Fotoperformance na Fundação Iberê Camargo

18/mar

 

 

Serão realizados três encontros, nos dias 24 e 31 de março e 07 de abril, às quartas-feiras, das 14h às 17h. Atividade gratuita. Como se conectar com o que nos circunda em clausura? Como dar corpo às imagens subjetivas? Como transgredir as fronteiras entre o corpo e o espaço? Esta é a proposta do Laboratório de Fotoperformance: conexões em clausura”. Os encontros virtuais serão conduzidos pelo Programa Educativo da Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre, RS, com inscrição prévia pelo link

https://forms.office.com/Pages/ResponsePage.aspx?id=k9p9OO-6hUmzqa3Jbizq7ZOX-CHwAxZHuCCz_YGVKyRUQzMxMkEwVjY4RVVIR1I5NlFRUFZEVVRTSC4u.

 

A fotoperformance, como uma linguagem autônoma de expressão, acontece quando o ato performativo é realizado unicamente para a fotografia e, através dela, a ação se transforma em obra de. Ela mostra como objetos muito comuns do dia a dia podem se tornar extraordinárias, trazendo como resultado um campo aberto a variadas interpretações imaginárias por parte do espectador.

 

 

Nesta oficina, os participantes serão provocados pelo Educativo à investigação sobre a clausura em meio a pandemia e a experimentação artística sobre relação de cada um com o espaço. “A minha clausura e a forma como a encaro é diferente da sua, por exemplo. Essa troca de experiência, trazendo ainda convidados para abordar o tema, possibilitará não somente a criação, mas novas conexões individuais e coletivas”, explica Ilana Machado, coordenadora do Programa Educativo.

 

Número de vagas: 12

Gratuitas: https://forms.office.com/Pages/ResponsePage.aspx?id=k9p9OO-6hUmzqa3Jbizq7ZOX-CHwAxZHuCCz_YGVKyRUQzMxMkEwVjY4RVVIR1I5NlFRUFZEVVRTSC4u

 
Após a inscrição, o participante receberá e-mail com instruções e link para atividade

 

Exposição de Marcelo Cips

17/mar

 

 

A Bergamin & Gomide, Jardins, São Paulo, SP, tem o prazer de apresentar “Enjoy”, uma exposição de Marcelo Cipis, com poemas de Angélica Freitas, que acontece entre os dias 27 de março a 15 de maio.

 

Não bastasse ser a primeira individual do primeiro artista representado pela galeria, a exposição ganha contornos ainda mais especiais, apresentando um apanhado de pinturas que fizeram, e fazem parte, de mais de 30 anos de trajetória de Marcelo Cipis. Pois bem, entre e aproveite!

 

Enjoy é a forma simpática de introduzir uma série de pinturas inéditas, e também antigas, afinal, Marcelo Cipis – chamaremos daqui para frente de Cipis – é conhecido por ser um artista prolífico, mas também por sua personalidade cativante. Quem ainda não o conheceu que se adiante para conhecê-lo…

 

A seleção de obras desnuda um lado nunca antes mostrado, um interessante contraste entre o abstrato e o figurativo que retrata a trajetória de Cipis. São pinturas abstratas, figurativas, geométricas, abstratas soltas, geométricas abstratas, formais, gestuais, brincadeiras – ora com a linha, ora com a forma, ora com a escrita -, que refletem o universo de Cipis, e por assim dizer, sua liberdade criativa. Aliás, liberdade é a palavra de ordem.

 

Esse é o resultado de uma maneira de ser, inquieta, digamos que Cipis é um artista inquieto, que enxerga as múltiplas possibilidades dos caminhos que um artista visual pode trabalhar. Admira esses diferentes caminhos, e quer trilhar por todos eles, sempre uma coisa levando a outra, percorrendo à sua forma a totalidade de ser artista.

 

 

ELEGANTÍASE

por Angélica Freitas

 

tomara que você tenha muito sucesso

em sua carreira artística

não, verdade mesmo, tomara que você

seja muito bem-sucedido

sério, isto é o que eu desejo

que tudo de melhor suceda

no seu caminho como artista

meu objetivo deve ter ficado claro

a esta altura: externar meus melhores votos

de sucesso em sua poiesis

ora, vamos, como poderia ser irônico

numa hora dessas!

muito sucesso! muita felicidade!

e não sou só eu quem lhe felicita:

minha mulher, meus filhos

toda a turma do escritório, todo mundo

treze corações sincronizados batendo

nessa torcida para que você

tenha um verdadeiro e estrondoso

sucesso em sua carreira artística.

