Arquivos da Categoria: Objetos

A Percepção Cinética na América Latina 

29/ago

 

 

A galeria Simões de Assis, Curitiba, PR, anuncia a “A Percepção Cinética na América Latina”, mostra que reúne, pela primeira vez, quatro dos principais expoentes da produção cinética e óptica: Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Diez, Antonio Asis e Abraham Palatnik.

 

Os quatro artistas têm muito em comum: suas raízes latinas, integram a mesma geração, e criaram arte abstrata de cunho concreto, mais precisamente arte cinética, que envolve luz e movimento, além de contar com a participação do espectador.

 

As primeiras obras de arte cinéticas desses artistas surgiram num período de forte modernização da América Latina, e o continente desempenhou papel fundamental nesse movimento, algo que só recentemente foi reconhecido pela história da arte, sempre eurocêntrica. A mostra, que conta com texto crítico de Pieter Tjabbes, apresenta trabalhos históricos de Palatnik, com dois Objetos Cinéticos da década de 1960, além de dois relevos em cartão e diversas peças da série “W”. Já Antonio Asis integra a exposição com suas icônicas grades, ou “Grilles”, trabalhos que realizou a partir de sua convivência com Jesús Rafael Soto. O argentino foi assistente do venezuelano quando ambos já estavam radicados em Paris. As obras Soto, por sua vez, fazem parte do vocabulário matérico do artista, com o uso do metal e da cor em interações que exploram o movimento real e percebido. Por fim, há três séries distintas – e amplamente conhecidas – de Cruz-Diez, exemplares notáveis das “Physichromies”, das “Colores Aditivas” e das “Cromointerferencias Espaciais”.

 

A obra cinética não quer apenas traduzir ou representar o movimento, busca realmente se movimentar. Algumas peças utilizam o deslocamento ótico, e a op art parece ser uma descrição adequada para todas as obras aqui reunidas: elas mostram um universo vibrante, com movimentos sutis e ritmos envolventes. Embora as obras sejam, na realidade, estáticas, nossa percepção é de um movimento real no caso de Soto, Cruz-Diez e Asis, e de um movimento temporariamente contido na obra de Palatnik.

 

Até 22 de Outubro.

 

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Em cartaz no FAMA Museu

 

 

Sob a titulação “Desconstruções e Articulações Dinâmicas espaciais – Galáxias” a exposição de Marcos Amaro no FAMA Museu, Itu, São Paulo, SP, é apresentada e traz a assinatura do crítico de arte Fabio Magalhães em sua curadoria.

 

A palavra do curador

 

Em 2016, incentivado pelo artista Gilberto Salvador (1946), fui à cidade de Itu para conhecer a obra de Marcos Amaro (1984). Gilberto já me informara das qualidades do artista, do modo vigoroso de sua linguagem, do aproveitamento de sucata de aviões que depois de desmontadas as peças eram reaproveitadas para formar grandes esculturas. Ainda assim me surpreendi com o que vi.

 

Marcos Amaro instalou seu ateliê em dois imensos galpões industriais que pertenciam à Fábrica São Pedro, ambos com escala compatível com a dimensão de suas obras. Um dos espaços abrigava um denso conjunto de trabalhos já terminados e, assim, pude constatar que se tratava de um artista de grande força expressiva e de identidade pessoal. Nesse ano, como diretor cultural do MACS – Museu da Arte Contemporânea de Sorocaba – interessei-me em promover uma exposição individual do artista no museu. A exposição com o título de “Desconstruções e Articulações” também foi posteriormente exibida no Museu de Arte Contemporânea de Mato Grosso do Sul, em Campo Grande, e no MARGS – Museu de Arte de Arte do Rio Grande do Sul, em Porto Alegre.

 

Hoje, além de artista, Marcos Amaro tornou-se um grande colecionador de artes plásticas e desde 2018 disponibilizou sua coleção à visitação pública. Para tanto, adquiriu todo o espaço da fábrica São Pedro (antiga fábrica têxtil) com 25 mil metros quadrados de área construída, e nela implantou um grande centro cultural que abriga o FAMA Museu.

