Olá, visitante

  • Não tem login? Cadastre-se aqui.
    Esqueci a senha? Clique aqui.

AGENDA CULTURAL

Passado mitológico

02/abr

A CAIXA Cultural, Centro, Rio de Janeiro, RJ, recebe, de 31 de março a 24 de junho, a exposição “Terra em Chamas”, de Vítor Mizael. Sob curadoria de Paulo Gallina, serão apresentadas 51 obras do artista paulista que discutem as origens do momento em que vivemos, a partir de uma representação ficcional da flora e fauna brasileiras.

 

Em ” Terra em Chamas”, Vítor Mizael transita entre desenho, gravura, pintura, escultura, objeto e instalação. Seus trabalhos ficam no limiar entre a familiaridade e a estranheza, a atração e a repulsa, o apuro e a precariedade. Através deles, o artista nos leva a um país primitivo onde os homens não se entendem separados dos animais, onde a cultura não é opositora ou simulacro da natureza e sim uma extensão abstrata do universo natural. Uma terra em chamas que não pode ser habitada, mas na qual a oposição entre os pássaros eternizados pelo empalhamento e os desenhos de homens, animais e plantas eternizados pela arquitetura possam incitar a imaginação do visitante.

 

“O objetivo da mostra é retratar os fundamentos de uma nação profícua, cuja força reside em sua capacidade de adaptar-se: esta pátria”, explica Paulo Gallina. “As imagens criadas por Vítor guardam um passado mitológico, quando o chão eram labaredas e estas paragens eram impedidas às pessoas: um Brasil selvagem, uma natureza imaculada, sem a contaminação decorrente dos víveres humanos”, continua.

 

Ao discutir as origens do Brasil contemporâneo, Vítor Mizael subverte a expectativa historiográfica para apresentar uma época em que os pássaros revoavam em bandos, criando suas comunidades e abandonando-as sem ritos ou burocracias. Suas plantas e animais podem ser diferentes daqueles vistos nos livros de biologia, mas, se este é o caso, cabe ao visitante, auxiliado pelo recorte curatorial, descobrir quais as razões para a nova morfologia do passado mitológico natural brasileiro.

 

A exposição também trata das vidas contemporâneas e do estado das coisas presentes. Por isso, o artista e o curador refletem simbolicamente os signos do estado e as insígnias da nação. Objetos como bandeiras, mastros, prumos e outros materiais são transformados e, elaborando novos significados, Mizael consegue aniquilar conceitos segregacionistas e provocar, não apenas a razão como também, os variados sentidos e sensações humanas, em uma aproximação capaz de comunicar sem a dubiedade que impera pelas palavras.

 

Com patrocínio da Caixa Econômica Federal e do Governo Federal, a produção do evento está a cargo de Anderson Eleotério da ADUPLA Produção Cultural, empresa que vem realizando importantes exposições itinerantes pelo Brasil, como: Farnese de Andrade, Athos Bulcão, Milton Dacosta, Antonio Bandeira, Bandeira de Mello, Carlos Scliar, Mário Gruber, Manoel Santiago, Raymundo Colares, Rubem Valentim, entre outras.

0

Viva Arte, novos e consagrados

28/mar

A Bossa Nova Sotheby´s International Realty, São Paulo, SP, aposta em um novo projeto e abre as portas para receber artistas de diferentes linguagens para fomentar o encontro entre obra x espectador e propor uma nova discussão de como consumimos e vemos arte. Chamado de “Viva Arte”, a ação abrigará em seu calendário uma série de eventos voltados à produção artística contemporânea, que terá abertura com exposição coletiva e exclusiva da Verve Galeria.

 

Com projeto geral da “Se Joga Beth” e da curadora Beth Leone, a ação tem o objetivo de reunir clientes, colecionadores e artistas no escritório central da marca em São Paulo. “Queremos abrigar em um espaço comercial objetos artísticos e promover exposições, performances, apresentações musicais e tantas outras manifestações artísticas. A atividade comercial não exclui o universo simbólico nem o da imaginação, ao contrário, um completa o outro.”, explica Amanda Pimenta, gerente de marketing da Bossa Nova Sotheby’s International Realty.

