Arquivos da Categoria: Locais

Comunicado

05/mar

 

Seguindo as orientações do Governo do Estado de São Paulo sobre a mudança para a fase vermelha do Plano São Paulo, como forma de contenção da pandemia do COVID-19, o mam estará fechado do dia 06 de março, próximo sábado, ao dia 19 de março, sexta-feira.

O Museu de Arte Moderna de São Paulo preza pela segurança, bem-estar e saúde do público, de seus colaboradores e da sociedade como um todo. A nossa programação continua no #mamonline, com visitas virtuais, cursos online, oficinas e encontros à distância, conteúdos nas redes sociais, além do Festival Corpo Palavra, com apresentações acessíveis e gratuitas no Youtube do mam.

 
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FIAC Online Viewing Rooms | Glauco Rodrigues

 

 

55 11 3853 5800 – Rua Oscar Freire, 379 – São Paulo – bergamingomide.com.br

 

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Duas artistas no Projeto “Interações”

03/mar

 

A LONA, Galeria, Centro, São Paulo, SP, e Anexo, inicia o Projeto INTERAÇÕES que irá ocupar, alternadamente, seus dois espaços expositivos. Em uma sequência de mostras, os artistas representados pela LONA são agrupados de forma a transmitir mensagens tanto únicas como uníssonas em exposições coletivas. As mostras estarão disponíveis para visitas com agendamento e em formato virtual nas plataformas digitais da galeria.

INTERAÇÕES 1

As artistas Cristina Elias e Thais Stoklos exibem 21 trabalhos, entre pinturas, desenhos, instalações e vídeos no ANEXO LONA.

Cristina Elias traz “Releituras de Hokusai”, onde faz uma reescritura particular do traço do artista japonês por meio de técnicas diversas, que se interpenetram: desenho e tricô. Esse resultado pode ser visto em desenhos, pinturas e uma instalação. “O meu processo criativo prioriza a ação, aquilo que se está fazendo, ao objeto (estático) de arte. (….) Por isso, dada a relação intrínseca entre ação do corpo e objeto, chamo meus trabalhos de objetos-ação. Além disso, trabalho na intersecção entre as artes visuais e as artes do corpo (especificamente o Butô japonês) e, o que vou expor é o resultado de anos de treino psicofísico nessa zona de interação”, define Cristina Elias. “Partindo do movimento, seja especificamente das mãos ou do corpo de forma sistêmica, a artista dá continuidade à pesquisa iniciada há 10 anos com a abstração do texto em imagem e da aplicação de uma forma sinestésica de percepção à produção visual”, define Duilio Ferronato.

Em diálogo com as obras de Cristina tem-se o trabalho de Thais Stoklos, no momento representado pela série “Déficit” onde a artista apresenta trabalhos compostos por desenhos, instalação e vídeos, onde o gesto se torna visível através de apagamentos de uma ação insistente. “A palavra “déficit” significa: aquilo que está faltando para completar uma conta; o que falta para preencher certo valor ou quantidade; aquilo que está faltando para completar um todo. O “déficit” abala uma expectativa comum, surpreende o esperado, e indica uma nova atenção “, define a artista. Há interação, “porque os dois atos opostos são criadores. O impulso de criar já pressupõe a possibilidade de erro e este, então, já estimula uma insistência, um ajuste, uma renovação do olhar. Os trabalhos apresentados falam da informação dada através do rastro do gesto, onde a inclinação inata da combinação é a resistência das potências contrárias. O diálogo entres elas é o que faz se aprimorar”, explica Thais Stoklos.

Projeto INTERAÇÕES

Por falta de imunidade, foram excluídas as possibilidades de encontros. A simples perspectiva de interação sugere contaminação.” As relações dos últimos 2 anos entre os artistas da Lona Galeria têm se mostrado fecundas e incomuns. O grupo vem mantendo constante contato, trocando ideias e analisando ações mútuas. O contato artístico é tanto antropofágico como apropriador; basta um olhar e a transformação já principia. Artistas se contaminam de propósito com ideias, imagens e conversas. Não há lugar para barreiras. Os processos artísticos interessam tanto quanto o resultado e, as provocações constantes que surgem de todas as partes, sejam na área criativa ou comercial, nos mantém em alerta constante”, explica o coordenador Duilio Ferronato.

Com INTERAÇÕES, pretendem discutir os processos e alcançar uma nova etapa de amadurecimento artístico, institucional e comercial.