 

Desconstruções e Articulações Dinâmicas espaciais – Galáxias

 

Quando nos defrontamos com uma nova poética, sempre procuramos estabelecer relações de linguagens para, desse modo, detectar com maior acuidade os aspectos daquela expressão em particular. Percebemos que Marcos Amaro incorporou elementos do dadaísmo em sua produção atual. Alguns exemplos me vêm à memória, entre eles, as colagens de Kurt Schwitters (1887-1948). Também, os readymade de Marcel Duchamp (1887-1968); as assemblages neodadaístas de Robert Rauschenberg (1925-2008), realizadas na década de 1960, com materiais considerados vulgares – trash, ou ainda, as esculturas com fragmentos de carrocerias de automóvel do escultor John Chamberlain (1927-2011). O espírito dadaísta tem forte presença na arte contemporânea e, sobretudo, na arte brasileira.

 

Marcos Amaro não trabalha apenas com sucata de aviões, apesar da aviação ter um forte significado na sua biografia e no seu imaginário. O artista incorpora também inúmeros outros objetos e materiais, todos eles vulgares (brutti, sporchi e cattivi), destituídos de prestígio social. Marcos procura coisas que foram descartadas, que foram afastadas do nosso convívio para revitalizá-las e reincorporá-las à sua obra, agregando a elas novos significados.

 

Marcos Amaro descontrói os objetos na forma e no significado para reinventá-los. Entretanto, os fragmentos incorporados e reordenados pelo artista, trazem consigo registros de seus significados anteriores, como, por exemplo, um pedaço de tecido, ou uma camisa, nos remetem aos personagens ocultos que as utilizou. Ou ainda, partes de uma porta de garagem, sugerem o passar do tempo (energias armazenadas) e vivências acumuladas. São, portanto, sinais de vida que ainda palpitam nos objetos descartados aparentemente sem nenhum valor. O artista, ao incorporá-los à sua obra, afere a eles um novo pulsar de vida e agrega expressiva e renovada força poética.

 

A presença desses vestígios (significados anteriores) não foi totalmente apagada pelo artista. Faz parte da sua linguagem manter, ainda que dissimulados, esses vínculos de experiências passadas, esses murmúrios do tempo. Os sinais de origem, atuam como memórias e, retrabalhados pelo artista, são testemunhos pulsantes e revigoram os conteúdos de seus trabalhos.

 

Ao preservar as vozes de tempos anteriores, o artista incorpora no seu trabalho uma sofisticada noção de tempo, da sua intensidade, da sua entropia. Discute ciclos de vida e sua escatologia (ideia de morte e ressurreição); questiona as crenças na tecnologia e no progresso contínuo.

 

Marcos Amaro desenvolve poéticas que articulam os opostos – desconstrução e construção – para ordenar é preciso desordenar. Não obstante, através de uma intervenção de lógica compositiva, que está presente em todos os seus trabalhos, o artista estabelece equilíbrio no aparente caos. Em algumas obras de parede, principalmente naquelas que utilizam chassis como suporte, encontramos princípios de ordem geométrica que são prevalentes. E, nesses trabalhos, não em outros, podemos estabelecer analogias com as linguagens contemporâneas de construção geométrica.

 

Vale ressaltar que a geometria, apesar de não ter protagonismo, está presente nas grandes esculturas de sucatas, de metal, de tecidos e materiais diversos. Nelas sentimos a presença de uma geometria disciplinadora que organiza e ordena o conjunto.

 

Marcos Amaro acrescenta em seus trabalhos dois elementos de grande força expressiva: a luz neon (cor) e as imagens gravadas em vídeos, de programas aleatórios de canais abertos de televisão. A luz de neon, no meu entender, é uma expressão de glamour, culturalmente vinculada à vida noturna, à sedução, mas também se refere aos sinais luminosos presentes no espaço urbano e em determinados códigos de navegação.

 

As imagens gravadas em vídeo trazem testemunhos e experiências de vida que acrescentam e aprofundam as narrativas das obras. Em alguns casos contrastam, noutros ajustam-se com os elementos de conteúdo materializados na plástica de Marcos Amaro.

 

Fabio Magalhães

 

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Histórias Brasileiras

26/ago

 

 

As artistas Marcela Cantuária e Vivian Caccuri participam da exposição coletiva “Histórias Brasileiras”, no Museu de Arte de São Paulo, MASP, SP, entre  26 de agosto e de outubro, com curadoria de Adriano Pedrosa, Lilia M. Schwarcz, Amanda Carneiro, André Mesquita, Clarissa Diniz, Fernando Oliva, Glaucea Brito, Guilherme Giufrida, Isabella Rjeille, Sandra Benites e Tomás Toledo.

