Palestrante: O colecionador de artes Raul Forbes
Data: 13 de agosto – Quinta-feira
Horário 19horas
Local: Auditório da Livraria Martins Fontes Paulista
Endereço: Av. Paulista, 509 (ao lado metrô Brigadeiro)
Raul Forbes abordará as características próprias do colecionismo de arte e falará sobre suas predileções pessoais, sobre a forma em que surgiu sua coleção de arte, como manter e preservar uma coleção, sobre a importância do colecionismo de arte etc.
Denomina-se “Easy, Fractals & Star Map”, a nova exposição do artista português Julião
Sarmento, em sua primeira no Galpão Fortes Vilaça, Barra Funda, São Paulo, SP. A mostra é
composta por pinturas e esculturas recentes e estabelece uma relação ficcional entre Edgar
Degas e Marcel Duchamp – “gigantes da história da arte”, nas palavras do artista. Ao criar um
diálogo entre os dois mestres, Julião reafirma temas frequentes de sua própria obra: o hiato
entre ficção e realidade, mecanismos de representação e erotismo.
O arquétipo feminino – elemento central na prática de Julião Sarmento – reaparece em “Fifth
Easy Piece”, tomando como inspiração a icônica obra de Degas, “La Petite Danseuse de
Quatorze Ans” (c. 1881). Na reinterpretação do artista, a dançarina adolescente é
transformada em uma mulher madura, moldada através de um moderno processo de
impressão 3D. Em “Alma”, os moldes de gesso são arranjados em uma armação de ferro,
expondo o avesso da escultura e aludindo dessa vez a Duchamp – algo ainda mais explícito na
obra “O Grande Vidro”, feita especialmente para a mostra.
A referência aos dois mestres espalha-se ainda nas pinturas da exposição, seja por citações
gráficas, seja por alusões obscuras. Nesse conjunto de obras, Sarmento emprega diferentes
pigmentos, solventes e técnicas, criando formas triangulares que se multiplicam como fractais.
A quase completa ausência de cor, outro traço marcante do artista, reafirma o forte diálogo
que sua pintura mantém com o desenho. Os títulos referem-se a nomes de estrelas e, uma vez
espalhadas na parede, parecem formar constelações. Em “Piscis Austrinus”, um díptico de
cinco metros de largura, manchas orgânicas se contrapõe às formas geométricas e criam uma
elegante composição. Os volumes prateados de “Sirrah”, por sua vez, evocam a superfície
lunar.
Ao cruzar diferentes tempos históricos e planos físicos, “Easy, Fractals & Star Map” instaura
uma narrativa fictícia, possível apenas no campo da arte. As associações livres propostas por
Sarmento apontam para o desconhecido, como um convite para mapear os astros.
Sobre o artista
Julião Sarmento nasceu em Lisboa, em 1948, e atualmente vive e trabalha em Estoril, também
em Portugal. Considerado um dos mais renomados artistas portugueses, ele esteve em duas
edições da Documenta de Kassel (1987 e 1982) e em duas Bienais de Veneza (2001 e 1997),
além de muitas outras mostras. Entre suas exposições individuais recentes, destacam-se: Una
forma extrema de privacidad, Museo de Arte Carrillo Gil (Cidade do México, 2013); Noites
Brancas, Museu Serralves (Porto, 2012); Artist Room, Tate Modern (Londres, 2010); Grace
under Pressure, Estação Pinacoteca (São Paulo, 2009). Sua obra está presente em diversas
coleções públicas, entre as quais: Guggenheim (Nova York), Tate Modern (Londres), SFMOMA
(San Francisco), Moderna Museet (Estocolmo), Centre Pompidou (Paris), CaixaForum
(Barcelona).
De 15 de agosto a 26 de setembro.
