Arquivos da Categoria: Vídeo

Sergio Camargo no Itaú Cultural

01/dez

Escultor intelectual, que estudou com Lucio Fontana, conviveu com Brancusi e foi aluno de filosofia de Bachelard, o escultor Sergio Camargo, falecido em 1990, é homenageado com a mostra “Luz e Matéria”, em cartaz no Itaú Cultural, Cerqueira César, São Paulo, SP. A exibição abriga mais de 100 obras do artista. Com curadoria dos críticos Paulo Sergio Duarte e Cauê Alves, ocupa três pisos da instituição com esculturas, vídeos, fotografias, documentos e uma reprodução do último dos quatro ateliês do escultor, o de Jacarepaguá, no Rio de Janeiro.

 

 

A mostra não foi organizada em ordem cronológica. No segundo piso, por exemplo, obras figurativas de bronze de pequeno formato, produzidas nos anos 1950, quando Camargo voltou ao Brasil após estudar filosofia na Sorbonne, dividem o espaço com peças do último período. Entre as obras selecionadas encontra-se uma escultura de mármore de Carrara (Homenagem a Brancusi) dedicada ao escultor romeno, versão em escala menor da exposta ao ar livre em Bordeaux, na França, e que teve ainda outra versão, exibida em 1067, na 33.ª Bienal de Veneza.

 

 

Sergio Camargo é um dos raros escultores brasileiros com obras nas coleções do Museu de Arte Moderna de Nova York e da Tate Modern de Londres.

 

 

Com “Luz e Matéria”, o Itaú Cultural encerra a série de grandes exposições em 2015.

 

 

 

Até 09 de fevereiro de 2016.

 

 

 

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Bruno Borne na Mamute

27/nov

Finalizando o ciclo de mostras individuais de 2015 a Galeria Mamute, Centro Histórico, Porto Alegre, RS, inaugura no dia 04 de dezembro a exposição “A E O”, do artista visual Bruno Borne. Sob a curadoria de Luísa Kiefer, a mostra apresenta três videoinstalações inéditas, concebidas especialmente para o espaço da galeria. Trabalhando com site-specific, o artista utiliza o próprio espaço expositivo como objeto central de suas proposições.

 

Em “A E O”, cada vogal deu origem a uma videoinstalação distinta que, por sua natureza, se encontram e se misturam no ambiente. Partindo das formas geométricas correspondentes às letras, o artista desenvolveu três projeções que reproduzem virtualmente o ambiente da sala em que estão instaladas.

 

A experiência do espectador é ainda instigada pelo som que emana de cada obra e toma o ambiente como um todo. Utilizando programas de computação 3D e misturando jogos de espelhos virtuais e reais, o conjunto de obras de Bruno Borne é um convite para adentrar um labirinto no qual a imagem e o espaço expositivos parecem se reproduzir infinitamente, sempre um dentro do outro, sem nos deixar muitas pistas do que é real e o que é virtual.

 

 

 

 

A palavra da curadora Luísa Kiefer

 

A E O, de Bruno Borne

 

Perder-se na contemplação de uma obra de arte é um exercício de escolha. Precisa ser um ato deliberado, uma decisão. Certo é que pressupõe disponibilidade. Para se entregar a este mundo que mistura real e virtual, é preciso estar livre da censura guardiã da lógica. Também não é fácil achar tempo para a contemplação em um mundo que mede o tempo em segundos ou em suas frações. A exposição A E O, de Bruno Borne, é, neste sentido, um convite: pare, olhe, desfrute sem medo de se perder.

 

Com sua obra site-specific, criada para e a partir do ambiente em que é instalada, Borne intima o público a mergulhar em três videoinstalações que retratam o próprio espaço expositivo da galeria, provocando um diálogo complexo e labiríntico entre espaço, obra e imagem. Ele utiliza programas de computação gráfica, que geram modelos 3D, para reconstruir virtualmente as salas da galeria. A partir dessa simulação é que começa o jogo e o convite para perder-se em sua obra. Espelhos reais e virtuais multiplicam o ambiente projetado, criando metaimagens que se reproduzem em looping, sem deixar muitas pistas do que é reflexo e o que é simulação.

 

Partindo das formas geométricas correspondentes às letras que dão nome à mostra, as três projeções, pensadas cada uma como uma obra independente, formam, ao mesmo tempo, um conjunto, misturando-se e complementando-se. Acompanhadas por um som ambiente que se diferencia ao nos aproximarmos de cada trabalho, A E O transforma o ambiente da galeria em obra, incorporando e transformando o entorno – e a própria presença do espectador – em imagem.

 

Diante do conjunto da exposição, cabe ao espectador decidir se aceita, ou não, o convite para perder-se na imagem e, assim, descobrir o seu poder de contemplação.

 

 

Sobre o artista

 

Bruno Borne nasceu em Porto Alegre, RS, 1979. É mestre em Poéticas Visuais pelo PPGAV/UFRGS e graduado em Artes Visuais e em Arquitetura e Urbanismo pela UFRGS. Realizou exposições individuais no MACRS e Galeria Lunara em Porto Alegre. Em 2014 foi prêmio adquisição no 43º Salão Paranaense. Em 2013 premiado no 2ª Prêmio IEAVI/RS, em 2011 recebeu o VI Prêmio Açorianos de Artes Plásticas na categoria Destaque em Mídias Tecnológicas. Tem obras nos acervos públicos do MACPR, MACRS e das prefeituras de Porto Alegre e Santo André.