A mostra acontece em ocasião do Bicentenário da Independência do Brasil, apresentando trabalhos de diferentes mídias, suportes, tipologias, origens, regiões e períodos.

 

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Galeria samba na SP-Arte

23/ago

 

Galeria carioca apresentará projeto solo do artista mineiro Washington da Selva, que trata dos contrastes entre a zona rural, a cidade urbana e a cultura digital. A galeria carioca samba arte contemporânea participará pela primeira vez da SP Arte – Rotas Brasileiras, que será realizada de 24 a 28 de agosto, na ARCA, galpão industrial localizado na Vila Leopoldina, São Paulo, SP. A galeria apresentará o projeto solo “Origem”, com obras recentes e inéditas do artista mineiro Washington da Selva, incluindo a série “Lastro”, premiada no 8° Prêmio Nacional de Fotografia Pierre Verger na categoria Questões Históricas. Em Lastro, o artista retrata pessoas empunhadas com ferramentas de trabalho do campo.

 

Sobre o artista

 

Washington da Selva (Carmo do Paranaíba, 1991) é artista visual e pesquisador. Possui mestrado em Artes, Cultura e Linguagens e bacharelado em Artes e Design, ambos pela Universidade Federal de Juiz de Fora. Combina diferentes práticas artísticas como: fotografia, desenho, performance, web arte e processos têxteis. Foi artista residente no Lab Cultural 2021, BDMG Cultural, participou da residência Esculturas Públicas e Arte na Terra (2021), Associação Carabina Cultural. Em 2021, foi contemplado com o Prêmio DASartes e o 8º Prêmio Nacional de Fotografia Pierre Verger, sendo, ainda, finalista no 1º Prêmio de Fotografia Adelina.

 

 

 

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Coletiva da Galatea na SP-Arte

 

 

A Galatea anuncia sua participação na SP-Arte Rotas Brasileiras, que acontecerá na Arca, entre os dias 24 e 28 de agosto. O projeto apresentado será “Tramas brasileiras”, que consiste em uma coletiva de artistas brasileiros que lidam em suas obras com composições geométricas construídas a partir da trama, da grade, do grafismo e do monocromo.

 

A arte produzida no Brasil na segunda metade do século 20 foi marcada pelo protagonismo da abstração geométrica e do construtivismo, algo que moldou o rumo da história da arte brasileira de forma definitiva, com reflexos até os dias de hoje. Sendo o construtivismo brasileiro da década de 1950 ainda fortemente vinculado às vanguardas europeias que propiciaram seu surgimento, apenas na virada para a década de 1960 que passou a acolher experimentações para além das geometrias, incorporando questões da vida cotidiana, da cultura e da realidade brasileira. Ainda assim, toda a rica e complexa produção artística indígena de base geométrica passou à margem dos interesses de grande parte dos artistas concretos e da crítica da época, sendo os artistas Aluísio Carvão e Ivan Serpa duas das poucas exceções.

 

Partindo da possibilidade de diálogo e fricção entre a tradição geométrica de povos indígenas brasileiros e o concretismo que marcou a arte brasileira dos anos 1950, o projeto pretende apresentar trabalhos que lidam com abstrações, geometrias, tramas, grafismos e monocromos em suas composições, justapondo e relacionando formalmente artistas da segunda metade do século 20 com contemporâneos, passando também por artefatos indígenas dos povos Asurini, Baniwa, Juruna, Kadiweu, Kaiapó, Tukano e Waujá. Em exibição obras de nomes como: Abraham Palatnik, Aislan Pankararu, Alfredo Volpi, Aluísio Carvão, Bruno Baptistelli, Bu’ú Kennedy, Carol Cordeiro, Celso Renato, Décio Vieira, Frans Krajcberg, Ione Saldanha, Ivan Serpa, Jaider Esbell, Joaquim Tenreiro, Judith Lauand, Luiz Hermano, Lygia Clark, Marcos Coelho Benjamin, Mestre Didi, Mira Schendel, Montez Magno, Raymundo Collares, Rubem Ludolf, Rubem Valentim, Sergio Camargo, Tunga, Ubi Bava, entre outros.