 

 

Nova artista de A Gentil Carioca

16/mar

 

 

A Gentil Carioca, Centro, Rio de Janeiro, RJ, anuncia a representação da artista Ana Linemann.

Sobre a artista

Nascida em 1955 no Rio de Janeiro, Ana Linnemann produz obras tridimensionais, trabalhando com técnicas como o bordado até objetos motorizados. A invisibilidade é uma das fronteiras da visualidade investigada em sua produção, ainda que de fato não exista. Essa dimensão invisível do trabalho da artista é aludida ora pela súbita mudança de estado de objetos no espaço expositivo e no espaço público, ora pela revelação do espaço interior do objeto. Segundo o crítico Moacir dos Anjos, seu trabalho “é informado por uma vontade de se deter com vagar diante dessas muitas coisas que habitam o mundo. Considera-se naquilo que têm de mais claro e, ao mesmo tempo, no que têm de oculto (…). Coisas que despertam ou comprovam na artista uma imensa atração pelo comum da vida. Isto a leva acercar-se delas o mais possível para entender sua natureza banal e mundana, como se fosse a primeira vez que as visse”.

Com uma trajetória consolidada que vem se desenvolvendo desde 1988, Ana Linnemann ganhou diversas bolsas e prêmios, entre os quais: Fundação Cisneros – CIFO 2019; Arte e Patrimônio, Instituto do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional do Ministério da Cultura, 2011; Fundação Vitae, São Paulo, 2004; Fundação Pollock Krasner, 2004. Entre suas diversas exposições selecionadas, destacam-se: “An Emphasis on Resistance”, El Museo del Barrio, NY, 2019; “imanan”, Pivô Arte e Pesquisa, SP, 2018; “Lugares do Delírio”, Museu de Arte do Rio, RJ, 2017; “Cor, luz e movimento – Prêmio Marcantônio Vilaça”, Museu Histórico Nacional, Rio de Janeiro, 2014; “The World as an Orange, The Sculpture Center”, In Practice Projects, NY, 2004; MALBA, Argentina, 2002. Suas obras integram as coleções da Pinacoteca do Estado de São Paulo; Museu de Arte do Rio (MAR); Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO); Museu de Arte contemporânea de Niterói (MAC Niterói).

Prêmio em Artes gráficas

12/mar

 

 

O Núcleo de Estudos Marcello Grassmann, São Paulo, SP, anuncia o I Prêmio Marcello Grassmann – artes gráficas. Uma realização do Ministério do Turismo, Secretaria Especial da Cultura e Governo do Estado de São Paulo, por meio da Secretaria de Cultura e Economia Criativa.

O I Prêmio Marcello Grassmann – artes gráficas é para artistas que inscreverem um projeto inédito em gravura.
As inscrições estão abertas de 07 de março a 07 de abril de 2021, para trabalhos inéditos em gravuras produzidas por artistas visuais brasileiros.

Três artistas selecionados terão acompanhamento com as juradas artísticas, receberão R$ 8.000,00 cada um e terão suas obras expostas na XXIX Semana Cultural Marcello Grassmann, que acontece online em setembro de 2021.

A convite do Núcleo, Luise Weiss, Maria Bonomi e Mayra Laudanna formam o corpo de juradas artísticas responsáveis pela seleção e acompanhamento dos processos artísticos dos artistas.

Confira a convocatória em

nucleomarcellograssmann.org.br/premio

Conversa com Vicente de Mello, 12 de março, 19hs.

 

Conversa online com o fotógrafo Vicente de Mello sobre a sua exposição, “Limite Oblíquo”, em cartaz no Paço Imperial, Rio de Janeiro, RJ, terá a participação do curador da mostra, Aldones Nino.

A transmissão será através do canal https://www.youtube.com/c/AREA27PROD

Adepto do colecionismo, Vicente desenvolveu uma técnica de arquivo que reelabora o objeto em si, propondo novos diálogos formais. “Limite Oblíquo”, cujas fotos foram feitas em casa durante a reclusão imposta pela pandemia, exibe imagens da coleção de sedimentos de ressacas, coletados na praia de Itacoatiara, Niterói.

