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Em torno de Nery no MAM SP

01/ago

A Sociedade Brasileira de Psicanálise de São Paulo, a convite do MAM São Paulo, organizou três mesas de debate inspiradas na exposição “Ismael Nery: feminino e masculino”,com curadoria de Paulo Sergio Duarte. O curador da exposição descreve o artista como alguém que teve coragem de caminhar sozinho, de descobrir-se e de construir um olhar sincronizado com a arte de seu tempo, mas não com os intelectuais de seu país. Assim, insinua que o artista construiu seu universo pictórico por meio do trabalho de desvelamento – um processo de retirada de camadas e véus que o levou à descoberta de si, ao encontro com o mundo e à sua arte. A primeira aconteceu em 26 de julho e as seguintes em 02 de agosto e 09 de agosto às 20h no Auditório do MAM São Paulo, Parque Ibirapuera, portão 3.

 

Nascido em 1900 Ismael Nery morreu aos 34 anos, de tuberculose. Segundo Duarte, Nery era católico e professava sua fé em discussões filosóficas; na época estava na moda ser materialista e anticlerical, mas ele era um dândi narcisista – a exposição está repleta de autorretratos e autorretratos com sua mulher, Adalgisa, reconhecida pela beleza e inteligência. Ainda, segundo a apresentação do curador, o pintor era vaidoso e exímio dançarino; poderia se dizer hoje que era um “artista performático”.

 

A questão de gênero e a sexualidade estão muito presentes em sua ousada produção. São olhares maliciosos, figuras andróginas, relações entre feminino e masculino, corpos fundidos – como se uma ou mais camadas de decoro e civilização tivessem sido retiradas da tela – e a impressão que sempre há algo anterior, primordial, misterioso, de difícil nomeação. Questões dessa mesma natureza sempre estiveram na pauta da Psicanálise. Acreditamos que esta exposição e os debates a seguir nos dão a oportunidade de compartilhar nosso pensamento com o de outras áreas da cultura.

Luciana Saddi – Diretora de Cultura e Comunidade da SBPSP

 

Visita mediada à exposição “Ismael Nery: feminino e masculino”pelos educadores do MAM: 20h

 

Debate no auditório: 20h30 

 

Mesa 1 – quinta-feira, 26 de julho, às 20h30

A cosmogonia de Ismael Nery, com Silvana Rea

A psicanalista vai abordar a poética de Ismael Nery em suas relações com a história da arte e com a psicanálise.

Silvana Reaé graduada em cinema e psicologia, Doutora em Psicologia da Arte pela Universidade de São Paulo, diretora científica da Sociedade Brasileira de Psicanálise de São Paulo.

A lei do desejo, com Pedro Paulo Pimenta

Na história da filosofia, há um momento, a segunda metade do século XVIII, em que o desejo sexual passa a representar o desejo enquanto tal. Essa identificação tem como contraparte a atribuição exclusiva do prazer sexual à espécie humana, o que acarreta uma redefinição da ideia de gênero.

Pedro Paulo Pimentaé professor livre-docente de filosofia moderna na USP e autor de A trama da natureza(Unesp, 2018).

 

Mesa 2 – quinta-feira, 2 de agosto, às 20h30

O sexo e as pessoas ou a desnaturalização do sexual proposta por Freud, com Oswaldo Ferreira Leite Netto

Como psicanalista, o autor tece considerações sobre a sexualidade humana e a impossibilidade de considerá-la em seus aspectos biológicos apenas: masculino e feminino.

Oswaldo Ferreira Leite Nettoé psiquiatra e psicanalista da SBPSP, onde coordena o grupo de estudos “Psicanálise e Homossexualidade”, e membro do comitê de identidade de gênero e diversidade da IPA. É diretor do Serviço de Psicoterapia do Instituto de Psiquiatria do Hospital das Clínicas da FMUSP.

