AGENDA CULTURAL

O ruído das estrelas.

05/jun

A Nara Roesler São Paulo convida para a abertura da exposição “Ruído Estelar”, com 36 obras dos artistas Abraham Palatnik, Amelia Toledo, Artur Lescher, Brígida Baltar, Bruno Dunley, Cao Guimarães, Heinz Mack, Julio Le Parc, Laura Vinci, Mônica Ventura, Paulo Bruscky, Rodolpho Parigi, Tomás Saraceno e Tomie Ohtake. A abertura da exposição será no dia 7 de junho e ficará em cartaz até 16 de agosto.

Luis Pérez-Oramas, diretor artístico da galeria, e o Núcleo Curatorial Nara Roesler selecionaram 36 obras a partir da ideia do ruído das estrelas, identificado em 1932, e localizado em 1974, emitido a partir do centro da Via Láctea, na constelação de Sagitário. Em 1974, se descobriu que a origem do ruído estelar era um gigantesco buraco negro, mais massivo 4,3 milhões de vezes do que o Sol, e resultado de um colapso estelar. A exposição sugere ao público uma metáfora em que o mundo das formas artísticas possa ser compreendido como campos de ressonância, em um constante exercício de tornar atual a energia figural que as constitui e que nunca cessa de se transformar, de se transfigurar.

O ponto de partida foi a “música das estrelas”, ouvida, identificada e registrada pela primeira vez em 16 de setembro de 1932, às 19h10, nos campos de Nova Jersey por Karl Jansky (1905-1950), físico e engenheiro especializado em ondas de rádio. Empregado pelos Laboratórios Bell Telephone, ele tinha a tarefa de estudar as fontes de interferência “estática” nas comunicações radiotelefônicas transatlânticas. Para fazer isso, Karl Jansky construiu um dispositivo receptor de ondas de rádio, e ao longo de três anos conseguiu definir três tipos de recepções estáticas: tempestades próximas, tempestades distantes e o que chamou de “um chiado persistente, também de origem estática, cuja fonte é desconhecida”. Com sua antena giratória, no entanto, Karl Jansky pôde identificar a direção de onde os sinais estavam vindo. O estranho chiado ocorria exatamente a cada 23 horas e 56 minutos – quatro minutos a menos que um dia solar – correspondendo assim à duração de um dia sideral. A maior intensidade registrada em 16 de setembro de 1932 permitiu-lhe sugerir que a origem do ruído não vinha do sistema solar, mas do centro da Via Láctea, na constelação de Sagitário. Alguns dias depois, Karl Jansky afirmou que as ondas de rádio que ele havia captado realmente vinham do “centro de gravidade da galáxia”. Anos depois, em 1974, no Observatório Nacional de Radioastronomia, Bruce Balick e Robert Brown descobriram o objeto no centro da Via Láctea de onde se originava o chiado que Karl Jansky havia registrado: Sagitário A*, o imenso buraco negro, 4,3 milhões de vezes mais massivo do que o sol, e resultado de um colapso estelar.

A partir das obras de Laura Vinci, Abraham Palatnik, Tomás Saraceno, Tomie Ohtake, Bruno Dunley, Monica Ventura, Artur Lescher, Cao Guimarães, Paulo Bruscky, Rodolpho Parigi e Julio Le Parc, a exposição busca sugerir uma cena análoga em que as obras de arte seriam objetos que, como as antenas de Karl Jansky, capturam ressonâncias de fundo de seus próprios campos figurais. Ou por imitarem a aparência de dispositivos técnicos (Saraceno, Vinci, Ventura, Lescher); ou por apresentarem composições semelhantes à representação e ao registro de ressonâncias cósmicas (Le Parc, Dunley, Palatnik, Ohtake, Parigi); ou por incluírem, com tons irônicos, referências a rádios e antenas de rádio (Guimarães, Bruscky).

Obras inéditas de Joana Vasconcelos.

04/jun

A Casa Triângulo, Jardim América, São Paulo, SP, apresenta até 26 de julho, “Joana Vasconcelos: Around the World”, terceira exposição individual da consagrada artista portuguesa na galeria. A mostra reúne obras inéditas no Brasil de uma das vozes mais influentes da arte contemporânea internacional, reafirmando sua capacidade única de transformar materiais cotidianos em esculturas de forte impacto visual e poético.