“Os 2 primeiros anos nos mostraram diversas possibilidades, que firmamos nossa convicção de que incentivar o processo artístico é o que nos deixa animados para os próximos lances.”

De 06 de março até 17 de abril.

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Fundação Iberê exibe documentário

A Fundação Iberê Camargo, Porto Alegre, RS, lança em 03 de março em seu canal no Youtube (https://www.youtube.com/channel/UCx1TlUamEDhS9QUyVRDW9wA) o documentário “Mestres em Obra”, de Marta Biavaschi, realizadora e produtora audiovisual, sócia da Surreal Filmes e curadora de cinema da Fundação. Às 20h, na mesma plataforma, acontece uma live com o arquiteto Lucas Volpatto e a coordenadora do Programa Educativo, Ilana Machado. Já no dia 10 de março, às 20h, Volpatto e Marta batem um papo sobre a pesquisa e produção do documentário. 

Lucas Volpatto é pós-graduado em Gestão e Prática de Obras de Conservação e Restauro do Patrimônio Edificado e mestre em Arquitetura e Urbanismo: o Projeto como Investigação e Edificações Culturais e professor de Arquitetura e Urbanismo pelo Uniritter. Integrante do Conselho Municipal de Patrimônio Histórico Cultural de Porto Alegre e sócio-fundador do Studio1 Arquitetura, atua na  área de projetos e execuções de conservação e restauro. Entre os trabalhos estão: restaurações da capela mor da Igreja Nossa Senhora das Dores, do edifício da Cúria Metropolitana, da Casa dos Azulejos da Rua dos Andradas e das pinturas decorativas da capela da Santa Casa de Misericórdia; reconstrução da Capela da Fundação o Pão dos Pobres de Santo Antônio a conservação e manutenção do Museu da Fundação Iberê.

 

A atividade integra o projeto Iberê Renova, contemplado pela Lei de Emergência Cultural Aldir Blanc nº 14.017/2020, Edital Sedac nº 10/2020 – Aquisição de Bens e Serviços, para execução do Plano de Gerenciamento de Riscos: aquisição de equipamentos e materiais para modernização do acervo, a fim de atender aos padrões internacionais para salvaguarda, catalogação e exposição de bens museológicos.

Criada em 1995 com o objetivo de preservar e divulgar a obra de um dos artistas brasileiros mais importantes do século 20, a Fundação resguarda mais da metade de toda a produção deixada por Iberê Camargo. O Acervo de Obras conta com mais de cinco mil trabalhos, enquanto a parte Documental abriga mais de vinte mil itens.

 

O encontro dos mestres


Da pedra fundamental à finalização da obra, “Mestres em Obra” registra diferentes etapas da construção e de conversas com o arquiteto Álvaro Siza, Prêmio Pritzker e criador do projeto, e sua equipe em ação durante seis anos, além de imagens de arquivo de Iberê no ato da pintura, na exposição de suas obras e na reflexão sobre sua poética. A aproximação entre a arte, a arquitetura e o cinema, o filme é um convite ao percurso pelo espaço como num filme, como fala Siza, sobre a experiência com a arquitetura. Em 2002, a instituição foi premiada com o Leão de Ouro na Bienal de Arquitetura de Veneza.

Além do filme, o Iberê Renova realizará uma série de lives sobre manutenção e conservação com características museológicas. Entre os convidados estão: o arquiteto Guilherme Wisnik, os museólogos Gustavo Possamai e Renata Galbinski e as historiadoras da Arte Blanca Brittes e Mônica Zelinsk. 

Também será produzida uma minissérie, intitulada “Iberê Renova: Máquina de Cultura”, que mostrará os bastidores do que faz esse espaço cultural funcionar. Serão explorados diversos mecanismos, ocultos aos visitantes, mas essenciais para o funcionamento da instituição: sustentabilidade, limpeza do concreto branco, acervo, montagem e desmontagem das exposições, climatização e controle de umidade, mobiliário, placas de saída e pictogramas exclusivos dos banheiros e nomenclatura das plantas, arrumos, alçadas e etc.

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Ricardo Ribeiro : Exposição e lançamento de livro

26/fev

 

A Galeria Marcelo Guarnieri, Jardins, apresenta a partir do dia 27 de fevereiro, na sede de São Paulo, “Puxirum”, exposição do artista Ricardo Ribeiro que contará com lançamento de livro homônimo. A visitação neste dia poderá ser realizada das 10h às 18h, respeitando todas as recomendações das autoridades de saúde, como o uso de máscaras e distanciamento social.

