Arquivo da categoria: São Paulo

Na Marcelo Guarnieri/SP

25/maio

A Galeria Marcelo Guarnieri, Alameda Lorena, Jardins, São Paulo, SP, será ocupada pela produção atual da artista plástica Ana Paula Oliveira. Sua primeira individual na galeria nomeada de “Círculo de giz e um pouco sobre sólidos”, dá prosseguimento às criações com vidro, chumbo e taxidermia, do mesmo modo em que também avança em suas pesquisas espaciais. A trajetória da artista é pontuada pela criação de instalações que nascem a partir da tensão entre atração e repulsa e entre estabilidade e desequilíbrio. O resultado visual causa uma mescla de estranhamento e interesse, que sempre desperta o olhar e a aproximação.

 

Os materiais e procedimentos operados por Ana Paula Oliveria partem desde a tradição escultórica – mármore e fundição – até materiais considerados ordinários e não nobres – borracha, plástico, graxa. Eles funcionam na produção da artista como mediadores entre o artesanal e o industrial, entre a tradição e seu desmantelamento. É possível observar essas oposições no trabalho “Vetores”, no qual a artista faz uma cópia da estátua grega “Discóbolo”, – executada pela primeira vez em torno de 455 a.C -, no entanto, a escultura atual é feita em alumínio com espadas de São Jorge saindo de algumas das articulações do corpo do imponente atleta. A utilização de materiais vivos é uma operação quase sempre orquestrada pela artista. Em trabalhos anteriores, era possível encontrar pássaros, borboletas, galinhas, peixes e jabuticabeiras, que conviviam durante o período expositivo com o público – galinhas se empoleiravam nas esculturas, borboletas nasciam de partes de peças de mármore e passarinhos faziam de comedouro materiais colocados no ambiente.

 

Todos os trabalhos da exposição emulam um movimento, seja ele percebido pelo público ou algo invisível, as plantas crescem e se desenvolvem durante a exposição, os pássaros taxidermizados “Manon” na série “Vistaña”, simulam um voo pelas placas de vidro. O mesmo acontece em “Círculo de giz e um pouco sobre sólidos”, na qual chapas-lâminas de vidro assimétricas cortadas a laser criam uma incomum perspectiva de espaço. Cada vidro é puxado por uma ave moldada a partir do corpo de um animal real e fundida em chumbo. Essas chapas-lâminas são sustentadas por sólidos geométricos que criam o peso necessário para o trabalho.

 

Na obra “Para Avistar”, Ana Paula Oliveira utilizou um banco que pertencia a seu pai fundindo-o com uma peça modelada em ferro que atravessa a parede e forma uma instalação que anula a possibilidade do ato de sentar. Por fim, um outro tipo de ocupação espacial é o que acontece com a “Vai que Vai”, no vídeo, uma sequência de imagens em câmera lenta exibem o momento da quebra de placas de vidro e a queda dos peixes de chumbo e de borracha. As imagens simulam o movimento das águas e a subida dos peixes durante a piracema, no entanto, o ato nunca se completa.

 

 

A palavra da artista

 

“Um espaço nunca é vazio. Ele pode ser constituído por linhas e até ser palco para o movimento dos objetos”.

 

 

De 04 até 15 de julho.

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Arte sacra

18/maio

O Museu de Arte Sacra de São Paulo – MAS-SP, Luz, São Paulo, SP, instituição da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, em celebração às comemorações de Corpus Christi, abre a exposição “Trajetória de Jesus de Nazaré”, composta por trabalhos executados pelo santeiro Wandecok Cavalcanti e curadoria de Jorge Brandão.

 

Com núcleos dedicados a passagens bíblicas relevantes – da Anunciação do Anjo a Maria sobre sua gravidez até a Ascensão de Cristo – o artista exibe 38 obras em argila com fortes referencias tanto a arte popular como barroca.

