AGENDA CULTURAL

“da banalidade” Volume 1

29/jan

: Ana Elisa Egreja

: Cabelo

: Julia Kater

Criado pelo Instituto Tomie Ohtake, Pinheiros, São Paulo, SP, em 2013, o Programa Arte Atual se consolida como plataforma para pesquisas e trabalhos inéditos de jovens artistas e como um espaço de mostras coletivas construídas a partir de perspectivas múltiplas e heterogêneas sobre uma mesma questão. De início concebido para realizar-se anualmente, apresentou em suas três primeiras edições 10 artistas em distintas configurações e motes e, em 2015, gerou um novo programa associado: o Festival Arte Atual, no qual artistas ainda mais jovens são convidados para um processo dinâmico e experimental de exposição.

Neste ano, o Arte Atual ganha novo fôlego, apresentando-se como um programa que ao longo do ano realiza diversas mostras pensadas a partir de um tema central que funciona como denominador comum, lido por diferentes horizontes a cada nova montagem. “O conjunto da Banalidade (volumes 1, 2, 3 e 4) pode ser entendido como um livro e seus vários capítulos, organizados intermitentemente com diferentes artistas, abordagens e leituras”, explica Paulo Miyada, curador do Instituto Tomie Ohtake.

Tomando emprestado seu nome da clássica tratadística renascentista do século XV, da Banalidade funciona, diz Miyada, como um ensaio sobre o senso comum, a superfície das coisas, as coisas pequenas, a delicadeza, a banalidade do mal e a banalização do político. Segundo o curador, a cada leitura novos jeitos de lidar com este grande tema se desdobram nos projetos dos artistas convidados a integrar essa proposta.

Neste primeiro volume, Ana Elisa Egreja, Julia Kater e Cabelo – por meio de pinturas, serigrafias, instalações e vídeos– associam e discutem a frivolidade, a futilidade, o mau gosto, a tolice, o que passa despercebido, a delicadeza, o pequeno e o ordinário, numa tentativa inicial de refletir sobre a muitas formas da banalidade. “O que interessa aqui não é demonstrar como os artistas podem fazer algo especial valendo-se de coisas materiais banais, ao contrário, é acompanhá-los no manuseio do banal enquanto banal, aproveitando sua suposta falta de especificidade, aura e valor na tentativa de pensar seus significados mais desconcertantes”, explica Miyada.

O Programa Arte Atual é realizado por meio de parcerias entre o do Instituto Tomie Ohtake e galerias de arte, que apoiam a realização do projeto e das obras de seus artistas representados. Nesta edição, contou com a colaboração das galerias Leme, Marília Razuk e SIM.

Até 06 de março.

Claudia Jaguaribe na Suiça

28/jan

Até 21 de março, a Fundação Brasilea, Basel, Suiça, apresentará obras da fotógrafa brasileira Claudia Jaguaribe. A artista nasceu no Rio de Janeiro e reside em São Paulo desde a década de 1990.