Numa colaboração inédita com a Maison Dior, Joana Vasconcelos criou para o desfile da coleção Outono-Inverno 2023/2024 uma escultura têxtil monumental intitulada “Valquíria Miss Dior”, a partir de 20 tecidos fornecidos pela marca. Explorando os mesmos materiais, Joana Vasconcelos desdobra agora seu universo em novas obras que dialogam entre o artesanal e o tecnológico, o simbólico e o sensorial. As obras em exibição na Casa Triângulo são um desenvolvimento desse projeto, utilizando os mesmos materiais transformados por meio de técnicas artesanais em esculturas imersivas e altamente sensoriais.

Sala Principal: Valkyrie Léonie

Com 3,51 metros de altura, 7,29 metros de largura e 7,52 metros de profundidade, “Valkyrie Léonie” é uma escultura monumental suspensa que integra a icônica “série das Valquírias”, desenvolvida por Joana Vasconcelos desde 2004. A série constitui uma reinterpretação profunda e contemporânea do mito nórdico das valquírias – virgens guerreiras encarregadas de conduzir os heróis caídos em batalha até o Valhalla. As esculturas, de contornos enigmáticos, fundem elementos têxteis e tecnológicos, revelando uma linguagem visual que transita entre o universo mitológico e a história contemporânea.

A manipulação magistral de tecidos, crochê, bordados e luzes por Joana Vasconcelos resulta em composições escultóricas de forte presença física e simbólica. Em “Valkyrie Léonie”, o uso dos tecidos Dior – com padrões florais e texturas sofisticadas – ganha força narrativa ao evocar a figura de Ginette Dior (também conhecida como Catherine ou Miss Dior), florista e resistente política durante a Segunda Guerra Mundial, cuja memória ressoa na obra através da matéria.

A escultura recebe ainda o nome de “Léonie La Fontaine”, feminista e pacifista belga, ampliando a homenagem às mulheres que marcaram a história por sua força e delicadeza. “Valkyrie Léonie” se desdobra no espaço como um organismo têxtil e vibrante, com braços tentaculares que envolvem o ambiente e convidam à imersão. É uma presença coreográfica e monumental, que transforma o espaço da galeria em um território de encontro entre corpo, memória e matéria.

Sala 2

Na sala 2 da galeria, três esculturas suspensas que exploram o potencial poético da suspensão, do gesto e da leveza. Compostas também por tecidos Dior trabalhados artesanalmente, as gotas têxteis evocam o movimento da água, instaurando uma atmosfera lírica e silenciosa. Menores em escala, mas igualmente ricas em detalhe, as obras prolongam a linguagem escultórica de Joana Vasconcelos, propondo um contraponto contemplativo à exuberância da sala principal.

“Joana Vasconcelos: Around the World” reafirma o lugar da artista como uma das mais relevantes da arte contemporânea, capaz de transformar materiais simbólicos e cotidianos em esculturas de forte impacto sensorial, poético e político. Entre o monumental e o íntimo, entre a mitologia e o presente, a exposição convida o público a uma experiência onde arte, história e imaginação se entrelaçam.

Nova artista representada e mostra individual.

03/jun

A Galatea, Jardins, apresenta Dani Cavalier: pinturas sólidas, primeira exposição individual artista carioca Dani Cavalier (Rio de Janeiro, 1993), com abertura no dia 10 de junho, das 18h às 21h, na unidade da galeria na rua Oscar Freire.

A mostra inaugura a representação de Dani Cavalier pela Galatea e reúne trabalhos que integram sua pesquisa em torno do que a artista denomina pinturas sólidas – obras que tensionam os limites entre pintura, escultura e instalação por meio da justaposição de blocos de cor em tecidos reaproveitados da indústria da moda.

Ao mesmo tempo que as chamadas pinturas sólidas partem de elementos estruturais da pintura convencional, como tela, chassi, cor e composição, elas os subvertem. No lugar de tinta e pincel, Dani Cavalier utiliza retalhos coloridos de Lycra, formando composições entrelaçadas que envolvem o chassi e propõem uma nova leitura da superfície pictórica. As pinturas sólidas se revelam, então, como uma espécie de dispositivo para discutir as tipologias de pintura na história da arte, especialmente no domínio da paisagem e da abstração tanto de matriz concreta quanto informal.