 

As peças foram confeccionadas com terracota e cinco tipos e tonalidades de argila (marfim, preta, creme, shiro e tabaco), recurso utilizado para mostrar e enfatizar detalhes, como cor de cabelo e de rosto, tudo em tom natural, sem nenhum pigmento ou pintura. O que as diferencia é que cada uma tem um ponto de queima. “O barro, por hora, torna-se nobre aplicado ao requinte de detalhes fundamentais para o artista Wandecok Cavalcanti, que neste momento muito maduro, o fez extravasar e aflorar sua devoção nesse conjunto de obras desenvolvido especialmente para narrar a “Trajetória de Jesus de Nazaré” no Museu de Arte Sacra de São Paulo”, define o curador da mostra.

 

Com essa exposição, o museu pretende se abrir a novos formatos de contato com o público bem como espaço de incentivo ao trabalho de novos artistas: “O Museu de Arte Sacra que habitualmente exibe obras centenárias de seu próprio acervo e de coleções particulares, que já proporcionou ao público a possibilidade de admirar obras da fase sacra de artistas modernos como Anita Malfatti e Brecheret, também dá espaço para artistas ainda vivos que produzem arte sacra. Por essa razão, julgamos importante propiciar a exposição de obras de Wandecok Cavalcanti, que nos apresenta sua visão da “Trajetória de Jesus de Nazaré”, esclarece José Carlos Marçal de Barros, diretor executivo do MAS/SP.

 

 

De 22 de maio a 31 de julho.

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“Rússia”, por Mauro Restiffe

A Galeria Fortes Vilaça, Vila Madalena, São Paulo, SP, apresenta “Rússia”, a terceira exposição individual de Mauro Restiffe na Fortes Vilaça. O artista apresenta fotografias em preto e branco que retratam dois momentos distintos das cidades de Moscou e São Petersburgo pós-União Soviética. Os trabalhos representam o resgate de um de seus mais importantes projetos investigativos, realizado em duas etapas: a primeira durante os anos de 1990; e a segunda em 2015, uma retomada a convite do Garage Museum of Contemporary Art, em Moscou. Restiffe associa sua contínua pesquisa em arquitetura e espaços urbanos a uma experiência pessoal e afetiva nos principais centros russos. O processo de criação que envolveu essa série fotográfica evoca um interesse antigo em desbravar uma cultura tão distinta, com uma abordagem intimista da relação tempo/espaço dentro de seu próprio trabalho. O olhar do artista conduz o espectador a ponderar sobre o processo histórico recente das cidades ao retratar cenas cotidianas em cenários ora grandiosos, ora modestos. A combinação entre as fotografias realizadas há vinte anos e as atuais são formalizadas através de dípticos, trípticos e polípticos, com algumas figuras individuais icônicas, que espelham a realidade e a sua representação, o público e o privado, o afetivo e o mundano. Um exemplo é o tríptico Winter Trap (1996/2015), onde uma mesma cena é mostrada em duas imagens distintas, patinadores na pintura de Bruegel estão lado a lado dos patinadores na vida real. A investigação de Restiffe sobrepõe a linguagem documental às referências da História da Arte e da fotografia. A arquitetura, em especial o brutalismo, e o diálogo poético travado entre as pessoas, objetos e o ambiente em que se encontram são temas recorrentes nestas obras. A utilização do filme analógico preto e branco e a granulação causada pela “puxada de asa” são recursos que emprestam mais uma vez à obra de Mauro uma sintonia precisa entre as características físicas das imagens e os temas escolhidos pelo artista.

 

Sobre o artista

 

Mauro Restiffe nasceu em 1970 em São José do Rio Pardo. Vive e trabalha em São Paulo. Dentre suas recentes exposições individuais estão: Post-Soviet Russia 1995/2015, Garage Museum (Moscou, 2016); São Paulo, Fora de Alcance, Instituto Moreira Salles (Rio de Janeiro, 2014); Obra, MAC-USP (São Paulo, 2013). Destaque ainda para suas participações em: Trienal de Aichi (Nagoya, Japão, 2016); Bienal de Cuenca (Equador,

2014); Bienal de São Paulo (2006); Panorama de Arte Brasileira (São Paulo, 2013 e 2005). Sua obra está presente em importantes coleções, como: Bronx Museum of the Arts (Nova York), Colección Cisneros (Caracas), Inhotim (Brumadinho), Instituto Moreira Salles (Rio de Janeiro), MAC-USP (São Paulo), MAM (São Paulo), Pinacoteca do Estado (São Paulo), SFMOMA (San Francisco), Tate Modern (Londres), TBA21 (Viena), entre  outras.