Claudia Jaguaribe
As obras da artista tem sido moldadas por uma investigação sobre as metrópoles e a natureza. Fortemente influenciada pelas atuais questões sócio-políticas de nosso tempo, a artista trata da dicotomia entre a urbanidade e a natureza. Suas obras tem como objetivo mostrar a relação de tensão entre o crescimento urbano e a paisagem; como a cidade recria o espaço urbano e modifica a natureza ao seu redor. A intenção da artista nao é documentar a realidade. Ela pretende amplificar através da justaposição de elementos uma visão de um futuro provável onde está contida uma crítica de como acontece o desenfreado desenvolvimento urbano. As obras de Claudia Jaguaribe são baseadas em técnicas fotográficas, instalações de vídeo e trabalhos que embora trazendo um aspecto documental vão além procurando enriquecer os registros com uma discussão da própria linguagem da fotografia. As transições entre as metodologias aplicadas são fluidas. Isto forma o núcleo de suas criações: um desfoque de contornos, limites e da percepção da realidade. Ela trabalha com a matéria primordial da natureza como uma realidade determinada – e nos traz novas percepções. Este tipo de processo recria a realidade e traz imagens trabalhadas por um novo contexto influenciado por suas próprias experiências que criam a estrutura necessária da percepção. A série de Claudia Jaguaribe, “Topografias”, que está sendo exibida na Fundação Brasilea, é um exemplo da sua forma de trabalhar misturando documentação com criação; entre as técnicas de produção e construção fotográfica. Através da composição de azulejos individuais para formar o complexo trabalho, cria-se a impressão de uma imagem fotográfica da realidade ainda que seja, na verdade, uma composição fictícia. Azulejos são grandes superfícies compostas por diversos quadrados parecido com um mosaico, uma forma herdada da herança portuguesa e incorporada as técnicas da fotografia de hoje. O conceito da exposição explora nos 3 andares as diferentes abordagens pictóricas sobre os temas da natureza e da urbanidade e como estas se relacionam em diferentes formatos. No piso do porão a natureza é vista num grande painel com uma interferência gráfica que cria partes cobertas numa referência ao desmatamento. No térreo, a urbanidade da cidade do Rio de Janeiro é abordada em diversas perspectivas repensando a relação do urbano com a natureza, tanto nas imagens da Série Entre Morros quanto na série Topografias. As outras duas series exibidas são: Homenagem a Hélio que mostra restos de construção encontradas em favelas do Rio que adquirem formatos de esculturas e a série Cacotocea onde a natureza é apropriada para criar azulejos numa crítica ao aquecimento e a consequente desertificação da paisagem brasileira. Por ultimo, temos os livros da artista expostos juntamente com a série das Bibliotecas – fotografias que criam um trompe l’oeil de uma biblioteca aonde livros com lombadas de florestas fazem uma alusão a preservação da memória da mata. (Daniel Faust, Diretor)

Até 21 de março.

Artista havaiana

A Gabriel Wickbold Studio & Gallery, Vila Nova Conceição, São Paulo, SP, inaugura seu espaço com a individual “Celestial Bodies – A Fotografia Subaquática de Christy Lee Rogers”, com curadoria de Gabriel Wickbold. Expostos pela primeira vez no Brasil, 11 trabalhos da artista visual havaiana Christy Lee Rogers compõem a mostra, exibindo seu domínio técnico em cenas inspiradoras, que representam corpos submersos em água, durante a noite, com efeitos naturais criados pela refração da luz.

A obsessão de Christy Lee Rogers com a água como ferramenta para quebrar as convenções da fotografia contemporânea ganhou força na última década, por meio de um mergulho contínuo no universo dos grandes mestres da pintura. Autora de imagens turbulentas em cor e complexidade, constrói cenas elaboradas de coloração coalescente e corpos que exaltam a figura humana como fonte de vigor e calor, em um processo frágil de experimentação. “O propósito por trás do meu trabalho é questionar e encontrar um lugar de compreensão em meio a loucura, a tragédia, a vulnerabilidade, a beleza e o poder da humanidade. Minha preocupação encontra-se em questões de liberdade, tanto no ganho quanto na perda”, reflete a artista. Sobre seu trabalho, Adam Jacques, jornalista do londrino The Independet, comenta: “A recompensa etérea é, de fato, sinônima de uma mistura de Mestres – os tons vívidos de Ticiano, os corpos tencionados de Rubens, o chiaroscuro de Caravaggio, mas também as pinceladas soltas e o movimento fluido de Delacroix; pistas, também, das ascensões celestiais ao estilo de Tiepolo que adornam muitas capelas venezianas do século XVIII”.

A mostra marca a inauguração da Gabriel Wickbold Studio & Gallery, espaço desenvolvido fora dos moldes de uma galeria convencional. “Vamos trabalhar em prol da memória fotográfica na cena cultural brasileira”, diz Gabriel Wickbold. Acerca da individual de Christy Lee Rogers, o curador comenta: “Os trabalhos têm uma relação muito forte com o ambiente da galeria. Eles são energéticos, acessíveis para diversos públicos, e ao mesmo tempo estimulam a reflexão com uma pesquisa profunda sobre a história da arte e um domínio técnico e autoral da fotografia”.