As visitas espontâneas serão bem-vindas, mas para a segurança de todos e melhor controle do espaço, recomendamos que agende sua visita. Pedimos que nos envie um e-mail com o seu nome completo indicando o dia e horário de sua preferência

 (Email: info@galeriamarceloguarnieri.com.br – telefone: 11 3063 5410)

A mostra reúne fotografias feitas entre 2016 e 2018 em São Pedro, povoado localizado às margens do Rio Arapiuns, no estado do Pará. A série trata de um olhar poético e político do cotidiano de uma comunidade ribeirinha que organiza seu modo de vida entre as economias de subsistência e mercantil. “Puxirum” foi editada em livro homônimo, impresso em 2020 com o suporte da Pollock-Krasner Foundation.

“Puxirum” é uma palavra de origem tupi que define uma prática social e cultural ainda encontrada em áreas rurais na qual um grupo de pessoas reúne-se por um dia para desenvolver coletivamente um trabalho na roça. Em língua portuguesa pode ser traduzida como “mutirão”. Durante as nove visitas que fez a São Pedro ao longo de dois anos, o fotógrafo Ricardo Ribeiro acompanhou de perto a dinâmica em torno desse trabalho. Em sua primeira visita, ainda em 2016, chegou ao povoado munido apenas de um bilhete, no qual seu amigo Zair pedia a sua mãe Zeneide que o recebesse e o apresentasse aos demais moradores de São Pedro. A partir de então, Ribeiro passou a negociar sua presença naquele lugar através de pequenos serviços que podia oferecer enquanto fotógrafo, restaurando fotografias antigas, corroídas pela umidade, ou fazendo retratos das crianças em trajes de festa.

Enquanto aprendia a observar o seu entorno e a conviver não somente com aquele grupo de pessoas, mas também com a própria natureza, sob um ritmo de vida bem mais desacelerado ao que estava habituado, Ribeiro fotografava. Não pretendia desenvolver ali qualquer tipo de trabalho antropológico, a sensação de estranhamento e o estado de deslocamento lhe permitiriam, afinal, entregar-se ao desenvolvimento de sua linguagem poética. Esse exercício, no entanto, não era imune às problemáticas que configuravam o contexto em que estava inserido, e acabava por traduzir, em imagens, as percepções do fotógrafo. “Isolada pela paisagem e pela falta de eletricidade, a cultura está à beira de uma ruptura com um passado baseado na família, religião, costumes e trabalho comunitário. Os jovens que se beneficiaram dos programas governamentais bem-sucedidos nas últimas duas décadas para reduzir a fome, agora, rejeitam tradições estabelecidas há muito tempo e não se resignam mais às perspectivas limitadas de seus pais”, escrevia Ribeiro em seu diário.

Em “Puxirum”, Ricardo Ribeiro retrata essa sensação de um tempo vagaroso com a ajuda de sua câmera Hasselblad, em um processo totalmente analógico. Por meio de cores pouco saturadas e da baixa luz, suas fotografias transmitem a atmosfera melancólica que envolve a vila de São Pedro, através, por exemplo, do registro de seus habitantes em momentos de introspecção. Em uma delas, retrata a cena ao redor de uma jovem repousando em uma rede azul após ter sido atingida por um raio. “Tampouco havia zum zum zum”, escrevia o fotógrafo, “havia silêncio, um compasso de espera pelo que o tempo haveria de dizer”. Tal vagarosidade, que também o acompanhava durante o trajeto de dez horas que tinha que percorrer desde Santarém até São Pedro, é novamente abordada em “Novo Relógio Velho”, filme que também integra a exposição.

Muitas das fotografias que fez em São Pedro foram expostas pela primeira vez na própria comunidade, distribuídas em espaços públicos da vila e exibidas em diversos formatos. Reuniu no Barracão Comunitário 32 fotos em uma exposição, e na noite da abertura preparou um telão na quadra de futebol onde foram projetadas outras tantas imagens. Na escola indígena e na escola regular montou varais de fotos com cinco cópias de cada, permitindo que cada criança pudesse levar para casa aquelas que mais gostassem. Ao ar livre, em pontos onde as fotografias haviam sido captadas, montou alguns painéis das imagens impressas em lona, material resistente às chuvas e à umidade típicas da região. Ainda na casa onde funcionava a retransmissora local, montou uma videoinstalação com a projeção de “Filha Ausente”, filme que fez sobre os filhos que se vão de São Pedro. O título faz referência à música homônima composta por Sr. Riso (cancioneiro local), dedicada a um de seus oito filhos. Ao retornar para São Paulo pela última vez em 2018, Ribeiro deu início a edição do livro “Puxirum”, que além das imagens, reúne fragmentos do diário que escreveu no período em que esteve na vila paraense.