 

A exposição inaugural, que fica em cartaz de 03 de abril a 05 de maio, contará com 18 artistas (novos e já consagrados), entre eles: Fabiano Al-Makul, Beatriz Albuquerque, Kikyto Amaral, Michael Drumond, Eduardo Garcia, Luiz Martins, Paulo von Poser e Ricardo Hachiya, que fazem parte do cenário de arte contemporânea atual. A mostra, que tem curadoria de Ian Duarte Lucas e Allann Seabra da Verve Galeria, apresenta uma série de trabalhos entre pintura, fotografia, escultura e gravura, que exploram diversas linguagens artísticas, que compreendem processos contínuos e complementares.

 

0

Na Casa Benet, Urca

27/mar

Mais de dez artistas nacionais e internacionais compõem a exposição retrospectiva “10 Anos de Arte”, que será inaugurada no dia 08 e até 29 de abril, na Casa Benet Domingo, dando continuidade a programação de aniversário da casa. Sob curadoria de Pilar Domingo, a mostra reúne pintura, gravura, fotografia, escultura e desenhos de artistas que já passaram pela galeria do espaço como Hélio Jesuíno, Rogério Camacho, Pedro Benet, Pilar Domingo, Marina Matina, Marcelo Alram, Kazuo Ilha, Emilio Gonçalves e Nicole Herzog. O cronograma do mês de abril também conta aulas abertas, leitura de poesias, bate-papo com artistas, evento sobre a Índia e bazar beneficente.

 

Desde a sua fundação, em 2008, a Casa Benet Domingo já realizou mais de 50 eventos de artes visuais no Brasil e no mundo, e organizou mais de 30 exposições na galeria que o espaço abriga. Nesta retrospectiva, a fundadora da casa e curadora da exposição, Pilar Domingo, procurou selecionar obras que foram emblemáticas na história do local.

 

“A Casa Benet Domingo, por si, já é uma exposição e expressa arte por todos os ângulos. As diferentes mostras que brilharam durante esta trajetória de dez anos são de pura expressão, sentimento, técnica e personalidade. O conjunto eclético que compõe esta retrospectiva afirma com qualidade a formosura da diferença, que na individualidade comunga com o seu momento e na harmonia da inteligência da obra”, comenta Pilar.

 

O calendário de atividades de abril também conta com oficinas abertas de gravura e desenho com modelo vivo, ministradas por Pilar Domingo às segundas. Já no dia 12 de abril, às 20h, acontece a tradicional Tertúlia Poética.

 

No dia 14 de abril, às 14h, a ex-executiva e atual professora de Yoga e Meditação da Casa Benet Domingo, Claudia do Amarante, promove o evento “Cores da Índia”, no qual apresenta um pouco da sua história e das quatro viagens que fez ao país.

 

 

Sobre os artistas

 

Hélio Jesuíno nasceu no Rio de Janeiro em 1947. Sem uma educação acadêmica formal, participou de inúmeras exposições, individuais e coletivas. Recebeu o Prêmio de Aquisição, na III Bienal Internacional de Pintura Contemporânea de Portugal, em 1991.

 

Pedro Benet nascido na Espanha, chegou no Rio de Janeiro em 1952. Artista autodidata, suas obras ocupam os espaços urbanos de maneira interativa com o público e a rua. Realizou instalações artísticas na Central do Brasil, Travessa do Ouvidor, Complexo do Alemão e Ilha Grande (RJ) com talhas pintadas que se mesclavam aos transeuntes. Também desenvolve trabalho com moda e realizou exposições na Alemanha, Itália e Espanha 

 

Pilar Domingo é carioca, formada em pintura na UFRJ. Pilar, tem especial afinidade por obras de grandes dimensões e diferentes linguagens, como pintura, gravura e escultura, impressão digital e video arte. Utilizando diversos materiais, técnicas e texturas. Construiu forte marca pessoal para compor um trabalho singular. Após a conclusão do seu doutorado em História da Arte Contemporânea e Gravura, na Espanha, Pilar seguiu em expedição pelo Pantanal, Papua Nova Guiné, Indonésia e Tailândia. Resultam dessas experiências obras carregadas de força e ancestralidade, buscando referência em sua relação com a natureza e suas raízes. 