Vicente revela que esta coleção começou quando tinha três anos, quando seus pais compraram um terreno em Itacoatiara. “Me vi fascinado pelas conchas, galhos e outros objetos de formas interessantes que encontrava na praia após as ressacas do mar”.

Em “Limite Oblíquo”, Vicente dá vida aos sedimentos, com imagens que evidenciam a sua poética de ressignificar cada objeto através da incidência da luz, técnica da qual o fotógrafo é mestre. A montagem da exposição também é singular. – É um jogo visual que remete ao movimento das marés: quando o mar se retrai leva o que encontra na orla; quando volta, devolve à areia o que encontrou – afirma.

Pinturas de Lucia Laguna 

11/mar

 

 

A Carpintaria, Jardim Botânico, Rio de Janeiro, RJ, anuncia a abertura da exposição “Se hace camino al andar”, exibição individual de pinturas de Lucia Laguna de 13 de Março a 16 de Maio.

Sobre a artista
 
“Lucia Laguna é uma das grandes revelações da pintura no Brasil neste início de do século XXI. Sua pintura não surge da retórica sobre a pintura, mas do processo empírico da pintura”.
Paulo Herkenhoff

Zerbini on line

“OVR” – a individual de Luiz Zerbini na Stephen Friedman Gallery pode ser visitada online. Folhas de palmeira e samambaias em espiral se espalham pela estrutura em grid presente em todas as pinturas da exposição. Essas formas se fundem com áreas de marcações abstratas, demonstrando como o artista se apropria de padrões encontrados na natureza e os incorpora em seu próprio vernáculo.
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Foto: Luiz Zerbini, “Happiness Beyond Paradise”, 2020

Bienal de Veneza

10/mar

 

A arquiteta Lina Bo Bardi será reconhecida com o Leão de Ouro pelo conjunto da obra na 17ª Mostra Internacional de Arquitetura da Bienal de Veneza, que começa no dia 22 de maio. O anúncio foi feito em uma publicação no site do evento.

Hashim Sarkis, curador da edição, afirmou que “se há uma arquiteta que representa adequadamente o tema da Bienal deste ano, é Lina Bo Bardi”.
“Sua carreira como designer, editora, curadora e ativista nos lembra o papel do arquiteto como organizador e, principalmente, como construtor de visões coletivas. Lina Bo Bardi também exemplifica a perseverança da arquiteta em tempos difíceis, sejam guerras, conflitos políticos ou imigração, e sua capacidade de permanecer criativa, generosa e otimista o tempo inteiro”, afirmou Sarkis.

Aos 32 anos, a italiana Lina Bo Bardi se mudou para São Paulo, onde ficou conhecida por projetos como o icônico cartão-postal paulistano Masp, o Museu de Arte de São Paulo, e a modernista Casa de Vidro. A arquiteta é um dos maiores nomes da arquitetura brasileira do século passado. As obras de Lina Bo Bardi têm traços que são lidos tanto como arte erudita quanto arte popular. Além de grandes edifícios, a arquiteta produziu desenhos e objetos famosos. Muitas de suas obras foram criadas a partir de itens que ela encontrava no lixo. Para ela, estas peças eram o ponto de partida para a construção de uma cultura autenticamente brasileira.

Segundo Sarkis, os projetos da arquiteta se destacam pela união entre arquitetura, natureza, vida e comunidade, através de seus desenhos e formas. “Em suas mãos, a arquitetura se torna verdadeiramente uma arte social”, disse.

Em nota enviada à organização da Bienal, o Instituto Bardi de São Paulo, que reúne o acervo artístico e biográfico do casal Bardi – ela foi casada com Pietro Maria Bardi, figura central na fundação do Masp -, disse estar profundamente honrado e grato pelo prêmio. “Esperamos que em vez de aumentar a popularidade de Lina Bo Bardi como um ícone da arquitetura, a Bienal ajude a contextualizar e comunicar a profundidade de sua visão de mundo crítica, sempre cuidando daqueles que são subrepresentados, sempre ciente da importância da diversidade e sempre comprometida com uma abordagem multidisciplinar de uma arquitetura que reúne pessoas de todas as esferas da vida”, diz o texto.