 

Até 18 de junho.

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Krajcberg na CIGA 2016

17/maio

O escultor e fotógrafo Frans Krajcberg, de 95 anos, se notabilizou por seus retratos da natureza que, muitas vezes, são utilizados como matéria-prima para seus desenhos e relevos moldados em papel.

 

A Galeria Marcia Barrozo do Amaral, Shopping Cassino Atlântico, Copacabana, Rio de Janeiro, RJ, apresenta no próximo dia 20 de maio, o livro-arte do artista, com fotos assinadas, durante o CIGA 2016, Circuito Integrado das Galerias de Arte, organizado pela Art Rio.

 

Este livro-objeto – “Outra Natureza” – oferece aos colecionadores, pela primeira vez, uma fotografia original de Krajcberg, com sua assinatura gravada a fogo. São 12 imagens diferentes com tiragem de 6 cada uma, num total de 72 unidades.  “Outra Natureza” contém um estojo, a foto emoldurada e um álbum artesanal com as imagens e os textos escolhidos para este projeto.

 

O livro-arte encontra-se a disposição na galeria Marcia Barrozo do Amaral, no Rio de Janeiro. Contatos pelo telefone (21) 2267-3747.

 

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Duas mostras na Lume

13/maio

A Galeria Lume, Jardim Europa, São Paulo, SP, exibe, simultaneamente, as individuais “Sentidos da Pele” de Gal Oppido e “A Bahia e seus sentidos” de Akira Cravo com curadoria dos próprios artistas. Em “Sentidos da Pele”, Gal Oppido apresenta 32 trabalhos onde os ensaios exploram o corpo humano como uma fonte geradora de significados quando sob interferências externas, sejam elas alegóricas, cirúrgicas, ou comportamentais. Nos registros da série “Bahia e seus sentidos” de Akira Cravo, as 14 fotografias exibem a “poesia” da Bahia, que ultrapassa e desafia qualquer paradigma, retratando um povo belo e plural.

 

Gal Oppido em sua individual, constrói suas obras com a pele – maior órgão humano que traduz em sua topografia o que um corpo deseja – em elemento base dando ênfase à capacidade do homem de “transformar a matéria e como essa ação transfigura seu corpo”. Buscando explorar diferentes padrões e suas identidades, o artista procura, através de seu olhar, as particularidades que deles emana como espaço, luz e cromatismo e a partir dessas premissas, que representam o par gerador dos trabalhos, Gal determina seus suportes – fotografia, desenho, performances ou imagens cinéticas. Um dos destaques de “Sentidos da Pele” são as peças escultóricas de vidro formando duas obras vitreopercussivas que provocam sons quando do contato entre performer e pingentes de cristal. Para o artista, “a manifestação autoral que se vale da imagem como suporte e das inquietudes de seu emissor, necessita da cumplicidade entre forma e conteúdo, sem perímetros que constranja seu objeto estético, conduzindo a técnica e seus instrumentos a favor da integridade de seu discurso“.

 

Em sua primeira individual na galeria, Akira Cravo expõe 14 fotografias da série inédita “A Bahia e seus Sentidos” construindo uma visão poética fidedigna do povo da Bahia, suas crenças no sagrado e profano, festas de largo, religiosidade, sincretismo do candomblé com o catolicismo e, especialmente, na luminosidade, que segundo o artista, existe apenas na Bahia. A proposta conceitual de Akira Cravo é possibilitar um contato mais próximo com o universo da magia que revela uma Bahia antiga, um povo belo por natureza que transmite poesia no olhar, a vaidade natural, a beleza do cenário natural e com especial ênfase, o povo. “A Bahia cheia de mistérios, mitos e sentidos”, declara. A sensibilidade do artista ao retratar seus personagens advém se sua busca pela beleza do simples. Ao externar sua visão no registro obtido, Akira Cravo cria uma marca que perdura através do tempo. Sua preocupação com os parâmetros de enquadramento são sua assinatura. “Trago o torso, o corpo e o rosto. Junto e separado em imagens pulsantes, coloridas, cheias de vida, de força e de fé”, define o artista.

