Arquivos da Categoria: São Paulo

Estudos de Amilcar no IAC

17/out

Como resultado de uma pareceria entre o IAC, Instituto de Arte Contemporânea, Vila Mariana, São Paulo, SP, e o Instituto Amilcar de Castro, Nova Lima, MG, o público poderá ver pela primeira vez em exibição estudos de vários trabalhos que criaram o vocabulário do consagrado artista mineiro e obras realizadas do início ao final de sua trajetória em 2002.

 

Estudos em cartolina e uma série de cerca de 40 desenhos revelam o pensamento escultórico de Amilcar de Castro, bem como pequenas peças em aço inox para serem executadas em aço corten. Além deste grande núcleo que enfoca os processos do artista, a exposição, com curadoria de Rodrigo de Castro, se completa com cerca de 20 pinturas e cerca de 40 esculturas, obras realizadas durante os 40 anos de sua carreira (da década de 70 aos 2000). Há também um desenho, nunca apresentado ao público, anterior a este período, de 1947, época em que Amilcar de Castro convivia com Guignard, seu mestre.

 

A escultura de invenção formal e matriz construtiva, produzida por Amilcar de Castro, um dos líderes do movimento neoconcreto, evidencia o encontro íntimo entre o gesto e a matéria. Já suas telas revelam a força de seu desenho de origem gráfica, decorrente de sua trajetória na imprensa brasileira, de 1953 a 2002, na qual o artista fez história, ao renovar o visual de diversos veículos impressos. Amilcar de Castro costumava repetir que não era um pintor e sim um gráfico.

 

De 17 de outubro a 01 de fevereiro de 2014.

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Brasília na galeria LUME

03/out

A  nova exposição no calendário da Galeria LUME, Itaim Bibi, São Paulo, SP, chama-se “A Construção de Brasília“, mostra individual do fotógrafo brasileiro Alberto Ferreira. Com curadoria de Paulo Kassab Jr. e composta por 12 imagens em preto e branco,  algumas inéditas, representa um retrato da euforia e das descrenças alastradas junto à inauguração da nova capital federal do país. A coordenação da mostra é de Felipe Hegg.

 

Alberto Ferreira ocupou, durante anos, importante cargo na imprensa e o fez com a ética e a obrigação jornalística de mostrar o acontecimento sem distorcer os fatos. Da mesma forma na fotografia, o artista apresenta não apenas belas imagens, mas também um senso crítico  deste momento histórico: o contraste entre políticos, exaltados com a capital federal,  talvez por sua distância das demais cidades; pessoas da alta sociedade, crentes em um novo país; e os candangos, construtores da cidade que, posteriormente, acabaram por ficar à margem do projeto habitacional, sendo obrigados a viver em periferias.

 

Acompanhando Juscelino Kubitschek em suas idas e vindas à nova capital, Alberto Ferreira presenciou todo o processo de construção da cidade e criou um dos mais importantes registros visuais deste momento. Nestas ocasiões, o fotógrafo teve diversas oportunidades de registrar cenas como a chegada do embaixador inglês, a interação entre as pessoas e a arquitetura modernista da cidade, a cerimônia inaugural de Brasília, alguns dos operários que trabalharam na obra, entre outras.

 

 

A palavra do curador

 

“Mais que um documentarista, Alberto Ferreira estava à frente de seu tempo e, diferente de outros que acompanharam a criação de Brasília, não se iludia com o novo projeto.  Em 1960, no ano da inauguração da capital, o fotógrafo já vislumbrava as dificuldades de se ter uma  capital no interior do país e os problemas trazidos por um planejamento que, sem intenção, segregava as diferentes classes sociais em suas zonas de habitação.”

 

 

De 08 de outubro a 14 de novembro.