 

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Novíssimo Edgar

18/ago

 

 

A Gentil Carioca, Rio e São Paulo, anuncia a representação do multimídia e artista plástico Novíssimo Edgar. Sua obra transborda autenticidade e liberdade, passando por diversos suportes e segmentos de pesquisas de metalinguagens e transmídia. Existem dimensões ritualísticas na sua produção, passando ainda por temas atuais, como a violência e o cenário político brasileiro. Em algumas de suas obras trabalha o sincretismo juntando influências da cultura iorubá e técnicas da numerologia Russa. Futurismo indígena e a diáspora negra fazem de seu repertório de pesquisa e experiências uma imersão em um universo específico e indomável.

 

Sobre o artista

O poeta, artista plástico, compositor, e performer nasceu na periferia de Guarulhos, São Paulo, em 1993. Seu interesse pela arte começou na infância, incentivado pela sua mãe – Dona Maria, a elaborar esculturas, desenhos e pintura sobre azulejos. Edgar é um ser nada mimético, milimétrico ou métrico e sim semiótico, semi-nu e cru. Artista multimídia que trabalha com todo tipo de material ancestral e tecnológico, produz pinturas, cria instalações, performances, desenhos, compõem músicas, inventa jogos de cartas, escreve livros, produz filmes, games e NFTs. Em 2022, integrou as coletivas “Naokada” e “Raio a Raio” no Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, a segunda em parceria com o Solar dos Abacaxis. Também participou da coletiva “A Trama da Terra que Treme” na galeria A Gentil Carioca de São Paulo e realizou a performance “Armadura” em Lausanne, na Suíça. Além da parceria musical com Elza Soares, tem participações com João Donato, Céu e Baiana System. Ganhou dois prêmios como artista revelação no ano de 2018, pela SIM e pela APCA, e recebeu o prêmio Zumbi dos Palmares da Legislação de São Paulo pela sua influência na luta anti-racista em 2019. Recentemente, assinou a direção de narrativa e trilha sonora de um game e um longa metragem da diretora dinamarquesa Sissel Morell Dargis.

 

A palavra de Paulo Paes

Hoje, a intensa navegação sedentária na rede, expõe o navegante a fluxos violentos de informação classificada que precisam de resolução poética para serem usadas no dia a dia. É neste destrinchar permanente que se assemelha cada vez mais as práticas alquímicas artesanais que transita o artista, entre o material e o virtual, plástico e palavras, convertidos aos sistemas binários para serem consumidos, quase como carne, numa oferenda fetichista. Proteína para um novo ciclo de milagres entre inspirar e expirar, dólares e amores, navegar sem perder o tempo do bit.

 

 

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Produção de 40 artistas mulheres

16/ago

 

 

O MON, Curitiba, PR, apresenta a exposição “Fora das Sombras: Novas Gerações do Feminino na Arte Contemporânea” na Sala 11 do Museu Oscar Niemeyer. A mostra reúne a produção recente de 40 artistas mulheres do Rio Grande do Sul, com curadoria de Ana Zavadil.

 

Através de obras, muitas inéditas, essas potentes artistas questionam a situação da mulher numa história da arte dominada pelos homens. A resistência é expressada pelo processo criativo de cada uma delas, formando um conjunto inquietante e questionador.

 

São 140 obras de diversas técnicas. O modelo curatorial de exibição das obras é o modelo labiríntico, sem seguir cronologia, deixando o visitante livre para escolher o seu caminho dentro da sala expositiva. Faz parte da proposta provocar questões que possam ampliar as pesquisas individuais produzidas pelas artistas.

 

Os trabalhos apresentados constituem fonte de resistência e poder dentro do cenário vigente da produção das artistas, muitas com um caráter feminista. A arte deve potencializar a militância artística coletiva pela busca de respeito, igualdade e diversidade, buscando romper valores do sistema patriarcal, bem como reconhecer a qualidade da obra de artistas mulheres e o seu lugar na sociedade.

 

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Série de obras de Alexandre Nitzche Cysne

08/ago

 

 

A galeria carioca Cavalo apresenta no espaço CAMA São Paulo, SP, a exposição “Golfo Místico”, primeira individual em São Paulo de Alexandre Nitzsche Cysne. O jovem artista, baseado em Niterói, exibe uma série inédita de obras escultóricas e instalativas oriundas de objetos coletados em antiquários, depósitos carnavalescos e feiras de rua de áreas periféricas do Rio de Janeiro como Acari e Madureira, e áreas centrais como São Cristovão e Santo Cristo.