 

Com as individuais, existe a possibilidade de retratar uma mesma sensação de formas únicas, transformando a arte em infinitas possibilidades de resultados únicos. Nos trabalhos apresentados tem-se tanto fotografias que “são inspiradas na poesia, que supera qualquer paradigma”, de Akira Cravo como criações onde “o fazer estético exclui sua inclusão a priori a uma ordem estabelecida” de Gal Oppido. Nessa combinação a Galeria Lume mantém sua proposta de proporcionar ao público conceitos, técnicas e estilos diversificados, porém complementares, no sentido de contribuir para a formação cultural dos espectadores. Coordenação: Felipe Hegg, Paulo Kassab Jr. e Victoria Zuffo

 

 

De 17 de maio a 18 de junho.

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Gilberto Freire, forma e cor

11/maio

Uma paixão quase oculta do mestre Gilberto Freyre, sua relação com as artes visuais, pode ser vista na exposição “Gilberto Freyre: vida, forma e cor” que depois de ser exibida no Recife, chega a Caixa Cultrural São Paulo, Centro, São Paulo, SP. Proposta pela Fundação Gilberto Freyre, não tem o objetivo de atribuir ao autor o título de artista, e sim mostrar a associação entre arte e ciência em sua reflexão, uma dimensão pioneira de sua obra, que o escritor, morto em 1987, demonstra já no prefácio da primeira edição do livro Casa Grande e Senzala, em 1933. Para Freyre a sensibilidade era tão importante quanto a razão na análise da vida social brasileira.

 

“Mais do que dizer se Freyre era ou não artista – questão secundária inclusive para ele próprio, que se definia como escritor – o que queremos mostrar é como esse pioneirismo de Freyre de misturar arte e ciência – já identificado em seus textos, que são considerados excessivamente literários por alguns cientistas sociais –foi uma característica duradoura e que se espraiou por toda a sua produção, atingindo o ápice na sua parceria com alguns artistas que ilustraram seu livros”, esclarece Clarissa Diniz, que assina a curadoria da mostra, com Fernanda Arêas Peixoto, Jamille Barbosa e Leonardo Borges.

 

A exposição está dividida em quatro módulos: “Mundo de imagens” exibe documentos que ilustram sua relação ordinária, familiar e corriqueira com a imagem, como caricaturas, cadernos de desenhos para os netos, cartas ilustradas e cartões de natal que Freyre fazia com os filhos para o natal da família. Na sequência, “Escritor de formas e cores” procura explorar os sentidos da frase “eu pinto escrevendo e acho que um pouco escrevo pintando”, ao exibir telas e desenhos, além de excertos de textos que tratam de alguns dos principais temas de Freyre, como a cidade e arquitetura, a chamada cultura popular e as relações étnicas-raciais.

 

Em “Contaminações criativas”, por sua vez, é possível observar como a relação de Freyre com os artistas que ilustraram seus livros foi mais do que “serviços prestados”, constituindo antes diálogos profícuos entre formas sensíveis e modos de pensar questões às quais ele e seus parceiros-artistas estiveram dedicados. Neste espaço da mostra, o painel de Cicero Dias para a abertura de Casa Grande e Senzala é tomado como um estudo de caso, sendo exibidas as cartas trocadas entre ambos e o desenho de Freyre que orienta Cícero Dias na feitura da obra. Por fim, em “Ecos” são reunidas reflexões de Gilberto Freyre sobre a arte brasileira, assim como registros dos encontros de seu pensamento com as artes visuais brasileiras de modo mais amplo. Neste núcleo estão contemplados também outros artistas, como Telles Júnior e os irmãos Rego Monteiro que foram objetos da reflexão de Freyre no campo da arte, e não apenas parceiros na elaboração dos livros, como indicado no núcleo anterior.