Desenhos da intimidade: a sinceridade do traço secreto, tesouro do artista, com Alex Cerveny

O artista falará sobre o que é próprio do desenho, da intimidade de Ismael  Nery com a representação do corpo/mente e a liberdade que este tipo de desenho, “secreto” e informal, proporciona.

Alex Cerveny pertencente à geração de artistas surgida no Brasil nos anos 1980, com formação independente, especializou-se primeiro em desenho e gravura, expandindo depois para outros meios. Desde 2002, é representado pela galeria Casa Triângulo, de São Paulo.

 

Mesa 3 – quinta-feira, 9 de agosto, às 20h30

Espectros, com Leopold Nosek

Com quantos espectros se faz uma pessoa?

Leopold Noseké psicanalista da SBPSP. Autor, entre outros trabalhos, do livro “A Disposição para o Assombro” ed. Perspectiva. Em 2014 ganhou o prêmio Mary Sigourney Award.

O poço de contradições, com Paulo Sergio Duarte

Uma obra singular no modernismo brasileiro realizada sobre a base de conflitos entre religião e sexualidade.

Paulo Sergio Duarte, curador da exposição é crítico, professor de História da Arte e professor-pesquisador do Centro de Estudos Sociais Aplicados (CESAP) da Universidade Candido Mendes e da Escola de Artes Visuais do Rio de Janeiro (Parque Lage). Dirigiu projetos culturais e educacionais para o governo federal e para os governos estadual e municipal do Rio de Janeiro. Publicou diversos livros sobre arte moderna e contemporânea.

 

Quintas-feiras

26 de julho, 2 de agosto, 9 de agosto às 20h

Auditório do MAM São Paulo

Parque Ibirapuera, portão 3

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Prêmiação artística

16/jul

O Museu Histórico Nacional, Centro, Rio de Janeiro, RJ, inaugura no próximo dia 19 de julho, três exposições, às 18h, em torno da 6a edição do Prêmio CNI SESI SENAI Marcantonio Vilaça para as Artes Plásticas. Na ocasião, será realizada a performance “Verzuimd Brasiel – Brasil Desamoparado”, com o artista Daniel Santiago. As três mostras, poderão ser vistos trabalhos de 23 artistas, de várias gerações: “Artistas premiados”, com obras de Daniel Lannes (RJ), Fernando Lindote (SC), Jaime Lauriano (SP), Pedro Motta (MG) e Rochelle Costi (SP); a exposição “Verzuimd Braziel – Brasil Desamparado”, do curador premiado Josué Mattos, com obras de outros dezessete artistas, como Anna Bella Geiger,  Cildo Meireles, André Parente, Daniel Santiago, Ivan Grilo, Lourival Cuquinha, Regina Parra e Regina Silveira; e ainda “A Intenção e o Gesto”, com obras do artista cearense Sérvulo Esmeraldo (1929-2017), um dos expoentes da arte cinética, com curadoria de Marcus Lontra. O artista é o homenageado desta edição do projeto Arte e Indústria.

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Cidades invisíveis de Luiz Martins

04/jul

O Museu de Arte Sacra de São Paulo -MAS-SP, Estação Tiradentes, São Paulo, SP, instituição da Secretaria da Cultura do Estado, inaugura “Cidades Invisíveis”, do artista plástico brasileiro Luiz Martins, sob curadoria de Ian Duarte Lucas. A mostra – formada por esculturas, fotografias e vídeos – elege o tempo presente, mesmo que instantâneo, como tema, e se desenvolve a partir do livro homônimo de Ítalo Calvino. Atento à passagem do tempo – em especial acerca de como o indivíduo se relaciona com seus entornos privado e coletivo -, o artista busca, nesta produção, uma poética dentro da relação homem – cidade, considerando vestígios esquecidos pelas ruas.