Sobre o artista

Ricardo Ribeiro nasceu em 1978 em São Paulo, onde vive e trabalha. Fotógrafo e artista visual, concluiu em 2016 o programa de Práticas Criativas do International Center of Photography – ICP em Nova York. Seu projeto “Puxirum” foi exibido in loco, em São Pedro, comunidade situada às margens do Rio Arapiuns, no oeste do Estado do Pará, onde foi fotografado entre 2016 e 2018, em mostra concebida e organizada em parceria com os residentes locais. O mesmo trabalho foi premiado, em 2019, pelo 7o Prêmio Nacional de Fotografia Pierre Verger, e, em 2018, pelo 9o Prêmio Diário Contemporâneo de Fotografia. Também exibido em Salvador-BA, Belém-PA, Porto Alegre-RS e Santos-SP. Seu mais novo projeto, “Norte-Sul Esquerda-Direita”, ainda em andamento, foi escolhido e é hoje financiado pela Fundação Pollock-Krasner (Pollock-Krasner Foundation) , com sede em Nova York, EUA

Até 27 de março.

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Fotografias de Gilberto Perin a plein air

A Galeria da Escadaria, no Viaduto Otávio Rocha, Centro histórico, Porto Alegre, RS, exibe de 1º a 31 de março a mostra temática “RETRATOS”, fotografias selecionadas de Gilberto Perin. Trata-se de evento a plein air, aberto nas 24 horas do dia. Artista conceituado em sua especialidade, escolheu personalidades do meio cultural da cidade. Alguns dos retratados em 14 painéis de 2x1m são Julio Zanotta Vieira, Xadalu, Mario Vargas Llosa, Edu K., Otto Guerra, Vagner Cunha, Fernando Baril, Leandro Machado, Vaneza Oliveira, Yang Liu e Morgana Kretzmann.

A palavra do artista

Conhecidos, amigos, atrizes, atores, artistas visuais, músicos, escritores, desconhecidos, gente. Os retratados nos convidam, ternamente, a viajar nos sentimentos que podem despertar em nós. Para mim, essas imagens soam como um ato de libertação e resistência em novos tempos de convivência, esperança e saúde, reencontrar rostos sem máscaras foi um pequeno oásis nesses tempos difíceis. Foi Uma grande alegria receber o convite de Marcos Monteiro para inaugurar o espaço no viaduto como uma galeria com programação constante e renovada. Uma galeria aberta para que o público possa ver os mais diferentes olhares artísticos.

Sobre o artista

Fotógrafo, artista multimídia, diretor de cena, roteirista, diretor de cinema, ator. Realizou exposições individuais recentes no Museu de Arte do Rio Grande do Sul – MARGS – Porto Alegre, cidade onde vive e trabalha e também na Europa em Lisboa (Portugal) e Genebra (Suíça). Tem dois livros de fotografias publicados: “Camisa Brasileira” e “Fotografias para Imaginar”. Possui obras em museus, entidades culturais e coleções particulares, no Brasil e Exterior; além de fotos publicadas em jornais e revistas brasileiras e estrangeiras; e fotografias que ilustram capas de livros. Formado em Comunicação Social pela PUC-RS.

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Iole de Freitas no Sul

 

A exposição “Decupagem”, individual de Iole de Freitas é o cartaz atual do Instituto Ling, Porto Alegre, RS. A curadoria traz a assinatura de João Bandeira.

Decupagem

Vinda do vocabulário cinematográfico, significando ações que produzem continuidades a partir de recortes, a noção de decupagem poderia caracterizar sumariamente a extensa produção de Iole de Freitas, em mais de quatro décadas de atividade artística. Como se pode ver nas obras e documentos desta exposição, desde os anos 1970 seu trabalho se desdobra em continuidades que, em boa parte, vivem de sua disposição entrecortada. Da faca que avança rompendo um tecido, em um de seus filmes daquela época, até os desvios com que tubos metálicos e placas de policarbonato recortam os espaços onde se instalam ao lançarem-se neles, em obras mais recentes. Pode-se pensar também nas sequências fotográficas em que um corpo se entrega ao olhar apenas na medida mesma em que se reflete em fragmentos, nos trabalhos em que diversos materiais industrializados encadeiam suas diferenças, no entrelaçar complexo de telas e fios metálicos de seus relevos ou nas novas esculturas de aço que, como várias de suas instalações, interrogam-se sobre até que ponto o atravessamento de formas em contraposição chega a constituir um ser.