 

 

Dobre a curadora

 

Luísa Kiefer nasceu em Porto Alegre, 1986. Doutoranda em história, teoria e crítica de arte pelo Programa de Pós-Graduação em Artes Visuais do Instituto de Artes, UFRGS, é mestre pelo mesmo programa e jornalista pela PUCRS. Em sua tese de doutorado pesquisa a fotografia na arte contemporânea.

 

 

 

Até 05 de fevereiro de 2016.

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Olhares femininos

23/nov

As fotógrafas Ana Araújo, Eliária Andrade, Evelyn Ruman, Luciana Whitaker, Luludi Melo, Márcia Zoet, Marlene Bergamo, Mônica Zarattini e Nair Benedicto inauguraram a exposição “Se me vejo, me veem”, na Galeria eg2o, na cidade de Paraty, Rio de Janeiro, RJ. A mostra propõe uma discussão sobre a violência contra a mulher, sendo que cada artista aborda o tema em suas diversas manifestações, gerando como resultado um quadro multifacetado de denúncias, esclarecimentos e sensibilizações.

 

Profissionais atuantes e respeitadas, mulheres atentas ao dia-a-dia. Cidadãs responsáveis. Com o lema “olhares de mulheres sobre uma questão de mulheres”, as nove fotógrafas se reúnem para aliar arte à luta contra uma triste realidade: o Brasil está em quinto lugar no ranking mundial de ocorrências de crimes contra a mulher. São agressões físicas, morais, sexuais e psicológicas, sustentadas pelas relações desiguais entre os gêneros. Desigualdade entranhada em nossa sociedade desde a sua formação, e no inconsciente da maioria dos brasileiros. Neste sentido, “Se me vejo, me veem” busca apresentar trabalhos que dialogam com o tema proposto, em um ambiente de liberdade na curadoria e expografia de cada trabalho das fotógrafas, as quais terão uma área individual e específica para mostrar e “denunciar” os aspectos deste assunto. Os suportes são diversificados, mas a imagem, crua e real, é a protagonista.

 

Ana Araújo retrata “Marias Marcadas pela Violência em Recife”. Sua cidade natal, onde reside e trabalha até o presente, segundo o mapa da violência 2012, é a sexta colocada no ranking de feminicídios do Brasil: “Aqui em Pernambuco irei documentar as mulheres sobreviventes, que ficaram marcadas física e emocionalmente por essa terrível cultura de violência contra a mulher”, define a artista.

 

“Para Onde Ir?”, de Eliária Andrade, mostra uma mulher que vive no abrigo Casa de Marta e Maria, espaço que oferece acolhimento para pessoas em situação de vulnerabilidade social, vindas das mais variadas situações de violência vivenciadas nas famílias e nas ruas, com histórico de abandono e maus tratos.

 

“Autoimagem” foi o tema escolhido por Evelyn Ruman, que em registros de um caso da vida real, aplica uma metodologia de intervenção social, por meio da fotografia que desenvolve há 27 anos. “A interferência artística do fotografado em seu próprio retrato amplia a percepção de sua identidade e estimula a recuperação da autoestima”, explica a autora.

 

Luciana Whitaker, com “Cesarianas Desnecessárias”, busca provocar uma reflexão sobre o polêmico assunto. Em sua opinião: “Procedimento feito sem necessidade, apenas com objetivos comerciais, coloca em risco a vida da mulher e do bebê”. Neste ensaio, as cicatrizes contam a história.

 

Luludi Melo, em “Maternidade – Mulheres com Deficiência”, discute a violência “duplamente qualificada” que sofre a mulher portadora de necessidades especiais.

 

Um pequeno recorte do projeto nacional que desenvolveu em parceria com o Museu da Pessoa para o projeto ViraVida – uma iniciativa do SESI na recuperação de crianças e adolescentes em situação de risco –, “Meninas e Adolescentes” é o aspecto levantado por Márcia Zoet. De acordo com a fotógrafa: “o quadro mostra a fragilidade da vitima, que sofreu durante 10 anos abuso paterno”. Um tema autoexplicativo é a escolha da fotógrafa Marlene Bergamo – “BANG BANG”. Imagens fortes que são retratos de fatos diários, hoje corriqueiros mas não menos cruéis, onde a morte é a ocorrência final. “Parto humanizado…?” é a discussão proposta por Mônica Zarattini, com destaque para a situação de uma mulher que, encaminhada para um hospital universitário na hora do parto, é submetida a procedimentos e recebe medicamentos desnecessários (como uma cobaia dos alunos).

 

Nair Benedicto participa com o vídeo “Não quero ser a próxima”, uma realização conjunta do Grupo Maria Bonita com a Agência F.4, sendo as integrantes Cecília Simonetti, Lais Tapajós, Nair Benedicto, Silvia Cavasin e Vera Simonetti. Produzido em 1985, versa sobre mulheres espancadas ou assassinadas pelos maridos ou companheiros. As fotografias são das entrevistadas e dos eventos públicos sobre o assunto, resultado das pesquisas em jornais e revistas.