 

“É importante destacar que não temos a pretensão de esgotar o assunto. Pensador versátil e multifacetado como foi Gilberto Freyre, com um conhecimento vasto e amplo, é lógico que a sua relação com as artes visuais não se encerra nessa mostra. Queremos apenas descortinar esse novo horizonte de análise do pensamento freyreano que, esperamos, repercuta tanto entre os estudiosos de sua obra quanto entre os que tomam contato com ela pela primeira vez”, diz Fernanda Arêas Peixoto, curadora da mostra.

 

 

 

Fundação Gilberto Freyre

 

Gilberto Freyre e sua família resolveram instituir, na Vivenda Santo Antonio de Apipucos, uma Fundação que não apenas reunisse o seu patrimônio cultural, seus bens e acervos, mas que também pudesse estimular a continuidade dos seus estudos e de suas ideias. A Casa de Gilberto Freyre, transformada em Fundação no dia 11 de março de 1987, cumpre, assim, o seu objetivo: contribuir para o desenvolvimento político-social, científico-tecnológico e cultural da sociedade brasileira tendo como referencial a obra freyriana. Visa manter reunido, preservado e à disposição do público o acervo pessoal e intelectual de Gilberto Freyre.

 

 

 

Debates

 

Dia 04 de junho, às 15h. – “Gilberto Freyre, conhecimento entre ciência, arte e arquitetura”, com Fernanda Arêas Peixoto (professora de Antropologia da USP) e José T. Correia de Lira (professor da Faculdade de Arquitetura da USP)

 

Dia 25 de junho, às 15h. – “Gilberto Freyre e as artes visuais”, com Clarissa Diniz (crítica de arte e curadora do Museu de Arte do Rio –MAR) e com o artista Jonathas de Andrade.

 

A mostra acontece de 21 de maio a 10 de julho de 2016 e conta com o patrocínio da Caixa Econômica Federal.

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Cartografia

10/maio

Rodrigo Torres está entre os artistas participantes da exposição coletiva “Mapas, Cartas, Guias e Portulanos”, Sala de Arte Santander, na Avenida Juscelino Kubitschek 2235, térreo, São Paulo, SP. A exposição traz um conjunto de mapas originais dos séculos XVI a XVIII do núcleo de cartografia da Coleção Santander Brasil, em um diálogo instigante com obras contemporâneas que se relacionam com questões como o mapeamento do espaço, das fronteiras, dos deslocamentos e fluxos territoriais, econômicos, culturais e subjetivos.

 

Com curadoria de Agnaldo Farias, a mostra ressalta o valor desse conjunto único que integra a coleção, ao mesmo tempo em que revela um olhar em sintonia com o contemporâneo, o que vem sendo uma preocupação do Santander em todas as suas ações culturais. Acreditamos que entender nossa trajetória histórica e refletir sobre o mundo em que vivemos contribui para desempenhar melhor nosso papel na sociedade, como organização e como indivíduos.

 

A cartografia dos séculos XVI a XVIII teve um papel fundamental para o conhecimento e domínio do território, bem como para difundir a imagem do Novo Mundo por toda a Europa. Hoje, é a arte contemporânea que dissemina, de modo poético e crítico, múltiplas ideias, visões e interpretações sobre o nosso país e nosso tempo.

 

A mostra apresentará 58 obras, sendo 10 mapas pertencentes à Coleção Santander Brasil, destacando-se o mais antigo de 1556, de autoria de Giacomo Gastaldi, que representa a costa brasileira.

 

 

Até o final de junho.

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Virgilio Neves na Vila Nova

 

A definição da palavra “Volatilismos” não existe na língua portuguesa mas foi o termo que o artista plástico Virgílio Neves encontrou para definir a sua mais recente produção, composta por 11 telas, na Galeria Vilanova, Vila Nova Conceição, São Paulo, SP, com curadoria de Bianca Boeckel. Para ele, o desenho pode ter uma ação transformadora sobre o peso da tela e da pintura. Por isso, ao tentar redimensionar os diversos elementos que compõem uma pintura e intensificar a ação das linhas na superfície dela, Virgílio alcançou a sensação de leveza que buscava.