 

Golfo Místico, na tradição teatral italiana, é como se denomina o espaço reservado aos músicos entre a plateia e o palco – também conhecido em português como fosso de orquestra. Essa cavidade para a trilha sonora das peças, situada em meio à apreensão do público e a ação dramática, serve como fonte de inspiração para as construções de Nitzsche Cysne. Em seu trabalho, elementos do realismo fantástico e da mitologia clássica se misturam à artefatos banais, como no caso de “Valsa tropeço lambe as penas”, uma escultura em que uma bailarina em miniatura rodopia sobre um guarda-chuva/mostruário de bijuterias que perfura o busto de uma armadura masculina. Como numa versão apoteótica de uma caixinha de música de família, a obra é uma das que demonstram o interesse do artista na interseção entre ficção e memória afetiva.

 

Alexandre faz de suas expedições em depósitos e em “xepas” de feiras e mercados sua principal rotina de trabalho. Essa fascinação pelo colecionismo e acumulação se reflete também em sua relação com o vestuário, como acontece na obra de artistas “profetas” tal como Arthur Bispo do Rosário. Inspirado também no escultor francês Etienne-Martin, o artista exibe no espaço CAMA uma peça intitulada “Manto do fim dos tempos”, além de outras obras indumentárias.

 

Através de uma perspectiva arqueológica e um profundo interesse em universos esquecidos, “Golfo Místico” é uma apresentação que valoriza e exalta narrativas ocultas, que primordialmente foram atiradas pela platéia para acessar o palco, mas que acabaram por restar no fosso, descartadas e despercebidas. A exposição fica em cartaz até o dia 10 de setembro.

 

 

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O Mapa da Mina por Alex Flemming 

26/jul

 

 

No ano do Bicentenário da Independência, em “O Mapa da Mina”, exposição individual do artista plástico Alex Flemming é proposto o debate sobre as riquezas naturais do Brasil.

 

A partir de 30 de julho, a Biblioteca Mário de Andrade, República, São Paulo, SP, recebe a série de obras feitas em chapas de madeira, recortadas no formato do mapa do Brasil, cravejadas de pedras nativas como topázios, ametistas, citrinos, opalas, rodolitas, peridotos, rubilitas e kunzitas, compondo uma cartografia visual que sustenta uma profunda potência estética e política.

 

A mostra exalta a riqueza e beleza gerada em nosso solo e traz um convite à reflexão sobre sua utilização: “Minha proposta com essas obras é discutir as riquezas do Brasil, a forma de extração e sua má distribuição. Desde nossa colonização o extrativismo gera fortunas que vão para os bolsos de uma minoria, escancarando a desigualdade da população”, explica Flemming. A mostra carrega também uma carga simbólica de pertencimento e deslocamento que os mapas fazem emergir, o que sem dúvida dialoga muito com Alex Flemming – artista que divide seu tempo entre o Brasil, país de origem, e a Alemanha, onde reside desde 1991. Flemming é um artista multimídia que transita pela pintura, gravura, instalação, desenho, colagem, esculturas, fotografia e objetos, com foco na “pintura sobre superfícies não tradicionais” como o próprio artista define. Foi professor da Kunstakademie de Oslo, na Noruega, entre 1993 e 1994 e em 1998 produz sua obra pública de maior impacto, na estação Sumaré do Metrô em São Paulo, com 44 retratos em vidro recobertos por poesia. Em 2016 inaugura mais 16 retratos em vidro colorido na Biblioteca Mário de Andrade, também em São Paulo.

 

Sobre o artista

 