A Leica Gallery São Paulo, Higienópolis, São Paulo, SP, promove sua inauguração com a mostra “Del Mondo”, exibição individual do músico e fotógrafo inglês Andy Summers, e curadoria de Karin Rehn-Kaufmann. A exposição, composta por 42 imagens em preto e branco, feitas entre 1978 e 2014, apresenta registros da vida do artista em viagens que fez ao redor do planeta, evidenciando um estilo de fotografia de rua emotivo e atento.
Desde 1978, Andy Summers exercita, com a fotografia, um olhar afiado. Quando os membros da banda The Police decidiram cada um seguir seu próprio caminho, em meados da década de 1980, o guitarrista se aproximou do jazz e da música clássica e, simultaneamente, passou a dedicar ainda mais tempo à câmera fotográfica. Sua produção artística é influenciada tanto por viagens, da Tanzânia a Shangai, quanto por seu profundo interesse pela música, experimentando diferentes tipos de filmes fotográficos, lentes, ângulos e composições. Saindo noite após noite, vagando pelas ruas com sua câmera, Andy Summers registrava cenas noturnas em lugares como Los Angeles, Tóquio, Londres, Bali, Nepal, Macau ou por onde quer que passasse. “É você e o mundo ao redor. Reagindo a isso. Olhando para isso. Se eu saio pela rua, estou olhando, estou procurando. Vendo o que aparece. Poderia ser uma forma, um movimento.”, comenta o fotógrafo.
Neste contexto, “Del Mondo” apresenta fotografias de vendedores, pedestres, motoristas, quartos de hotel, garçons e até do próprio artista. Cenas espontâneas, que o fotógrafo encontrava em suas andanças pelo mundo.
Esta mostra inédita no Brasil marca a inauguração da Leica Gallery São Paulo, a primeira na América do Sul, e traz ao país Karin Rehn-Kaufmann, responsável pela curadoria de todas as unidades da Leica Gallery no mundo. A partir de agosto, o público encontra um lugar dedicado à fotografia, localizado em uma região privilegiada de Higienópolis, entre universidades e escolas de arte e design. Construída em um edifício da década de 1930 – em processo de tombamento como Patrimônio Histórico -, a galeria reúne o estilo Art Deco da fachada com um espaço interior bastante moderno, complementado por dois containers, anexos ao edifício em uma área externa. A proposta da Leica Gallery São Paulo é apoiar artistas, promover workshops e encontros, no intuito de gerar uma relação íntima entre fotografia, espectador e espaço expositivo.
Até 05 de outubro.
A mostra é constituída de diversos suportes utilizados por Almandrade. São trabalhos elaborados dentro de princípios e critérios que vêm direcionando a produção do artista, por mais de quatro décadas.
Entre a geometria e o conceito, entre a forma e a palavra, entre o rigor espacial e a poesia. Assim caminha a obra do artista plástico Antonio Luis Morais Andrade, o Almandrade, expoente baiano da arte conceitual e, hoje, um dos grandes nomes das artes visuais brasileiras, com uma produção respeitada nos principais circuitos de arte do país e reconhecida internacionalmente. A partir do dia 22 de agosto, parte dessa produção poderá ser vista na Galeria Baró, Barra Funda, São Paulo, SP, integrando a mostra “Do Poema Visual a Poética do Plano e do Espaço”, sob curadoria de Marc Pottier.
Almandrade compromete-se com a pesquisa de linguagens artísticas que envolve artes plásticas, poesia e conceitos. No percurso do artista destaca-se a passagem pelo concretismo, poesia visual, poema / processo e a arte conceitual, nos anos 70, o que contribuiu fortemente com a incessante busca de uma linguagem singular, limpa, de vocabulário gráfico sintético. De certa forma, um trabalho que sempre se diferenciou da arte produzida na Bahia.
Na Bahia, Almandrade foi solitário no seu engajamento à arte concreta e conceitual. Ainda assim, conquistou o respeito crítico. Suas obras, alvo de pelo menos 30 exposições individuais, já frequentaram pelo menos quatro edições da Bienal de São Paulo e hoje integram importantes coleções particulares e de museus como Museu de Arte Moderna da Bahia, Museu de Arte do Rio Grande do Sul, Museu Nacional de Belas Artes (RJ), Pinacoteca Municipal de São Paulo, Museu Afro (SP) e Museu Nacional (DF).