Em 2024, Dani Cavalier passou a integrar o acervo do Pérez Art Museum Miami (PAMM), em Miami, nos Estados Unidos. Entre as exposições das quais participou, destacam-se: Carvões acesos (Galatea, São Paulo, 2025); Geometria crepuscular (A Gentil Carioca, Rio de Janeiro, 2024), Bronze noturno (Galeria Refresco, Rio de Janeiro, 2024), Ecos da intimidade (Vórtice Cultural, São Paulo, 2024), Do desenho (Centro Cultural dos Correios, Rio de Janeiro, 2024) e Acordes (Largo das Artes, Rio de Janeiro, 2022).

Os símbolos mágicos de Antonio Maia.

02/jun

A Galatea, Jardins, São Paulo, SP, anuncia “Antonio Maia: símbolos mágicos”, individual de Antonio Maia (Carmópolis, SE, 1928 – Rio de Janeiro, RJ, 2008) com pinturas nas quais o artista reinterpreta os Arcanos Maiores do tarô. A abertura acontecerá no dia 10 de junho, das 18h às 21h, na unidade da galeria na Rua Padre João Manuel.

Na ocasião da abertura, entre 18h e 19h, o curador e crítico de arte Lucas Dilacerda, que assina o texto crítico que acompanha a exposição, conduz uma “visita mediada pelo tarô”, uma atividade de leitura coletiva, propondo um mergulho sensível e interpretativo nas obras.

Natural da zona rural de Carmópolis, no interior sergipano, Antonio Maia cresceu em um contexto de forte religiosidade popular, que marcaria profundamente sua trajetória pessoal e artística. Desde o início de sua carreira, demonstrou interesse pelos elementos simbólicos da cultura nordestina, em especial os ex-votos. Entre 1986 e 1992, Antonio Maia dedicou-se à criação de sua série sobre o tarô, um dos núcleos menos conhecidos de sua produção.

O interesse pelo tema ganhou corpo após um curso com o tarólogo Namur Gopalla, quando o artista percebeu que, intuitivamente, já utilizava de muitos dos arquétipos presentes nos 22 Arcanos Maiores. Inspirado pela leitura clássica do tarô como uma jornada espiritual, ele passou a criar obras densas em simbologia, repletas de signos astrológicos, referências à cabala, alquimia e outros elementos do universo esotérico.

“Buscamos o tarot quando estamos passando por algum momento de crise, dúvida ou incerteza. Nessa conjuntura atual de tantas crises – climática, social, econômica e afetiva – principalmente após uma pandemia que deixou sequelas invisíveis que nem conseguimos nomear ainda, a ciência moderna ocidental tem se mostrado insuficiente. Diante dessa falta de respostas, muitas vezes buscamos alternativas nos saberes ancestrais, esotéricos, místicos e mágicos. O tarot nos força a olhar para certas esferas da nossa vida que estão sendo ignoradas, ele nos convoca à vida”, comenta Lucas Dilacerda.

Até 02 de agosto.

Design e cotidiano na Coleção Azevedo Moura.

30/maio

A exposição Design e cotidiano na Coleção Azevedo Moura, realizada sob curadoria de Adélia Borges, em cartaz no Museu do Ipiranga, São Paulo, SP, apresenta um extenso conjunto de objetos colecionados especialmente no Rio Grande do Sul, que permitem refletir sobre as formas tradicionalmente excludentes de pensar o passado brasileiro. Reunidos pela sensibilidade do olhar do casal Maria Cristina e Carlos Azevedo Moura, esses objetos formam uma das maiores coleções brasileiras relativas à imigração de italianos e alemães chegados ao Sul do país a partir do século 19.

A coleta foi feita pelo casal ao longo de muitos anos e chega a milhares de itens. São móveis, utensílios domésticos, ferramentas, fotografias que nos ajudam a entender como uma coleção representa o dia a dia dessas pessoas enquanto construíam uma nova vida no Brasil.

Até 28 de setembro.

A experiência estética e política de Miguel Afa.