 

A cidade é cenário para importantes manifestações humanas, que se desdobram em suas entranhas. “Em constante mutação, o homem se insere neste novelo de passagem: passagem do tempo, que tudo transforma, e cria novos significados na memória de quem habita a cidade. E essa poética se manifesta pelos objetos que o homem cria e utiliza em suas mais diversas atividades”, comenta o curador. Em “Cidades Invisíveis”, Luiz Martinsutiliza a linguagem tridimensional para abordar o espaço e suas novas possibilidades territoriais, restaurando e ressignificando o cotidiano pela aplicação do conceito de “semióforo” em objetos e fragmentos, os quais perdem o status de “coisa” e passam a transmitir energia e força afetiva. Nas palavras de José Carlos Marçal de Barros, diretor executivo do MAS-SP: “Na mostra, Luiz Martins nos mostra as cidades que não vemos, nos conduz a pensar no que existe por traz da máscara arquitetônica de grandescidades nas quais vivemos e que, na realidade, não conhecemos. Sentimentos, paixões, alegrias e tristezas, emoções que poucas vezes afloram à vista do público”.

 

Ao se deparar com a presente exposição, espera-se que o espectador entenda a potencialidade de cada objeto, os quais representam, em suma, os reflexos do drama interior do homem em sociedade. Espera-se que sentimentos da individualidade contemporânea se tornem visíveis através deste processo mental. Nos dizeres do curador: “O homem, enquanto um ser artista, é antes de tudo um ser sociável: se expressa na construção de diferentes diálogos com o seu tempo, a sociedade em que se insere, e consigo mesmo. Materializar esta expressão na forma da obra de arte é a maneira mais sublime de contemplar a fugacidade destas relações. O esquecimento desfigura os vestígios que o homem produz, e cabe ao artista revelar a poética destes objetos, por meio de sua sensibilidade, ao perceber algo latente e revelador nas coisas mais simples do cotidiano, memórias de uma vida que o tempo implacavelmente apagou”.

 

 

Sobre o museu

 

Instituição da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, o Museu de Arte Sacra de São Pauloé uma das mais importantes instituições do gênero no país. É fruto de um convênio celebrado entre o Governo do Estado e a Mitra Arquidiocesana de São Paulo, em 28 de outubro de 1969, e sua instalação data de 28 de junho de 1970. Desde então, o Museu de Arte Sacra de São Paulopassou a ocupar ala do Mosteiro de Nossa Senhora da Imaculada Conceição da Luz, na avenida Tiradentes, centro da capital paulista. A edificação é um dos mais importantes monumentos da arquitetura colonial paulista, construído em taipa de pilão, raro exemplar remanescente na cidade, última chácara conventual da cidade. Foi tombado pelo Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional, em 1943, e pelo Conselho de Defesa do Patrimônio Histórico, Artístico e Arquitetônico do Estado de São Paulo, em 1979. Tem grande parte de seu acervo também tombado pelo IPHAN, desde 1969, cujo inestimável patrimônio compreende relíquias das histórias do Brasil e mundial. O Museu de Arte Sacra de São Paulodetém uma vasta coleção de obras criadas entre os séculos 16 e 20, contando com exemplares raros e significativos. São mais de 18 mil itens no acervo. O museu possui obras de nomes reconhecidos, como Frei Agostinho da Piedade, Frei Agostinho de Jesus, Antônio Francisco de Lisboa, o “Aleijadinho” e Benedito Calixto de Jesus. Destacam-se também as coleções de presépios, prataria e ourivesaria, lampadários, mobiliário, retábulos, altares, vestimentas, livros litúrgicos e numismática.

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IMS – SP exibe Seydou Keïta

28/jun

O Instituto Moreira Salles, Avenida Paulista, exibe a extraordinária coleção de fotografias do malinês Seydou Keïta. Ao longo de sua carreira, Seydou Keïta (1921-2001) produziu inúmeros retratos dos habitantes de seu país. Em seu estúdio, localizado perto da estação ferroviária de Bamako, registrava as expressões, os vestuários e os gostos dos visitantes que passavam por lá. Realizadas entre 1948 e 1962, suas imagens também mostram um período de transformação no Mali, quando o país caminhava rumo à sua independência, em 1960.