 

Maria Matina  é carioca, cresceu vendo o mundo com arte e não pôde evitar destino de vir a ser também artista. Ingressou aos 17 anos na Escola de Belas Artes da UFRJ, onde cursou Gravura, desenvolvendo vários projetos e atividades para o curso. Participou e produziu diversas exposições coletivas e individuais, em galerias como IBEU, UFF, CCJF e MAM. É arte educadora, formada pela Escolinha de Arte do Brasil.

 

Marcelo Alram começou a carreira como assistente de seu pai, o fotógrafo francês Milan Alram, no Rio de Janeiro. Logo compartilharam o serviço de revelações com fotógrafos profissionais, o que os levou à abertura do laboratório Kronokroma, na Glória. Foi convidado a participar com uma fotografia na exposição coletiva VG, no Ateliê da Imagem, na Urca. 

 

Rogério Camacho artista carioca nascido em 1952, graduado pela Escola de Belas Artes da UFRJ em Gravura. Possui uma primorosa competência técnica que somada a um requinte cromático e um perspicaz equilíbrio na composição, conferem à sua pintura um caráter sério e competente.

 

Kazuo Iha nasceu em Okinawa, Japão, em 1950. Bem cedo mudou-se com a família para o Brasil. Graduado pela Escola de Belas Artes da UFRJ, onde de 79 a 84 foi professor de Desenho Artístico e atualmente professor de LItografia. Participou do X ao XVII Festival de Inverno de Ouro Preto (76 a 85). Frequentou de 78 a 80 o curso de Gravura no Museu do Ingá, em Niterói. Participa desde 74 de mostras coletivas onde destacam-se I Salão Universitário – RJ (1° e 2° prêmios); Salão Carioca (2° lugar); Salão da Prefeitura de Belo Horizonte (Prêmio de Aquisição); I, II, III, IV, V Salão Nacional. 

 

Nicole Herzog Verey nascida em Zurich, Suiça, já vive mais da metade da vida trabalhando e vivendo em Madrid. Seu trabalho artístico têm uma forte conexão com os Alpes Suiços e é baseado na fotografia. Desde 2007 trabalha no projeto ‘DESHIELO’ (Desgelo). Com suas obras, quer chamar atenção sobre o aquecimento da terra. Seu trabalho vai mais além da mera documentação e inclusive fotografia, fotografia pintada, digital fine art, instalações e videostill.

 

Igor Gomes  nasceu em Curitiba, é artista visual, principalmente na área da fotografia, vive as imagens desde sempre, iniciando a vida profissional a cerca de 10 anos, culminando com a publicação do livro de fotografias INTERIOR em 2011.

 

Destaque para estudos na EAV, com David Cury, e na NMO Arts, com Lia do Rio. Tem exposições no Rio (Calouste Gulbekian e UFF), em São Paulo (Banco República), no exterior (NY, Estocolmo, Porto/Portugal). Faz parte dos grupos 10 AO CUBO e BIKOO KAI.

 

0

Valeska Soares nos EUA

26/mar

“Valeska Soares: Any moment now” que o Phoenix Art Museum, Arizona, exibe  é uma exposição de pesquisa e trata-se do primeiro trabalho de Valeska Soares em um museu dos EUA desde 2003. A exposição apresenta cerca de 45 trabalhos multimídia, esculturas, vídeos e instalações criadas pela artista brasileira durante as últimas duas décadas. Este projeto representa uma parceria histórica entre o Phoenix e o Museu de Arte de Santa Barbara, como parte da hora padrão Getty-LED do Pacífico: la/la Initiative. 