De 28 de fevereiro a 11 de março.

110 anos

16/jan

A Índica Arte e Design, Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, realiza a abertura da exposição de José Oiticica Filho.

Com curadoria de Cesar Oiticica Filho e Carlo Cirenza, a mostra comemora 110 anos de nascimento do fotógrafo e pintor. Pai de Hélio Oiticica, J.O.F. foi um dos grandes nomes da fotografia moderna brasileira, criando experimentações com fotografias construtivas e abstratas através de intervenções no processo de revelação.

Até 12 de março.

Quatro artistas na Hathi

14/jan

Instalada na galeria Ipanema 2000, Rio de Janeiro, RJ, a Hathi Galeria, abre sua primeira exposição prometendo periodicidade. Márcio Niemeyer, Ani Cuenca, Poe e Maíra Allemand expõem telas e fotografias, com técnicas, temas e propostas diferentes. Em comum, a “Simplicidade no olhar”, que não por acaso dá nome à mostra.

Márcio Niemeyer atribui à vocação da família a atração pela arte da imagem através das lentes, que o levou a fotografar desde pequeno. Ele expõe trabalhos da série “Skandinaviska”. Arquiteta por formação, Ani Cuenca, que se se define essencialmente como uma desenhista, assina telas monocromáticas sempre inspiradas em recortes da natureza. Maíra Allemand teve seus primeiros contatos com a fotografia na Faculdade de Desenho Industrial. Poe se define como um artista visual. Na série “Fine Line”, a busca pela essência na obra é levada ao rigor máximo do minimalismo. Apenas uma linha corta o espaço pictórico, ora contra uma cor sólida, ora contra a tela crua.

Sobre os artistas

Ani Cuenca

Arquiteta formada, com passagem em vários escritórios badalados da cidade, Ani Cuenca se define essencialmente como uma desenhista. Desde a época da faculdade, cursada na UFRJ, ela admite que adorava as aulas em que os trabalhos eram feitos em pranchas de nanquim sobre papel vegetal. Simples e essencial. O tempo passou, Ani se formou, e, o computador se tornou a principal ferramenta na sua vida profissional, mas a vontade de retomar os pincéis e canetas continuava forte. “Percebi o quanto o traço a mão era importante quando via os registros depois das reuniões. Sem perceber, os cadernos ficavam sempre cheios de rabiscos”, conta ela. Seus cadernos eram verdadeiras obras de arte e suas composições orgânicas inspiradas na natureza compensavam os excessos de linhas retas de seus projetos. Há cerca de um ano, Ani resolveu investir na carreira artística. Montou um atelier e passou a assinar telas monocromáticas sempre inspiradas em recortes da natureza.

Márcio Niemeyer

Márcio Niemeyer nasceu no Rio de Janeiro. Sua atração pela arte da imagem através das lentes o levou a fotografar desde pequeno, talvez pela influência de seu avô. Começou a clicar a beleza natural do Rio de Janeiro com as câmeras mecânicas de seus pais. Atraído por paisagens, cenários naturais, e pelo cotidiano no mundo, é cativado pela simplicidade no olhar. A série apresentada por ele na Hathi, “Skandinaviska” apresenta fotos clicadas na Dinamarca, Noruega e Suécia. Ele destaca, entre outros detalhes, as excêntrica Copenhagen, a pitoresca e chuvosa Bergen, a energizante Honningsvåg – onde se encontra a 15 km Nordkapp, o ponto continental mais ao norte no Círculo Polar Ártico do planeta -, e a encantadora Estocolmo, que contrasta o lado histórico de seu “reino” com o arrojado desenvolvimento tecnológico.

