Artista representado e seu legado.

26/mai

A Galatea, São Paulo, SP, anuncia a representação do artista Paulo Roberto Leal (Rio de Janeiro, 1946 – Rio de Janeiro, 1991) e seu legado.

Ao longo de sua carreira, Paulo Roberto Leal trabalhou com pintura ao mesmo tempo que se manteve em constante experimentação com materiais e suportes não convencionais. Desenvolveu, a partir do início da década de 1970, uma produção marcada pelo rigor formal e pelo interesse nas qualidades plásticas do papel, aprofundando-se de modo autodidata na investigação dos limites da pintura e da visualidade construtiva. Sua obra é atravessada pela pesquisa em torno da materialidade do suporte e dos processos repetitivos e modulares. Utilizou com frequência papéis kraft e papéis nobres, tecidos costurados e caixas acrílicas, criando objetos e composições que questionam as fronteiras entre pintura, escultura e instalação.

O artista participou de duas Bienais de Veneza, em 1972 e 1980, ocasião em que teve destaque especial, além da 11ª Bienal Internacional de São Paulo, em 1971, onde foi premiado. Em 1984, foi cocurador da histórica mostra “Como vai você, Geração 80?”, realizada na EAV do Parque Lage, no Rio de Janeiro – marco da arte brasileira daquela década. Em 1993, Roberto Pontual foi um dos fundadores do Projeto Concreto/PRL, criado com o objetivo de preservar e difundir a obra do artista. Em 1995, o MAM Rio implantou o Centro de Referência Iconográfica e Textual Paulo Roberto Leal, preservando a documentação deixada pelo artista.

Entre as exposições inidivuais e coletivas recentes, destacam-se: Moments in Modernism (Coletiva, Art Gallery of Ontario, Toronto, 2025); Estado bruto (Coletiva, MAM Rio, Rio de Janeiro, 2021); Casa carioca (Coletiva, MAR, Rio de Janeiro, 2021); Espaços articulados (Individual, Paço Imperial, Rio de Janeiro, 2015); Sensitive Geometries (Coletiva, Hauser & Wirth, Nova York, 2013); Da matéria nasce a forma (Individual, MAC Niterói, 2007). Suas obras integram importantes coleções públicas, como o Museu de Arte de São Paulo (MASP), Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro (MAM Rio), Museu de Arte Contemporânea de Niterói (MAC-Niterói) e a Art Gallery of Ontario (Toronto, Canadá).

A Galatea agradece especialmente à Lorena Leal pela confiança e parceria neste projeto. Com essa representação, a galeria reafirma o compromisso de ampliar o alcance da obra de Paulo Roberto Leal, preservando seu legado e renovando o interesse por sua prática junto às novas gerações e no cenário da arte contemporânea. Em 2026, a Galatea dedicará uma grande exposição ao artista.

Obras inéditas de Marcos Chaves.

20/mai

A Nara Roesler São Paulo convida para a abertura da exposição “Sangue Azul”, com novos e inéditos trabalhos de Marcos Chaves, no dia 07 de junho. Destacado nome na arte contemporânea, Marcos Chaves apresenta o resultado de uma pesquisa iniciada em 2013, quando imprimiu em tapetes fotografias que fez de tecidos da Coleção Eva Klabin, no Rio de Janeiro. Desde então, em meio a outros trabalhos, o artista vem fotografando tapetes que cobrem o chão de palácios construídos durante impérios na França e na Itália. Essas imagens capturadas se transformam novamente em tapetes, em diversos tons de vermelho, que estarão nas paredes da Nara Roesler São Paulo, revelando o olhar de Marcos Chaves sobre o desgaste sofrido pelos tecidos e pela geometria percebida nas várias camadas das tramas originais. “Gosto muito da ideia de degradê, da cor que vai sumindo, e de seu significado em francês também de degradado, coisa gasta, decadente”, diz o artista. Estarão também na exposição três trabalhos de Marcos Chaves feitos em 1992 e também em vermelho: “Our love will grow vaster than empires”, verso gravado em um pedaço de veludo e fincado na parede por um canivete suíço; a bolsa “Jaws”, e o par de sapatos de saltos altos “Sem título”.