A Gentil Carioca, Higienópolis, apresenta até 23 de agosto “Um céu para caber”, primeira exposição individual de Miguel Afa em São Paulo. Com texto de apresentação da curadora e pesquisadora Lorraine Mendes, a mostra reúne um conjunto inédito de pinturas que exploram os limites e as expansões do afeto como experiência estética e política. O céu, aqui, surge como metáfora de amplitude e possibilidade: lugar de acolhimento, respiro e entrega.

Miguel Afa nasceu em 1987, no Rio de Janeiro, RJ. Iniciou sua trajetória artística em 2001, por meio do graffiti, nas ruas do Complexo do Alemão, onde nasceu e cresceu. Mais tarde, formou-se pela Escola de Belas Artes da UFRJ. Sua obra propõe uma reconfiguração poética da imagem do corpo periférico, contrapondo os estigmas da marginalização com cenas que evocam afeto, cuidado e resistência. Através de uma paleta cromática enigmática – que não ameniza, mas adensa a narrativa – Migeul Afa constrói cenas que, ao mesmo tempo, revelam o visível e o invisibilizado. Em sua pintura, cor é discurso: esmaecer não é apenas gesto técnico, mas ato de lembrança e posicionamento.

Em “Um céu para caber”, cada pintura é entregue como quem oferece uma dedicatória – à pintura, à vida, e às histórias que nela fazem figura. “Miguel Afa nos apresenta um conjunto de obras que versam sobre os limites daquilo que podemos chamar de amor. Se todos e cada um temos direito ao afeto, ao contato e às nuances de sentimentos que desabrocham ao se relacionar, o céu representa algo infinito, ilimitado, fecundo de possibilidades”, explica a curadora Lorraine Mendes.

A exposição continua no andar superior da galeria com uma seleção de obras inéditas que abordam temas ligados à intimidade e ao erotismo a partir de uma perspectiva sensível e crítica. Em função do conteúdo, essa parte da mostra terá classificação indicativa de 18 anos, respeitando as orientações para visitação de públicos diversos.

O pop brasileiro.

29/maio

A década de 1960, marcada por tensões políticas, transformações sociais e a chegada de novas linguagens artísticas ao Brasil, é o pano de fundo da nova exposição da Pinacoteca, “Pop Brasil: Vanguarda e Nova figuração, 1960-70”. Com 250 obras de mais de cem artistas do período na Pina Contemporânea, Luz, São Paulo, SP, é a maior mostra do museu no ano.

As obras, muitas exibidas em conjunto pela primeira vez, são principalmente do acervo da Pinacoteca e da Coleção Roger Wright – que estão em comodato com a instituição há anos. Fazem parte artistas como Hélio Oiticica, Pietrina Checcacci, Nelson Leirner e Cláudio Tozzi.

Quem entra na sala expositiva encontra o conjunto original de bandeiras serigrafadas do “Happening das Bandeiras” (evento artístico realizado em 1968 no Rio), revelam Pollyana Quintella e Yuri Quevedo, curadores.

Depois segue-se uma sala com obras que homenageiam ícones populares da época, como o cantor Roberto Carlos e astronautas, elevados ao status de celebridades com a corrida espacial. Em outro espaço, peças fazem críticas à ditadura militar (1964-1985). Ao lado, trabalhos sobre as mudanças de comportamento da sociedade ganham destaque. O trajeto expositivo termina em uma retrospectiva sobre a transformação da arte dos anos 1950.

Adoração/Na instalação criada em 1966, Nelson Leirner exibe uma espécie de palco que revela uma imagem do cantor Roberto Carlos, acessada por meio de uma catraca. Mesclando símbolos católicos com a imagem do artista em neon, reflete sobre a lógica da indústria cultural.

O Bandido da Luz Vermelha/O quadro de Cláudio Tozzi faz referência ao caso de João Acácio Pereira da Costa, criminoso que ganhou o apelido Bandido da Luz Vermelha e ficou conhecido por assaltos e homicídios em São Paulo. Nele, o artista remete à linguagem das histórias em quadrinhos com a pintura de uma mulher que se pergunta se o homem entrará em sua casa durante a madrugada.

Envolvimento/A série de Wanda Pimentel, feita em 1968, retrata um corpo feminino em um ambiente doméstico anárquico, retratado com linhas e enquadramento e precisos. A obra levanta questões sobre papéis de gênero.