 

A exposição apresenta 130 obras do fotógrafo, considerado um dos precursores dos retratos de estúdio na África. A curadoria é de Jacques Leenhardt, diretor da Escola de Altos Estudos em Ciências Sociais de Paris, e Samuel Titan Jr., coordenador executivo cultural do IMS.

 

A mostra, um recorte da extensa produção do fotógrafo, inclui 48 tiragens vintage, em formato de  18 x 13 cm, ampliadas e comercializadas pelo próprio Keïta em Bamako, nenhuma delas jamais mostrada no Brasil. As demais 88 obras são fotografias ampliadas na França, sob a supervisão de Keïta, ao longo da década de 1990, quando sua obra é redescoberta no país e também nos Estados Unidos. Em formatos mais clássicos (40 x 50 cm e 50 x 60 cm) ou francamente murais, chegando a 1,80 x 1,30 m, sinalizam a entrada do seu trabalho num circuito internacional de galerias e museus.

 

 

 

Até 29 de julho.

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FIC: Rosângela Rennó e Nervo Óptico

Seminário Ponto de Fuga: Rosângela Rennó na Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre, RS, a artista mineira é a convidada do último Seminário Ponto de Fuga. O fim de semana traz, ainda, oficina para crianças e Cine Iberê com lançamento de documentário sobre o grupo Nervo Óptico.

 

 

Inscrições online

 

No sábado, 30, às 16h, acontece o último encontro do Seminário Ponto de Fuga, com a artista visual mineira Rosângela Rennó. A artista vai apresentar destaques de sua trajetória e, em especial, seu último trabalho: “Rio Utópico”. Apresentado em 2018 no Instituto Moreira Salles do Rio de Janeiro, “Rio Utópico” faz um mapeamento fotográfico espontâneo de comunidades do Rio de Janeiro cujos nomes sugerem uma situação utópica. Para a obra, Rosângela trabalhou com jovens moradores dessas comunidades, que foram orientados a fotografar e pesquisar o local onde vivem. A exposição mostra como as pessoas representam seus próprios lugares, como se mobilizam em torno da produção de imagens e como a paisagem do Rio de Janeiro é muito mais diversa do que estamos acostumados a ver.

 

 

Sobre a artista

 

Rosângela Rennó é artista visual e seu trabalho explora fotografias, instalações e objetos por meio da utilização de imagens fotográficas de arquivos públicos e privados, abordando questões acerca da natureza da imagem, seu valor simbólico e seu processo de despersonalização. Realizou diversas exposições individuais, entre elas, na Fundação Gulbenkian, Lisboa/Portugal, Fotomuseum, em Winterthur, e Photographer’s Gallery, em Londres. Seus trabalhos estão em alguns dos principais museus de arte do mundo, como o Reina Sofia, em Madri, Tate Modern, em Londres, Arts Institute of Chicago, Guggenheim, em Nova York, e  Stedelijk, Amsterdan. É formada em Arquitetura pela Escola de Arquitetura da Universidade Federal de Minas Gerais, Belo Horizonte (1986) e em artes plásticas pela Escola Guignard, Belo Horizonte (1987). É Doutora em artes pela Escola de Comunicações e Artes da Universidade de São Paulo, São Paulo (1997).

 

 

30 de junho de 2018, sábado, 16h.

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Tunga no MAR

26/jun

O Museu de Arte do Rio – MAR, sob gestão do Instituto Odeon, abre ao público “Tunga – o rigor da distração”. Tendo como eixo central a produção em desenhos do artista, a mostra reúne cerca de 200 obras, muitas delas inéditas, criadas entre 1975 e 2015. O projeto foi realizado pelos curadores Luisa Duarte e Evandro Salles, diretor cultural do MAR, em parceria com o Instituto Tunga, guardião do conjunto da obra do artista. Esculturas, filmes, fotografias e textos (pensados pelo artista como obras) completam a mostra, que acontece 12 anos depois da última individual do artista no Rio de Janeiro e é a primeira após o seu falecimento, em 2016, na cidade em que escolheu viver.