 

 

Citando palavras das participantes do projeto Se me vejo, me veem: “Qualquer iniciativa que esclareça e contribua para que mulheres vítimas de violência reconheçam sua situação e percam a vergonha de pedir ajuda é válida, assim como para que a sociedade esteja alerta e consciente da seriedade da questão”.

 

 

Até 06 de janeiro de 2016.

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Na Galeria Fortes Vilaça

17/nov

Paralelamente à exposição “Interior Design” de Simon Evans – que inaugura amanhã, 18/nov às 19h, na Galeria Fortes Vilaça, Vila Madalena, São paulo, SP, será apresentado o curta-metragem “Cutaways” da artista polonesa Agnieszka Kurant no segundo andar da galeria. Assim como a exposição de Evans, o filme será exibido até o dia 22/dezembro.

 

 

Realizado em parceria com o premiado editor de cinema Walter Murch de “Apocalypse Now” e “O Poderoso Chefão”, o trabalho de Kurant traz à tela o universo invisível de personagens que, apesar de concebidos e filmados para certas produções cinematográficas, foram completamente excluídos na edição final. Em seu filme, a artista escolhe três desses coadjuvantes omitidos para lhes dar sobrevida, extraídos de obras cultuadas de Kubrick, Tarantino e Sarafian. Entre os atores que aceitaram reprisar seus papéis, está a atriz Charlotte Rampling.

 

 

“Cutaways” retrata o encontro de personagens de produções distintas, como se tivessem ganhado vida autônoma e passassem a compartilhar o mesmo limbo narrativo. O enredo toma como base os roteiros originais de cada filme, aproveitando inclusive algumas das falas. Três atores aceitaram reprisar seus papéis depois de anos da trama original: Charlotte Rampling como a caronista de Vanishing Point (de Richard C. Sarafian, 1971, lançado no Brasil como Corrida contra o Destino); Abe Vigoda como o advogado e melhor amigo do protagonista em The Conversation (de Francis Ford Coppola, 1974, lançado no Brasil como A Conversação); e Dick Miller como o dono do ferro-velho de Pulp Fiction (de Quentin Tarantino, 1994).

 

 

Uma sequência de nomes hollywoodianos encerra a projeção, informando que vários outros atores também interpretaram personagens fantasmas em suas carreiras. A tipografia de cada nome é baseada naquela usada nos cartazes de seus respectivos filmes, como se a artista propusesse um jogo de descobrir de quais títulos eles foram excluídos.

 

 

 

Sobre Agnieszka Kurant

 

 

Agnieszka Kurant nasceu em 1978 em Lodz, na Polônia, e atualmente vive e trabalha em Nova York. Dentre suas exposições individuais, destacam-se: exformation, Sculpture Center (Nova York, 2013) e Stroom den Haag (Haia, Holanda, 2013); 88.2 MHz, Objectif Exhibitions (Antuérpia, Bélgica, 2012), Theory of Everything, Museum of Modern Art (Varsóvia, Polônia, 2012). Já participou da diversas mostras importantes como a Bienal Performa de Nova York (2013 e 2009), Bienal de Arquitetura de Veneza (2010), Bienal de Bucareste (2008), Bienal de Moscou (2007), além de diversas outras coletivas em instituições como Guggenheim (Nova York, 2015), MoMA PS1 (Long Island, 2013), Witte de With (Roterdã, 2011), Tate Modern (Londres, 2006), Palais de Tokyo (Paris, 2004), entre outros.

 

 

 

Até 22 de dezembro.

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Oi Futuro Ipanema apresenta

O Oi Futuro Ipanema, Rio de Janeiro, RJ, apresenta, a partir de 21 de novembro, a exposição “Encontros Carbônicos 2015 – Futuro em disputa”, com 25 trabalhos dos artistas Andrea Hvistendahl, Cinthia Marcelle, Daniel Steegmann Mangrané, Tiago Mata Machado, Maíra das Neves & Pedro Victor Brandão, Marina Fraga, Pedro Urano, Milton Machado, Paulo Paes, Simone Cortezão e Rodrigo Amarante, este último também músico e compositor. Em dezembro, nos dias 12 e 13, a galeria receberá sessões interativas da obra “Our Move”, da artista sueca Andrea Hvistendahl, um jogo de tabuleiro em que os participantes organizam um mapeamento de agentes, relações de poder e territórios a partir de assuntos importantes para a sociedade. Cada peça posicionada no tabuleiro exige que se estabeleça um consenso entre os participantes e esta negociação é o próprio jogo.

 

Também em dezembro, de 18 a 20, será realizado um ciclo de conversas públicas sobre o futuro com os artistas Milton Machado, Louise Ganz e Ines Linke, o climatologista Alexandre Araújo Costa, o filósofo Rodrigo Nunes, a arquiteta Margareth Pereira, a professora Ivana Bentes, a curadora e crítica Daniela Labra, entre outros pesquisadores. Os curadores e organizadores de “Encontros Carbônicos” são Marina Fraga e Pedro Urano, artistas e editores da revista online de arte e ciência “Carbono”.