 

Entre 2013 e 2014 o artista usou canetas permanentes para criar sobre suas pinturas uma espécie de fragmentação visual com as linhas, gerando um certo efeito hipnótico que acabou dando nome à sua primeira individual:  “Hipnoses”. A partir de 2015, o trabalho ganhou um outro rumo. As canetas permanentes procuraram extrair da tela o peso imposto pelo pigmento, pela composição, pelas cores, pelas formas e pelos volumes. Foi um processo inusitado, que exigiu uma releitura e uma nova pesquisa de trabalho por parte do artista.

 

“As cores, por exemplo, tornaram-se menos vibrantes e mais densas do que nos trabalhos anteriores. As formas, mais volumosas e fechadas. Ao envolver as superfícies das telas com as linhas brancas das canetas permanentes, as formas se ‘ergueram’, criando uma espécie de volatilidade do todo. E ao modular ainda mais as linhas em curvas, interferi também na velocidade delas, proporcionando ao olhar uma nova relação com o tempo de observação”, define Virgílio Neves.

 

As linhas continuam sendo o elo entre dois momentos artísticos de Virgílio, mas a temática ganhou uma outra intenção, em função desse novo percurso.  “Em “Hipnoses”, sua série anterior, o olhar se diluiu ao redor de todo o campo visual; na inédita “Volatilismos”, o olhar ganhou um percurso, uma direção ascendente”, explica Bianca Boeckel, curadora da mostra.   Para Virgílio Neves, a temática se desdobrou para um novo campo de ação: “a busca pela leveza do todo na superfície da tela, como se o objetivo maior fosse torná-la mais leve que o ar. E é engraçada a ironia de se chegar à impermanência das formas usando canetas permanentes”, completa o artista.

 

 

De 12 de maio a 11 de junho.

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15 mil flores

O Museu Afro Brasil, Av. Pedro Álvares Cabral, s/n, Parque Ibirapuera – Portão 10 (acesso pelo portão 3), São Paulo, SP, uma instituição da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, abriu a exposição “A Luz do Mundo onde há Fronteiras” – uma instalação do artista japonês Nobuo Mitsunashi. Utilizando o Hanazumi, uma técnica centenária japonesa, o artista queima as flores em fornos em um processo delicado, onde elas são transformadas em peças de carvão, conservando a sua forma original.

 

Quem visita o Museu Afro Brasil, certamente já viu as esculturas situadas a entrada principal da instituição. Estas esculturas são de Nobuo Mitsunashi, que desde o início do mês está trabalhando em uma majestosa instalação composta por embarcações feitas de terra, madeiras, juta, folhas e bambus, além de flores carbonizadas, na técnica Hanazumi, uma tradicional técnica japonesa que surgiu como um modo de carbonizar flores para serem apreciadas na cerimônia do chá.

 

A exposição “A Luz do Mundo onde há Fronteiras” é um trabalho especialmente desenvolvido para o espaço do Museu Afro Brasil. Mitsunashi busca estabelecer uma rede de intercâmbios com a cultura brasileira por meio de curadorias e projetos especiais. E, desta vez, o artista reuniu na cidade de Mogi das Cruzes, no famoso Casarão do Chá – um patrimônio cultural nacional – uma equipe de assistentes japoneses para auxiliá-lo na produção deste mais novo projeto que se destaca com as 15.000 rosas carbonizadas que eternizam o efêmero, ocupando um espaço de 20m x 30m. Para obter o enegrecimento das rosas que mantém sua forma original, elas são levadas ao forno a uma temperatura de 300ºC por 3 horas, descansando por mais 3 horas para resfriamento.

 

A prática do Hanazumi envolve um antigo costume, de aproximadamente 500 anos, quando frutos, flores e arbustos eram utilizados como ornamentos nas cerimônias do chá e entre samurais generais, traduzindo elegância e nobreza. Dependendo do clã, existiam pessoas especialmente incumbidas de produzir Hanazumis, sendo várias as técnicas secretas e peculiares. Neste cuidadoso processo contra o efêmero, o negrume das peças eterniza a perenidade das formas.

