Arquivos da Categoria: São Paulo

Novo escritório de arte

29/mai

O Gris Escritório de Arte, Pinheiros, São Paulo, SP, dos sócios Bernard Leroux, Frederic Desmaret e Paulo Azeco, inicia suas atividades e inaugura seu espaço com exposição coletiva, composta por desenhos, pinturas, fotografias, gravuras, esculturas e grafites de artistas tanto com trajetória já consolidada quanto por novos talentos.

 

Resultado de uma longa amizade entre seus fundadores, os quais compartilham a mesma paixão pela arte, o Gris Escritório de Arte possui peculiar curadoria de sua coleção – a qual também é formada por itens de acervo pessoal -, guiada pelo olhar aguçado de Bernard, Frederic e Paulo. A proposta deste novo espaço é ser um instrumento de fomentação cultural, com a intenção de revelar artistas emergentes nacionais e internacionais através da apresentação ao mercado, exibição e comercialização de peças.

 

O Gris marca sua entrada no circuito cultural com trabalhos de qualidade, garantida pelo vasto conhecimento adquirido pelos sócios ao longo de suas carreiras em atividades que se complementam com a rigidez do direito internacional, a harmonia da arquitetura e a liberdade criativa do design. Sem se auto-denominar um escritório especializado em determinado tipo de arte, o intuito é manter a diversidade de períodos e estilos entre as obras disponibilizadas.

 

Nomes como Aecio Sarti, Barbara Wagner, Beto Riginik, Jesus Rafael Soto, Norma Grimberg, Sue Elie Andrade Dé, João Balsini. estão entre alguns artistas confirmados para expor no Gris.

 

 

A partir de 31 de maio.

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Livro de Cristina Schleder na Cultura/SP

28/mai

A Luste Editores lança “Os Tapetes Voadores da Mata Atlântica”, da artista plástica Cristina Schleder, com fotografias autorais que registram texturas, tramas e detalhes de sua inspiração maior – a Natureza. As imagens e espelhamentos de alguns fragmentos possibilitam novos significados à importância e beleza deste ecossistema.

 

Para a criação da série, Cristina Schleder adentrou a área da Mata Atlântica munida de olhos treinados em busca do inusitado, do oculto, e não de uma mera imagem. Em seus momentos preferidos, os pós chuva ou os dias nublados de luz prateada, quando a vegetação atinge seu pico de beleza, a artista vislumbrava detalhes de cores que surgiam em troncos e musgos, criando uma inédita fábula visual formada por fotografias marcantes. Sua imersão era tamanha que encontrava novos personagens, os quais a acolhiam e descortinavam um novo cenário, levando-a a lembrar das estórias em que os seres viajavam em tapetes voadores. Desenhos, formatos, cores e padronagens surgiam diante da artista, leves e harmônicos, que possibilitavam a imaginação de Cristina Schleder alçar vôo.

 

Os Tapetes Voadores da Mata Atlântica não versa apenas sobre o lúdico: também nos permite acesso à precisão da técnica e a conquista da verdade, visto que as formas e tons são exibidos em sua verdade máxima sem interferência ou alteração; o titulo de cada fotografia é o código da própria maquina quando apertado o disparador – sendo que cada imagem é realizada por um único clique, enfatizando a o momento único de cada cena.

 

Nas palavras da própria artista, travestida em uma personagem de contos “…a verdade deste pensamento mágico conseguia levá-la para todos os lugares imaginados, sentada em seu próprio tapete voador que a mata, com seus fios, tramas e bordados, teceu especialmente para ela.” A apresentação é de Tereza de Arruda.

 

Onde e quando: 05 de Junho de 2014, quinta-feira, das 18h às 22h na Livraria Cultura – Shopping Iguatemi, Jardim Paulistano.

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Babenco apresenta Baccaro em “Deep”.

26/mai

O artista Thomas Baccaro abre exposição individual,  “Deep”, na Galeria Vilanova, Vila Nova Conceição, São Paulo, SP, para a qual contou com um apoio especial: o cineasta Hector Babenco assina o texto de apresentação.  A curadoria é de Bianca Boeckel. Thomas Baccaro apresenta onze  imagens,  realizadas na Itália entre novembro de 2013 a janeiro de 2014.