Iole também decupa minuciosamente o que intenciona produzir. Mas permitindo-se alterações de percurso durante o confronto direto com as propriedades dos materiais que utiliza em suas obras. E em função de sua situação, isto é, do leque de relações que se estabelecem entre elas e os espaços em que se encontram, modificando-se reciprocamente. Nesse constante ir e vir, o desenho, em suas mais diversas maneiras, parece ser o principal instrumento de condução, decupando o fazer – seja a rápida notação de uma ideia vislumbrada, o diagrama para um filme, a procura repetida da melhor impulsão de uma curva numa peça tridimensional ou o comentário gráfico de uma instalação já realizada.

Associados a outros documentos da artista mostrados aqui, muitos desses desenhos possibilitam entrever a intuição e o raciocínio vertidos no trabalho, que revertem-se, para ela e para nós, em obras – incluindo desenhos. No entanto, assim como obras quando prontas não são, em si, um fim – dado que é justamente quando sua vida pública pode começar –, os desenhos diversos não são apenas testemunhos de origem. Entre anotações, projetos, estudos de elaboração variada e o que já obteve o estatuto de obra, tudo na fluidez tensa da produção de Iole de Freitas parece manter no horizonte as articulações do próprio movimento.

João Bandeira

curador

Até 29 de maio.

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Curso sobre museus de arte

 

 
Você sabia que o módulo sobre o Guggenheim Museum, do curso “Os Museus e seus Mestres”, já começou, mas que mesmo assim você ainda pode efetuar a sua inscrição para participar? Durante as próximas semanas, a professora de história da arte Ana Cristina Nadruz falará sobre três grandes ícones que integram a coleção deste museu, localizado em Nova York (EUA), que é considerado como um dos principais centros culturais do mundo.
  
Nesta quinta-feira, 25 de fevereiro, a aula será sobre o pintor holandês Vincent van Gogh. Nas próximas semanas, os encontros online serão respectivamente sobre o artista espanhol Pablo Picasso e sobre o pintor russo Wassily Kandinsky.
 
Não fique de fora desse projeto incrível! Inscreva-se hoje mesmo pelo site da Sympla.
 
Para mais informações, entre em contato conosco por e-mail (secretaria@midrash.org.br). 
 
Contamos com a sua participação em mais esse curso oferecido pelo Midrash! 
 
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Exposição de Claudio Goulart

23/fev

A Galería José de la Mano, em Madrid, inaugurou no dia 18 de fevereiro a exposição individual “CLAUDIO GOULART. Retrato íntimo (Brasil-Amsterdam)”. Com curadoria de Ricardo Recuero, a exposição conta com diversas obras do artista brasileiro/holandês e acontece até o dia 04 de abril.

 

Sobre o artista

 

Claudio Goulart nasceu em Porto Alegre, RS, em 1954. Formado em Arquitetura viveu e produziu sua obra em Amsterdam onde radicou-se a partir de meados da década de 1970 até sua morte, em 2005. Fez parte de diversos projetos artísticos internacionais expondo em países como Holanda, Portugal, Espanha, Alemanha, Suíça, Inglaterra, Cuba, México, Japão, entre outros. Em 2019, a Fundação Vera Chaves Barcellos, Viamão, RS, Brasil, exibiu substancial parte deste legado através da mostra individual “Claudio Goulart | Quando o horizonte é tão vasto”, com curadoria de Fernanda Soares da Rosa.

A Fundação Vera Chaves Barcellos é detentora de grande parte da produção do artista, adquirida através de doação realizada pela Fundação Art Zone – instituição holandesa criada ainda em vida por Claudio Goulart.

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Cursos para trabalhadores da arte e da cultura

18/fev

 

 

A Atelier Produtora promove de 1º a 27 de março, Fôlego – Programa de formação e capacitação para profissionais da arte e da cultura. Um projeto de nove cursos gratuitos e on-line, destinados à atualização e aperfeiçoamento de trabalhadores da arte e da cultura de todo o Brasil. As inscrições acontecem de 1º a 21 de fevereiro através do site: www.folegoprograma.com.br. As vagas são limitadas. A iniciativa tem patrocínio da Lei Aldir Blanc por meio da Secretaria de Cultura do Estado do Rio de Janeiro e possui idealização da artista e coordenadora do projeto, Ana Hortides, e da midióloga e produtora executiva, Joana Nantes.