 

Valeska Soares cria obras de arte polidas e minimalistas que incentivam a participação dos visitantes. Através da instalação e assemblage, ela se envolve com tradições da arte internacional e literatura mundial. Em sua arte multifacetada, ela demonstra um fascínio com o espaço e o tempo, bem como o que ocorre além de seus limites percebidos. Suas obras envolvem diretamente a subjetividade dos visitantes, cultivando a experiência pessoal e o conhecimento universal e como cada um deles afeta o outro. As instalações ambientais de Valeska Soares incorporam os efeitos da reflexão, luz, entropia e até aroma. Tais qualidades experienciais são prestados através da incorporação de espelhos suspensos, luminárias, flores perecendo, e vasos de perfume e licor que evaporam lentamente ao longo da exposição. Muitas vezes ela também cria instalações de páginas de livro, capas e ligações para tecer significados entre textos díspares que os telespectadores que se conectam conceitualmente por associação. Passado e futuro, simultaneamente, permeam suas instalações e objetos, sugerindo uma narrativa subjacente que é muitas vezes cíclico. Tecendo juntos os temas da memória, do tempo e do sensorial, Valeska Soares cria obras poéticas que se fundem e expandem sobre as linguagens do Minimalismo e da Arte conceitual. Como o artista brasileiro Vik Muniz afirmou: “…através de uma gama aparentemente inesgotável de técnicas, temas e estratégias, o trabalho de Soares oscila entre a materialidade e a memória, o desejo e a deterioração, a sensação e a intoxicação”.

 

 

Até 15 de julho.

 

0

Dias na Paulo Darzé

23/mar

A Paulo Darzé Galeria, Salvador, Bahia, apresenta mostra contendo 16 trabalhos de Antonio Dias, artista que marca profundamente a arte brasileira desde os anos 60 com uma obra exemplar na utilização das mais variadas formas e materiais para criação de ideias estéticas, através de um estilo muito pessoal na depuração de uma poética plástico-visual, o que o tornou um dos mais importantes artistas na arte internacional hoje. Artista de vanguarda, sua atuação marca profundamente a arte brasileira desde os anos 60 com uma obra exemplar na utilização das mais variadas formas e materiais para criação de ideias estéticas, através de um estilo muito pessoal na depuração de uma poética plástico-visual, o que o tornou um dos mais importantes artistas de sua geração e da arte internacional hoje, estando sua obra em várias coleções particulares e acervos de museus, como o de Arte Moderna de Nova Iorque.

 

 

Sobre o artista

 

Antonio Dias nasceu em Campina Grande, Paraíba, em 1944. Muda-se para o Rio de Janeiro em 1958, onde estuda com Oswaldo Goeldi na Escola Nacional de Belas Artes. Sua primeira mostra data de 1962, e em 1964 conquista o Prêmio Isenção de Júri no Salão Nacional de Arte Moderna. Ganha em 1965 o Prêmio de Pintura da Bienal de Paris. Neste ano passa a residir na Europa, em Colônia, Alemanha, alternando daí por diante seu tempo entre o Brasil e a Europa. Antonio Dias tem participação intensa em coletivas e bienais (da Bienal de São Paulo participou várias vezes a partir de 1981), e entre suas exposições individuais mais recentes temos: 1999, Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian (retrospectiva), Lisboa; Galerie Walter Storms, Munique; 2000, Museu de Arte Moderna da Bahia e Museu de Arte Contemporânea de Curitiba (Paraná); 2001, Museu de Arte Moderna de São Paulo.

 

 

Até 20 de abril.

0

Revelação abstrata na Pinacoteca

A Pinacoteca de São Paulo, museu da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, exibe no primeiro andar da Pina Luz – Praça da Luz, “Hilma af Klint: Mundos Possíveis”, sua primeira exposição do calendário de 2018 e um dos grandes destaques do ano. Com patrocínio de Banco Bradesco e Ultra, chega pela primeira vez na América Latina uma mostra individual da pintora sueca Hilma af Klint (1862-1944), cujo trabalho vem sendo reconhecido como pioneiro no campo da arte abstrata e que passou despercebido durante grande parte do século XX.

 

Hilma af Klint frequentou a Real Academia de Belas Artes, principal centro de educação artística da capital sueca, mas logo se distanciou do seu treino acadêmico para pintar mundos invisíveis, influenciada por movimentos espirituais como o Rosa-cruz, a Teosofia e, mais tarde, a Antroposofia. Ela integrou o “As cinco”, grupo artístico composto por artistas mulheres que acreditavam ser conduzidas por espíritos elevados que desejavam se comunicar por meio de imagens e já experimentavam desde o final do século 19 a escrita e o desenho automático, antecipando as estratégias surrealistas em mais de 30 anos.