O questionamento “Como Viveremos Juntos?” é o tema da Mostra deste ano. A edição havia sido marcada para ocorrer no primeiro semestre do ano passado, mas devido à pandemia do novo coronavírus, foi adiada -duas vezes – e, agora, deve acontecer a partir do dia 22 de maio. A mudança de datas trouxe também uma importante mudança no calendário da Bienal de Veneza – agora, as mostras de arquitetura ocorrem em anos de numeração ímpar, enquanto as de arte acontecerão em anos pares, assim como a Bienal de São Paulo.

Lina Bo Bardi morreu em 20 de março de 1992, aos 78 anos, devido a uma embolia pulmonar.

Escombros de casas do Pontal de Atafona

08/mar

 

 Simone Cadinelli Arte Contemporânea, Ipanema, Rio  de Janeiro, RJ, abre para o público no próximo dia 08 de março a exposição “Escombros, peles, resíduos”, com trabalhos inéditos da artista Jeane Terra, criados a partir de várias técnicas e processos singulares que ela vem desenvolvendo nos últimos anos – incluindo os meses do isolamento social – tendo como ponto de partida os escombros das casas do Pontal de Atafona, praia no norte fluminense que está sendo tragada pelo mar. A exposição ocupará toda a galeria, onde além das pinturas secas – ou “pele de tinta”, processo que criou e que agora está patenteado – e as “monotipiassecas”, estarão reunidas esculturas, fotografias, um bordado e duas instalações: uma escavação na parede e uma ocupação da vitrine voltada para a Rua Aníbal de Mendonça.

O público poderá ver, reunidos, em curadoria de Agnaldo Farias, os trabalhos poéticos desta artista singular, que discute a memória habitada em destroços de casas, e agora, de maneira mais ambiciosa, de quarteirões inteiros. Os trabalhos expostos são resultantes da imersão que a artista fez em janeiro de 2020 em Atafona.

Agnaldo Farias, curador da exposição e autor do texto crítico, destacou, em um bate-papo virtual com a artista em dezembro, que acompanha o trabalho de Jeane Terra “desde quando ela era ainda apenas uma promessa”. “O trabalho dela tem muita força, e é um privilégio fazer esta viagem por ele”, diz. Ele acha “impressionante o fato de ela se chamar Jeane Terra, e ter esta pesquisa muito particular”. “Não acredito em coincidências”, diz ele. “Esta ideia de resíduos, peles, escombros tem a ver com construções e com uma arquitetura que é reivindicada pela própria terra para a condição de ruína, para que esta construção volte à própria terra”, observa.

Agnaldo Farias afirma que “este é um momento lindo, em que não apenas a artista pode ver reunidos seus trabalhos, que ficavam espalhados no ateliê, como o público poderá tomar contato com toda a riqueza, a fertilidade e a amplitude de sua pesquisa, e isso é um privilégio muito grande”.

MONOTIPIAS EM PELE DE TINTA

 

Com o isolamento social imposto pela pandemia, Jeane Terra se concentrou em seu ateliê, onde pode se dedicar a várias experiências que vinha fazendo. Deste período surgiu uma nova técnica inventada por ela, que chama de “monotipias em pele de tinta”, ou “monotipia seca”, e oito desses trabalhos estarão também na exposição. Nesta série, a pele de tinta é usada inteira em grande formato, até 1,10m, como suporte para uma monotipia seca, em que a artista transfere uma imagem em um delicado e complexo processo, que resulta em uma “aparência de pergaminho, de documento antigo”. As imagens impressas são fotografias que a artista fez em Atafona.  “Quis tatuar, marcar, inscrever na pele, e no processo de transferência da imagem para a pele ela se fragmenta, se dilacera, como a memória. Parece que o tempo desgastou”, observa.

PANORÂMICA DA EXPOSIÇÃO

Mineira radicada no Rio, Jeane Terra transforma seu ateliê em laboratório. “Tudo é experimental. Sempre estou buscando algo novo. Gosto da dificuldade, de trabalhar o erro e o acerto, da surpresa que me aguarda diariamente no ateliê. São muitas frustrações, e a busca até descobrir o caminho certo é o que me faz me sentir viva como artista. O ateliê é um laboratório. Me sinto uma artista alquimista”, diz.