 

“A exposição reunirá obras inéditas e outras que serão revisitadas dentro de um novo contexto. Mais do que um culto ao novo, o que nos interessa é colocar obras, ideias e autores em relação”, afirmam os curadores Marina Fraga e Pedro Urano. Eles acrescentam que os encontros de dezembro buscam discutir “perspectivas sobre o futuro, e as formas de disputá-lo no presente, investigando eixos como previsões/provisões, utopia/distopia, construção/destruição, projeto/arbitrariedade, na direção da imaginação de novos modos de existência”.

 

O projeto é patrocinado pela Oi, Governo do Rio de Janeiro, Secretaria de Estado de Cultura, Lei Estadual de Incentivo à Cultura do Rio de Janeiro. Com apoio cultural do Oi Futuro.

 

 

Artistas e obras da exposição

 

Da artista Cinthia Marcelle, estarão na exposição os vídeos “Leitmotiv”(2011) e “O Século”(2011, 9’37”), realizado em parceria com Tiago Mata Machado. No primeiro, uma área vazia é recoberta, em alguns instantes, por correntes de água vindas de todos os lados. No segundo, vemos uma rua, e, a seguir, objetos voam de uma extremidade à outra, sem que se veja quem os arremessa. O mesmo passa a ocorrer do outro lado da tela, até que toda a paisagem, antes vazia, está coberta de entulho e fumaça.

 

Do artista Daniel Steegmann Mangrané serão apresentadas doze fotografias da série “Novos Estudos” (2013), sobre o aumento do desmatamento, e a instalação sonora “Surucuá, Teque‐teque, Arara” (2013), onde são escutados sons gravados na mata atlântica brasileira, que são serão interrompidos abruptamente, deixando o ouvinte com o som do espaço expositivo.

 

Da dupla Maíra das Neves & Pedro Victor Brandão será apresentada a escultura “Gigante minerador”(2014), uma máquina de mineração de criptomoedas, parte integrante da estrutura financeira criada pelos artistas, onde o fundo gerado pela máquina éutilizado por determinada comunidade para investir em projetos comuns. Também da dupla de artistas estará a série de fotografias “Formação da Supercélula”(2014), uma sequência fotográfica 3D em três partes: uma narrativa visual sobre a  invocação, a ação e os rastros de Thurisaz – o gigante do raio, da ruptura e da revolução – em um bosque, e ainda o vídeo“þ(thorn)”(2014), que será exibido no Teatro do Oi Futuro Ipanema.

 

Marina Fraga e Pedro Urano mostrarão a escultura “Tempo-fóssil” (Ampulheta de Betume), de 2015, uma ampulheta feita artesanalmente de vidro e madeira, e com betume no seu interior. Nela, a viscosidade do betume, resíduo final do petróleo, aponta para outra escala de tempo. Pedro Urano também apresentaráum díptico de 2015, “Sem título”, com duas fotografias justapostas que revelam o interior de um túnel. Em uma delas não há um fim visível. Na outra, épossível enxergar uma pequena abertura.

 

Do artista Milton Machado estarão duas fotografias (1990) das esculturas “Módulo de Destruição na Posição Alfa” e “Nômade”, que registram essas peças instaladas e expostas no Museo Civico Gibellina, na Sicília, Itália, em 1990. As esculturas partem de personagens conceituais da série “História do Futuro”, narrativa que trata de um sistema de pontes gigantescas de modo a reconstituir, artificial e progressivamente, a Pangeia, o continente único separado por cataclismos no período Cambriano. Seráexibido também o livro “História do Futuro”(2012), que reúne o processo do trabalho ilustrado com esboços, desenhos, textos, e imagens de instalações e exposições desenvolvidas pelo artista desde 1978. Com textos do autor, da psicanalista e crítica de arte Tania Rivera e do historiador da arte Guilherme Bueno, o livro apresenta um mundo imaginário e seus habitantes, personagens conceituais.

 

Do artista Paulo Paes estará a obra “Fisália Virgem” (2015) uma escultura composta por objetos de plástico descartados pelo consumo urbano e materiais naturais, que aguarda sua imersão no mar para, ao interagir com o meio, atrair e fixar vida marinha e assim consolidar um local com alta atividade biológica.

 

O músico e compositor Rodrigo Amarante expõe o filme musical “Mon Nom” (2015), realizado em animação, em que apresenta dois personagens caminhando por paisagens desérticas feitas a partir de colagens do artista. O vídeo é parte de uma série de filmes musicais do álbum “Cavalo”, criados e dirigidos por Rodrigo, em colaboração com outros artistas.

 

A artista Simone Cortezão produziu o vídeo “Subsolos” (2015) e apresenta uma versão inédita para a exposição, em que mostra o crescimento de uma cava de mineração que, cotidianamente, leva embora toda uma montanha atéoutros continentes.