Até 17 de outubro.
A Galeria Inox Arte Contemporânea, Shopping Cassino Atlântico, Copacabana, Rio de Janeiro,RJ, inaugura a mostra “EVA POR AR” da artista plástica Livia Moura. São cinco obras inéditas – quatro fotografias e uma instalação feita com um pedaço de asfalto da Av. Brasil ligado à uma “nuvem de rendas”.
Para essa exposição, a artista utiliza técnica mista – nanquim, aquarela, canetinhas – e materiais rejeitados, como rendas e fios. No dia 24 de agosto, Livia Moura fará uma performance com a bailarina russa Dasha Lavrennikov chamada “O sonho da terra por debaixo do asfalto”.
De 11 a 29 de agosto.
O Museu Afro Brasil, Parque do Ibirapuera, Portão 10, São Paulo, SP, instituição da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, e a Embaixada dos Estados Unidos no Brasil anunciam a abertura da exposição “Gullah, Bahia, África”.
A mostra apresentará ao público a vida e a pesquisa pioneira desenvolvida pelo primeiro linguista afro-americano, Lorenzo Dow Turner. Expoente acadêmico da comunidade negra americana nos anos 1930, Turner identificou a fala da comunidade gullah, do sul dos EUA, e rastreou seus registros na África e no Brasil, ligando, dessa forma, comunidades da diáspora africana através da linguagem. Originalmente criada e exibida em 2010 pelo Anacostia Community Museum, integrante da Smithsonian Institution, de Washington DC (EUA), a exposição tem curadoria da brasileira Alcione Meira Amos.
Fazem parte da mostra fotografias que registram o trabalho de campo do professor Turner; um painel comparando palavras usadas no gullah, inglês e português do candomblé, com as suas origens nas línguas da África; um raro registro da fala gullah e cinco vídeos, incluindo “Raízes da África: ligações entre as palavras”, mostrando falantes de línguas africanas, um americano, um gullah e um brasileiro, que repetem as mesmas palavras em cada uma das línguas, demonstrando suas raízes africanas.
Sobre a exposição
“Gullah, Bahia, África” conta três histórias em uma: a trajetória acadêmica de Lorenzo Dow Turner; sua jornada para desvendar um código linguístico e suas descobertas, que atravessaram continentes. Já nos anos 1930, a pesquisa pioneira de Turner demonstrou que, apesar da escravidão, os africanos trazidos aos EUA transmitiam sua identidade cultural a seus descendentes por meio de palavras, músicas e histórias. Estudioso de várias línguas africanas, como twi, ewe, iorubá, bambara e wolof, além do árabe, Turner utilizou seu conhecimento para se dedicar à pesquisa da fala da comunidade gullah/geechee, da Carolina do Sul e da Geórgia, no sul dos EUA, até então desprezada como um “inglês mal falado”. Os estudos de Turner confirmaram que, pelo contrário, o povo Gullah falava uma língua crioula, com elementos linguísticos próprios e da cultura de seus ancestrais africanos.
As explorações linguísticas pela diáspora africana levaram Turner até a Bahia, onde ele novamente validou sua descoberta a respeito das continuidades africanas. Uma das seções da exposição é dedicada à pesquisa do Professor Turner sobre cultura afro-brasileira na Bahia, juntamente com algumas das mesmas línguas que influenciaram o gullah. Na Bahia, a sobrevivência da cultura africana pode ser percebida por Lorenzo Dow Turner particularmente no candomblé, quando integrantes dos terreiros reconheciam palavras em gravações que ele havia feito em outras partes do mundo. Os muitos escritos de Turner incluem o livro “Africanismos do Dialeto Gullah” (Africanisms in the Gullah Dialect), publicado em 1949, que permanece como uma das principais referências para a pesquisa das línguas crioulas.