 

Para o artista, o diálogo com o local e sua arquitetura, bem como com as histórias que o Museu Afro Brasil comporta é fundamental. “Vou produzir a minha obra utilizando este ambiente como elemento da própria obra. Serão produzidos os navios que de leste se dirigem ao oeste, expressando desta maneira o fluxo da história. Perto da escada central serão expostas 15.000 Hanazumis de rosas que simbolizarão o descanso dos espíritos.” explica Mitsunashi.

 

Os assistentes japoneses de Mitsunashi, vindos especialmente para este projeto, são: Akari Karugane, Maho Habe, Masashi Ishikawa, Motofumi Aoki, Taku Akiyama, Takuma Asai, Tomoko Mitsunashi e Yumi Arai.

 

 

 

Sobre o artista

 

Nobuo Mitsunashi (1960) graduou-se na Universidade de Arte de Musashino, em Tóquio. É um artista, de origem japonesa, bastante conhecido no cenário brasileiro. Já realizou inúmeras mostras coletivas e individuais em São Paulo. Destacam-se a participação na 21ª Bienal de São Paulo, em 1991; a mostra realizada na Pinacoteca do Estado, em 2002, onde possui obras expostas no acervo permanente da instituição e a exposição “Hanazumi”, mostra individual realizada no Instituto Tomie Ohtake em 2005.

 

Até 10 de julho.

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O triunfo da cor

A exposição denomina-se “O triunfo da cor”, abordando o pós-impressionismo: obras-primas do Musée d’Orsay e do Musée de l’Orangerie, em cartaz no CCBB, Centro, São Paulo. A mostra é uma realização em parceria com Musée d’Orsay e a Fundación Mapfre, a mostra conta com apoio do MinC, por meio da lei de incentivo à Cultura, e patrocínio do Grupo Segurador Banco do Brasil e Mapfre, BB DTVM e Banco do Brasil.

 
A exposição ocupa o térreo, subsolo, 1º, 2º, 3º e 4º andares do CCBB e apresenta 75 obras de 32 artistas que, a partir do fim do século XIX, buscaram novos caminhos para a pintura. O grupo formado por ícones do movimento impressionista, como Van Gogh, Gauguin, Toulouse-Lautrec, Cézanne, Seurat, Matisse, recebeu do crítico inglês Roger Fry a designação de pós-impressionista, por promoverem uma nova linguagem estética, baseada no uso intenso da cor, mostrando os caminhos de uma geração de artistas que ficou conhecida como pós-impressionistas, aqueles que promoveram uma revolução estética pelo uso da cor.

 
A exposição está dividida em quatro módulos: “A cor científica”, com uma seleção de obras inspiradas nos estudos de Michel Eugene Chevreul, cuja técnica consistia em aplicar na tela pontos justapostos de cores primárias e que se tornou muito conhecida nas mãos de Van Gogh.

 
O segundo módulo, “No núcleo misterioso do pensamento. Gauguin e a escola de Pont-Aven”, inclui obras de Paul Gauguin e Émile Bernard a partir de uma pintura sintética, com cores simbólicas e a presença de desenhos nos contornos e silhuetas, refletindo um mundo interior e poético.

 
No módulo 3, “Os Nabis, profetas de uma nova arte”, o tema é a ideologia de um grupo de artistas que defendiam a origem espiritual da arte, utilizando a cor como um elemento transmissor dos estados de espírito.

 
Já o quarto e último módulo, chamado “A cor em liberdade”, apresenta obras de artistas do final do século XIX e início do século XX, com inspirações que vão da Provence à natureza tropical. A curadoria é de Guy Cogeval, presidente do Musée d’Orsay, Pablo JimenézBurillo, diretor cultural da Fundación MAPFRE, e Isabelle Cahn, curadora do Musée d’Orsay. As obras expostas oferecem ao público a oportunidade de conhecer alguns ícones de um importante momento da história da arte e de poder ver de perto algumas das obras mais emblemáticas dos últimos tempos.

 
“O triunfo da cor” é mais uma exposição histórica sobre arte moderna, e que ficará em cartaz no CCBB de São Paulo até 07 de julho, e depois irá para o CCBB RJ, podendo ser visitada de 20 de julho até 17 de outubro.

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