Matéria e Forma/Também de Nelson Leirner, mostra a transformação da matéria-prima em produto de consumo por meio de uma instalação com um tronco de árvore, do qual sai uma cadeira pronta.

Parangolés/Um dos trabalhos mais radicais de Hélio Oiticica, são vestimentas feitas com tecidos e plásticos que têm a intenção de integrar o espectador à obra de arte, que pode experimentar suas réplicas. O artista é conhecido por questionar o uso de suportes tradicionais na produção artística.

O Povo Brasileiro/O conjunto de cinco bandeiras da artista Pietrina Checcacci faz parte do movimento “Happening das Bandeiras” e tem desenhos que tematizam questões ligadas à formação de uma família tradicional, aos problemas da classe média e à performance da política.

O Presente/Em 1967, a artista Cybèle Varela fez caricaturas que ironizam a figura dos generais da ditadura militar, como forma de resistência ao govern

Fonte: Isabela Bernardes/Guia Folhas.

Instrumento para pensar o tempo.

O MuBE, Jardim Europa, São Paulo, SP, inaugurou exposição inédita da artista e escultora Laura Vinci. Com curadoria de Agnaldo Farias, FLUXOS, aborda as relações das obras com as questões da natureza e da paisagem, conectando com o espaço arquitetônico em movimento e reflexões sobre o tempo e explora as interfaces da arte, arquitetura e ambiente, enquanto dialoga com a icônica arquitetura do MuBE, projetada pelo arquiteto Paulo Mendes da Rocha.

“Laura Vinci transforma o espaço em organismo sensível. Em FLUXOS, ela faz da matéria um instrumento para pensar o tempo, a impermanência e as forças invisíveis que nos atravessam. Sua obra não se impõe, mas se insinua, instaurando uma escuta do ambiente e uma desaceleração do olhar. O público percorrerá os ambientes do museu ao sabor de uma atmosfera habitada por acontecimentos que provocarão a desaceleração de seus passos; um encadeamento de experiências a um só tempo sensoriais e contemplativas, dele exigindo atenção e escuta.”, comenta Agnaldo Farias, curador da exposição

Composta por estruturas metálicas e sistemas mecânicos, como nas peças com vapor a frio, que é empregado como matéria efêmera ocupando o espaço de forma orgânica e imprevisível, a instalação evoca a presença do ar e de forças invisíveis, instaurando um ritmo silencioso e constante. O público é convidado a percorrer o ambiente e se deixar afetar por uma atmosfera que provoca desaceleração, atenção e escuta do espaço, propondo assim uma experiência sensorial e contemplativa. A mostra “FLUXOS” é uma continuidade da pesquisa poética de Laura Vinci sobre estados de transformação, presença e impermanência. Ao ocupar o espaço do MuBE, se integra à arquitetura brutalista do museu e revela, em sua leveza e escala, uma dinâmica marcada pela impermanência.

A produção de Laura Vinci, transita por escultura, instalação e intervenções, com ênfase em experiências sensoriais e materiais em transformação. Ao longo de sua carreira, participou de importantes mostras institucionais, como a Bienal de São Paulo, além de realizar exposições individuais em grandes instituições de arte. Sua obra integra acervos públicos e privados e é reconhecida por sua sutileza formal e profundidade conceitual.

Até 07 de setembro.

Artista representado e seu legado.

26/maio

A Galatea, São Paulo, SP, anuncia a representação do artista Paulo Roberto Leal (Rio de Janeiro, 1946 – Rio de Janeiro, 1991) e seu legado.

Ao longo de sua carreira, Paulo Roberto Leal trabalhou com pintura ao mesmo tempo que se manteve em constante experimentação com materiais e suportes não convencionais. Desenvolveu, a partir do início da década de 1970, uma produção marcada pelo rigor formal e pelo interesse nas qualidades plásticas do papel, aprofundando-se de modo autodidata na investigação dos limites da pintura e da visualidade construtiva. Sua obra é atravessada pela pesquisa em torno da materialidade do suporte e dos processos repetitivos e modulares. Utilizou com frequência papéis kraft e papéis nobres, tecidos costurados e caixas acrílicas, criando objetos e composições que questionam as fronteiras entre pintura, escultura e instalação.