 

 

Texto de Hector Babenco

 

“Thomas, primeiro e talvez último mergulho no profundo. Vendo estes bucólicos flagrantes do Thomas, a última pergunta que viria não é necessária. Onde esta paisagem dorme? Esta frágil melancolia que este jovem artista deixa seu olho pousar. Melancolia seria uma palavra óbvia. A palavra é PROFUNDO. Há algo nesta neblina que não nos remete ao mar, ao contrário, ela nos deixa na terra. Não na desolação e sim no nascimento e na perenidade assustadora do que é, e de onde viemos… ”

 

 

 

De 27 de maio a 17 de junho.

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Arte Popular Brasileira

23/mai

O Museu Casa do Pontal do Rio de Janeiro, inaugurou a exposição “O Brasil na Arte Popular”, em São Paulo, a convite do Sesc Belenzinho. Com curadoria da antropóloga e diretora do Museu, Angela Mascelani, a exposição traz mais de 400 obras, de 51 artistas, de 12 estados brasileiros, cujas temáticas abrangem as atividades cotidianas, festivas e imaginárias do povo brasileiro. Ganha destaque o artista individual, com pensamento, criação formal e soluções plásticas encontradas. E também as coletividade criadoras, com estilos próprios e marcas comuns, caso do Alto do Moura (Pernambuco), Vale do Jequitinhonha (Minas Gerais) e Juazeiro do Norte (Ceará).

 

“O critério da curadoria foi pela seleção de obras potentes capazes de transmitir ao público a força desta produção no Brasil. Além disso, a exposição tem como objetivo oferecer uma visão sincrética acerca do mundo cultural no qual floresce a arte popular brasileira. E mostrar as maneiras por meio das quais os participantes deste segmento, historicamente situado nas periferias e nas zonas rurais, atualizam suas presenças no cenário contemporâneo do país e nos novos contextos urbanos. Queremos possibilitar o surgimento de reflexões sobre a arte popular brasileira tradicional, de inspiração rural e como esta arte vem se transformando no Brasil altamente urbanizado da contemporaneidade”, explica Angela Mascelani.

 

A exposição apresenta uma mostra significativa da arte popular brasileira com obras de seus principais artistas: Mestre Vitalino, GTO, Zé Caboclo, Antônio de Oliveira, Noemisa, Adalton Lopes, entre outros. Propõe uma viagem pelo país a partir da arte e suas relações com a diversidade cultural e a natureza.

 

 

Até 10 de agosto.

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Luiz Braga no Sesc Pinheiros

Chama-se “Retumbante Natureza Humanizada” o recorte inédito na obra do paraense Luiz Braga, a partir de uma pesquisa coordenada pelo curador da exposição, Diógenes Moura, iniciada em 2009. Com trabalhos realizados entre 1976 e 2014, o conjunto de 160 fotografias privilegia grande parte da produção (inédita) do artista realizada em preto e branco. Encerra o percurso da exposição, o vídeo igualmente inédito filmado em Belém e na Ilha de Marajó, “O sem nome e o nada” (2014, 30’), inspirado na obra do fotógrafo, idealizado pelo curador e realizado pelo coletivo paraense “Cêsbixo”.

 

A mostra, que entrará em cartaz no Sesc/Pinheiros, São Paulo, SP, reúne imagens concebidas em Belém e na Ilha de Marajó – Soure, Cachoeira do Arari, Salvaterra, Quilombo do Pau Furado -, territórios onde o fotógrafo vem trabalhando mais constantemente, um pouco afastado de sua Belém pela violência que ronda as capitais brasileiras. “Mas eu quero tratar da alegria e do afeto que resistem em lugares como a Ilha de Marajó que, sem dúvida, é a minha paixão ancestral”, diz o artista.

 

O curador destaca como na obra de Luiz Braga se entrelaçam os contrastes entre a paisagem humana e a paisagem da arquitetura. Segundo ele, nas fotografias da Ilha de Marajó se nota o semblante dos filhos do lugar, cada um deles pode ser homem, mulher, criança, tronco de árvore, ventania, paisagem avassaladora. “O Marajó profundo, o lugar onde as árvores falam, onde famílias inteiras descansam nas cadeiras e até em pequenos sofás, nas portas das casas, diante do luar, como se estivessem no cinema vendo a vida passar em technicolor”, completa Moura.