 

 

Jogo interativo

 

No dias 12 e 13 de dezembro, o público será convidado a participar de sessões do jogo de tabuleiro interativo “Our Move (OM)”, 2011, conduzido pela sua criadora, a artista sueca Andrea Hvistendahl, na galeria Oi Futuro em Ipanema. O consenso entre os participantes é um aspecto fundamental do jogo: todos devem concordar sobre o posicionamento de cada peça. O objetivo do jogo é instaurar este processo de fomento de diálogos. Os participantes determinam um assunto, um lugar e contexto – um problema que envolve pessoas ou uma situação real. A partir das discussões, os jogadores definem os grupos de agentes envolvidos na situação e dispõem no tabuleiro as peças – feitas em acrílico colorido – que têm significados como: conhecimento, medo, violência, muros, pontes de comunicação, dinheiro, status, entre outros. As peças foram projetadas para gerar diferentes associações visuais e permitem um mapeamento das relações entre os grupos envolvidos no assunto debatido. “A obra ‘Our Move’ promove um mapeamento visual e material de situações complexas. Ao fomentar o diálogo e a construção de consensos, o jogo se revela um instrumento precioso para a disputa do futuro.”, observam os curadores. “Jogar o “Our Move” é, em geral, transformador: ele tensiona pré-conceitos, explicitando premissas tácitas econvidando cada participante a ouvir o outro, na direção não da mera tolerância, mas do desenvolvimento de uma espécie de ‘xenofilia’, para usar um conceito desenvolvido pelo artista dinamarquês Olafur Eliasson, ou seja, de um amor pela diferença, o oposto da xenofobia. O jogo revela um mundo aberto à fricção.”.

 

CONVERSAS ABERTAS – PROGRAMAÇÃO

DIA 18 DE DEZEMBRO, ÀS 19H

Imaginar o futuro

 

Daniela Labra – Curadora de artes visuais e crítica de arte, doutora em História e Crítica da Arte pela PPGAV EBA/UFRJ. Pesquisadora pós-doutoranda na ECO/UFRJ com o projeto ‘Depois do Futuro: Ruínas e reinvenções da Modernidade nas artes contemporâneas’.

Rodrigo Nunes –Filósofo –Doutor pelo Goldsmiths College (University of London) em Filosofia Moderna, Filosofia Continental Contemporânea, Metafísica e Filosofia Política, Filosofia e a Questão Ambiental.

Alexandre Araújo – Climatologista. Bacharel em Física pela Universidade Federal do Ceará (1992), Mestre em Física pela Universidade Federal do Ceará(1995), Doutor em Ciências Atmosféricas pela Colorado State University (2000), com Pós-Doutorados pela Universidade Federal do Ceará(2000-2001) e pela Universidade de Yale (2004-2005).

 

 

DIA 19 DE DEZEMBRO, ÀS 19H

Utopia/ distopia: construção e destruição, projeto e arbitrariedade

 

Margareth Pereira – Arquiteta, com graduação em Arquitetura e Urbanismo pela FAU-UFRJ (1978), graduação em Urbanismo pela Universitéde Paris VIII (1979), DEA em Etudes Urbaines (1984) e Doutorado (1988) pela Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales (1984). Realizou seu pos-doutorado na França (no Institut d’Urbanisme de Paris e na Ecole des Hautes Etudes en Sciences Sociales) e na Inglaterra (Centre for Urban History da University of Leicester) em 2004.

Milton Machado – Artista, professor de história da arte da EBA/UFRJ, arquiteto-urbanista, formado pela Faculdade de Arquitetura e Urbanismo da Universidade Federal do Rio de Janeiro (FAU/UFRJ). É Mestre em planejamento urbano e regional pela UFRJ (1985) e Doutor em artes visuais pelo Goldsmiths College University of London (2000).Terceiro palestrante a confirmar

 

DIA 20 DE DEZEMBRO, ÀS 19H

Outros modos de existência

 

Ivana Bentes – Professora da Escola de Comunicação da UFRJ. Pesquisadora em Comunicação, cultura e política com mestrado e doutorado pela UFRJ. Atual Secretária de Cidadania e Diversidade Cultural do Ministério da Cultura.É curadora na área de arte e mídia, cinema, audiovisual.Thislandyourland – dupla de artistas. Desenvolvem trabalhos em diversas mídias que relacionam arte, natureza e cidade. Em seu projeto “Thislandyourland”, trabalham questões em torno dos usos e do acesso à terra e realizam imagens que possibilitam pensar outros modos de vida.

 

Louise Ganz é artista visual, arquiteta, professora naEscola Guignard – UEMG e doutoranda na EBA-UFRJ.

 

Ines Link é artista visual, cenógrafa, professora da Universidade Federal de São João del Rei (MG) e doutora pela EBA-UFMG.

 

Paulo Petersen – Engenheiro agrônomo. Coordenadorexecutivoda AS-PTA- Agricultura Familiar e Agroecologia e vice-presidente da Associação Brasileira de Agroecologia. Engenheiro agrônomo formado pela Universidade Federal de Viçosa e Mestre em Agroecologia e Desenvolvimento Rural pela Universidade Internacional de Andaluzia. Integra o Fórum Permanente de Agroecologia da Embrapa e a Comissão Nacional de Agroecologia e Produção Orgânica, órgão vinculado à Secretaria Geral da Presidência da República. Atua como editor da revista Agriculturas: experiência sem agroecologia e é membro do conselho editorial da Revista Brasileira de Agroecologia e da Agroecology and Sustainable Food Systems.