 

 

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Le Parc em São Paulo

30/set

A mostra “Julio Le Parc – Uma busca contíbua”, Galeria Nara Roesler, Jardim Europa, São Paulo, SP, percorre mais de 50 anos da produção artística de Julio Le Parc, incluindo tanto sua pesquisa da fenomenologia das estruturas através da pintura bidimensional, como seus ambientes imersivos e instalações de grande porte. Sua obra tem o papel desestabilizador de provocar a interação do indivíduo com o ambiente exigindo, simultaneamente, que tal envolvimento seja reconhecido. Apesar de seu papel fundamental na história da arte cinética, as telas, esculturas e instalações de Julio le Parc incluem questões relativas aos limites da pintura, por meio tanto de procedimentos mais próximos da tradição pictórica, tais como a acrílica sobre tela, quanto de assemblages ou aparatos mais propriamente cinéticos. A galeria promove um encontro com o artista e a curadora Estrellita B. Brodsky no dia da abertura às 17h30.

 

 

A palavra da curadoria

 

Julio Le Parc: Uma busca contínua por ESTRELLITA B. BRODSKY

 

Ao longo de seis décadas, Julio Le Parc buscou de maneira sistemática redefinir a própria natureza da experiência artística, trazendo o que ele chama de “perturbações dentro do sistema artístico”. Ao fazer isso, ele brincou com as experiências sensoriais do público e deu aos espectadores um papel ativo. Com seus colegas membros do Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV) – um coletivo de artistas criado por Le Parc com Horacio García Rossi, Francisco Sobrino, François Morellet, Joël Stein e Jean-Pierre Vasarely (Yvaral) em Paris no ano de 1960 –, Le Parc gerou encontros diretos com o público ao desmontar o que eles consideravam ser as amarras artificiais das estruturas institucionais. Como expresso em seu manifesto Assez de mystifications [“Chega de Mistificações”, Paris, 1961], a intenção do grupo era encontrar maneiras de confrontar o público com obras de arte fora do ambiente museológico por meio de intervenções em espaços públicos com jogos subversivos, charges de cunho político e questionários bem-humorados.  Com tais estratégias, Le Parc e o GRAV transformavam espectadores em participantes com maior autoconsciência, tanto alcançando uma forma de nivelamento social como antecipando algumas das estratégias relacionais e colaborativas sociopolíticas que vêm se proliferando ao longo das duas últimas décadas.

 

(…) A produção artística de Le Parc evoluiu de estudos geométricos bidimensionais, com pequenas caixas de luz, para instalações de grande porte, ambientes imersivos e intervenções públicas na rua. No entanto, essa produção diversa tem em comum uma função desestabilizadora central: provocar a interação do indivíduo com seu ambiente, exigindo, ao mesmo tempo, um reconhecimento daquele envolvimento. A obra de Le Parc chamada Sphère bleue (Esfera azul, 2001/2013) é um enorme globo de quatro metros de diâmetro composto por quadrados de acrílico azul transparente que parece estar magicamente suspenso no ar. A luz refratada na parte exterior da esfera inunda o espaço que circunda o globo com um azul vibrante.

 

A experiência perceptiva que os visitantes têm da esfera oscila entre vê-la como algo que é transparente e impenetrável e, ao mesmo tempo, frágil e monumental; algo que distorce o que se vê além e cria a consciência de se estar vendo e sendo visto em um espaço comum recém-transformado.

 

Os componentes físicos das obras de Le Parc – folhas de material refletivo penduradas, esculturas enormes feitas de acrílico transparente, pinturas geométricas, estruturas de luz motorizadas, telas de metal distorcidas – são tão impressionantemente variados quanto as próprias estruturas. O feito geral, no entanto, é criar um ambiente e uma impressão que alteram os sentidos e são, muitas vezes, desorientadores. Em esculturas como Cellule à pénétrer adaptée (Célula penetrável adaptada, 1963/2012) ou Formes en contorsion (Formas em contorção, 1971), Le Parc dá ênfase à mutabilidade da percepção. A fragmentação se torna inerente à apreensão de obras nas quais espelhos, luzes refletidas ou projetadas, diferentes tipos de óculos, jogos e interações físicas confundem os sentidos. Assim, perspectivas cambiantes criam um dinamismo interno ou uma instabilidade essencial por meio das quais Le Parc questiona a precisão subjetiva e os modos tradicionais de exibição que, de acordo com o que ele escreve em seu influente texto Guerrilla culturel, servem apenas para perpetuar estruturas sociais de dominação.