 

Organizada cronologicamente, a mostra revela que Tunga não era especialista em apenas uma linguagem. “Em Tunga, o desenho era tomado como o seu espaço de elaboração. É a partir deles que, muitas vezes, nascem e se desenvolvem as poéticas fundamentais de sua obra, que depois se expandem para outras mídias, como fotografias, performances, vídeos e textos ficcionais”, conta Evandro Salles.

 

O público poderá acompanhar esse processo ao longo de um percurso que inclui desde trabalhos dos anos 1970, quando já se anunciava o forte vínculo de Tunga com a psicanálise, passando por núcleos que apresentam momentos marcantes da obra, como as séries “Xifópagas Capilares” (1984) e “Semeando Sereias” (1987) e, mais recentemente, as aquarelas “Quase Auroras” (2009). Estarão ainda em exibição uma série de estudos – desenhos que se relacionam com obras escultóricas por vir.

 

Outro aspecto que fica evidente são as parcerias feitas pelo artista ao longo da vida. No vídeo “Resgate” (2001) estão presentes o compositor e poeta Arnaldo Antunes e a coreógrafa Lia Rodrigues. O filme em 16 mm “Heaven Hell’s/Hell’s Heaven” (1999) traz a respiração de Marisa Monte e Arnaldo Antunes como trilha sonora. Já o filme “Nervo de Prata” (1986), por sua vez, é uma parceria com Arthur Omar.

 

A exposição traz também uma cronologia da obra do artista e diversos fragmentos de seu pensamento através de entrevistas em vídeo e trechos de falas inscritos nas paredes. A ideia é promover um encontro do público com a potência do pensamento de Tunga. “São várias as entrevistas nas quais o artista descreve a si mesmo como um clínico geral e teórico. Ou seja, alguém que tinha um programa poético que podia ser desdobrado em inúmeras linguagens – escultura, desenho, performance, filme, texto, etc. Tunga pensava muito bem e de forma muito clara, tanto sobre seu próprio trabalho como sobre a arte em geral. Acho que esse pensamento tem um poder de atração imenso”, comenta Luisa Duarte.

 

Segundo a curadora, o título da exposição, retirado de um escrito do próprio artista, reflete o interesse de Tunga pela aliança entre inconsciente e programa poético: “O rigor da distração condensa uma ideia importante para o artista, qual seja, a de valorizar o que acontece enquanto estamos distraídos ou mesmo dormindo, sonhando – quando o inconsciente emerge – e conectar isso a um rigor, um fazer que possui um programa poético extremamente sofisticado tanto em termos formais quanto em temos conceituais”, finaliza Luisa Duarte.

 

 

 

Sobre o artista

 

 

Nascido em Pernambuco e radicado no Rio de Janeiro, Tunga tornou-se um dos nomes mais importantes de sua geração. Integrou a X Documenta de Kassel, 1997, com curadoria de Catherine David. Tunga também foi o primeiro artista contemporâneo a ter uma obra exposta na pirâmide do Museu do Louvre, Paris, em 2005.

 

 

Abertura: 30 de junho, às 16h.
Performance de música experimental com O Grivo:

sábado, 30, às 17h30 e às 18h.

Domingo, 1º, às 16h30.

 

 

De 30 de junho até o final de novembro.

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Sergio Rodrigues no Itaú Cultural

22/jun

A partir de sábado 09 de junho, o Itaú Cultural, Avenida Paulista, São Paulo, SP, apresenta a exposição “SerEstar – Sergio Rodrigues” que homenageia o arquiteto e designer carioca que ganhou fama internacional com a icônica poltrona “Mole”. A mostra se propõe a apresentar outras faces de seu trabalho, muito além da cadeira, que se tornou principal referência quando se fala do designer.