Encontro com a curadora da exposição Alcione Meira Amos: ”A Coleção Fotográfica de Lorenzo Dow Turner: Gullah Bahia África e os Retornados Afro-Brasileiros”(com visita à exposição)
Local: Museu Afro Brasil (Av. Pedro Álvares Cabral, s/n, Parque Ibirapuera, Portão 10, São Paulo, tel.: 11 3320-8900): 20/08, às 15h.
Sobre o Museu Afro Brasil
Inaugurado em 2004, a partir da coleção particular do diretor curador Emanoel Araujo, o Museu Afro Brasil construiu, ao longo de seus mais de 10 anos, uma trajetória de contribuições decisivas para a valorização do universo cultural brasileiro ao revelar a inventividade e ousadia de artistas brasileiros e internacionais, desde o século XVIII até a contemporaneidade.
O Museu Afro Brasil é uma instituição pública, subordinada à Secretaria de Estado da Cultura de São Paulo e administrado pela Associação Museu Afro Brasil- Organização Social de Cultura. Ele conserva, em 11 mil m2 um acervo com mais de 6 mil obras, entre pinturas, esculturas, gravuras, fotografias, documentos e peças etnológicas, de autores brasileiros e estrangeiros, produzidos entre o século XVIII e os dias de hoje. O acervo abarca diversos aspectos dos universos culturais africanos e afro-brasileiros, abordando temas como a religião, o trabalho, a arte, a escravidão, entre outros temas ao registrar a trajetória histórica e as influências africanas na construção da sociedade brasileira.
O Museu exibe parte do seu Acervo na Exposição de Longa Duração, realiza Exposições Temporárias e dispõe de um Auditório e de uma Biblioteca especializada que complementam sua Programação Cultural ao longo do ano.
Sobre o Anacostia CommunityMuseum
Museu integrante da Smithsonian Institution, o Anacostia está localizado em Washington DC (EUA) e abriu suas portas em 1967, como o primeiro museu comunitário do país financiado com recursos federais. O nome atual foi adotado em 2006, quando o museu ampliou seu foco, originalmente com uma ênfase afro-americana, para examinar o impacto de questões sociais contemporâneas em comunidades urbanas.
Até 18 de outubro.
A Schoeler Editions participa da SP-Arte/Foto 2015, Shopping JK Iguatemi | 3º piso, Vila Olímpia, levando para seu stand portfólios e prints avulsos de consagrados fotógrafos brasileiros e estrangeiros, como Bob Wolfenson, Marcelo Greco, Peter Scheier, entre outros. Durante a feira, a Schoeler Editions também apresenta uma edição comemorativa do portfólio de Cristiano Mascaro, que terá um único exemplar para venda, e homenageia o fotógrafo e editor Jay Colton, em memória ao quinto ano de seu falecimento, com a exposição de uma versão especial do trabalho “Haiku of Flowers”.
Após se estabelecer no mercado com portfólios e projetos editoriais de luxo, em edições limitadas e confeccionados com materiais de primeira qualidade, a Schoeler Editions apresenta novidades na SP-Arte/Foto 2015, como os novos prints da coleção de Marcelo Greco, agora em tamanho 1,0 x 1,5 m, que serão exibidos pela primeira vez nessas dimensões. Além desses novos prints, o portfólio de Cristiano Mascaro ganha duas unidades, uma para exibição e outra para venda, em uma versão exclusiva – com revestimento em linho preto, acabamento sofisticado e todas as 18 fotografias assinadas individualmente pelo autor -, comemorando a venda de 30 portfólios do fotógrafo. Ainda durante a feira, a Schoeler Editions exibe uma versão especial do portfólio de Jay Colton, Haiku of Flowers: em caixa revestida com seda preta, o trabalho conta com 24 imagens do fotógrafo americano e 17 Haikus, caligrafados por Sanae Yamazaki, a lendária primeira mulher diretora de arte da Times Magazine.