 

(…) Para Le Parc, o objetivo é exatamente a interrogação e a reestruturação do entorno imediato. Ele busca uma total cumplicidade que exige do espectador não somente participação ativa, mas também autorreflexão. Dessa forma, a prática de Le Parc vai além do mero espetáculo visual rumo a um envolvimento físico com o presente – a arte enquanto concepção humana, uma que não pode mais permanecer estática ou absoluta.

 

 

Sobre o artista

 

Pioneiro na modalidade, Julio le Parc foi um dos fundadores, em 1960, do Groupe de Recherche d’Art Visuel (1960-68), coletivo de artistas ótico-cinéticos que se propunha estimular a participação dos observadores, amplificando a sua capacidade de percepção e ação. Coerentemente com essas premissas e, de maneira mais geral, com a aspiração, bastante difusa na época, a uma arte desmaterializada ou indiferente às exigências do mercado, o grupo apresentava-se em lugares alternativos e até na rua. As obras e instalações de Julio le Parc formadas apenas por jogos de luz e sombras são fruto direto desse contexto, em que a produção de uma arte efêmera e invendável tinha uma clara conotação sociopolítica.

 

Argentino de Mendoza, Julio Le Parc nasceu em 1928 e hoje vive e produz em Paris. Participou das 2ª e 3ª edições da Bienal de Paris, França (1961 e 1963); da Bienal de Havana, Cuba (1984); e da Bienal do Mercosul, em Porto Alegre, Brasil (1999). Entre as exposições coletivas recentes que integrou estão: Tomorrow was already here (Museo Tamayo, Cidade do México, México, 2012); Level 1 (Centre Pompidou, Metz, França, 2012); Suprasensorial (Hirshhorn Museum, Washington, EUA, 2013; Museum of Contemporary Art, Los Angeles , EUA, 2011); e Uma aventura moderna (Museu Oscar Niemeyer, Curitiba, Brasil, 2009). Exposições individuais recentes incluem: Soleil froid (Palais de Tokyo, Paris, França, 2013); Le Parc – lumière (Biblioteca Luiz Angel Arango, Bogotá, Colômbia, 2007); Verso la luce (Castello di Boldeniga, Brescia, Itália, 2004); e Retrospectiva (Pinacoteca do Estado de São Paulo, São Paulo, Brasil, 2001). Suas obras fazem parte de acervos como: Museum of Modern Art, Nova Iorque, EUA; Museu de Arte Moderna de São Paulo, São Paulo, Brasil; Tate, Londres, Inglaterra; Museum Bymans-Van Beuningen, Roterdã, Holanda; e Massachussetts Institute of Technology List Visual Arts Center, Cambridge, EUA.

 

Até 30 de novembro.

 

 

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Obras inéditas de Sylvia Martins

27/set

A galeria Paralelo, Pinheiros, São Paulo, SP, expõe “ALTER/NATIVAS”, exposição individual de pinturas da artista plástica Sylvia Martins, brasileira radicada em Nova Iorque. Com curadoria de Sergio Zobaran e coordenação de Andrea Rehder e Flávia Marujo, Sylvia Martins exibe 14 trabalhos que traduzem uma nova etapa em seu processo criativo, no qual experimenta técnicas e desdobramentos baseados no próprio ato de pintar.

 

Nesta série inédita, Sylvia Martins parte de um vazio tão intenso que o considera angustiante e, por meio de uma forte energia criativa, insere alguma informação aleatória sobre a tela em branco, como uma simples rajada de tinta, que ao escorrer cria certa textura. A partir de então, o gotejar de cor sobre cor resulta em camadas; A pintura começa a tomar forma, outras cores são introduzidas e um novo elemento surge para dar efeito de oxidação à tela: glitter. Na concepção de Sergio Zobaran, curador da mostra: “Tinta sobre tinta. E um quê de ouro, de brilho seco que transparece, mas nunca pretende dominar a tela. Um glitter que oxida, produz luminosidade, traz coerência.” A ideia da artista não é propor um tema específico. Em suas próprias palavras: “A natureza discursiva da minha pintura quer ser descoberta sem ser traduzida. Na maioria das telas, acho que transmito uma impressão visual de cascatas de cores. Faço uma espécie de narrativa não linear, onde cada tela tem linguagem própria. Vou do ‘very abstract’ até um figurativo sutil, porém elas (as telas) dialogam entre si.”