 

Com curadoria de Daniela Thomas, Mari Stockler, Felipe Tassara e Fernando Mendes, a exposição evoca, já em seu título, o essencial do trabalho de Sergio – o estar como elemento inseparável do ser. Toda sua trajetória profissional foi marcada por uma preocupação em criar objetos e espaços para pessoas, priorizando o conforto e o aconchego.

 

Em três pisos do instituto estarão distribuídos móveis, maquetes, desenhos e plantas dos seus mais de 60 anos de carreira, todos conduzidos pela voz do próprio Sergio, através de diferentes trechos de textos, palestras e entrevistas dele fixados nas paredes. Com a descontração que se nota mesmo em um texto escrito, o homenageado encanta ao demonstrar seu cuidado e apreço pela arquitetura e pelo mobiliário genuinamente brasileiros, além de sua paixão por nossas matérias-primas.

 

A exposição se propõe a apresentar a extensão de sua obra e para isso se organiza por espaços temáticos que contemplam diferentes momentos de sua trajetória e produção. No piso -2, são apresentados sua história e sua família – Sergio foi filho do pintor Roberto Rodrigues e sobrinho do dramaturgo Nelson Rodrigues –, sua formação, o interesse pela arquitetura de interiores e o início da carreira.

 

Seguindo a visita, o piso -1 apresenta histórias e estudos de algumas de suas famosas obras de mobiliário, além de exibir as próprias – entre elas as poltronas “Mole” e “Chifruda” e o banco “Mocho”.

 

Por fim, o piso 1 propõe um mergulho no extenso trabalho de Sergio Rodrigues como arquiteto, apresentando o SR2 – seu sistema de casas pré-fabricadas – e as histórias, maquetes e plantas de alguns dos trabalhos que realizou com esse método, como o Iate Clube de Brasília, sua residência e seu escritório.

 

 

De 09 de junho a 05 de agosto.

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Tony Camargo no MON

19/jun

O Museu Oscar Niemayer, MON, Curitiba, PR, apresenta na Sala 2, exposição panorâmica de Tony Camargo. “Seleta Crômica e Objetos”, contempla 20 anos de produção do artista reunindo pinturas, desenhos, fotografias, vídeos e objetos. “Seleta Crômica e Objetos” é acompanhada de catálogo com textos inéditos de Arthur do Carmo e Paulo Herkenhoff.

 

A produção de Tony Camargo sintetiza importantes questões poéticas da arte brasileira produzida a partir dos anos 2000. Conjugando o rigor visual da tradição construtiva com ações performáticas e o humor do gosto popular, o artista trabalha o confronto de sistemas poéticos aparentemente opostos, explorando os limites do espaço e da linguagem pictórica.

 

A cor é o elemento fundamental que alinha uma produção diversa e questiona, entre outros temas, as articulações entre a linguagem controlada das imagens comerciais e a irracionalidade do sujeito no caos mundano. Para o artista, suas fotos e vídeos pertencem a uma atmosfera poética que surge do embate entre o rigor plástico de suas pinturas geométricas de origem construtiva e o caos criativo de suas performances personalistas, diretamente conectadas à imprevisibilidade da vida. O resultado é uma profunda investigação sobre a espacialidade do mundo real.

 

A diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika, destaca a singularidade da produção que compõe a mostra. “Manipulando formas e cores, Tony Camargo cria uma estética própria, reconhecível nas diferentes linguagens que explora. O Museu Oscar Niemeyer abriga em seu acervo grandes nomes da arte paranaense, e recebe com satisfação o trabalho deste artista contemporâneo do Paraná”.