Alex Flemming nasceu em São Paulo, SP e o reside na Alemanha desde 1991. Cursou Arquitetura na FAU-USP e frequentou o Curso Livre de Cinema na Fundação Armando Álvares Penteado (Faap), em São Paulo, entre 1972 e 1974. Na década de 1970, realizou filmes de curtas-metragens e participou de inúmeros festivais de cinema. Em 1981, se muda para Nova York, onde permanece por dois anos e desenvolve projeto no Pratt Institute, com bolsa de estudos da Fulbright Foundation. A partir dos anos 1990, realiza instalações em espaços expositivos (MASP e XXI Bienal Internacional de São Paulo) usando bichos empalhados pintados com fortes cores metálicas, inaugurando assim uma duradoura série de pinturas sobre superfícies não tradicionais. Posteriormente passa a utilizar como material suas próprias roupas, móveis, objetos utilitários e computadores. Flemming também cria silhuetas de aviões feitas com tapetes persas na série “Flying Carpets” e aborda os dilemas da guerra em fotografias de grandes dimensões na série “Body-Builders”, só para citar algumas de suas frentes de trabalho nos 40 anos em que atua como artista. Em 2002, são publicados os livros Alex Flemming, pela Edusp, organizado por Ana Mae Barbosa, com textos de diversos especialistas em artes visuais; Alex Flemming, uma Poética…, de Katia Canton, pela Editora Metalivros; e, em 2005, o livro Alex Flemming – Arte e História, de Roseli Ventrella e Valéria de Souza, pela Editora Moderna. Em 2006 a editora Cosac & Naif publica Alex Flemming com texto e entrevistas produzidas pela jornalista e curadora Angélica de Moraes. Em 2016 tem sua primeira retrospectiva no MAC-USP com curadoria de Mayra Laudanna e a exposição e livro Alex Flemming editado pela Martins Fontes. Em 2017 expõe a série “Anaconda” na Fundação Ema Gordon Klabin, e de dezembro de 2017 a fevereiro de 2018 tem sua segunda retrospectiva – de CORpo e Alma – no Palácio das Artes em Belo Horizonte, com curadoria de Henrique Luz. No ano de 2019, expõe a série “Ecce Homo” na Galeria Kogan Amaro, em São Paulo, e a série “Apokalypse” em uma grande individual na Kirche am Hohenzollernplatz em Berlim (Alemanha). Em 2020, com a pandemia, Alex Flemming, em uma ação com a Companhia do Metrô de São Paulo ressignifica a sua mais conhecida obra pública, a estação Sumaré do Metrô. Para conscientizar a população sobre o uso de máscaras em espaços públicos, o artista aplica formas pentagonais de cores vibrantes que remetem à máscaras sobre os já conhecidos retratos da estação.

 

A exposição “ALEX FLEMMING: o Mapa da Mina” terá vernissage aberta ao público dia 30 de julho(sábado) às 11h, e poderá ser visitada até 28 de agosto das 11h às 18h.

 

 

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A geometria de Luciano Figueiredo

20/jul

 

 

A LURIXS: Arte Contemporânea, Leblon, Rio de Janeiro, RJ – apresenta até 19 de agosto – exposição individual de Luciano Figueiredo. Com texto de Paulo Venancio Filho, a mostra reúne obras recentes do artista produzidas em sua residência no Rio de Janeiro durante o período do isolamento imposto pela pandemia de covid-19.

 

Construir reconstruindo

 

Esses últimos trabalhos de Luciano Figueiredo reafirmam seu inconformismo com o confinamento da tela; o limite que a separa do espaço circundante. As dobras e recortes, práticas de longa data, nada mais faziam que demonstrar essa pretensão; romper a estabilidade geométrica pelos próprios meios da geometria. Desestabilizar o estável e encontrar outra estabilidade, ainda inédita, como um “ponto” geométrico futuro e imprevisto. Poderia se imaginar o quadrado como o núcleo inicial e gerador de todos os desdobramentos e variações. Dobrar desdobrando, rompendo recompondo, construir reconstruindo; o grau de insistência no construtivismo coincide com a ânsia de renová-lo – uma inesgotável e irresistível pressão. O que parecia exaurido revela cada vez mais surpresas insuspeitas, como ocorre agora. Ou seja, nada mais do que ativar as potencialidades geométricas ainda irreveladas.

 