 

A exposição inclui 130 obras. Destaque para a série intitulada “As dez maiores”, realizada em 1907 e considerada hoje uma das primeiras e maiores obras de arte abstrata no mundo ocidental, já que antecede as composições não figurativas de artistas contemporâneos a af Klint como Kandinsky, Mondrian e Malevich. Além deste conjunto, a exposição em São Paulo contará com algumas séries de obras que nunca foram apresentadas ao público.

 

A mostra da Pinacoteca tem curadoria de Jochen Volz, diretor geral da instituição, em parceria com Daniel Birnbaum, diretor do Moderna Museet, e é uma colaboração com a Hilma af Klint Foundation. “O trabalho de Hilma af Klint dialoga de certa forma com o sincretismo e a pluralidade de cosmovisões tão presente na cultura do Brasil. A serialidade encontrada em sua obra também aparece na arte brasileira, em especial no concretismo e neoconcretismo”, explica Volz.

 

O trabalho de af Klint foi exposto pela primeira vez em 1986 na mostra “The Spiritual in Art: Abstract Paintings 1890–1985”, realizada no Los Angeles County Museum of Art.  Mas apenas a grande retrospectiva organizada pelo Moderna Museet de Estocolmo em 2013 e, consequentemente, a sua itinerância pela Alemanha, Espanha, Dinamarca, Noruega e Estônia permitiu que o trabalho de af Klint fosse reconhecido internacionalmente pelo grande público. Desde então, suas obras participam de exposições realizadas na Europa e Estados Unidos.

 

A Pinacoteca prepara um catálogo bilíngue, português-inglês, que reunirá três textos inéditos escritos pelos autores Jochen Volz, Daniela Castro, curadora independente, e Daniel Birnbaum. O livro trará ainda reproduções das obras expostas e uma cronologia escrita por Luciana Ventre, pesquisadora brasileira que lança nos próximos meses uma biografia de Hilma af Klint.

 

 

Até 16 de julho.

0

Fotos de Alice Quaresma

21/mar

A Casa Nova, Jardim Paulista, São Paulo, SP, apresenta no dia 24 de março, o projeto solo “Coisas da Vida”, da artista carioca Alice Quaresma. O projeto é inédito e traz como foco o questionamento do movimento e cronologia através da fotografia. Para a sala de projeto solo da Casa Nova, a artista criou um mural fragmentado usando fotografias e paneis coloridos pendurados individualmente criando profundidade e distanciamento entre cada imagem e cor. A instalação permite que o público percorra o trabalho de forma que se surpreendam com a fotografia panorâmica da cidade natal da artista, Rio de Janeiro, ao fundo da sala.
Além disso, o projeto “Coisas da Vida” contemplará seis obras únicas, onde Alice Quaresma cria linhas e marcas gestuais sobre fotografias tiradas no Rio de Janeiro, nos últimos 15 anos. A artista continua investigando os limites da fotografia como um objeto de precisão e verdade. A geometria e marcas gestuais são elementos constantes nos trabalhos da artista, nos quais investiga maneiras de romper com formas representadas nas fotografias. Decisões subjetivas e ocasionais são constantes e aparentes em seus trabalhos, de modo que aproximam suas obras a acontecimentos da vida, trazendo um olhar poético para pequenos encontros e desencontros do dia a dia, criando assim, uma história sem cronologia.

 

 

Sobre a artista

 

Alice Quaresma nasceu no Brasil em 1985 e vive atualmente em Nova York. Possui em seu currículo uma série de prêmios, convites para projetos especiais e residências, incluindo o renomado Prêmio da Foam Talent em Amsterdã. Em 2017, Alice participou de exposições coletivas e individuas na Europa, Estados Unidos e Brasil e integrou um grupo de artistas em duas residências nos Estados Unidos e teve seus trabalhos publicados em revistas, jornais e sites importantes no Brasil, Japão, EUA e Europa. Cursou o MFA no Pratt Institute em 2009 e foi selecionada como umas das vencedoras do prémio PS122 durante o mesmo ano.

 

 

De 24 de março a 21 de abril.