Na grande sala de pé direito duplo, no lado esquerdo da galeria Nara Roesler, Marcos Chaves vai criar um ambiente imersivo com baixa iluminação, e foco nos tapetes pendurados nas paredes, todos produzidos em 2025. As dimensões das obras variam de 200 x 266 cm a 150 x 112,5 cm. Cobrindo todo o chão estará um carpete de 5,90 m x 8,39m, versão em grande escala de uma fotografia de 2013, feita de um veludo da Coleção Eva Klabin. Os tapetes nas paredes, em tons de vermelho, reproduzem as fotografias feitas pelo artista do chão acarpetado de locais históricos europeus, como o Palazzo Doria Pamphilj, construído em Roma, no século 16; a escadaria que leva ao único trono existente de Napoleão Bonaparte (1769-1821), no Castelo de Fontainebleau, na França, residência dos reis franceses, e que data dos primórdios do século 12; e a Ópera Garnier, projetada durante o reinado de Napoleão III (1808-1873), o décimo-terceiro palácio a abrigar a Ópera de Paris, fundada por Luís XIV. Alguns trabalhos criam uma perspectiva “ao contrário”, como o que traz os degraus para o trono de Napoleão, e que estará na fachada da galeria, na vitrine.

Na primeira sala da exposição, Marcos Chaves vai mostrar três objetos, também na cor vermelha. O primeiro é “Our Love Will grow vaster than empires” (2025), verso do poeta inglês Andrew Marvell (1621-1678) inscrito em um pedaço de veludo e fincado na parede por um canivete suíço. A obra é derivada de um trabalho de 1991, “MessAge”, com canivete e plástico. Os dois outros trabalhos são “readymade”, de 1992 – a bolsa “Jaws”, descoberta por Marcos Chaves em uma feira tipo “mercado de pulgas”, e “Sem título”, um par de sapatos de salto alto encontrado na rua, em uma área frequentada por travestis.

O texto crítico é de Ginevra Bria, curadora com vinte anos de trajetória, dedicada a examinar as artes moderna e contemporânea no Brasil. Ela é professora-assistente na Unicamp, onde finaliza sua dissertação iniciada há seis anos para seu PhD em História da Arte na Rice University, em Houston, EUA – “The Non color Indigeneity”. Na Art History of Scientific Racism in Brazil, 1865-1935. Em seu texto sobre a exposição de Marcos Chaves na Nara Roesler São Paulo ela enfatiza: “Em total admiração pela prática da pintura, que Chaves nunca abordou e formalizou, “Sangue Azul” entrelaça fotografias, instalações e esculturas”. “Mas, como eixo expositivo, a fotografia toma emprestado os títulos das obras às contradições de supremacia da nobreza, da política e das uniões de razão de ser históricas (citando espaços de poder como Fontainebleau, Pamphilij e Garnier”. Ginevra Bria destaca ainda que “neste projeto, entre o lento apagamento das dimensões verticais e horizontais, cada elemento representado, ou ampliado, é hipostasiado num movimento temporal, enquanto a nobre dinâmica dos vermelhos é intemporal. E enobrecida”.

Em exibição até 16 de agosto.

Visita guiada na Galatea.

A Galatea convida para a visita guiada da exposição Carvões acesos, que permanece em cartaz até sábado, 24 de maio, em nossa sede na rua Oscar Freire, 379. Para marcar o encerramento da mostra, teremos o prazer de receber o público para um encontro com o curador Tomás Toledo, que conduzirá a visita a partir das 11h.

Carvões acesos reúne mais de 50 artistas nacionais e internacionais em torno de temas como amor, desejo e paixão, sob uma perspectiva transgeracional, transterritorial e transmídia.

Dividida em três núcleos – Enlaces, Metáforas do amor e Metáforas do sexo -, a exposição convida o visitante a explorar a tensão afetiva entre os corpos, o erotismo e o magnetismo do desejo, por meio de obras que vão de pinturas e esculturas a instalações, vídeos e objetos. Destaque também para o manuscrito original do poema “Coisas para o ninho”, escrito por Patrícia Galvão (Pagú) durante seu período de prisão, que empresta à mostra o seu título e atmosfera simbólica.

Esperamos você!

Lygia Clark na Alemanha.

A Neue Nationalgalerie exibe até 12 de outubro a primeira retrospectiva da artista brasileira Lygia Clark na Alemanha. A exposição abrangente apresenta cerca de 120 obras de arte que representam toda a sua produção artística do final da década de 1940 até a década de 1980, desde pinturas geométricas e abstratas até esculturas participativas e trabalhos performáticos. Um aspecto central da exposição é a abordagem interativa no trabalho de Lygia Clark. Os visitantes podem interagir com uma variedade de réplicas criadas especialmente para a exposição.