 

Desprendido de modas, tendências, escolas e discursos de ocasião, o trabalho de Sylvia Martins explora abstrações e, em alguns momentos, delicados elementos alegóricos, evocando imagens da natureza e formas orgânicas. Em “ALTER/NATIVAS”, a artista busca novos caminhos para sua nova fase – tanto no momento de concebê-la quanto em sua exposição. Ou seja, as alternativas fazem referência tanto à técnica na criação das pinturas quanto à possibilidade do observador enxergar, em formas abstratas, o que seu subconsciente lhe sugere.

 

 

Sobre a artista

 

Sylvia Martins nasceu em Bagé, no Rio Grande do Sul. Estudou pintura com Ivan Serpa, no MAM/RJ, Richard Pousette-Dart no Art Student’s League (NYC), e na School of Visual Arts (NYC). Seu tema é a própria pintura, que se cria através da obra, quase abstrações, que evocam imagens da natureza e formas orgânicas. Sylvia realizou inúmeras mostras no Brasil e em outros países como Estados Unidos, Japão, Inglaterra, França, Grécia, entre outros. Suas telas estão em coleções privadas, públicas e coorporativas, como Citibank, Chase Manhattan Bank, ambas nos Estados Unidos, assim como no Centro Cultural Correios – no Brasil. Artista de trânsito internacional, vive e trabalha entre o Rio de Janeiro e Nova Iorque.

 

De 03 de outubro a 09 de novembro.

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Nazareno em livro

A Galeria Emma Thomas, jardins, São Paulo, SP, lançou o livro “Num lugar não longe de você”. A edição exibe parte da produção dos últimos dez anos de criação do artista plástico Nazareno. O livro contempla notavelmente os desenhos do artista que em sua obra gráfica mescla o uso de imagens/ palavras/textos (pelos quais é conhecido) os mesmos são plenos de observações ora irônicas, ora poéticas acompanhadas de imagens alusivas a temas associados ao sujeito contemporâneo frente aos desafios cotidianos em sua busca por uma possível transcendência. O material traz um grande número de imagens de obras finalizadas, além de exibir registros dos cadernos de esboços e diários de imagens pessoais possibilitando ao leitor uma aproximação aos elementos que fazem parte do imaginário do artista.

 

Sobre o artista

 

Nazareno, São Paulo, SP, 1967. Vive e trabalha em São Paulo, SP. Nazareno aborda em suas obras aspectos relativos à memória, infância, contos de fadas, narrativas… bem como a fragilidade do sujeito contemporâneo frente à impossibilidade de transcendência. Realizadas em variadas mídias como desenho, esculturas, instalações, vídeos, gravuras, entre outras, são trabalhos que potencializam a atenção do espectador pelo caráter de sua miniaturização evidenciando outras realidades e eventualmente conduzindo o adulto/espectador a um estranhamento em seu rebaixamento a uma condição infantil. Com uma  carreira que conta com exposições nacionais e internacionais nos últimos quinze anos, além de prêmios e publicações em revistas, catálogos e livros de arte as obras do artista estão em diversas coleções públicas e privadas.

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Nelson Screnci na Arte Aplicada

24/set

A galeria Arte Aplicada, Cerqueira César, São Paulo, SP, inaugura a mostra “Caminhos”, exposição individual de pinturas do artista plástico Nelson Screnci. Com curadoria de Sabina de Libman, 10 telas inéditas fazem uma analogia entre caminhos reais e os trajetos percorridos pelo artista ao longo de sua carreira. Nesta nova série, Nelson Screnci apresenta pinturas que contém assuntos aparentemente dissonantes, como bibliotecas, paisagens imaginárias, estudos de perspectiva inversa, releituras de flores a partir de quadros históricos, florestas de frontalidades febris, etc. Todavia, analisadas em conjunto, tais temáticas formam um único corpo, atingindo a intenção do artista de explorar os elementos comuns existentes entre as telas.