Maíra Allemand

Maíra Allemand nasceu em Florianópolis, onde reside atualmente. Conheceu a fotografia na faculdade de desenho industrial em 2000, e graças às influências dentro de casa desde pequena na área de decoração de interiores, fez com que sua verdadeira paixão despontasse através desse segmento. Formada em Fotografia pela UNIVALI em 2013, atualmente a artista segue clicando exclusivamente para uma fábrica de móveis, onde também atua como designer gráfica, profissional de marketing, na curadoria de projetos e na organização de eventos e conceito das novas coleções. Profissionais da área de decoração estão entre os clientes que compram seu trabalho.

Poe

O olhar saturado por informações encontra o conforto no horizonte. A linha da vida e os segredos decifrados pelas cartomantes. O caminhar de uma existência visto de fora como uma estrada. Na série “FINE LINE”, do artista visual Poe, a busca pela essência na obra é levada ao rigor máximo do minimalismo. Apenas uma linha corta o espaço pictórico. Ora contra uma cor sólida, ora contra a tela crua. A jornada começa no Leste em direção ao Oeste, sai do excesso indo ao encontro do essencial. BIO Poe Ramon, 40 anos, trabalha no Rio de Janeiro. Formado em Comunicação Social PUC e estudos nos cursos de fundamentação na EAV. Os movimentos de vanguarda do século XX, como o dadaísmo, cubismo, a pop art, expressionismo abstrato são as inspirações dos seus trabalhos.

A partir 14 de janeiro.

Catálogo – Destino dos Objetos

18/dez

No próximo sábado, dia 19 de dezembro, às 15 horas, a Fundação Vera Chaves Barcellos lançará o catálogo da exposição “Destino dos Objetos”, na Sala dos Pomares, em Viamão, RS. Ilustrada com imagens da exposição, a publicação bilíngue português|inglês apresenta texto do curador da mostra e uma entrevista inédita com os artistas Patricio Farías e Vera Chaves Barcellos sobre colecionismo.

Participam da mostra artistas brasileiros, latino-americanos e europeus: 3NÓS3, Albert Casamada, Almandrade, Amanda Teixeira, Anna Bella Geiger, Antoni Muntadas, Boris Kossoy, Brígida Baltar, Cao Guimarães, Carlos Asp, Carmela Gross, Christo, Daniel Santiago, Elcio Rossini, Ester Grinspum, Evandro Salles, Feggo, Gisela Waetge, Gretta Sarfatty, Hannah Collins, Heloísa Schneiders da Silva, Hudinilson Jr., Jailton Moreira, Jesus R.G. Escobar, Joan Rabascall, Joaquim Branco, Joelson Bugila, Julio Plaza, Klaus Groh, León Ferrari, Lia Menna Barreto, Mara Alvares, Marcel-li Antunez, Marcelo Moscheta, Marco Antônio Filho, Marcos Fioravante, Maria Lúcia Cattani, Mariana Silva da Silva, Marlies Ritter, Mario Ramiro, Mário Rohnelt, Michael Chapman, Nicole Gravier, Nina Moraes, Patricio Farías, Rogério Nazari, Téti Waldraff, Ulises Carrión, Vera Chaves Barcellos e Waltércio Caldas.

Uma coleção particular

17/dez

: Iran do Espírito Santo

A Pinacoteca do Estado de São Paulo, Estação da Luz, São Paulo, SP, museu da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, exibe a exposição “Uma coleção particular – Arte contemporânea no acervo da Pinacoteca” que apresenta um panorama da arte contemporânea no Brasil a partir de sua coleção. Uma seleção que reúne mais de 60 obras, a maioria incorporada recentemente ao acervo da instituição e com trabalhos que vêm a público pela primeira vez – como é o caso dos empréstimos em comodato da coleção Roger Wright, parceria firmada este ano.

São pinturas, esculturas, vídeos, fotografias, desenhos, gravuras e instalações, realizadas de 1980 até hoje por artistas nascidos ou radicados no país. “O corte cronológico considera o processo de reorganização da vida política e cultural brasileira com o fim da ditadura militar (1964-1985), mas também leva em conta um período de reestruturação da própria Pinacoteca, que compreende, por exemplo, a reforma de sua sede, entre 1994 e 1998”, explica o curador da Pinacoteca José Augusto Ribeiro.