 

 

CARBONO – REVISTA ONLINE DE ARTE E CIÊNCIA

 

Fruto da vontade de reunir pesquisas, práticas e perspectivas interdisciplinares sobre o mundo, a revista online Carbono foi criada em 2012, já tendo produzido oito edições. No ano passado, seus editores, os artistas Marina Fraga e Pedro Urano, quiseram materializar os diálogos promovidos pela revista, e daísurgiu o projeto Encontros Carbônicos, pensado para realizar, junto ao público, esta experiência transdisciplinar. Nessa direção, “deslocamos a discussão do ambiente acadêmico para uma exposição de arte”, afirmam. “Obras de arte nos afetam sensorial e intelectualmente, muitas vezes instaurando uma realidade que diverge da racionalidade em que estamos acostumados a localizar o pensamento. Abre-se, então, uma fresta para novas idéias”.

 

 

De 20 de novembro a 20 de dezembro.

Janeiro.

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Reconhecimento de Padrões

10/nov

A  BOSSA Gallery, Design District, Miami, Florida, USA, abre “Pattern Recognition”, exposição individual do artista multimídia Fernando Velázquez. O artoista apresenta nove trabalhos autorais com uma instalação, dois vídeos, um objeto de luz e cinco imagens fotográficas com interferências digitais. Velásquez demonstra que as novas tecnologias, antes restritas aos laboratórios de informática, uma vez que conquistam o espaço exterior, necessitam de estruturas novas de pensamento e ação.

 

“Pattern Recognition”, obra principal da mostra que domina o espaço expositivo da galeria, é um instalação interativa de Fernando Velázquez, em 12 canais de vídeo, que possibilita escapar das limitações da memória. Em doze cenas que preenchem o campo de visão, temos uma experiência de imersão, de sequestro dos sentidos. Ao movimentar-se pelo espaço o publico modifica o vídeo que é transmitido nas telas através do sensor Kinect.

 

As imagens base, em sincronismo oscilante, são captadas por um drone, que estende o olhar por ângulos sedutores em uma floresta. Captadas a partir da parte mais elevada, simulando uma câmera de segurança vigiando a floresta, as imagens são modificadas pela presença do público que, ao passar em frente aos monitores, fazem aparecer um vídeo em fast motion com imagens de natureza em tempo acelerado. Ou seja: temos o contraponto do tempo cronológico da natureza, ou natural, versus o tempo acelerado da ação humana atuando junto ao meio ambiente. Versão semelhante da obra foi apresentada pelo artista em exposição no Rio de Janeiro em 2015.

 

Para Lucas Bambozzi, “ o que vemos é um sistema de visão. Temos um enigma, que não precisa ser decifrado, mas percebido, observado”. O trabalho de Fernando Velázquez, para estar completo, além de solicitar, necessita da participação do espectador. A coordenação é de Liliana Beltran.

 

 

De 09 de novembro a 14 de dezembro.

Encontro com o artista – 19 de Novembro, às 18hs.

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Sete artistas na Anita Schwartz

04/nov

Anita Schwartz Galeria de Arte, Gávea, Rio de Janeiro, RJ, inaugura a exposição “Silêncio impuro”, com 16 obras dos artistas Artur Lescher, Cadu, Carla Guagliardi, Nuno Ramos, Otavio Schipper, Tatiana Blass e Waltercio Caldas. Com curadoria de Felipe Scovino, serão apresentadas esculturas, instalações, fotografias e vídeos, onde “o som é um índice, pois as obras operam com o seu lado negativo no qual ele (som) é silenciado. O que existe, ou melhor, aquilo que se expande pelo espaço é a imagem do som, isto é, as mais distintas suposições que podemos ter sobre qual som poderia ser ouvido se finalmente aquilo que o impede (uma amarra, uma solda, ou ainda o livre entendimento de que a obra possa ser compreendida também como uma partitura) fosse revelado ou reinterpretado”, explica o curador.

 

Da artista Carla Guagliardi estarão as esculturas “O lugar do ar” (2015), e “Partitura” (2012), em que “tudo parece ruir ou estar prestes a desabar, mas por outro lado as obras evidenciam uma dinâmica que é própria da natureza do som: querem o ar”, diz o curador, que vê uma ligação direta desses trabalhos com as fotografias da série “Partitura” (2010), de Artur Lescher: “Estão lá o ruído, o som, a música, mas acima de tudo o silêncio como vibração”. Ele vê esta mesma ligação com o trabalho “Hemisférios” (2015), de Cadu, onde “a condição de partitura também se faz presente”. Esta situação é semelhante à obra da série “Pagão” (2010), de Nuno Ramos, em que objetos musicais estão fixados no meio de uma pedra-sabão. Também estará na exposição o relevo sobre papel “Für Elise” (2006), de Cadu. Da artista Tatiana Blass estará o vídeo “Metade da fala no chão – Piano surdo” (2010), no qual o piano é coberto por uma mistura de cera e vaselina que vai impedindo, progressivamente, que ele produza sons. Já a instalação “Lá dentro” (2010), de Waltercio Caldas, feita com aço inox, granito, vinil e fios de lã. “Como os intervalos de uma partitura, ele constrói silêncios, dita ritmos, auxilia na compreensão da vibração”. Do artista Otavio Schipper estarão quatro trabalhos em bronze da série “Empty Voices” (2011). “A obra de Schipper, em especial, assim como a de Guagliardi, pertencem ao ar, porque é nesse lugar que se constrói uma superfície vibrátil, virtual e potente. As obras da exposição revelam uma potência sem igual: um inesperado sussurro que não para de vibrar em suas estruturas”, diz o curador.