 

A partir de uma pesquisa concentrada em exercícios de linguagem visual – como a interação entre cores e as articulações das formas -, Nelson Screnci optou pelo uso de cores de forma mais pura, estruturando as relações de tons com maior sutileza. Ao finalizar os trabalhos com camadas finas e transparentes, o artista procura um resultado pleno, de delicadas harmonias. Sobre seu processo criativo, Nelson Screnci observa: “As obras são construídas como uma casa. Primeiro o alicerce, proveniente das ideias iniciais, de exercícios de desenho, ou de alguma inspiração. Depois as outras partes que se assentam sobre esta primeira composição, como o desenho estrutural, a eliminação de excessos e a determinação das áreas de cor básicas. E, finalmente, cobrindo tudo, o trabalho poético de construção de uma imagem final, com jogos de luzes, definição de detalhes, texturas e tons de cores variados.”

 

Com o título de certa forma metafórico – no sentido de que os “caminhos” também se referem a sua própria trajetória -, Nelson Screnci revela seu universo de indagações e deixa ao espectador a tarefa de identificá-las. “Talvez as obras de arte sejam mesmo isto para o espectador: marcas do pensamento e da sensibilidade humana, deixadas nas trilhas do tempo para lembrar aos que vierem depois que por ali passou alguém sonhando com coisas às vezes só realizáveis pela arte, ou pela imaginação de quem cria.”, diz a curadora Sabina de Libman.

 

 

Sobre o artista

 

Nascido em São Paulo, em 1955, Nelson Screnci é artista plástico, professor de Artes Visuais e de História da Arte. Formado na FAAP em 1982, recebeu no ano seguinte o Prêmio Pirelli-MASP. Desde então participa ativamente do circuito cultural realizando palestras, cursos, artigos e exposições. O seu trabalho integra também o acervo de importantes museus nacionais e internacionais, além de servir de referência em diversas publicações culturais. Utilizando-se de recursos compositivos tais como a multiplicação de imagens ou a analogia entre obras históricas, propõe um exercício criativo e poético com a intenção de provocar no expectador o questionamento da condição humana diante da realidade contemporânea.

 

 
De 28 de setembro a 19 de outubro

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Fortes Vilaça 1

19/set

Recebeu o título de “Desenhos”, a nova exposição individual de Iran do Espírito Santo na Galeria Fortes Vilaça, Vila Madalena, São Paulo, SP. A mostra traça um panorama histórico da produção de desenhos do artista, que vai de 1993 à produção atual, apresentando um recorte de 108 trabalhos, inéditos em sua grande maioria. O desenho está presente em toda a produção artística de Iran do Espírito Santo. É a maneira como organiza seus pensamentos, onde o trabalho bidimensional informa a prática tridimensional e vice-versa. Sua produção sobre papel é extensa e os trabalhos selecionados para a mostra procuram abranger esta diversidade. São desenhos feitos com os mais diversos materiais, tais como carvão, caneta, pastel, aquarela e grafite.

 

A seleção de obras da mostra privilegia os trabalhos onde o desenho é o meio e muitas vezes o assunto. “SPRD” é uma série de desenhos recentes, dos quais 14 serão apresentados na exposição. O título é um termo usado em publicações para designar duas páginas abertas de um livro, aqui desenhadas pelo artista com linhas muito finas, em grafite, traçadas paralelamente umas às outras. Outra série apresentada é a “Line and Shadow”, de 2010, onde vemos apenas duas singelas linhas dispostas formando diferentes ângulos.