A mostra ocupa todo o primeiro andar do museu com trabalhos históricos como “Ping-ping”, de Waltercio Caldas, além das obras de Iberê Camargo, Gilvan Samico, Regina Silveira, Tunga, Leda Catunda, Beatriz Milhazes, Erika Verzutti, Rosângela Rennó, Ernesto Neto, Rubens Mano, Tonico Lemos Auad, Willys de Castro, João Loureiro, Alexandre da Cunha, entre outros artistas. Nomes de grande projeção internacional e que são referência para as novas gerações, ao lado de artistas em início de suas trajetórias profissionais, todos de diferentes regiões do Brasil. “A seleção confirma a posição da Pinacoteca como uma das instituições museológicas com uma das coleções públicas mais importantes do País”, completa Ribeiro.

A diversidade de artistas aparece também nas 12 salas expositivas, além do Octógono e do lobby, onde o visitante encontra obras bastante diferentes e, a partir das relações sugeridas pela curadoria, consegue perceber as singularidades de cada peça. Grande parte dos artistas desta mostra compôs a programação da Pinacoteca nos últimos anos, por isso também ela faz parte do calendário comemorativo de 110 anos do museu.

Até 31 de janeiro de 2016.

Vik Muniz, um panorama

16/dez

100 obras do artista Vik Muniz, entre as quais fotos de imagens feitas com sucata, terra, diamantes e até comida, encontram-se em exibição no Galpão do Museu Vale, Antiga Estação Pedro Nolasco, Argolas, Vila Velha, ES. A exposição se completa com uma sala documental e o lançamento do catálogo. Na sala de exposições temporárias do Museu Vale, uma cronologia ilustrada, making of dos trabalhos, livros e catálogos para consulta do público e uma sessão diária às 15h do filme “O Lixo extraordinário”.

Rostos, cartões postais, figuras mitológicas, pessoas comuns, todos desenhados e detalhados com materiais tão diversos quanto feijão, chocolate, macarronada, diamantes, açúcar, sucata, geleia e manteiga de amendoim se transformam, depois de fotografados, em obras de arte que podem até ser o que parecem, mas nunca só isso.

No Museu Vale, entretanto, chegou acrescida de obras recentes do artista, além de 33 fotografias que compõem “Earthworks”. Em “Earthworks” – obra ícone da exposição – as minas da Vale em Carajás e Minas Gerais foram palco da construção, em 2002.

– Um trabalho tão complexo como foi “Earthworks”, que demandou precisão, empenho de muita gente e uma estrutura incrível de logística. E agora, mais de dez anos depois, é justamente o Museu Vale quem me convida para expor no Espírito Santo – constata Vik Muniz. – Acho interessante essa rede de recorrências, de interações que multiplicam a arte.Na vastidão das áreas mineradas a céu aberto, Vik Muniz, em parceria com a Vale do Rio Doce, realizou a série de fotografias. De helicóptero, o artista comandou a operação e fotografou os desenhos feitos com tratores e escavadeiras em grandes áreas de mineração da companhia. Com o GPS, o traçado era sinalizado no terreno, indicando onde as retroescavadeiras deveriam escavar.

As fotografias parecem uma documentação de marcas deixadas por extraterrestres em regiões não urbanas mas com certa ironia em relação aos objetos de uso cotidiano: cabide, lâmpada, tesoura, colher, dado e clipe de metal, entre outros. O trabalho remete às intervenções monumentais em paisagens naturais (Land Art) de artistas como Robert Smithson (1938–1973). Na série, Vik brinca com a percepção do espectador, intercalando fotos de maquetes com outras realizadas no terreno da Vale, ou seja, misturando obras de grande e pequena escalas.

Na mostra “VIK MUNIZ”, vários trabalhos referenciais do artista marcam presença como: Sugar children (Crianças de açúcar), série de rostos de meninos filhos de operários das usinas açucareiras caribenhas, desenhados com açúcar; imagens de diamantes, que recriam rostos de celebridades, redesenhados com milhares de diamantes; Postcards from nowhere (Cartões-postais de lugar nenhum), que exibe cartões postais, no mínimo, inusitados de várias cidades do mundo. Merece destaque também a série de recriações de obras originais de grandes pintores, como Caravaggio, sempre com o suporte de materiais improváveis.