 

0

Livro na Carpintaria

20/mar

Bárbara Wagner & Benjamin de Burca, realizam o lançamento do livro “Edifício Recife”, no dia 22  de março na Carpintaria, Jardim Botânico, Rio de Janeiro, RJ, promovendo ainda um bate-papo com os artistas e a curadora Lisette Lagnado.

0

Suzana Queiroga no Paço Imperial

No dia 21 de março, será inaugurada a exposição Miradouro, com obras recentes e inéditas da artista plástica Suzana Queiroga, que ocuparão três salas do segundo andar do Paço Imperial, Centro Histórico, Rio de Janeiro, RJ, em uma área total de 300 m2. Com curadoria de Raphael Fonseca, serão apresentados cerca de quinze trabalhos em grandes dimensões, dentre pinturas, esculturas, instalações e vídeos, que mostram a pesquisa da artista sobre o tempo, a paisagem e a cartografia. A exposição também terá uma parte documental, com diversos estudos, mapas, pesquisas e o processo de trabalho da artista no ateliê. A mostra comemora os dez anos do projeto “Velofluxo”, em que a pesquisa de Suzana Queiroga sobre a cartografia, as cidades, os fluxos e o tempo, culminou com voos no balão Velofluxo, criado pela artista, em que a experiência do voo foi compartilhada com o público no CCBB de Brasília, em 2008. Para este ano, a artista também tem uma exposição programada na Cassia Bomeny Galeria, em Ipanema.

 

“A exposição traz ao público algo da variedade de mídias com as quais Suzana tem trabalhado. Há trabalhos na linguagem da pintura, área na qual seu trabalho foi inicialmente institucionalizado nos anos 1980 e o qual pesquisa sistematicamente. Há trabalhos realizados na linguagem mais próxima ao desenho e à pesquisa de diferentes materialidades de papel. E há também, por fim, trabalhos em vídeo que exploram a relação entre a documentação da paisagem e sua exploração por meio do desenho e da pintura”, conta o curador Raphael Fonseca. 

 

As obras da exposição se relacionam entre si e o percurso da mostra foi criado de forma a aproximar o público. Logo na entrada, estará uma grande pintura redonda, de 1,5m de diâmetro, em óleo sobre tela, com veios em tons de azul, verde e laranja, que representam os fluxos. Nesta mesma sala, haverá desenhos e sketches, montados sobre a parede, sem moldura, trazendo um pouco da atmosfera do ateliê da artista para o museu.

 

Adentrando o grande salão principal, que tem área total de 182m2, estarão cinco pinturas em grande formato, que representam paisagens, não só urbana, mas também aérea e marítima. “No meu trabalho, penso a cartografia de forma ampla. Minha pesquisa envolve a cartografia do tempo, do infinito”, afirma. Nesta mesma sala estará a obra “Nuvem”, composta por 24 papéis vegetais, que recebem banhos de pigmentos em tons de cinza, violeta e rosados. “A obra tem uma palheta de nuvem carregada, prestes a chover, quando recebe os últimos raios de sol do dia”, explica a artista, que deu os banhos de pigmento com a intenção de “retirar a rigidez do papel, transformando-o em um campo atmosférico”. Este trabalho, de 2013, é inédito e foi criado como base para os vídeos “Mar”, em que a artista vai folheando esses papéis mesclados com imagens de nuvens, e “Cais”, em que os papéis se misturam com ondas do mar.

 

Também estará na exposição o vídeo “Atlas” (2015), em que um olho observa o interior de um globo terrestre em constante rotação. “Esse trabalho é uma cartografia mutante, fala do tempo e do fluxo. Em ‘Atlas’, somos observados e ao mesmo tempo observamos a este olho que oprime e inebria, como num voo ou circunavegação infinita às avessas na cartografia terrestre”, conta a artista.

 

A grande instalação “Topos”, que ocupará o chão da última sala, é composta por diversos recortes em feltro, que representam as cartografias de várias cidades, reais e imaginárias. “O feltro bruto, feito de aparas de refugo de indústria têxtil possui uma massa corpórea espessa que se projeta no espaço e estabelece uma relação direta com a escala humana e arquitetônica. Ao mesmo tempo possui uma carga simbólica: é um tipo de manta utilizada pela indústria mas também pelo indivíduo morador de rua como cobertor, veste e abrigo”, diz a artista, que ressalta que nesta obra estão presentes elementos que atravessam o seu trabalho nos últimos anos: o fluxo, o tempo, o infinito, as cidades e as cartografias.   