Nesses trabalhos, vemos linhas cruzando o plano da tela em várias direções, porém não são apenas linhas; são finas varetas de madeira revestidas do tecido da tela. Desse modo, pertencem e não pertencem à tela. Superpostas à tela, são linhas que ativam a superfície e parecem vir de fora; atravessar e sair do quadro. Esse vocábulo gráfico – uma novidade recente – faz pensar nos cabos de energia que cruzam o céu nas cidades. Tais ligeiras e delicadas presenças tridimensionais insinuam direções e movimentos rápidos, velozes, marcam uma presença na tela ao mesmo tempo momentânea e permanente. Tais delicados condutores de uma energia plástica poderiam seguir para outro lugar; para outra tela, sem dúvida, e ali permanecer ou ir além. Esse parece ser o móbile novo dessa pintura/objeto; a linha, ou linhas, desconcertantes; impondo seu desígnio visual – do qual não há como escapar -; só resta ir para onde elas vão, segui-las com o olhar. Vejo também, quando elas se tornam essas delicadas varetas, a tentativa de fixá-las, de inseri-las no espaço material da tela e trazê-las pelo artifício da colagem para um espaço que faz a pintura adquirir uma materialidade objetal. Surge no espaço um momento de calculada tensão, contido e liberto em sua potencial expansão. Tais linhas não estabelecem limites, não obedecem a um esquema prévio, e afirmam sua própria independência. Cortam, ou melhor, riscam, atravessam, os planos de cor. Dão às telas um ritmo visual veloz, diríamos elétrico. Os planos de cor delimitam a estabilidade de certas áreas, impondo enfaticamente a inescapável determinação cromática, mas o que se manifesta é uma calculada disputa visual entre linha e cor. Assim, novamente encontramos a vivacidade do espaço, a renovada revelação do substrato pulsante do construtivo, sua inesperada e surpreendente agitação, surpreendente porque ainda pressiona há mais de um século. É o novo que se apresenta; novo porque podemos medi-lo com o passado. Aí a surpresa; especialmente porque é algo que é parte, e parte decisiva da nossa história artística.

 

Ainda – outra surpresa – encontramos espaços vazados na tela. E estes apresentam o que a tela de fato é: transparências que denunciam o objeto mesmo, aquilo que ele é, sem disfarces, expondo o vazio, tornando-o ativo. O olhar ultrapassa a tela, ali o espaço vazio da tela, o negativo da linha, buraco através do qual se vê a parede, desnuda a estrutura do quadro/objeto. Não há como esquecer a colagem; mas de elementos do mesmo léxico, afins e complementares, e as infinitas combinações que cada uma possui e contém. É como um vaivém óptico interminável, o mesmo renovado, e tendo a audácia de isto fazer. Cortes e recortes se alternam; o dobrar e o desdobrar imprevisíveis surpreendem a cada momento num movimento cinemático. A tela se mostra na sua plasticidade literal, flexível, dobrável, manipulável; é a matéria primeira, mais, muito mais, do que o mero suporte da pintura. A materialidade do tecido é libertada da rígida planaridade e se expande, há muito ultrapassou a estrita imposição ortogonal do quadro, tal como se o quadro se reconstruísse de dentro dele.

 

É notória a vinculação da obra de Luciano com o jornal e o cinema. Vejo até e principalmente a interseção entre jornal e cinema. Duas expressões visuais que se cruzam aqui, criando esse novo mutante, direto, ágil, imprevisível, que quer se libertar do aprisionamento do enquadramento. Disse atrás que são quadros que contêm uma eletricidade; não seria esta a mesma que se originou no construtivismo russo, no cinema de Eisenstein? Cinema, jornal e colagem não poderiam deixar de estar presentes nesta exposição. Vemos isso claramente em três colagens. Em duas delas, a presença de atrizes emblemáticas do cinema: Anna Karina e Monica Vitti – aí inclusos, indiretamente, Godard e Antonioni. E numa pequeníssima imagem, efêmera e casual – é preciso prestar atenção -, temos, poderíamos dizer, uma perfeita tradução da Kinomania de Luciano: na foto, recorte de um jornal, Antonioni e Monica Vitti estão na calçada, cada um lendo um jornal.

 

O vazado, talvez a maior novidade, é uma surpresa; mas uma surpresa que já se veria antecipada. A não-tela se revela também como um espaço da obra; o vazio é obra. É o reverso das linhas, contido dentro de limites, é um vazio recolhido à obra. A dobra leva ao recorte, e a tela, a sua materialidade, é um plano flexível, dobrável, recortável; problematiza o que parecia estável, estabilizado, cristalizado. Daí recortes, telas vazadas, manobras e desvios da ortodoxia, verdadeira desmontagem da tela. Tais combinações, passagens, interrupções, deslocamentos, revelam a inquietude do plano, sua predisposição em se mostrar como tal; disponível às manobras que a obra exige a todo momento, em cada trabalho: construir reconstruindo.Paulo Venancio Filho

 

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