 

Braga diz que seguiu a sua intuição e se manteve onde nasceu. Talvez por isso, em sua obra, ressalta o curador, o tempo chega largo, vasto, sem pressa, vem com o ritmo das águas, já que o artista foi criado conhecendo apenas duas estações: chuva (o inverno amazônico) e menos chuva e mais sol (o verão); maré seca, maré cheia. “Depois de muito refletir sobre o que fazia, notei que voltava naturalmente aos mesmos lugares e temas, mas que a cada retorno minha fotografia poderia se expandir e se aprofundar, mantendo acesa a inquietude que alimenta a experimentação de novas técnicas e maneiras de fotografar”, diz o artista. “Num caso raríssimo, a fotografia de Braga é o resultado dos seus dias, uma reinvenção do que está (e persiste) ao seu redor, como a sua própria natureza, a natureza do homem amazônico sofisticadamente infindável”, complementa Diógenes Moura.

 

 

 

Sobre o artista

 

Luiz Braga nasceu em 1956, em Belém (Pará), onde vive e trabalha. O seu primeiro contato com a fotografia foi aos 11 anos. Em 1975, montou seu primeiro estúdio para trabalhar com retratos, ao mesmo tempo em que ingressava na Faculdade de Arquitetura, onde se graduou em 1983, embora nunca tenha trabalhado como arquiteto. Até 1981, fotografava principalmente em preto e branco. Suas primeiras exposições (1979 e 1980) eram compostas de cenas de dança, nus, arquitetura e retratos. Após essa fase, descobriu as cores vibrantes da visualidade popular amazônica e, convidado pela Funarte, viajou pela região aprofundando o ensaio que seria exibido sob o título No Olho da Rua (Centro Cultural São Paulo, 1984), considerado o primeiro passo de seu amadurecimento autoral. Em A Margem do Olhar (1985 a 1987) retorna ao preto e branco dos primeiros tempos, retratando com dignidade o caboclo amazônico em seu ambiente. Exibido nacionalmente em 1988, esse ensaio rendeu-lhe o Prêmio Marc Ferrez conferido pelo Instituto Nacional da Fotografia. O encantamento pela cor da sua região e as possibilidades pictóricas extraídas do confronto entre a luz natural e as múltiplas fontes de luz dos barcos, parques e bares populares resultam no ensaio Anos Luz, premiado em 1991 com o “Leopold Godowsky Color Photography Awards” da Boston University e exibido no Museu de Arte de São Paulo (Masp) em 1992. Uma de suas características é o enfoque, que passa ao largo das visões estereotipadas e superficiais sobre a Amazônia. A outra é o domínio da cor, com a qual passou a ser referência na fotografia brasileira contemporânea.

 

Realizou mais de 150 exposições entre individuais e coletivas no Brasil e no exterior, e suas fotografias compõem coleções públicas e privadas importantes, como a do Museu de Arte Moderna (MAM) de São Paulo, do Centro Português de Fotografia, do Museu de Arte Moderna (MAM) do Rio de Janeiro e da Pinacoteca do Estado de São Paulo, entre outras. Em 2005, comemorou 30 anos de carreira abordando os diversos segmentos de sua obra na mostra Retratos Amazônicos, no MAM/SP, e na exposição Arraial da Luz, a maior de sua carreira, montada ao ar livre num parque de diversões em sua cidade natal, a qual recebeu mais de 35 mil visitantes. Em 2009, foi um dos representantes do Brasil na 53ª Bienal de Veneza.