Lygia Clark é considerada uma inovadora radical do conceito de arte porque redefiniu fundamentalmente a relação entre artista e espectador, bem como entre obra e espaço. Como principal representante do movimento Neoconcretismo iniciado no Rio de Janeiro em 1959, Lygia Clark entendia a obra de arte como um fenômeno orgânico. Ela exigia uma experiência subjetiva, corporal e sensual da arte e fez da participação ativa do espectador um componente elementar de sua arte. A retrospectiva na Neue Nationalgalerie permite que os visitantes vivenciem essa abordagem participativa na obra da artista  por meio da interação com cópias da exposição. Além disso, são realizadas regularmente apresentações que valorizam a obra desta importante artista do século XX.

No início de sua carreira, Lygia Clark criou pinturas em estilo geométrico-abstrato. Contudo, a partir de 1954 ela começou a desbravar a tela. Foram criados painéis em relevo que criam uma conexão com o espaço. Com a fundação do Movimento Neoconcreto, deu-se o passo em direção ao espaço tridimensional. Os representantes do Neoconcretismo entendiam a obra de arte como um fenômeno orgânico e vivo. Esses princípios são expressos nos Bichos (Animais) de Clark. São esculturas geométricas e móveis que podem ser dobradas em posições sempre novas pelo observador. Como resultado, foram criados seus Objetos Sensoriais, incluindo óculos, máscaras e trajes, que estendiam a experiência sensorial dos receptores para todo o corpo. No final da década de 1960, ela desenvolveu seu conceito de Corpo Coletivo, que descreve ações performáticas de construção de comunidade. Perto do fim de sua carreira, finalmente desenvolveu uma abordagem de terapia corporal que utilizou em seus objetos de arte.

A retrospectiva na Neue Nationalgalerie reúne cerca de 120 empréstimos de coleções particulares e museus internacionais, incluindo a Pinacoteca do Estado de São Paulo, o Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro e o Museu de Arte Moderna e a Coleção Cisneros de Nova York.

Catálogo da exposição

Um catálogo bilíngue em alemão e inglês será publicado pela E. A. Seemann Verlag para acompanhar a exposição. É a primeira publicação em língua alemã sobre Lygia Clark e oferece uma visão geral abrangente de seu trabalho.

A exposição tem curadoria de Irina Hiebert Grun e Maike Steinkamp, ​​​​pesquisadoras associadas da Neue Nationalgalerie.

Encontro de outono no Instituto Brando Barbosa.

15/mai

Os artistas Anna Bella Geiger, Carlos Vergara, Jeane Terra, Heberth Sobral, Marcos Corrêa, Diana Gondim, Márcia Martins, Dani Justus, Volnei Malaquias, Hélio Vianna, Fessal, Carolina Kasting, Beto Gatti, Coletivo MUDA e SAFE Art será o time de peso presente na exposição “Encontro de outono”, com curadoria de Elis Valadares, que celebra a terceira edição da versão PopUp da Casa70Rio de 19 a 23 de maio, das 10h às 16h.

O evento conta também com participações especiais de Tatiana Bertrand, Vintage Brasil com curadoria da arquiteta Giulia Borborema, ensaio de moda de Dani Lacerda, Sabrina Cuiligotti e Victor Niskier. Este ano, a Casa70Rio – projeto criado por Elis Valadares no Rio e que cruzou o oceano por cinco anos, até Lisboa – volta à cidade na versão PopUp, realizado em parceria com galerias nacionais e internacionais (nesta edição com as galeristas Anita Schwartz e Gaby Índio da Costa).

Brasil-França 2025.

12/mai

Do Brasil a Paris: onde arte, sensibilidade e arquitetura convergem, no coração da icônica Villa La Roche de Le Corbusier, o tempo se dobra sobre si mesmo para revelar um encontro raro: a arte brasileira adentra as linhas limpas do modernismo europeu com cor, ritmo e emoção.

De Lygia Clark a Sonia Gomes, de Burle Marx a Beatriz Milhazes, a exposição ABERTO 4 Paris, transforma cada ambiente em uma experiência viva e pulsante. Uma jornada pela memória, forma e sentimento.

Sobre o evento, Marta Fadel Martins Lobão, advogada e especialista em arte, afirmou: “A exposição ABERTO 4 é uma oportunidade imperdível para que a arte brasileira mostre sua riqueza e diversidade ao público europeu. A Maison La Roche, com seu design inovador, proporciona um cenário ideal para essa troca entre culturas, onde o Brasil se apresenta com força, emoção e relevância no cenário global.”