 

A exposição também terá uma grande parte documental, com pesquisas e estudos de ateliê. O espectador entrará em contato com os fragmentos deste percurso através de uma montagem pouco ortodoxa e suportes variados, que incluem desenhos, estudos, mapas, entre outros. Uma oportunidade única e rara de adentrar o ateliê da artista e seu processo de trabalho.

 

 
 
Sobre a artista
 
Suzana Queiroga nasceu no Rio de Janeiro, em 1961, e atua nas artes plásticas desde a década de 1980, suas poéticas atravessam a ideia de fluxo e tempo. Traz à tona questões da expansão da pintura e do plano dialogando com diversos meios, entre os quais instalações, performances, infláveis, audiovisual e escultura. Participou de importantes exposições, no Brasil e no exterior, como “ÁguaAr”, no Centro para Assuntos de Arte e Arquitetura, em Guimarães, Portugal, 2015, onde também foi artista residente e a individual “Prelúdio”, na Galeria Siniscalco, em Nápolis, 2014; realizou uma individual para o Projeto Ver e Sentir do Museu Nacional de Belas Artes, 2017. Acumulou cerca de 12 prêmios como o Prêmio de Aquisição na XVIII Bienal de Cerveira, em Portugal, 2015; 5º Prêmio Marcantônio Vilaça/Funarte para aquisição de acervos, 2012, pelo qual apresentou a individual “Olhos d’Água” no Museu Nacional de Arte Contemporânea de Niterói no ano seguinte; o I Prêmio Nacional de Projéteis de Arte Contemporânea/Funarte, 2005, e a bolsa RIOARTE, 1999. Foi também finalista do 6º Prêmio Marcantônio Vilaça para as Artes Plásticas, cuja coletiva aconteceu no Museu Brasileiro da Escultura e da Ecologia, 2017. Foi artista residente na Akademia der Bildenden der Künste Wien, na Áustria, 2012, no Instituto Hilda Hilst, em São Paulo, 2012, na IV Bienal del Fin del Mundo, na Argentina, 2014, entre outros.
 
De 21 de março a 27 de maio.
0

Assemblages de Farnese

16/mar

A Galeria 3 da CAIXA Cultural Rio de Janeiro, apresenta a mostra “Farnese de Andrade – Arqueologia Existencial”, que reúne um conjunto de 71 assemblages e objetos pertencentes a coleções particulares e a herdeiros do artista plástico mineiro, mapeando sua produção ao longo dos anos 1970 a 1990. A exposição traz também o filme “Farnese”, de 1970, do cineasta e crítico  de arte Olívio Tavares e Araújo, uma entrevista em vídeo com o curador e textos/poemas que ajudam a elucidar a trajetória e fundamentos criativos do artista. O projeto tem patrocínio da Caixa Econômica Federal e do Governo Federal.

 

Farnese de Andrade foi um artista múltiplo cuja produção, vida e arte se enlaçam de maneira inseparável dando origem a uma obra densa, de caráter fortemente autoral. Com curadoria de Marcus de Lontra Costa, a mostra apresenta a linguagem única e singular do artista, incorporando aspectos de sua personalidade e trajetória às diferentes fases de sua obra.

 

“As obras de Farnese articulam habilidosamente a tradição, seja barroca, romântica ou simbolista, com elementos regionalistas, populares, pessoais e mesmo com lições oriundas das chamadas vanguardas negativas, como o Dadaísmo e o Surrealismo. São confissões que emergem das profundezas de uma alma que presta devoção a uma realidade artística nacional da qual ela própria foi, por vezes, excomungada, já que a sua essência contrasta com um projeto abstracionista, construtivo e positivista que imbuiu nossa arte durante décadas e que ainda dá forma aos trabalhos de muitos artistas”, comenta o curador.