 

A exposição “Seleta Crômica e Objetos” integra o projeto “Pintura Esférica”, realizado com o apoio do Programa Municipal de Incentivo à Cultura da Fundação Cultural de Curitiba e com incentivo do Banco do Brasil.

 

 

Sobre o artista

 

Nascido em 1979 no município de Paula Freitas, no Paraná, Tony Camargo concluiu o curso de Artes Visuais na Universidade Federal do Paraná em 2001. Ao longo de 20 anos tem produzido uma obra complexa e diversa, contemplando pinturas, desenhos, fotografias, vídeos e objetos. Participou de mostras coletivas como a X Bienal do Mercosul (Porto Alegre, 2015); PR/BR, no Museu Oscar Niemeyer (Curitiba, 2012); e Nova Arte Nova, no Centro Cultural Banco do Brasil (Rio de Janeiro e São Paulo, 2008 e 2009). Entre suas exposições individuais, destacam-se Novas Planopinturas, na Galeria SIM (Curitiba, 2016); Fotomódulos e Desenhos, na Galeria Casa Triângulo (São Paulo, 2010); e Fotomódulos, no Paço das Artes (São Paulo, 2008). Recebeu o Prêmio Funarte de Arte Contemporânea (2012), o Prêmio Rumos Itaú Cultural (2006) e foi nominado para o Prêmio Pipa (2010, 2011 e 2017). Tem peças em coleções como o Museu de Arte Moderna de São Paulo, Museu Oscar Niemeyer e Museu de Arte do Rio.

 

 

Até 1º de julho.

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Fotografias da fé

O Museu de Arte Sacra de São Paulo – MAS-SP, Luz, ao lado da estação Tiradentes do Metrô, instituição da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, exibe “Guarda o Círio de Nazaré”, da fotógrafa brasileira Soraya Montanheiro, sob curadoria de Juan Esteves. A mostra apresenta 45 fotografias realizadas a partir de 2013, as quais retratam fiéis envolvidos na liturgia que aproxima a Imagem Original da Nossa Senhora de Nazaré – única de origem amazônica e venerada na basílica do Santuário, em Belém, PA – à Imagem Peregrina, confeccionada no final dos anos 1960 pelo escultor italiano Giácomo Vincenzo Mussner. Na ocasião da abertura da exposição, também será lançado livro de título homônimo, contendo o trabalho completo desenvolvido pela fotógrafa.

 

A atração de Soraya Montanheiro pelo ritual do Círio de Nazaré vai além de sua fé católica e de uma curiosidade por novas histórias.  Desde sua primeira participação no evento, em Belém, ficou fascinada pela ação da Guarda do Círio, evidenciada na organização dos cortejos. “A Guarda da Nossa Senhora de Nazaré é composta por 2.000 homens voluntários, que acompanham a Imagem e trabalham por dias consecutivos durante os festejos do Círio de Nazaré, e pelas cidades que a Imagem é levada. O objetivo do meu trabalho é o registro e pesquisa da atividade desses homens da Guarda de Nazaré”, comenta a fotógrafa. A partir de então, a autora seguiu a Imagem Peregrina por cidades como Rio de Janeiro e Niterói, pela região do Baixo Amazonas – como Terra Santa, Porto Trombetas, Juriti Velho, Óbidos, Santarém e Oriximiná. Por Viana, no Maranhão; Muaná, na Ilha de Marajó; e São José do Rio Preto, em São Paulo. Um caminho sustentado não apenas por sua crença mais pessoal, mas por uma complexa articulação profissional, resultando em uma intimidade com a temática, obtida sistematicamente nestes percursos que representam uma amplitude documental inédita.

 

Ao abordarem uma grande diversidade de expressão religiosa, as imagens concretizam um trabalho de representação documental de uma fé elevada. Nas palavras do curador Juan Esteves: “Estas fotografias, que contornam a inefabilidade, nos trazem a certeza na percepção de que a manifestação perene dos devotos, expressa no culto a Nossa Senhora de Nazaré, nos conduz ao pensamento mais complexo e duradouro da fé cristã no Ocidente”.