 

 

 

Sobre o curador

 

Diógenes Moura nasceu na Rua do Lima, em Recife, Pernambuco. Passou a infância entre os quintais, os pés de abiu e a linha do trem no arrabalde de Tejipió. Depois viveu 17 anos em Salvador, na Bahia, no bairro negro da Liberdade, quando a cidade ainda não havia perdido a memória. Vive em São Paulo desde 1989. É escritor, curador de fotografia e editor independente. Entre 1998 e maio de 2013 foi Curador de Fotografia da Pinacoteca do Estado de São Paulo onde realizou exposições e reflexões sobre o pensamento fotográfico e possibilitou o reconhecimento do acervo do museu – hoje com cerca de setecentas imagens de fotógrafos brasileiros – como um dos mais importantes da América Latina. Premiado no Brasil e no exterior, só entende fotografia vendo-a como literatura. Em 2009 foi eleito o Melhor Curador de Fotografia do Brasil pelo Sixpix/Fotosite. No ano seguinte recebeu o prêmio APCA (Associação Paulista de Críticos de Artes) de melhor livro de contos/crônicas com Ficção Interrompida – Uma Caixa de Curtas (Ateliê Editorial). Com o mesmo título foi finalista do Prêmio Jabuti de Literatura 2011. Acaba de finalizar seu novo livro, Fulana Despedaçou o Verso (Ed.TerraVirgem). Mesmo sem ter nenhuma expectativa em relação ao futuro da humanidade, atualmente trabalha na sua primeira novela, A Placa Mãe.

 

 

 

 

Sobre a equipe Cêsbixo Coletivo

 

 

Cêsbixo Coletivo é um grupo formado em 2010 por Pedro Rodrigues, Bruno Leite, Carol Lisboa e Marise Maués, todos atuantes no âmbito artístico, seja fotografia, vídeo, desenho ou design gráfico. O coletivo tem como objetivo integrar as suas áreas de interesse em busca de um produto que converse com as diferentes formas de linguagem visual. Dedica-se a produzir conteúdo multimídia e atua na cidade de Belém.

 

 

 

De 27 de maio a 03 de agosto.

 

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Barceló no Brasil

Um dos mais prestigiados artistas espanhóis, Miquel Barceló, virá ao Brasil, iniciando por São Paulo, para apresentar sua obra recente, além de alguns trabalhos referenciais de sua produção, como o elefante de bronze apoiado pela tromba, que ocupou em 2011 a Union Square, em Nova York.

 

O também pintor da aclamada cúpula da sala de Direitos Humanos da ONU em Genebra, no qual imprimiu o seu fundo do mar (2007), traz para a Pinakotheke São Paulo, que depois seguirá para a do Rio e de Fortaleza, a série de telas brancas (monocromáticas), produzidas em 2013. Somam-se a estas pinturas e ao Elefandret (2007), uma peça em cerâmica de proporções monumental “Animals de Cap Fort’ (2012), com 180 x 110 cm, outros trabalhos em cerâmica e bronze, pinturas da série “Frutas” (2013), além de vídeos e um caderno do artista..

 

Para compreender o processo do artista, montou-se também o seu “Gabinete de curiosidades”, com elementos e objetos pessoais caros à composição de sua obra e que nunca haviam saído de seu ateliê parisiense, portanto, inédito para o público. Na abertura da mostra será lançado ainda um livro da Edições Pinakotheke, que reúne uma entrevista do artista concedida ao crítico Adriano Pedrosa, além de textos do pensador espanhol Enrique Juncosa e imagens da coleção, seguido de cronologia sobre a vida e a obra de Miguel Barceló.

 

Com capacidade de trabalho surpreendente e atuando em múltiplos suportes – pintura, escultura, murais, cerâmica, desenho, ilustrações de livros – Miguel Barceló se divide entre os seus ateliês de Paris, Ivry e o de cerâmica em Palma de Maiorca, sua terra natal. O crítico Enrique Juncosa destaca a capacidade rara de Miguel Barceló em se desdobrar para conceber vários projetos ao mesmo tempo.

 

Dos trabalhos mais recentes e presentes na mostra, o crítico espanhol ressalta a série de pinturas brancas cuja aparência pode aproximá-la da abstração. Juncosa adverte, contudo, que não é o caso, tal como provam os títulos das obras, sempre inspirados nos elementos eleitos pelo artista para a composição da tela. Os círculos remetem a nomes de praças de toros, outras se referem à espuma das ondas do mar, mas que, como em ambos os casos, ilustram o comportamento da matéria e dos pigmentos sedimentados em camadas. “Ação arriscada de um artista solitário, como um toureiro na arena, mas também contemplação hipnótica da natureza e das possibilidades da pintura, o que pouco tem a ver com a abstração monocromática, seja esta formalista ou de exploração do sublime”, completa.