 

Na atual conjuntura da pandemia da COVID-19, muitos trabalhadores da área da cultura ligados às artes plásticas, às artes visuais, aos museus e aos espaços culturais, como artistas, produtores, gestores, técnicos, entre outros, foram atingidos pela falta de oportunidades. Em razão disso, o Fôlego Programa irá realizar uma série de cursos de formação e de capacitação para esses profissionais. A proposta é que os professores que ministrarão os cursos, jovens atuantes no campo das artes, tragam um panorama histórico, crítico e também a sua prática e experiência pessoal para o debate, de modo a enriquecer a troca com os alunos inscritos.

 

Para incentivar e ampliar a acessibilidade no campo da arte e da cultura, Ana Hortides destaca que um dos cursos será ministrado por Augusto Machado, educador e surdo: “temos como missão sempre desenvolver projetos pensando formas de fomentar a acessibilidade. Para um dos cursos, convidamos o Augusto, um professor surdo, muito didático, com experiência em arte-educação e no ensino da Língua Brasileira de Sinais (Libras) para ouvintes. O objetivo é introduzir a Libras para que os profissionais da nossa área possam recepcionar melhor os surdos nos espaços que atuam.” As aulas serão ao vivo e oferecidas pelo Google Meet. O conteúdo será gravado e disponibilizado de forma gratuita ao público posteriormente no canal do YouTube do projeto.

 

Conheça os cursos:

 

Módulo Artes Visuais:

 

1 –   História da Arte no Brasil, com Pollyana Quintella

 

Terças-feiras, dias 2, 9, 16 e 23 de março de 2021, das 19h às 22h (200 vagas)

 

2 –   Portfólio de Artista – Entre Prática e Apresentação, com Silvana Marcelina

 

Turma 1: sábados, dias 6 e 13 de março de 2021, das 15h às 19h (30 vagas)

 

Turma 2: sábados, dias 20 e 27 de março de 2021, das 15h às 19h (30 vagas)

 

3 –   Curadoria e História das Exposições no Brasil, com Bruna Costa e Vitor Gomes

Segundas-feiras, dias 1º, 8, 15 e 22 de março de 2021, das 19h às 22h (200 vagas)

 

 

Módulo Produção Cultural e Museus:

 

 

4 – Gestão Cultural e Políticas Públicas no Brasil – Um Panorama Histórico e Cultural, com Julia Pacheco e Ohana Boy

 

Quartas-feiras, dias 3, 10, 17 e 24 de março de 2021, das 19h às 22h (200 vagas)

 

 

5 – Patrimônio e Direito Cultural no Brasil, com Christiane Campos

 

Sextas-feiras, dias 5, 12, 19 e 26 de março de 2021, das 19h às 22h (200 vagas)

 

 

6 – Arte-Educação em Museus – Possibilidades e Desafios, com Thiago Grisolia

 

Quintas-feiras, dias 4, 11, 18 e 25 de março de 2021, das 19h às 22h (200 vagas)

 

 

Módulo acessibilidade e ferramentas:

 

7 – Introdução à Libras (Língua Brasileira de Sinais) para Profissionais da Cultura, com Augusto Machado

 

Sábados, dias 6, 13, 20 e 27, e domingos, dias 14 e 21 de março de 2021, das 9h às 12h (25 vagas)

 

 

8 – Conversações – Inglês para Profissionais da Arte e da Cultura, com Stephany Campos Simões

 

Turma 1: quartas-feiras, dias 3, 10, 17 e 24 de março de 2021 das 9h às 12h (30 vagas)

 

Turma 2: quintas-feiras, dias 4, 11, 18 e 25 de março de 2021 das 9h às 12h (30 vagas)

 

 

9 – Plataformas de Redes Sociais e Marketing para a Cultura, com Fernanda Guedes

 

Sextas-feiras, dias 5, 12, 19 e 26 de março de 2021, das 15h às 18h (200 vagas)

 

 

Serviço: Fôlego – Programa de formação e capacitação para profissionais da arte e da cultura

Inscrições: de 1º a 21/2

Cursos: de 1º a 27/3

Cursos gratuitos e on-line para todo o Brasil pelo Google Meet.

Site: www.folegoprograma.com.br

Instagram: www.instagram.com/atelier.cultura/

Facebook: www.facebook.com/aateliercultura

Classificação: 18 anos.

Dúvidas podem ser tiradas pelo  e-mail: contato@folegoprograma.com.br

 

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