 

Os três trabalhos mais antigos da mostra, de 1993, são desenhos de observação de peças do vestuário. “Jacket” , “Shoes” e “Shirt’ diferem muito da maioria dos trabalhos guardando no entanto um enorme interesse pelo detalhamento das superfícies. Em “Project for Corrections”, de 2000, Iran desenha pedras facetadas de diferentes tamanhos que futuramente ele realizaria como esculturas, e “Study for Extension” é um projeto realizado em 1997 para uma pintura na parede do SFMOMA. Um livro inteiramente dedicado aos desenhos de Iran do Espírito Santo está em produção e será lançado – em 2014 – com todos os desenhos presentes na exposição atual.

 

Sobre o artista

 

Iran do Espírito Santo nasceu em Mococa em 1963 e vive e trabalha em São Paulo. Já participou de diversas exposição importantes dentre as quais: as 48ª e 52ª Bienais de Veneza, a 19ª Bienal Internacional de São Paulo, a 6ª Bienal de Istambul e a 5ª Bienal do Mercosul. Retrospectiva realizada em 2006/2007 no MAXXI, Museo Nazionale delle Arti del XXI Secolo, Roma; no Irish Museum of Modern Art, Dublin; e na Estação Pinacoteca, São Paulo. Suas obras figuram nas coleções do MoMA, Nova York; do Museum of Contemporary Art de San Diego; do MAXXI, Roma, entre outras. Este mês o artista inaugura sua primeira escultura pública nos EUA, como parte do programa Public Art Fund; a obra ficará na praça Doris C. Freedman, na entrada do Central Park, até fevereiro de 2014.

 

Até 09 de novembro.

 

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Fortes Vilaça 2 – Galpão

“San Marco” é a segunda exposição individual de Mauro Restiffe na Galeria Fortes Vilaça. Agora, o artista ocupa o espaço do Galpão Fortes Vilaça, Barra Funda, São Paulo, SP,   com onze fotografias inéditas tiradas dos afrescos pintados por Fra Angelico dentro das celas dos frades no Mosteiro de San Marco, em Florença, Itália.

 

A investigação poética de Restiffe sobrepõe a linguagem documental e a referências da história da arte e da fotografia. A utilização do filme analógico preto e branco de alta sensibilidade não é aleatória, é um recurso formal que possibilita ao artista trabalhar a ideia de representação e de uma desconstrução do real. A granulação das imagens e as gradações de cinza funcionam como a tinta em uma tela – suas fotos são repletas de textura.

 

As obras da mostra rompem com a frontalidade de enquadramento características de outros trabalhos do artista. A fotografia é feita de modo que uma área homogênea escura fica em primeiro plano mas onde ainda assim é possível ver, através das sutis gradações de cinza, os detalhes dos arcos da entrada de cada cela. A questão arquitetônica constantemente presente na obra de Mauro aparece também aqui. O artista tira as fotos todas de um mesmo ângulo, usando o arco como um elemento repetido em uma estrutura minimalista.

 

Há um certo voyeurismo presente nas imagens que surge como uma novidade em seu trabalho. Os afrescos ficam ao fundo, distantes, como se olhássemos através de um buraco de fechadura. Mas diferentemente do que acontece no mosteiro, onde cada afresco é visualizado individualmente, na mostra é possível ver todos como um conjunto, assim observando as mínimas nuances e diferenças entre cada imagem.

 

As situações de representação e reprodução de obras de arte já foi abordada pelo artista em outras ocasiões. Na sua série “Vermeer”, em exposição atualmente em Inhotim, Brumadinho, Minas Gerias, Mauro Restiffe fotografa uma mesma obra do pintor holandês de várias maneiras. Já na exposição “Planos de Fuga” realizada pelo CCBB em 2012, a participação do artista se deu através da documentação de todas as obras da mostra.

 

Sobre o artista

 
Mauro Restiffe nasceu em São José do Rio Pardo em 1970 e vive e trabalha em São Paulo. Entre suas exposições individuais, destaca-se sua recente exposição individual “Obra” no MAC São Paulo, ainda em cartaz até outubro de 2013, com fotografias feitas durante a reforma do prédio projetado por Oscar Niemeyer. O artista participa ainda este ano da Bienal de Fotografia do MASP e do Panorama de Arte Brasileira do MAM de São Paulo. Sua obra está presente nas coleções do Inhotim, Brumadinho; Tate Modern, Londres; SFMOMA, São Francisco; Museu de Arte Moderna de São Paulo, entre outras.