 

 

Até 06 de fevereiro de 2016.

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Cotidiano Radical CaixaRio

27/out

A Caixa Cultural, Galeria 4, Centro, Rio de Janeiro, RJ, apresenta, a exposição inédita “Cotidiano radical”, do artista mineiro Marco Paulo Rolla. Com curadoria de Cristiana Tejo, a mostra reúne múltiplas linguagens artísticas, que buscam radicalizar a percepção do público sobre a relação com objetos e rotinas. Na abertura, o artista fará a performance “Café da manhã”.

 

“Cotidiano radical” revela um amplo espectro do trabalho de Marco Paulo Rolla. São objetos, pinturas e instalações que desafiam o público. Ambientes e situações familiares ao espectador surgem de maneira surpreendente, subvertendo ordens e questionando a dependência moderna de ferramentas, dispositivos, equipamentos e tecnologia.

 

Além da performance da abertura, serão apresentadas mais duas em vídeo durante toda a mostra: “Confortável” e “Canibal”. Nelas, o artista utiliza os limites do corpo para fazer uma constante provocação, buscando quebrar noções cristalizadas daquilo que é vivenciado no dia a dia.

 

Destaques ainda para a obra “Picnic”, de 2000, pertencente ao acervo do Museu de Arte Moderna de São Paulo, e já foi exposta na Bienal do Barro, em Caracas, e na Feira Arco, em Madri, e para a série de pinturas “Eletrodomésticos”, produzidas entre 1990 e 1992.

 

 

A palavra da curadora

 
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“Toda a ambiência da obra de Marco Paulo Rolla é inspirada no barroco: cores quentes, dramaticidade e luz”, explica Cristiana Tejo. “E neste contexto, que remete ao clássico, ao erudito, é evidenciada a relação contemporânea do homem com os objetos, o desejo de possuí-los, a expectativa de felicidade contida neles. É ao mesmo tempo uma ironia e uma crítica ao fetiche capitalista do consumo”, finaliza a curadora.

 

 

Sobre a curadora

 

Cristiana Tejo fez a curadoria e cocuradoria de vários projetos no Brasil e no exterior, entre eles o Made in mirrors, que envolveu intercâmbio entre artistas brasileiros e estrangeiros. Autora de Paulo Bruscky – a Arte em todos os sentidos (2009) e Panorama do pensamento emergente (2011), hoje vive e trabalha entre Recife e Lisboa.

 

 

Sobre o artista

 

Marco Paulo Rolla é natural de São Domingos do Prata, MG, 1967. Vive e trabalha em Belo Horizonte, é criador, coordenador e editor do CEIA (Centro de Experimentação e Informação de Arte). Realizou exposições individuais e coletivas no Brasil, Alemanha, Argentina, Holanda, Finlândia e Itália. Mestre em Artes pela Escola de Belas Artes da UFMG em 2006, é professor da escola Guignard UEMG desde 2009, onde criou e implementou a disciplina de Performance. Seus trabalhos encontram-se em coleções no Museu de Arte Moderna de São Paulo, no Instituto Itaú Cultural de São Paulo, no Museu de Arte da Pampulha, de Belo Horizonte, no Centro Cultural Inhotim, em Brumadinho, MG, e na Funarte, no Rio de Janeiro.

 

 

Até 20 de dezembro.

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Singularidades/ Anotações

23/out

Depois de apoiar a produção de mais de mil artistas e pesquisadores de todas as regiões do Brasil, o Itaú Cultural, por meio do Rumos Itaú Cultural, plataforma de fomento do Itaú Cultural à produção artística brasileira, faz uma homenagem aos selecionados desde o primeiro edital até a 16ª edição, quando o programa passou por uma reformulação. O resultado é a mostra “Singularidades/Anotações: Rumos Artes Visuais 1998-2013”, em cartaz no Paço Imperial, Centro, Rio de Janeiro, RJ.

 

Com equipe curatorial formada por Aracy Amaral, Regina Silveira e Paulo Miyada, a exposição, apresentada ano passado em São Paulo, reúne cerca de 50 trabalhos de 35 artistas contemplados de 1998 a 2013 nos editais de Artes Visuais, Arte e Tecnologia, Transmídia e Novas Mídias. O público poderá conferir um conjunto bastante heterogêneo de obras, parte delas inédita, entre pinturas, gravuras, fotografias, instalações, vídeos, performances e projetos interativos. “É uma mostra muito rica em termos de linguagens e abordagens, dispositivos e recursos”, explica Regina Silveira. A expografia é do escritório Álvaro Razuk Arquitetura. Entre os artistas selecionados estão representantes de todas as regiões do país. “Focamos naqueles que construíram um lugar próprio para a sua obra. A arte contemporânea pode qualquer coisa, é verossímil que tenha qualquer formato. É a trajetória de cada artista que vai delimitar o que o trabalho dele pode ser”, diz Paulo Miyada.