A exposição ABERTO 4, com arte brasileira, ocorre em Paris na Maison La Roche, um ícone da arquitetura modernista de Le Corbusier, de 12 de maio a 08 de junho. É parte das comemorações do Ano Cultural Brasil-França 2025.

Gabriel de la Mora no MON.

08/mai

A exposição “Veemente”, do artista mexicano Gabriel de la Mora, é a mais nova realização do Museu Oscar Niemeyer (MON), Curitiba, PR. A mostra, em cartaz na Sala 1 a partir do dia 08 de maio, tem curadoria de Marcello Dantas. São 77 obras, entre instalações, telas com técnicas mistas e esculturas, a maioria produzida entre 2000 e 2025. O conjunto apresenta não só a estética do artista e sua evolução, mas também a diversidade e peculiaridade dos materiais utilizados, que vão além dos suportes e pigmentos tradicionais. No processo de criação, ele transforma objetos encontrados em matéria-prima para singulares obras de arte, evocando o conceito ready-made.

A diretora-presidente do MON, Juliana Vosnika, comenta que o artista desafia nosso olhar e percepção com suas pinturas, instalações e esculturas feitas a partir de itens inusitados, descartados. “Nada em seu intenso e extenso trabalho é óbvio. Tudo é resultante de um perspicaz olhar sobre a natureza humana, seus sentimentos e sensações”, diz.

O curador Marcello Dantas explica que a prática de Gabriel de la Mora envolve uma investigação sobre materiais, explorando os limites físicos e conceituais de um processo de coleta e reconstrução. “À primeira vista, suas obras podem parecer abstratas, com caráter escultórico ou até minimalista. No entanto, um olhar mais atento revela que nada é o que parece ser”, diz o curador: “Suas obras são compostas por elementos inesperados: fios de cabelo, fragmentos de espelhos, cascas de ovos, solas de sapato, asas de borboleta e outros vestígios da vida cotidiana. Sua técnica denota um processo quase obsessivo, que transforma a matéria-prima em novas formas, padrões e texturas. A repetição contínua do gesto artesanal – ora restaurador, ora destrutivo – revela um método que desafia a experiência visual e sensorial do espectador”, comenta.

Sobre o curador.

Marcello Dantas é um premiado curador com ampla atividade no Brasil e no exterior. Trabalha na fronteira entre a arte e a tecnologia, produzindo exposições e múltiplos projetos que proporcionam experiências de imersão por meio dos sentidos e da percepção. Nos últimos anos, atuou na concepção de diversos museus, como o Museu da Língua Portuguesa, Japan House (SP), Museu da Natureza (PI), Museu da Cidade de Manaus, Museu da Gente Sergipana (Aracaju, SE), Museu do Caribe e o Museu do Carnaval (Barranquilla, Colômbia). Realizou exposições individuais de alguns dos mais importantes nomes da arte contemporânea mundial como Ai Weiwei, Anish Kapoor, Laurie Anderson, Michelangelo Pistoletto, Rebecca Horn e Tunga. Foi também diretor artístico do Pavilhão do Brasil na Expo Shanghai 2010, do Pavilhão do Brasil na Rio+20, da Estação Pelé, em Berlim, na Copa do Mundo de 2006.

Sobre o artista.

Nascido em 1968, na Cidade do México, onde vive e trabalha, Gabriel de La Mora é formado em Arquitetura pela Universidade Anáhuac del Norte e possui mestrado em Pintura pelo Pratt Institute, de Nova York. Concentra sua prática artística no uso e reaproveitamento de objetos descartados ou obsoletos, que parecem ter completado sua vida útil. Mais interessado na desconstrução e fragmentação de um objeto ou material ao longo do tempo, ele aposta na reconstrução a partir de práticas baseadas na passagem do tempo.

Uma coleção visita o Instituto Tomie Ohtake.

07/mai

O Instituto Tomie Ohtake, Pinheiros, São Paulo, SP, exibe até 25 de maio a “Coleção Vilma Eid – Em cada canto”, exposição que se dedica a examinar o histórico acervo de Vilma Eid, que nos últimos quarenta anos construiu uma coleção singular, reunindo trabalhos de mais de 100 artistas entre os ditos populares, modernos e contemporâneos. A mostra integra o programa de exposições Instituto Tomie Ohtake visita, que busca criar conexões com colecionadores e agentes do circuito da arte, proporcionando acesso a coleções que, em parte, são pouco exibidas ao grande público.