Convidada a fazer parte do catálogo da Library of Congress (Estados Unidos) com três de seus títulos – “Diário da Viagem” de Peter Scheier, “Internal Affair” de Marcelo Greco e “Falling Beauty” de Christian Maldonado -, a Schoeler Editions da continuidade a seu cronograma de eventos e lançamentos, seguindo a proposta de elaborar projetos editoriais exclusivos. Todas estas edições poderão ser adquiridas durante a feira e, posteriormente, pelo site da editora.
De 20 a 23 de agosto.
A CAIXA Cultural Rio de Janeiro apresenta a mostra “Movimentos”, do artista visual André De Castro. A exposição traz retratos e referências de jovens que participaram de manifestações democráticas no Brasil, em 2013, e também na Turquia, Grécia e Estados Unidos, formando um painel com 35 telas em serigrafia. No dia da abertura, haverá o lançamento de um catálogo bilíngue produzido pela Aeroplano Editora e Pratt Press.
O painel que compõe a mostra, iniciado em 2013 e em constante expansão, está sendo concluído nas exposições do Brasil com telas inéditas. A escolha da técnica não foi por acaso. O silkscreen, também conhecido como serigrafia, é associado a movimentos políticos históricos e a mitificação de personalidades, como Che Guevara, Marilyn Monroe e o presidente Barack Obama, por exemplo. A exposição na CAIXA Cultural traz ainda um texto inédito, bilíngue, do historiador Daniel Aarão Reis.
Para reunir as imagens e referências de cada jovem, André De Castro manteve contato com os manifestantes pelo mesmo meio que eles utilizaram para organizar as passeatas na época: a internet.
“Busquei contato por hashtags, em grupos do Facebook e no Twitter. A grande maioria dos participantes é de jovens que estão sempre conectados, e assim que os identifiquei, conversei sobre o projeto e pedi a cada retratado que enviasse uma foto de rosto e respondesse a uma série de perguntas relacionadas ao movimento político de seu país e sua identidade”, conta André, que não pretende, com seu trabalho, enaltecer heróis ou representantes dos movimentos, mas usar a técnica da serigrafia para valorizar o conjunto formado por indivíduos únicos.
A individual já foi exibida em Miami, durante a Art Basel; e em Nova York, na BKLYN Fair e na Opus Galery; e foi vista por cerca de 30 mil pessoas em Brasília e Belo Horizonte. Este ano, para dedicar-se à exposição “Movimentos”, no Brasil, o artista transferiu seu estúdio para a antiga fábrica da Behring, no Rio de Janeiro.
Sobre o artista
Nascido no Brasil, o artista visual André De Castro vive e trabalha entre o Rio de Janeiro e Nova York. Em 2011, mudou-se para NY para cursar o Master of Fine Arts (MFA), no Pratt Institute e, desde 2013, mantém seu estúdio no bairro do Brooklyn e trabalha como diretor de arte na Saatchi and Saatchi.
Em 2009, André publicou seu primeiro livro “Funk – que batida é essa”, um conjunto de ilustrações que retratam o funk carioca, fruto do projeto de graduação na PUC, RJ. O artista venceu, em 2013, o prêmio Never Stop Never Settle, promovido pelo Pratt Institute e Hennessy US com o projeto “Movimentos”.
De 12 de agosto a 12 de setembro.
Em 2013, o Santander Cultural, Porto Alegre, RS, convidou Tuca Reinés para realizar uma série fotográfica de diversas cidades do país, onde foram instaladas, na época, as primeiras agências do segmento Select. Em pouco tempo de trabalho, o projeto superou as expectativas e se transformou num acervo sem precedentes sobre as cidades brasileiras no século 21. Muito mais que um registro, as imagens evidenciaram uma análise visual sobre a ocupação do espaço urbano por todo o Brasil, sob o olhar de um artista. A exposição “Tuca Reinés: o olhar vertical”, tem curadoria de Agnaldo Farias e está em exibição na Galeria superior da entidade.
Até 30 de agosto.