 

Até 09 de novembro.

 

 

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Novo espaço

18/set

Novo espaço ao lado do Parque Trianon, TRANSARTE,  em frente ao Trianon, São Paulo, SP, é inaugurado com obras do artista residente Timothy Cummings. Local para realizar ações expositivas, receber artistas residentes, promover obras sem referência local, que desafiem temáticas e os limites da representação, assim é o Transarte, novo espaço paulistano concebido por Lena Peres Oliveira no qual o artista norte-americano Timothy Cummings que, depois de mais de um ano de Brasil, produziu as cerca de 20 obras reunidas na mostra, com texto de apresentação de Jorge Colli. São pinturas em acrílico sobre madeira e obras em papel – intervenções em impressões na técnica digital print.

 

A obra de Cummings é referencial ao projeto que busca oxigenar o circuito artístico. A definição do artista, pela revista inglesa Rooms, dá uma pista da liberdade que o espaço pretende abrir ao introduzir novas possibilidades às narrativas contemporâneas: “Pintor, cineasta, escultor, mas, acima de tudo, artista autodidata com foco claro na agenda de coisas vivas estranhas e misteriosas. Temas cativantes como a infância, o macabro, a beleza e a decadência são explorados em sua obra por uma densa camada de fascinação e loucura”. Lena Peres Oliveira conheceu o artista durante os seis anos em que trabalhou na galeria Catherine Clark que o representa em São Francisco. “Uma das questões que Timothy trata em sua obra é a de “gender” – gênero e também este é um dos temas que a Transarte está interessada, por isso sou entusiasta desde local em que estamos, tão próximo ao Trianon, diz a mentora do projeto.

Para Jorge Colli, a arte de Cummings que já foi remetida ao surrealismo, rompe qualquer classificação ao tratar de memória vivida e imaginada e memória fantástica. “Timothy Cummings consagrou sua vida a desenhar, pintar, numa respiração que mistura memória e devaneio, imagem e imaginação”, afirma o crítico. Segundo ele, ainda, a inocência é uma chave para se entrar na obra do artista, uma inocência nunca perdida, mas contrariada e poeticamente dolorosa. “Poesia da forma, poesia da imagem, doçura vazia dos olhares, elegância dos gestos, sugestão ambígua dos corpos, em que a sexualidade, como nos tempos da infância, abole a fronteira entre os sexos e instaura um clima erótico perturbador, prenhe de um decadentismo seguro de si: seguro de si pela própria inocência, verdadeira, essencial”, completa.

 

 

 
Sobre Timothy Cummings

 

Nasceu em Albuquerque, New Mexico, 1970, autodidata cuja narrativa e pinturas são primorosamente criadas de tal forma a desafiar sua falta de treinamento formal. A temática de sua obra normalmente consiste em crianças e adolescentes presos no mundo dos adultos e lutando com questões como sexualidade e orientação sexual. Representado pelas Galerias Catharine Clark na Califórnia e Nancy Hoffman em Nova Iorque, seus trabalhos participaram de exposições pelos Estados Unidos incluindo a San Francisco State University, o Yerba Buena Center for the Arts e a Galeria LACE, na Califórnia; The Art Museum e  a Florida International University, em Miami.