Com uma atuação fundamental na valorização da arte popular no Brasil, Vilma Eid construiu uma coleção onde obras de artistas populares, modernos e contemporâneos convivem e dialogam, abrangendo diversos contextos e épocas do país. Em sua casa, a galerista dispõe as obras de tal forma a criar conexões inesperadas. Trabalhos de artistas modernos e contemporâneos como Geraldo de Barros, Mira Schendel, Paulo Pasta ou Tunga convivem com os ditos populares, como José Antonio da Silva, Isabel Mendes da Cunha, Itamar Julião ou Veio. As duas salas que compõem a mostra trazem conexões entre artistas e obras encontradas na casa da colecionadora e outras propostas pela curadoria. Estão lá representadas questões recorrentes na História da Arte: a relação entre tradição e inovação; temporalidade e espaço; cor e forma ou figuração e abstração.

Instituto Tomie Ohtake visita Coleção Vilma Eid – Em cada canto é uma realização da Casa Fiat de Cultura e Instituto Tomie Ohtake  via Lei Federal de Incentivo à Cultura do Ministério da Cultura, e conta com o patrocínio da Stellantis, sob a chancela Apresenta; do Itaú Unibanco, sob a chancela Platina; do Redecard sob a chancela Prata; BMA Advogados, sob a chancela Bronze e Galeria Estação, sob a chancela Apoio.

Artistas participantes

Agnaldo Manuel dos Santos, Agostinho Batista de Freitas, Alcides Pereira dos Santos, Aldo Bonadei, Alex Cerveny, Alexander Calder, Amadeo Luciano Lorenzato, Amilcar de Castro, André Ricardo, Anna Maria Maiolino, Antonio Ballester Moreno, Antônio de Dedé (Antônio Alves do Santos), Antônio Poteiro (Antônio Batista de Souza), Arnaldo Ferrari, Arthur Luiz Piza, Artur Pereira, Aurelino dos Santos, Cardosinho (José Bernardo Cardoso Júnior), Carlos Fajardo, Carmela Gross, Célia Euvaldo, Chico da Silva (Francisco Domingos da Silva), Chico Tabibuia (Francisco Moraes da Silva), Cícero Dias, Clovis Aparecido dos Santos, Conceição dos Bugres (Conceição Freitas da Silva), Eduardo Berliner, Eleonore Koch, Elza de Oliveira Souza, Emmanuel Nassar, Erika Verzutti, Ernesto Neto, Fabrício Lopez, Geraldo de Barros, Germana Monte-Mór, G.T.O. (Geraldo Teles de Oliveira), Heitor dos Prazeres, Iole de Freitas, Itamar Julião (Itamar de Pádua Lisboa), Ivan Serpa, Izabel Mendes da Cunha, Jadir João Egídio, Jandyra Waters, João Pereira de Andrade, Jorge Guinle, José Antonio da Silva, José Bernnô, José Bezerra, José Resende, Judith Lauand, Judith Scott, Julia Isidrez, Júlio Martins da Silva, Julio Villani, Lafaiete Rocha, Leda Catunda, Leonilson (José Leonilson Bezerra Dias), Lia Chaia, Liuba Wolf, Lúcia Suanê, Luiz Paulo Baravelli, Madalena Santos Reinbolt, Marepe, Maria Auxiliadora, Mario Rubinski, Mestre Vitalino (Vitalino Pereira dos Santos), Mira Schendel, Mirian Inêz da Silva, Nelson Felix, Neves Torres, Nhô Caboclo (Manoel Fontoura), Nino (João Cosmo Felix), Noemisa Batista dos Santos, Nuca de Tracunhaém (Manoel Borges da Silva), Paulo Monteiro, Paulo Pasta, Paulo Pedro Leal, Pedro Figari, Placedina Fernandes do Nascimento, Ranchinho (Sebastião Theodoro Paulino da Silva), Rodrigo Andrade, Rubem Valentim, Santídio Pereira, Sergio Camargo, Sonia Delaunay, Thiago Honório, Tunga, Ulisses Pereira Chaves, Vânia Mignone, Véio (Cícero Alves dos Santos), Victor Vasarely, Waltercio Caldas, Zé do Chalé (José Cândido dos Santos), Zica Bérgami (Maria Elisa Campiotti Bérgami).

