lage, formou-se no Instituto de Artes da UERJ. Atualmente, vive e trabalha entre o Brasil e a Itália. Seus desenhos são como uma planta de arquitetura que se desdobra em instalações e performances. O resultado é uma produção multimidiática que inclui livros, fotografias e vídeos. Em março, Lívia fará uma exposição invidual na galería Dino Moora, em Nápoles, Itália.

 

 

Renato Bezerra de Mello

 

Natural de Pernambuco, mora no Rio de Janeiro há 30 anos, tendo trabalhado como arquiteto no restauro de bens tombados até o início dos anos 2000, quando vivendo em Paris passou a dedicar-se exclusivamente às artes plásticas. Já fez exposições em varios lugares do mundo e no Brasil. No momento, participa de uma exposição coletiva Play, no Museu Bispo do Rosário Arte Contemporânea, no Rio de Janeiro, assim como da itinerância da 17ºBienal de Cerveira, em Portugal.

 

 

De 19 de fevereiro a 22 de março.

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Ernesto Neto no Guggenheim Bilbao

22/jan

A partir de fevereiro, o museu Guggenheim Bilbao, Bilbao, Espanha, vai dedicar uma exposição ao artista brasileiro Ernesto Neto. A exibição ganhou o título de “The Body that Carries Me” e o artista, que se autodefine escultor, cria seus trabalhos para que sejam percorridos, habitados e sentidos, permitindo que o espectador, ao contemplá-las, experimente seu próprio corpo e sensações através da obra e vice-versa. Ao interagir com as obras e com as outras pessoas, os visitantes se veem imersos em uma fusão de escultura e arquitetura. Nelas, Ernesto Neto explora a sensualidade e a corporalidade, nos aspectos comuns das relações interpessoais. A exposição no Guggenheim Bilbao ocupará o átrio central e oito galerias do segundo andar do prédio. Cada uma delas oferecerá uma experiência diferente, que exigirá um ritmo distinto para sua consequente visão ou participação.

 

Segundo o Guggenheim Bilbao, a mostra foi desenvolvida em parceria com o artista. Suas obras exploram os sentidos, como olfato, visão, linguagem e outros aspectos sensoriais. Para Ernesto Neto, a mostra é um local para a poesia, onde os visitantes podem escapar da rotina. Ao todo, serão exibidos cerca de 25 trabalhos  que marcaram a trajetória do artista. A curadoria é de Petra Joos, um nome de referência no circuito artístico europeu.

 

 

A palavra do artista

 

“Estamos sempre recebendo informação, mas na exposição o meu desejo é fazer com que as pessoas parem de pensar e encontrem um refúgio na arte. Eu acho que não pensar é bom, porque isso nos dá um respiro da vida”.

 

De 13 de fevereiro a 18 de maio.

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Coletiva na Galeria Laura Marsiaj

A Galeria Laura Marsiaj, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, apresenta a exposição coletiva “JUNTOS, APOLO e DIONISIO”, sob a curadoria da crítica de arte Ligia Canongia. A curadoria elencou os seguintes artistas (em ordem alfabética): Angelo Venosa, Antonio Dias, Daniel Senise, Fábio Miguez, José Damasceno, José Resende, Kilian Glasner, Laura Vinci, Marcos Chaves, Paulo Pasta e Paulo Vivacqua. A proposta da curadoria foi reunir artistas que fundem a bipolaridade entre as formas apolíneas e as dionisíacas, isto é, aquelas que primam pela definição de uma estrutura precisa e aquelas que carregam uma pulsão mais vital e romântica.

 

 

A palavra da curadora

 

“Essa tensão bipolar sempre esteve enraizada na civilização ocidental, como uma esquizofrenia crônica, gerando programas artísticos que pendiam ora para a grade matemática, ora para a prática mágica ou orgíaca.”

 

“A ideia da exposição é exatamente revelar como os artistas contemporâneos romperam essa dicotomia, fundindo os dois polos de sua oposição, e imiscuindo a energia dionisíaca no seio mesmo do equilíbrio apolíneo.”

 

“Os artistas escolhidos parecem impermeáveis às dicotomias que nortearam a tradição histórica da arte, propondo obras que entrelaçam o cogito com as experiências sensoriais, na busca de espacialidades mais complexas e dissonantes.”

 

 

De 28 de janeiro a 13 de março.

 

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