 

A mostra conta com nomes de carreira internacional já consolidada, como a paraense Berna Reale, que representa o Brasil na Bienal de Veneza deste ano. A artista apresenta a série “MMXIII”, produzida durante as manifestações de rua de 2013. São cinco fotografias sobre
alumínio em que ela aparece vestida com a farda da Tropa de Choque e elementos do cotidiano. O manauaense Rodrigo Braga, que já expôs em lugares como a Maison Européenne de La Photography, em Paris, mostra fotos da natureza densa do litoral de Pernambuco e do Rio de Janeiro. Já o artista paulistano Laerte Ramos apresenta o trabalho “Acesso Negado & Acesso Negrado”, série de 46 esculturas de cerâmica (23 em branco e 23 em negro).

 

Caio Reisewitz, de São Paulo, utiliza fotos que mesclam realidade com subjetividade na obra Autoridade. A paulistana Raquel Kogan apresenta “O.lhar”, de 2012, instalação interativa com três câmeras em forma de monóculo dispostas em pedestais pretos de diferentes alturas. O mineiro João Castilho aposta na videoinstalação “Emboscada”. Na obra, quatro TVs passam imagens de estradas de terra bucólicas no sertão de Minas, mas a quietude e o silêncio são quebrados por tiros e explosões. O trabalho cria a ilusão de um tiroteio alternando momentos de calma e tensão.

 

Graças ao Rumos Itaú Cultural, inúmeros artistas conseguiram divulgar seus trabalhos nacionalmente. “A importância do programa e sua vigência por tantos anos reside sobretudo na acolhida desse projeto por artistas de regiões distantes de grandes centros do Brasil. A aceitação de seus trabalhos traz a possibilidade de sua visibilidade em outras regiões” diz Aracy Amaral.

 

Artistas participantes: Alexandre Vogler, André Komatsu, Bárbara Wagner, Berna Reale, Cadu, Caio Reisewitz, Carla Zaccagnini, Cinthia Marcelle, Ducha, Fabrício Lopez, Gilbertto Prado, Gisela Motta e Leandro Lima, Grupo EmpreZa, João Castilho, Katia Maciel, Laerte Ramos, Lucas Bambozzi, Luiz Roque, Marcellvs L., Marcelo Moscheta, Marcius Galan, Marcone Moreira, Nicolás Robbio, Paulo Vivacqua, Raquel Kogan, Raquel Stolf, Rejane Cantoni e Leonardo Crescenti, Rodrigo Braga, Rodrigo Paglieri, Rommulo Conceição, Sara Ramo, Sofia Borges, Tatiana Blass, Thiago Martins de Melo e Vitor Cesar.

 

 

Até 29 de novembro.

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Patrícia Piccinini no CCBB/SP

14/out

“A evolução é uma história de extinções”, diz a artista Patricia Piccinini – e um passeio pelo Centro Cultural Banco do Brasil de São Paulo, onde estão abrigadas agora as 41 obras de sua mostra “ComCiência”, que nos faz indagar sobre o futuro.

 

Interessada na relação entre o natural e o artificial, a australiana cria algumas de suas esculturas hiper-realistas de silicone como se fossem seres híbridos originados de experimentações genéticas – suas Metafloras (2015), por exemplo, assemelham-se a flores de pele e pelos. “A genética é uma aposta no escuro e Patricia fala muito sobre uma ética flexível”, define Marcello Dantas, curador da exposição, primeira individual da criadora no País.

 

De fato, esse é um tema pungente levantado em “ComCiência”, que também será apresentada em Brasília. Entretanto, é importante destacar que, principalmente, a artista questiona por meio de sua pesquisa na maneira como se dá o nosso confronto com a estranheza.

 

As peças escultóricas de Patricia Piccinini, que podem levar até 18 meses de execução, têm, curiosamente, uma delicadeza apesar do aspecto orgânico e de certas metamorfoses. As criaturas da australiana, realizadas em um estúdio em Melbourne que, abrigado em uma antiga fábrica, mais parece um “laboratório de efeitos especiais de cinema”, como conta Dantas, inspiram afeto mesmo que fiquem entre o humano, o animal e o surreal. “Crio situações nas quais o público é convidado a sentir empatia”, afirma a artista. Logo no hall do CCBB, A Grande Mãe (2005) representa uma macaca gigante que amamenta um bebê. Já em O Tão Esperado (2008), um menino e um estranho ser estão adormecidos. “Para que você durma com uma pessoa, você tem que realmente confiar nela”, comenta.

“A questão emocional é fundamental na minha obra porque é através da emoção que nos engajamos em algo”, explica Patricia. “Hoje em dia é muito difícil chamar a atenção das pessoas”, diz a australiana sobre o conforto que sente com o caráter espetacular de suas obras. “Eu poderia fazer um trabalho entediante para provar quão intelectual eu sou, mas não é esse o meu objetivo. Quero me conectar com as pessoas. Sou inclusiva e o mundo da arte é o oposto.”

 

Desenhista por formação, a artista, que nasceu em 1965 em Serra Leoa, mas vive na Austrália desde 1972, executa suas obras com a ajuda de um time de profissionais. “Trabalho com iluminadores, maquiadores, pessoas da indústria do cinema que conseguem traduzir os meus desenhos, que nascem da minha imaginação, para formas tridimensionais”, destaca Patricia, que também cria – e exibe em “ComCiência” – fotografias e filmes.

 

 

Até 04 de janeiro de 2016.

 

Fonte: Diário do Grande ABC – Cultura & Lazer

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