 

 

 
Sobre Maria Helena Peres Oliveira

 

Nasceu em São Paulo, 1960, formada em Química, foi docente e trabalhou em publicidade até o final da década de 80, quando se estabeleceu em São Francisco (EUA) onde completou seus estudos com mestrados em “Marketing” e “Arts Administration”. Neste mesmo período foi assistente de pesquisa de perfil de público do diretor de marketing do San Francisco Modern Art Museum (SFMOMA). Respondeu também pelo departamento de merchandising da San Francisco Opera House, gerenciou a galeria de arte contemporânea Catharine Clark Gallery e supervisionou a comunicação da San Francisco Art Dealers Association. Retornou ao Brasil em 2002, quando  se dedicou à produção e coordenação de exposições nacionais (CCBB, Pinacoteca, Memorial da América latina e MON de Curitiba) e internacionais a convite do Itamaraty na Índia, Inglaterra e Bélgica, e em instituições como o Circolo de Bellas Artes de Madrid (Espanha), e a Maison de L’Amerique Latine em Paris (França). É mestranda na área de Bens Culturais da FGV.

 

De 19 de setembro a 19 de dezembro.

 

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Antônio de Dedé: Esculturas

12/set

Com curadoria de Roberta Saraiva, a Galeria Estação, Pinheiros, São Paulo, SP, apresenta 38 esculturas na individual do artista alagoano Antônio de Dedé que, em 2012 participou da coletiva “Histoires de Voir”, organizada pela Fundação Cartier, em Paris, e do projeto “Teimosia da Imaginação”, livro, documentário e exposição no Instituto Tomie Ohtake. Autodidata, Antônio de Dedé aprendeu a arte observando o pai trabalhar a madeira na carpintaria e diz ter uma relação “transparente com a sua criação”. Segundo ele, sua habilidade é um dom que surgiu da vontade de recriar o trabalho do pai. O resultado deste talento herdado pode ser visto neste conjunto de peças inusitadas, mas que fazem parte da sua realidade, como animais, santos e figuras humanas, com cores e tamanhos variados até dois metros de altura.

 

Antônio de Dedé começou a talhar aos 8 anos, criando brinquedos como carrinhos, aviões e peões que vendia pela vizinhança. Na adolescência, a sua obra se desenvolveu quando passou a trabalhar em uma olaria, onde usava o barro para “queimar os bonequinhos junto com as telhas” e, com isso, começaram a surgir patos, bonecos e cavalos modelados, queimados e pintados. “No meu trabalho, eu tava descobrindo o ouro”, conta o artista. Com o tempo, a olaria foi se extinguindo e de Dedé começou a usar a madeira como matéria prima principal para suas esculturas.

 

Sempre com muita cor, é possível encontrar peças de pequena escala com membros de proporção naturais, no entanto, o trabalho do artista é característico por suas esculturas geralmente verticais, com extremidades comprimidas, nas quais o corpo alongado com pés pequenos e os braços sem fim com mãos encolhidas geram um contraste particular. Para a curadora Roberta Saraiva, “as peças ganharam corpo e tamanho e se estabeleceram numa verticalidade de proporções curiosas, de expressão e colorido ricos, que fazem lembrar as carrancas que outrora se erguiam à proa dos barcos do rio São Francisco.” Com dentes, olhos arregalados, bigode, sobrancelha e unhas pintadas, cada detalhe dos personagens esculpidos por de Dedé é extremamente marcado.

 

A expressividade do entalhe e a dramaticidade de cada peça são características marcantes na obra de Antônio de Dedé. Um trabalho que, segundo a curadora, “se encaixa perfeitamente no conceito de arte popular, sobretudo se essa marca estiver ligada ao sentido da origem rural do artista e de sua magnitude com relação ao mercado da arte – mas também se encaixa em outros rótulos, se observada a complexidade de uma cosmogonia própria em primeiro plano.”

 

 

Sobre o artista

 

Antônio de Dedé nasceu em Lagoa da Canoa, AL, 1957. Seu nome civil é Antônio Alves dos Santos, filho de Dedé Lourenço, mora com os cinco filhos em sua cidade natal. Começou esculpindo seus brinquedos na infância. Assim como muitos artistas populares, migrou para a madeira por conta da escassez do barro. Seus primeiros trabalhos ainda eram de pequeno porte. Depois vieram as figuras do touro e do tigre, longilíneas e com os membros reduzidos, anunciando a proporção “esticada” dos trabalhos futuros do artista.

 

De 12 de setembro a 31 de outubro.

 

 

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