 

Apontado como dono de uma personalidade difícil e de uma produção marcadamente autobiográfica, Farnese revelou, em seus trabalhos, uma densa trajetória pelas memórias de infância, do pai, da mãe, dos irmãos e da sagrada família mineira, além de um certo aspecto libertário e transgressor, a partir de sua mudança para o Rio de Janeiro. Pautada no inconsciente, a poética de Farnese de Andrade contrasta com as de outras tendências do período, como as da arte construtiva e concreta. Produziu, assim, uma obra na qual o lirismo oscila do concreto ao abstrato e o bruto consegue ser gentil.

 

A exposição “Farnese de Andrade – Arqueologia Existencial” passou, anteriormente, pelas unidades da CAIXA Cultural de Brasília e São Paulo, sendo indicada pelo programa Metrópolis como uma das 10 melhores mostras de 2015; pelo Guia da Folha de São Paulo ao Prêmio Melhores do Ano de 2015, na categoria “Exposições”; e pela revista Veja como a primeira das cinco melhores mostras de 2015, em Brasília. Em 2016, foi apresentada no Palácio das Artes – Fundação Clóvis Salgado, em Belo Horizonte (MG), com versão retrospectiva e ampliada em homenagem ao aniversário de 20 anos de morte do artista mineiro.

 

 

 

Prêmios e coleções

 

Praticamente esquecido nas últimas décadas, Farnese foi regularmente premiado de 1962 a 1970, como no Salão Nacional de Arte Moderna de 1970 (Prêmio de viagem ao exterior) e, em 1993, com o Prêmio Roquette Pinto de Os Melhores de 1992, pela exposição “Objetos”. Reconhecido como um dos mais valorizados artistas nacionais, suas obras podem ser encontradas nas maiores coleções particulares e museus do Brasil e do mundo, incluindo a Coleção de Arte Latino-Americana da Universidade de Essex, na Inglaterra, o Instituto de Arte Contemporânea de Londres, o MAC Niterói (RJ), o Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA), o MAM RJ, o Museu Nacional de Belas Artes, o MAM SP, entre outros.  Com uma produção ininterrupta participou de diversas Bienais internacionais e nacionais e suas obras hoje são disputadas entre grandes colecionadores.

 

 

 

Sobre o artista

 

Nascido em Araguari, MG, Farnese de Andrade entrou, em 1945, na Escola do Parque de Belo Horizonte, onde foi aluno de Guignard e contemporâneo de artistas como Amilcar de Castro, Mary Vieira e Mário Silésio. Em 1948, mudou-se para o Rio de Janeiro, onde trabalhou como ilustrador para suplementos literários de diferentes jornais e revistas. Começou sua carreira como desenhista e gravador. Na década de 1950, realizou a primeira exposição individual de seus desenhos e começou a frequentar o ateliê de gravura do MAM RJ, onde estudou gravura em metal com Johnny Friedlaender e Rossini Perez.  A partir de 1964, cria objetos ou assemblages com cabeças e corpos de bonecas, santos de gesso e plásticos, todos corroídos pelo mar, coletados nas praias e nos aterros. Utilizou com frequência velhos retratos de família e postais, e realizou trabalhos com resina de poliéster, sendo considerado um pioneiro da técnica no Brasil. Bolsista do governo brasileiro, viajou em 1970 para Barcelona. Sua volta em 1975 rendeu frutos e a fama de Farnese fortaleceu a paisagem artística brasileira. Mas não é por seu trabalho na gravura, sempre abstrato, nem como desenhista, seja abstrato ou figurativo, que ele é, hoje, conhecido e reconhecido, mas pela criação dos objetos chamados boxforms, cuja matriz explodida e iconoclasta é o barroco de sua infância. Oratórios, pedaços de madeira de igreja, ex-votos e outros constituíram, até a sua morte, um mundo estranho, às vezes mórbido e com fortes referências eróticas. Resultado de uma infância secreta, a obra sempre onírica e poética dá força e senso a um trabalho sem igual.

 

 

 

De 20 de março a 20 de abril.

0

CATEGORIAS

ARQUIVO

EDITORIA: RENATO ROSA GERALDO MOREIRA

Sua mensagem foi enviada com sucesso!