 

Na exposição, os quadros de frutas, sobretudo os tomates partidos contrastam com os brancos pela intensidade cromática. Segundo o crítico, a pintura “Tomate-Mars” (2013), joga com o nome Marte, do planeta vermelho, e a metade do tomate que se vê tem algo de planeta vivo, com um interior que sugere movimento perpétuo, como uma caldeira em ebulição.

 

Se a experiência com a pintura está presente desde o início de sua obra, o interesse pela cerâmica começa em Mali, em 1995, onde também mantinha um ateliê. Desde então, se dedicou a aprender técnicas em Maiorca, França e Itália e a cerâmica tornou-se um dos suportes fundamentais de sua produção, culminando com os espetaculares murais que realizou na Capela de São Pedro no interior da catedral gótica de Palma de Maiorca (2007). Algumas são concebidas a partir de formas de objetos tradicionais, mas em outros casos são verdadeiras esculturas, tanto de formas abstratas como de formas reconhecíveis – alimentos (pão e furtas) e animais. Às vezes há figuras em suas superfícies como é o caso da monumental “Animals de Cap Fort” (2012), que remetem a certas imagens tântricas do budismo tibetano. Algumas cerâmicas, como na obra de Joan Miró, podem servir para realizar as peças em bronze, como “Estatuária equestre” (2014). A presença do bronze na mostra se completa com a famosa escultura “Elefandret” (2007).

 

Desde o início da sua carreira Miguel Barceló produz “cadernos de artista”, referências que recolhe em suas viagens. São dezenas de cadernos muito bem encadernados, com datação precisa, e páginas repletas de elementos naturais: folhas, gravetos, desenhos, terra, pigmentos, pintura, tudo o que reproduz com exatidão a experiência vivida naquele momento. Os primeiros foram organizados por sua mãe e os mais recentes, pela equipe do seu estúdio de Paris. Em 2003, Le Promeneur-Gallimard editou “Carnets d’Afrique”, uma seleção destes cadernos que realizou na África entre 1988 e 2000. Na mostra haverá um exemplar de 42 páginas realizado em maio de 2011 na Ilha La Graciosa, Canárias, Espanha.

 

Complementam a exposição, os filmes: “Mar de Barceló”, especialmente produzido durante a execução da cúpula das nações da ONU, e “Paso Doble”, referência ao processo criativo das cerâmicas.

 

 

Pinakotheke São Paulo / Morumbi

 

Abertura 28 de maio.
De 28 de maio a 12 de julho. de 2014

 

 
Pinakotheke Rio de Janeiro / Botafogo

 

Abertura 23 de setembro.
De 23 de setembro a 30 de outubro.

 

 
Galeria Multiarte / Aldeota / Fortaleza


Abertura 11 de novembro.
De 11 de novembro a 15 de dezembro.

 

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Tauromaquia : Picasso, Dalí e Goya no MAB

21/mai

O espetáculo das touradas desde sempre inspirou artistas do mundo todo. Por conta deles, o touro ganhou lugar especial e significado em muitas das obras de grandes mestres e incontáveis artistas, que usaram a tauromaquia (combate a touros) como um instrumento para representar simbolicamente a luta contra o poder opressor. Costurando uma seleção entre a estreita relação da produção artística de Picasso, Dalí e Goya, o Museu de Arte Brasileira, MAB, da FAAP, Higienópolis, São Paulo, SP, e a Produtora Mega Cultural apresentam, pela primeira vez no Brasil, a exposição “Tauromaquia”.

 

Com curadoria de Monika Burian Jourdan e Serena Baccaglini, a mostra reúne diversas obras e séries. São cerca de 180 imagens, entre desenhos originais e gravuras  de Francisco Goya, Pablo Picasso e Salvador Dalí que evidenciaram o fascínio pelo universo da corrida de touros e desenvolveram trabalhos consistentes e relevantes em torno do tema, tão intrinsecamente ligado à cultura ibérica. Muitas das obras trazidas ao Brasil para esta exposição foram raramente vistas antes. Dentre elas está o estudo de Picasso para “Guernica”, nas mesmas dimensões do painel original.