O artista participou de duas Bienais de Veneza, em 1972 e 1980, ocasião em que teve destaque especial, além da 11ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1971, onde foi premiado. Em 1984, foi cocurador da histórica mostra “Como vai você, Geração 80?”, realizada na EAV do Parque Lage, no Rio de Janeiro – marco da arte brasileira daquela década. Em 1993, Roberto Pontual foi um dos fundadores do Projeto Concreto/PRL, criado com o objetivo de preservar e difundir a obra do artista. Em 1995, o MAM Rio implantou o Centro de Referência Iconográfica e Textual Paulo Roberto Leal, preservando a documentação deixada pelo artista.

Entre as exposições inidivuais e coletivas recentes, destacam-se: Moments in Modernism (Coletiva, Art Gallery of Ontario, Toronto, 2025); Estado bruto (Coletiva, MAM Rio, Rio de Janeiro, 2021); Casa carioca (Coletiva, MAR, Rio de Janeiro, 2021); Espaços articulados (Individual, Paço Imperial, Rio de Janeiro, 2015); Sensitive Geometries (Coletiva, Hauser & Wirth, Nova York, 2013); Da matéria nasce a forma (Individual, MAC Niterói, 2007). Suas obras integram importantes coleções públicas, como o Museu de Arte de São Paulo (MASP), Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio), Museu de Arte Contemporânea de Niterói (MAC-Niterói) e a Art Gallery of Ontario (Toronto, Canadá).

A Galatea agradece especialmente à Lorena Leal pela confiança e parceria neste projeto. Com essa representação, a galeria reafirma o compromisso de ampliar o alcance da obra de Paulo Roberto Leal, preservando seu legado e renovando o interesse por sua prática junto às novas gerações e no cenário da arte contemporânea. Em 2026, a Galatea dedicará uma grande exposição ao artista.

Os fluxos da ancestralidade em Roney George.

A Galeria Carmo Johnson Projects apresenta a primeira exposição individual do artista Roney George, “Fixos, Fluxos e Orikis”, Alto de Pinheiros, São Paulo, SP.

Com trabalhos recentemente produzidos, alguns feitos especialmente para a mostra, a exposição tem a curadoria de Danillo Barata, artista, pesquisador e professor reconhecido por sua atuação nas áreas das artes, mídias e culturas digitais, com uma abordagem interdisciplinar que explora as intersecções entre corpo, imagem e tecnologia. Danilo Barata traz um olhar sensível e aprofundado, fruto de uma relação construída ao longo de anos de proximidade e colaboração com Roney George.

Em seu texto curatorial, Danillo Barata, menciona que: “A exposição propõe uma reflexão sobre a transformação contínua das tradições e identidades afro-brasileiras, explorando as permanências simbólicas e as dinâmicas dos deslocamentos culturais. Aqui, a arte não se restringe à materialidade dos objetos, mas se expande como território vivo, onde tradição e contemporaneidade se entrelaçam, em um gesto que reafirma a potência criadora dos fluxos da ancestralidade”. (…)

Sobre o artista

Natural de Itapetinga, no sudoeste da Bahia, Roney George carrega em sua poética artística as marcas do sertão, incorporando em suas obras a simbologia dos caboclos de couro, figuras emblemáticas da cultura sertaneja e afro-indígena. O artista graduou-se pela Escola de Belas Artes da Universidade Federal da Bahia UFBA. Ao se deslocar para Salvador, Roney George ampliou seu repertório visual e conceitual, vivenciando a complexidade das interações entre sertão e cidade, articuladas por processos históricos que moldam o Recôncavo baiano e suas extensões culturais. Suas obras se desdobram como processos contínuos, nos quais a dimensão ambiental, a participação do público e a história afro-atlântica se tornam partes intrínsecas de sua construção. Inspirado por paradigmas que valorizam o fazer artístico como experiência total, o artista traduz em suas pinturas uma complexa trama de resistência, memória e ancestralidade que conforma a diáspora africana, conectando o passado às urgências do presente.

Em “Fixos, Fluxos e Orikis”, está proposto um evento vivo, onde tradição e contemporaneidade dialogam continuamente, promovendo reflexões sobre pertencimento, memória e a continuidade dos saberes afro-diaspóricos.

Até 28 de junho.