É um sonho antigo ter Vik Muniz aqui – comemora Ronaldo Barbosa, diretor do Museu Vale e responsável pelo convite ao artista.
– É um artista extremamente atual, com uma obra renovadora e dinâmica, afinada com as tendências mais éticas dentro da arte contemporânea hoje – sintetiza.

Na mira da arte

– Não tem problema usar chocolate, é bom. O ruim é a tinta, porque nunca se sabe direito o que contém – brinca o artista, que abriu os caminhos para uma carreira internacional na arte depois de mudar-se de São Paulo para Nova York. Explica-se: após apartar uma briga de rua, foi alvejado na perna pelo próprio agredido – que, para evitar uma denúncia, ofereceu-lhe uma gorda recompensa em dinheiro.
– Aceitei e resolvi usar o dinheiro para comprar uma passagem de avião e me mandar para Nova York – conta o artista. Uma vez lá, deixou-se envolver de vez com a efervescência cultural da metrópole e descobriu que podia usar de tudo um pouco para materializar seu talento. Foram 30 anos nos EUA, mas sempre aqui e ali também, trabalhando em vários países.

Hoje Vik mora no Rio e se envolve bastante com projetos sociais, como a ONG Spectaculu. Em 2013, iniciou com recursos próprios a construção da Escola do Vidigal, que oferece a crianças em fase de alfabetização a oportunidade de aprender arte e tecnologia brincando, por meio de uma metodologia de ensino que é resultado de uma parceria entre Vik Muniz e o Massachusetts Institute of Technology (MIT), dos Estados Unidos.

– É uma ‘Bauhaus’ para criancinhas, brinca com um sorriso muito sério.

Até 14 de fevereiro de 2016.

Individual de Carla Chaim

07/dez

O projeto “Presença” foi desenvolvido como um site specific para o espaço da Casa Nova, Jardim Paulista, São Paulo, SP, com curadoria e texto crítico de Gabriel Bogossian e em parceria com a Galeria Raquel Arnaud. Nele, um conjunto esculturas, fotografias e um vídeo ocupam os espaços do térreo, em um diálogo com a arquitetura do lugar.

Cada escultura reproduz um elemento chave da arquitetura: o piso e a coluna, da varanda de entrada, e o tampo da lareira na sala. Deslocadas no espaço como negativos dos elementos reais, elas exploram esses fragmentos arquitetônicos despidos de suas funções decorativas ou estruturais.

As fotos e o vídeo, por seu lado, também exploram fragmentos da Casa. Neles, contudo, trata-se de intervir com o corpo sobre os espaços vagos e os intervalos, que têm assim seu significado visual e espacial alterado. Desse modo, escultura e corpo se equivalem no gesto de explorar as brechas nos limites impostos pela arquitetura.

Enquanto modos de abordar o espaço, as obras apontam para novas formas de relação com ele, alterando percepções de tempo, escala, volume, superfície e cor. Em um diálogo com (ou sobre) o desenho arquitetônico, o gesto de seleção de elementos e espaços da Casa revela a identidade do lugar, tanto a partir de seus aspectos estéticos (a forma curva da varanda de entrada, que ecoa a varanda de cima) quanto dos estruturais ou decorativos: aqui, a Casa se torna visível para si mesma.