 

“Na maioria das civilizações o touro, tema central da exposição, é um símbolo místico que significa força, coragem e fertilidade. Esta força animal que os touros mostram é retratada de forma fascinante nas obras destes artistas”, explica Monika Bourian Jourdan. “Para os artistas, a tourada não representa apenas um espetáculo. Para Goya, por exemplo, tauromaquia foi inicialmente uma ferramenta para expressar sua dissidência política. A exposição apresentará a série completa de gravuras Tauromaquia, de Goya, uma das suas séries mais famosas”.

 

Picasso foi influenciado por Goya. Baseou-se no uso do conhecimento do “chiaroscuro” (luz e sombra) de Goya para a produção de sua própria obra, utilizando-a como instrumento de protesto contra a ditadura do General Franco. Picasso e Goya utilizaram este tema para manifestar profundo sofrimento e resistência à opressão.

 

Nos anos 1966-67, Salvador Dalí transformou a famosa “Tauromaquia Suite” (1957-59), de Picasso numa extensão do diálogo artístico que os dois artistas mantiveram durante anos. Alguns desses trabalhos fazem parte das obras desta exposição.

 

Goya, por sua vez, usou a tauromaquia para expressar sua dissidência política contra os nobres, opressores do povo. Suas obras retrataram a tourada como uma arena mística, em que algo está sempre acontecendo. Esta exposição apresentará uma de suas mais famosas séries sobre este tema. Vista como um confronto entre a liberdade e a força bruta, a tauromaquia pode também ser interpretada neste conjunto de obras como uma metáfora do poder opressor ou da capacidade para autoafirmação e emancipação. Em muitas civilizações, o touro, figura central desta mostra, tem o significado de força, bravura e fertilidade.

 

 

Até 22 de Junho.

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Cursos livres: joalheria e artes decorativas

O Museu de Arte Sacra de São Paulo- MAS/SP, Luz, São Paulo, SP, dando continuidade à sua grade de cursos livres, promove duas novas ações educativas: “Entre o Cotidiano e o Aparato: Artes Decorativas em Portugal e no Brasil” e “Do Amor à Vaidade, do Luxo ao Poder: A Joalharia no Mundo Através dos Milênios”, ambos ministrados pelo Prof. Dr. Gonçalo de Vasconcelos e Sousa.

 

Ambos com carga horária de 10h e duração de 5 aulas, os cursos são direcionados a profissionais das respectivas áreas, interessados, estudantes e estudiosos em cultura de maneira ampla, bem como técnicos em restauração e conservação de patrimônio, museólogos, membros da Igreja responsáveis por patrimônio histórico, técnicos e gestores de museus e memoriais, além de colecionadores de arte.

 

O conteúdo programático elaborado pelo professor Gonçalo de Vasconcelos e Souza, o qual vem de Portugal especialmente para a ocasião, engloba, no curso “Entre o Cotidiano e o Aparato: Artes Decorativas em Portuga”: conceitos, transversalidade e classificação das Artes Decorativas, perspectiva socioartística na análise das Artes Decorativas e fontes para estudo dessas artes em Portugal e no Brasil, Artes Decorativas e sociabilidade à mesa nos séculos XVIII a XX, além de mobiliário em Portugal e no Brasil nos séculos XVIII e XIX; E em “Do Amor à Vaidade, do Luxo ao Poder: A Joalharia no Mundo Através dos Milênios”: conceitos introdutórios, formas e materiais de base a partir da antiguidade, a simplicidade e a raridade da joalharia medieval, jóias e retratos do Renascimento ao Barroco e Rococó, joalharia espanhola dos séculos XVI a XIX, simplicidade, complexidade e erudição na joalharia do século XIX, os desafios da joalharia Arte Nova, grandes casas da joalharia mundial no século XX, joalharia étnica – exemplos de várias partes do mundo, e simbólica do poder e as jóias das famílias reais nos séculos XIX e XX (das principais casas reinantes às menos conhecidas).