As múltiplas dimensões da temporalidade.

“Em busca do tempo roubado” é o atual cartaz da Galeria de Arte Flexa, Leblon, Rio de Janeiro, RJ, com curadoria de Luisa Duarte, tendo Daniela Avellar e Lucas Alberto como curadores assistentes. A mostra reúne cerca de 80 obras que buscam abordar as múltiplas dimensões da temporalidade. Os três núcleos que compõem a coletiva se apresentam como capítulos de uma espécie de pedagogia do tempo: “O herói como garrafa”, “Frequência dos hábitos” e “A pele do tempo”.

Em busca do tempo roubado

Secularmente, a passagem do dia foi medida pelo lento deslocamento dos astros. Hoje, a interface do mundo clareia e anoitece regida pela modulação do brilho das telas, simbolizada por um pequeno sol nos aparelhos de celular. Em um estranho paradoxo, temos o dia disposto na palma da mão, enquanto a experiência do seu desdobrar escorre entre os dedos.

Em busca do tempo roubado se dedica a abordar distintas formas de temporalidade em contraposição ao mundo 24/7 – aquele no qual nos distanciamos da realidade sensível à medida que habitamos, grande parte das horas, zonas digitais cujas telas, sempre lisas e limpas, simulam uma temporalidade para a qual as marcas do tempo nunca chegam. Ou ainda: aquele que se descortina a partir de dinâmicas ininterruptas de estímulos, que acabam por nos fazer reféns de uma constante atenção distraída.

Os três núcleos que compõem a exposição se apresentam como capítulos de uma espécie de pedagogia do tempo. O herói como garrafa propõe um deslocamento da centralidade do imaginário heroico ao privilegiar o ordinário. Em A teoria da bolsa de ficção, Ursula K. Le Guin (1929-2018) faz menção a um glossário inventado por Virginia Woolf (1882-1941) no qual a palavra “herói” é substituída pelo termo “garrafa”. Tal operação encena um gesto crítico à reincidência da tônica heroica nos modos de contar histórias. Assim, a atenção ao ordinário recolhe, no tecido dos dias, as narrativas mínimas e as possíveis surpresas que habitam as malhas do comum.

Em Frequência dos hábitos recordamos que, na repetição dos gestos mais banais – escovar os dentes, riscar um fósforo, cortar uma fruta – podem habitar desvios inauditos. Assim, a repetição surge como recurso poético que aponta para o cotidiano como campo de invenção e subversão.

Já em A pele do tempo, o tempo se revela por sua densidade, menos como medida homogênea cronometrada e antes como matéria sensível. E se a pedra fosse uma metáfora para o relógio? Como mediríamos as horas? Tal pergunta parece sugerir a existência de fusos horários próprios a cada matéria, desobedientes às cronologias já catalogadas.

Luisa Duarte – curadora

Daniela Avellar – curadora assistente

Lucas Alberto – curador assistente

Livro para Hélio Oiticica e Waldemar Cordeiro.

A Pinakotheke São Paulo, Rua Ministro Nelson Hungria, 200, Morumbi, realiza o lançamento do livro “Encontro/Confronto – Hélio Oiticica e Waldemar Cordeiro”, seguido de conversa com Analivia Cordeiro, Max Perlingeiro e Paulo Venancio Filho, no dia 10 de março, às 11h, último dia da exposição.

O livro, que acompanha a exposição, é publicado pelas Edições Pinakotheke, formato de 21 x 27cm, com imagens das obras expostas, fac-símiles de documentos e textos históricos, e de correspondências endereçadas a Hélio Oiticica, textos de Max Perlingeiro, Luciano Figueiredo, Paulo Venancio Filho, Analivia Cordeiro, e da única fotografia conhecida de Hélio e Waldemar juntos, sentados lado a lado em um almoço no MAM Rio.

A mostra reúne 37 obras dos dois artistas que participaram ativamente dos movimentos neoconcreto e concreto, respectivamente, que defendiam diferentes caminhos da arte nos anos 1950 e 1960. Idealizada por Max Perlingeiro, que divide a curadoria com o artista Luciano Figueiredo, um dos grandes especialistas na obra de Hélio Oiticica, e Paulo Venancio Filho, pesquisador dos dois movimentos, a exposição propõe uma reflexão, já distanciada pelo tempo, dos encontros e dos confrontos entre esses dois artistas. A exposição celebra ainda o centenário de nascimento de Waldemar Cordeiro.