Carla Chaim é formada em Artes Visuais pela Fundação Armando Álvares Penteado – FAAP, 2004, onde também realizou a Pós-graduação em História da Arte, 2007. A artista trabalha diferentes mídias como desenho, escultura, vídeo e instalação. Chaim tenta se aproximar de uma ampla escala de assuntos cotidianos, trazendo-os para seu atelier e repensando novas formas e novas relações. A artista tem o desejo de controlar seus trabalhos, tanto em regras pré-estabelecidas na execução, quanto de seus movimentos físicos durante a feitura de um desenho, trazendo o corpo como importante instrumento neste processo, também pensando-o como local de discussão conceitual explorando seus limites físicos e sociais. A artista não trabalha pensando no resultado final. O que lhe interessa são os movimentos, passos e processos de cada trabalho. Carla define regras e parâmetros e segue com eles até o final. Os trabalhos de Chaim não contam histórias, elas são o próprio fazer, combinando sistemas dicotômicos: regras rígidas e movimentos físicos orgânicos.

Carla Chaim recebeu diversos prêmios como em 2015 o Prêmio CCBB Contemporâneo, e o Prêmio FOCO Bradesco ArtRio, ambos no Rio de Janeiro e, em São Paulo, em anos anteriores, o Prêmio Funarte de Arte Contemporânea e Prêmio Energias na Arte, no Instituto Tomie Ohtake, onde participou também das exposições “Os primeiros dez anos”, 2011, e “Correspondências”, 2013.

Participou de residências artísticas como: Arteles, Finlândia, 2013; Halka Sanat Projesi, Turquia, 2012; The Banff Centre for the Arts, Canadá, 2010. Fez, em 2014, sua primeira individual em Lisboa, Portugal, no Carpe Diem Arte e Pesquisa, e participou de exposições como “Afinidades”, no Instituto Tomie Ohtake, e “Entre dois mundos”, no Museu Afro-Brasil, em São Paulo, Brasil. Sua obra faz parte de coleções como Ella Fontanals-Cisneros, Miami, EUA; Museu de Arte do Rio – MAR, RJ, Brasil; e Ministério das Relações Exteriores, Itamaraty, Brasília, Brasil. A Galeria Raquel Arnaud, que representa a artista desde 2012, apresentou a exposição individual “Pesar do Peso” em 2014.

Gabriel Bogossian é curador independente, editor e escreve textos críticos. Já trabalhou como tradutor das editoras Hedra, em 2008, e Rocco, em 2011, foi curador da exposição Ensaio para a Loucura, de Gui Mohallem, no Museu Brasileiro de Escultura (MuBE), em 2011, editor para a Red Bull House of Art, em 2013, pesquisador do festival Videobrasil, em 2014, e curador do festival de perfomance Transperformance 3: Corpo Estranho, em 2014. Foi curador da exposição Cruzeiro do Sul, realizado no Paço das Artes, em 2015.

De 12 de dezembro a fevereiro de 2016.

Sergio Camargo no Itaú Cultural

01/dez

Escultor intelectual, que estudou com Lucio Fontana, conviveu com Brancusi e foi aluno de filosofia de Bachelard, o escultor Sergio Camargo, falecido em 1990, é homenageado com a mostra “Luz e Matéria”, em cartaz no Itaú Cultural, Cerqueira César, São Paulo, SP. A exibição abriga mais de 100 obras do artista. Com curadoria dos críticos Paulo Sergio Duarte e Cauê Alves, ocupa três pisos da instituição com esculturas, vídeos, fotografias, documentos e uma reprodução do último dos quatro ateliês do escultor, o de Jacarepaguá, no Rio de Janeiro.

A mostra não foi organizada em ordem cronológica. No segundo piso, por exemplo, obras figurativas de bronze de pequeno formato, produzidas nos anos 1950, quando Camargo voltou ao Brasil após estudar filosofia na Sorbonne, dividem o espaço com peças do último período. Entre as obras selecionadas encontra-se uma escultura de mármore de Carrara (Homenagem a Brancusi) dedicada ao escultor romeno, versão em escala menor da exposta ao ar livre em Bordeaux, na França, e que teve ainda outra versão, exibida em 1067, na 33.ª Bienal de Veneza.

Sergio Camargo é um dos raros escultores brasileiros com obras nas coleções do Museu de Arte Moderna de Nova York e da Tate Modern de Londres.

Com “Luz e Matéria”, o Itaú Cultural encerra a série de grandes exposições em 2015.

Até 09 de fevereiro de 2016.