 

 

 

Curso: Entre o Cotidiano e o Aparato: Artes Decorativas em Portugal

Duração: 26 a 30 de maio de 2014

Carga horária: 10 horas

Horários: das 11h às 13h

Custo: R$ 300,00 (parcela única)

 

 

Curso: Do Amor à Vaidade, do Luxo ao Poder: A Joalharia no Mundo Através dos Milênios

Duração: 26 a 30 de maio de 2014

Carga horária: 10 horas

Horários: das 19h30 às 21h30

Custo: R$ 300,00 (parcela única)

 

 

 

Local: Museu de Arte Sacra de São Paulo

Av. Tiradentes, 676 – Luz. Metrô Tiradentes

Estacionamento gratuito na Rua Jorge Miranda, 43

Número de vagas: 40 por curso

Inscrição: Fátima Paulino – mfatima@museuartesacra.org.br / (11) 5627-5393

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Instituto Tomie Ohtake apresenta Yayoi Kusama

19/mai

A exposição “Obsessão infinita”, de Yayoi Kusama, chega a São Paulo, depois de passar pelo Rio e Brasília, acrescida de duas obras especialmente trazidas para a exposição no Instituto Tomie Ohtake, Pinheiros. São grandes esculturas das séries “Accumulations”: “Sem título”, 1962-1963 e “Desire for Death”- “Desejo de Morte”, 1975-1976. “Sem título” – que foi destaque na retrospectiva de Kusama na Tate Modern, em 2011/12 – é composta por dez pares de sapatos femininos, de salto alto, repletos de formas fálicas feitas de tecido estofado, que fizeram sua primeira aparição na série de esculturas “Sex Obsession” da década de 1960. Já em “Desejo de Morte”, agrupamentos de apêndices, que nada mais são que formas excêntricas em tecido pintadas de prateado, emergem de panelas comuns e conchas de cozinha. Em ambas, objetos do cotidiano tornam-se palco para a projeção de obsessões particulares da artista, à medida que a repetição compulsiva do elemento tecido assume a aparência de um crescimento incontrolável, similar ao dos vegetais.

 

A exposição é a primeira apresentada no País que expressa uma pesquisa profunda do trabalho de uma das artistas mais originais e inventivas do pós-guerra. Produzida, em sua edição brasileira e latino-america, pelo Instituto Tomie Ohtake, em colaboração com o estúdio da artista, a mostra tem curadoria de Philip Larratt-Smith e de Frances Morris (curadora da retrospectiva da Kusama na Tate Modern de Londres). “Obsessão Infinita” oferece um panorama do trabalho da artista japonesa viva mais proeminente, por meio de aproximadamente 100 obras que cobrem o período de 1949 a 2012, entre as quais pinturas, trabalhos em papel, esculturas, vídeos, apresentação de slides e instalações, entre elas a famosa “Dots Obsession”.

 

“Obsessão infinita” traça a trajetória de Yayoi Kusama do privado ao público, da pintura à performance, do ateliê às ruas. A artista nasceu na cidade de Matsumoto, Japão, em 1929. Começou a realizar seus trabalhos poéticos e semi-abstratos em papel nos anos 1940, antes de iniciar sua celebrada  série “Infinity Net” (Rede Infinita), no final dos anos 1950 e no início dos 1960. Essas pinturas originais são caracterizadas pela repetição obsessiva de pequenos arcos pintados, aglutinados em padrões rítmicos maiores. Sua mudança para New York, em 1957, foi um divisor de águas para a artista. Foi nessa época que entrou em contato com Donald Judd, Andy Warhol, Claes Oldenberg e Joseph Cornell. Sua prática de pintura abriu caminho para esculturas delicadas, conhecidas como “Accumulations” (Acumulações) e, em seguida, para performances e happenings que se tornaram selos da subcultura marginal e renderam, para a artista, notoriedade e a atenção das principais correntes críticas de então.

 

Em 1973 Kusama retornou ao Japão e, desde 1977, vive voluntariamente em uma instituição psiquiátrica. O caráter psicológico singular e pronunciado de seu trabalho sempre foi combinado com uma generosa dose de reinvenção e inovação formal, o que lhe permite dividir sua visão única com um público mais amplo, através do espaço infinitamente espelhado e da repetição obsessiva de pontos que caracteriza sua obra. Em seus trabalhos mais recentes, a artista renovou o contato com seus instintos mais radicais em instalações imersivas e colaborativas – peças que fizeram dela, com justiça, a artista viva mais celebrada do Japão.

 

 

Até 27 de julho.

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