Ver reunido este conjunto de obras será uma excelente oportunidade de percorrer o universo desta artista inventiva, que se por um lado tem na memória – a sua, familiar, a de casas específicas, e agora bairros inteiros -, um agente propulsor, por outro é movida pela inquietação diária em estar sempre procurando processos, técnicas, materiais não existentes até então.

PELE DE TINTA, MONOTIPIA SECA, PONTO CRUZ

Três obras darão a dimensão para o público desses processos, pois trazem a mesma imagem, mostrada na fotografia “Miragem” (2020) feita pela artista – em impressão fine art em papel algodão, de 50 x 65cm -, a de um barranco cavado pelo mar, onde restos de casas se mantêm equilibradas no topo. Esta cena está em “Miragem Tecida” (2020), um bordado em ponto cruz sobre entretela, de 57 x 87cm,feito pela própria artista, e em “Pele Mirada” (2020), uma “pintura seca”, ou “pele de tinta”, técnica criada pela artista que chamou a atenção de críticos e curadores como Paulo Herkenhoff, que incorporou à coleção do Museu de Arte do Rio (MAR) a obra “O Salto” (2017), a primeira em que Jeane Terra usou este processo. Cada trabalho desses pode demorar até quatro meses para ser finalizado. Primeiro, a artista produz suas “peles de tinta” – uma combinação de pigmentos de tinta e aglutinantes, agora patenteada. Depois, ela recorta pequenos quadrados de 1x1cm, aplicando um a um na tela previamente quadriculada, com a paleta de cores já determinada pela artista. “É como um bastidor de ponto em cruz. Um pixel analógico”, observa. O ponto cruz surgiu da memória de sua avó fazendo bordados para o enxoval das mulheres da família, e Jeane aplica de várias maneiras em seu trabalho.

Desenvolvendo sua busca pela tridimensionalidade, Jeane quis transformar a pele de tinta em suporte, em tela, para outras intervenções. A artista então trilhou um longo caminho, que começou no final de 2019 e atravessou 2020, para alcançar a consistência necessária para criar peles em grande formato, e depois realizar monotipias neste material. Foi dificultoso encontrar as condições adequadas para realizar a transferência de imagem. Estarão na exposição sete dessas “monotipias secas”, entre elas “Receita” (2020), 56 x 85cm, que traz a imagem do programa de bastidor, em ponto cruz, usado pela artista em seus trabalhos. As monotipias se assemelham a pergaminhos antigos, que o tempo desgastou.

 

ESCOMBROS, MEMÓRIA ETERNIZADA

 

A memória das casas é outro assunto de interesse para Jeane Terra. Ao guardar pedaços de escombros da casa da família, que foi demolida em Belo Horizonte, “com aquela chuva de poeira de memória”, ela sem saber dava início a toda uma série de trabalhos, a partir da ideia de que as casas guardam memórias. Quando foi para Atafona, atraída pelo fato de o local estar há décadas sendo engolido pelo mar, ela ampliou a escala deste interesse: “Agora não se tratava de uma casa apenas, mas de todo um bairro desaparecido”, conta. Além das séries de pinturas, estarão na exposição uma série de objetos e duas instalações a partir desta necessidade da artista em eternizar a memória contida nos fragmentos das casas.

Na entrada da galeria Simone Cadinelli, Jeane Terra fará uma escavação na parede que percorrerá fragmentos de escombros que estarão instalados ali. A escavação que a artista irá folhear a ouro, obedecerá ao desenho do mapa do Pontal de Atafona, que não existe mais. No último dia da exposição, a artista fará uma “cerimônia de apagamento da escavação, encobrindo o trabalho, que dessa forma desaparecerá, mas ficará “incrustado na parede”, como uma memória.

No chão do espaço térreo estarão totens, colunas de paredes em que Jeane escavou e folheou a ouro mapas aéreos de catorze ruas encobertas pelo mar.  Na outra parede, uma fotografia feita pela artista em Atafona, e outra que revela “receita” do ponto cruz, o “bastidor digital” usado nos trabalhos da artista.