O Ateliê397, Vila Madalena, São Paulo, SP, com apoio da Secretaria de Cultura do Estado de
São Paulo – via ProAC apresenta a exposição “Faça aqui”, em que a artista Ana Luiza Dias
Batista mostra seis trabalhos novos. “Faça aqui” é a nova exposição de Ana Luiza Dias Batista
no Ateliê397, na qual a artista apresenta trabalhos inéditos. O nome da exposição é retirado
de placas que ficam em frente a pequenos estabelecimentos comerciais, anunciando seus
serviços. Um dos referentes importantes para a construção de parte dos trabalhos em exibição
são os chaveiros, esses pequenos comércios, portinhas ou quiosques que, por ocuparem um
espaço reduzido, acabam por criar curiosas estratégias para expandir sua visibilidade no
espaço público.
Em um de seus trabalhos a artista se utiliza de chaves descartadas, construindo um chão de
chaveiro (cimento com chaves incrustradas) na calçada em frente ao espaço expositivo e no
corredor externo do Ateliê397. Dentre as chaves presas no chão, está a que abre a porta do
Ateliê. Outros trabalhos integram a mostra: uma instalação sonora, na entrada do galpão; uma
obra feita com um miolo de fechadura colocado diretamente na parede que gira
incessantemente; um trabalho feito com buchas e parafusos – também na parede – formando
um jogo “Resta um”; um cofre cortado de modo a lembrar um cubo-mágico, além de uma
instalação com placas de chaveiros em forma de chaves gigantes.
A exposição dá continuidade à investigação da artista, que frequentemente trabalha com
objetos já conhecidos, modificando seus tamanhos, seu funcionamento, seu trajeto, suas
proporções. Tais alterações acrescentam-lhes camadas, criam pequenos enigmas,
interrupções, estabelecem novos significados. Com uma obra na qual a relação estabelecida
entre os objetos de arte e os espectadores tem papel importante, a artista propõe uma
experiência onde a suspensão do entendimento imediato e cotidiano é estendida,
intensificando os efeitos do contato com a arte.
Sobre a artista
Ana Luiza Dias Batista nasceu em São Paulo em 1978. Em 2000 formou-se em artes plásticas na
ECA-USP. Em 2001 fez individuais no Centro Cultural São Paulo e na galeria Adriana Penteado,
São Paulo. No ano seguinte realizou, com Eurico Lopes e Rodrigo Matheus, o Plano Copan,
projeto independente no edifício paulista. Participou das coletivas 20 anos – 20 artistas, 2002,
CCSP, To be political it has to look nice, 2003, Apexart, Nova York, MAM [na] Oca, São Paulo,
2006 e do simpósio São Paulo S.A., Situação n. 2, 2002. Expôs individualmente no Centro Maria
Antônia, São Paulo, 2004. Recebeu a Bolsa Pampulha e, em 2007, apresentou individual no
Museu da Pampulha, Belo Horizonte. No ano seguinte concluiu mestrado em artes visuais na
ECA/USP e, ainda em São Paulo, realizou, com Laura Andreato e João Loureiro, Vistosa, projeto
independente contemplado no Prêmio Conexão Artes Visuais da Funarte. Em 2009,
apresentou a individual Programa na Estação Pinacoteca, São Paulo, e recebeu prêmio da
Secretaria de Cultura de São Paulo. Fez individuais nas galerias Mendes Wood, São Paulo (2010
e 2011), Ybakatu, Curitiba (2010) e Marília Razuk, São Paulo (2015). Em 2013 participou, entre
outras, das exposições Beyond the Library, Frankfurt Buchmesse / Hall 4.1, Frankfurt, e Itochu
Aoyama Art Square, Tokyo, Conversation Pieces, NBK, Berlin, Imagine Brazil / Artist’s Books,
Astrup Fearnley Museet, Oslo, e Économie Domestique, La Maudite, Paris. Em 2014, concluiu
seu doutorado na ECA-USP.
De 10 de agosto a 04 de setembro.