 

 

De 28 de junho a 29 de julho.

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Mostras prorrogadas

18/jun

As exposições “ARRUDA, Victor”, uma retrospectiva da trajetória do artista Victor Arruda, com curadoria de Adolfo Montejo Navas, e “Monolux”, de Vicente de Mello, com curadoria do poeta Eucanaã Ferraz, foram prorrogadas até o dia 9 de setembro de 2018, e as exposições “Guy Brett – a proximidade crítica” e “Estados da abstração do pós-guerra”, com curadoria de Paulo Venancio Filho, curador convidado, ficam em cartaz até o dia 22 de julho de 2018. “Chutes Inesquecíveis”, de Analívia Cordeiro, com curadoria de Fernando Cocchiarale, foi prorrogada até o dia 12 de agosto de 2018.

 

 

No próximo dia 27 de junho, devido ao jogo do Brasil, o MAM Rio abrirá excepcionalmente às 10h30 e fechará às 14h. A bilheteria será encerrada às 13h30.

 

O MAM Rio está com oito exposições em cartaz nos três andares do icônico prédio modernista projetado por Affonso Reidy (1909-1964). No foyer, o artista Matheus Rocha Pitta faz uma homenagem às vítimas da violência no Rio, com três instalações na exposição “memória menor”, em curadoria de Fernando Cocchiarale e Fernanda Lopes, curadores do Museu. No segundo andar, estão a retrospectiva “Victor Arruda”, com obras emblemáticas do artista nascido em 1947, com curadoria de Adolfo Montejo Navas; “Monolux”, o poético trabalho de Vicente de Mello, com fotografias feitas sem câmera, em que objetos foram colocados diretamente sobre papel fotográfico dentro do laboratório,  com curadoria de Eucanaã Ferraz; “Chutes Inesquecíveis”, de Analívia Cordeiro, com curadoria de Fernando Cocchiarale, que reúne obras feitas a partir da decodificação de três chutes emblemáticos: dois de Pelé, e um de Bruce Lee; e a exposição fotográfica “Escrever com a luz – Vittorio Storaro”, do renomado diretor de fotografia italiano Vittorio Storaro, com curadoria de Giovanni Storaro. No terceiro andar, o público poderá percorrer um panorama da história da arte moderna e contemporânea, em três exposições com destaques do vasto acervo de mais de 16 mil obras do Museu: 250 trabalhos de cerca de 90 importantes artistas brasileiros e estrangeiros, em “Alucinações à beira Mar”, com curadoria de Fernando Cocchiarale e Fernanda Lopes, “Guy Brett – a proximidade crítica” e “Estados da abstração do pós-guerra”, com curadoria de Paulo Venancio Filho, curador convidado.

 

Matheus Rocha Pitta – memória menor
Espaço: Foyer
Até o dia 1º de julho de 2018

 

ARRUDA, Victor
Espaço: Segundo andar – 2.4 (parcial)
Até o dia 9 de setembro de 2018

 

Vicente de Mello – Monolux  
Espaço: Segundo andar – 2.4 (parcial)
Até o dia 9 de setembro de 2018

 

Analívia Cordeiro – Chutes Inesquecíveis
Espaço: Segundo andar – 2.3

Até o dia 12 de agosto de 2018

 

 

Escrever com a luz – Vittorio Storaro Período
Espaço: Segundo andar – Salão Monumental
Até 08 de julho de 2018

 

Vittorio Storaro Período – Escrever com a luz 
Espaço: Segundo andar – Salão Monumental
Até 08 de julho de 2018

 

Estados da abstração no pós – guerra e Guy Brett: A proximidade crítica
Espaço: Terceiro andar – 3.1 e 3.2
Até o dia 22 de julho de 2018

 

Alucinações à beira mar
Espaço: Terceiro andar – 3.3
longa duração

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