MONOTIPIAS EM ESCOMBROS SUBMERSOS

Jeane Terra observou que quando a maré baixava, e o mar recuava, era possível ver semienterrados muitos destroços do que haviam sido casas. Ela mediu o tempo da maré baixa, e fez monotipias em pedaços de escombros, usando silicone. A partir deste molde, a artista recriou os escombros submersos em concreto, “uma camada fina como uma pele”, com interferências em folha de ouro. “É uma máscara mortuária”, comenta. Esses trabalhos poderão ser vistos no segundo andar da galeria Simone Cadinelli, e Máscara Gold (2020) é um deles, medindo 50 x 27 x 3 cm. As monotipias em pele de tinta estarão também neste espaço, assim como “Fáscia 2” (2020), com 58 x 47cm, em que Jeane Terra bordou e desenhou sobre pele de tinta.

 

FENÔMENO EM ATAFONA

Em um processo iniciado ainda em fins dos anos 1960, com o assoreamento do rio Paraíba do Sul, e a consequente perda de pressão em sua foz, Atafona, distrito do município de São João da Barra, próximo de Campos, e a cerca de 300km do Rio de Janeiro, é originalmente uma aldeia de pescadores, foi um porto, se transformando depois em local de veraneio da região. São várias as causas estudadas para o fenômeno da invasão do mar.

Jeane Terra explica que o mar escava a areia, desestruturando as construções e árvores, que desabam. Ela registrou a queda de uma árvore, e recebeu de uma moradora fotografias de um hotel, de quatro andares, que ruiu. A população, ao perceber que suas casas serão atingidas em breve, retiram além de seus móveis, pias, portas, azulejos, o que podem, para transferir para outro local.

Agnaldo Farias comenta que Atafona significa “moinho de grãos”. “Não é coincidência, é destino a escolha desta cidade por Jeane. A cidade está sendo moída pelo mar. Ali deságua o Paraíba do Sul, que etimologicamente quer dizer ‘rio difícil’ em tupi. Este rio enfrentava o mar, era uma queda de braço, mas a ocupação predatória, nossa característica, foi assoreando o rio e ele foi perdendo sua força, e deixou de ser um rio difícil. O mar entra”. Ele também aponta um aspecto que observou sobre as obras da artista que serão expostas. É como se o trabalho bifurcasse: apontasse para o passado, que é o da avó fazendo o ponto cruz, e o aqui e o agora, e o ponto de confluência é este mundo que está se desfazendo”.

SOBRE A ARTISTA

 

Mineira (1975) radicada no Rio de Janeiro, Jeane Terra frequentou diversos cursos na Escola de Artes Visuais do Parque Lage, no Rio de Janeiro, e cursou por dois anos o bacharelado em artes plásticas na Escola Guignard, em Belo Horizonte, entre outros cursos na área. Foi assistente da artista plástica Adriana Varejão por dez anos. Sua pesquisa está atrelada à memória e suas subjetividades, investigando fragmentos e nuances da transitoriedade das cidades, do apagamento urbano, do crescimento desenfreado das urbes e de sua ocupação. Muitas vezes autorreferente, seu trabalho gravita a usina ruidosa de onde vem a substância de sua memória. Trabalhando com diferentes suportes, se dedica especialmente à pintura, escultura, fotografia e videoarte. Com treze anos de trajetória, participou de mostras individuais e coletivas no Brasil e no exterior, das quais se destacam: “Como habitar o presente? Ato 1 – É tudo nevoeiro codificado” (julho e agosto de 2020) e “Como habitar o presente? Ato 3 – Antecipar o futuro” (outubro de 2020 a 16 de janeiro de 2021), Simone Cadinelli Arte Contemporânea, Rio de Janeiro; “O ovo e a Galinha”, Galeria Simone Cadinelli, Rio de Janeiro, “Exposição 360”, Museu da República, no Rio de Janeiro, “Brasil Arte Contemporânea”, Museu Ettore Fico, Turim, Itália, “Abre Alas ”, A Gentil Carioca, Rio de Janeiro(2019);  “Projeto Montra”, em Lisboa, em 2013; “Nova Escultura Brasileira- Herança e Diversidade”, na Caixa Cultural Rio de Janeiro,  em 2011; e, Biwako Biennale, Japão, em 2010; individual “Um olhar Invisível”, no Centro Cultural dos Correios, Rio de Janeiro, e a individual  “Inventário”, na Cidade das Artes, Rio de Janeiro, em 2018.

De 08 de março a 29 de maio.