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AGENDA CULTURAL

Artista holandês na SIM galeria

20/ago

A SIM galeria, Curitiba, PR, apresenta a exposição individual de Frank Ammerlaan, artista

holandês residente em Londres.

 

Nos trabalhos de Ammerlaan, a essência do múltiplo é manifesta na contínua coexistência de

suportes, materiais e processos mistos, como escultura, pintura, fotografia e vídeo

juntamente de elementos sintéticos e naturais como tinta óleo, linhas de costura, metais e

agentes químicos.

 

Na exposição “Outside the wireframe”, produzida durantes sua residência artística recente no

espaço experimental de arte PIVÔ, na cidade de São Paulo, o interesse permanente no que é

periférico, indistinguível e despercebido é amplamente contemplado.

 

As caminhadas diárias de Ammerlaan na ida e volta de seu ateliê temporário, localizado no

centro de São Paulo, se tornaram uma profunda jornada para dentro e fora do motor da

cidade movido à ansiedade e instabilidade. Ao fazer uso de objetos ready-made como

latinhas de alumínio, vidro e banner de PVC, em “Outside the wirefram”e o artista convoca

uma série de elementos tanto familiares como também invisíveis à capital brasileira. Um

conjunto de ícones que perpassa os catadores de latinhas das quais algumas esculturas são

feitas e que nos fala sobre inventivos subsistemas criados sob circunstâncias econômicas

difíceis. Como também que inclui um banner de serralheria em que o artista aponta

evidências de extrema ansiedade geral quanto à segurança. E até mesmo que destaca do

cenário urbano cotidiano, tampas de bueiro e piche como indicação de um ambiente

publicitário alternativo. E até mesmo piche e tampas de bueiros que nos separam de um

mundo sob nossos pés.

 

A série “Untitled” de imagens impressas em vidro aramado de alta segurança exibe um

material nunca antes usado em exposições do artista, de acordo com ele “Trabalhar em um

novo contexto como a residência desperta novas idéias, te faz, por exemplo, pensar de forma

diferente sobre os materiais”. Permeada por ambigüidades, a série é feita de um material

transparente de alta segurança que busca oferecer segurança enquanto não necessariamente

esconde algo. Ela inclui imagens desenhadas por linhas de armações de arame que lhes

concedem certo aspecto de pop arte, mas ao mesmo tempo uma aparência anônima, uma vez

que nos permite enxergar formas, mas não superfícies. Além disso, um objeto poderoso ainda

que pequeno, a bandeira de mesa, que não mostra nenhum emblema ou insígnia pode ainda

assim simbolizar uma idéia de proteção e defesa de um determinado território ou cultura.

Sobre a figura tridimensional humana, seu aspecto fantasmagórico é justaposto com uma

imagem impressionantemente detalhada.

 

A antítese da abordagem emocional e racional está profusamente presente nas pinturas do

artista na quais aspectos atmosféricos e nebulosos se contrastam com padrões geométricos

precisos feitos de linhas de costura e bordado. Possivelmente sob a influência de seu

treinamento primeiro, em marcenaria, assim como devido a pratica constante de desenhos

técnicos, nos trabalhos de Ammerlaan linhas são de alguma forma, privilegiadas em

detrimento de volume.

 

Em algumas das pinturas de “Outside the wireframe” os conceitos binários característicos dos

trabalhos de Ammerlaan podem ser apresentados mais sutilmente do que em outras. Ao

observar uma pintura a partir de certa distância da tela, seus aspectos atmosféricos e

nebulosos se destacam, porém, uma vez que os padrões em baixo relevo começam a ser

reconhecidos, a pintura simultaneamente exige ser observada mais de perto. Padrões e

linhas, assim, são formas de racionalizar e se apropriar do conceito de periférico com

efetividade. Simultaneamente a qualidade etérea das pinturas contribui para um

engendramento mais amplo das idéias e objetos do periférico.

 

“Outside the wireframe” revela que o imperceptível, o periférico e o sutil podem ser

encontrados em situações e cenários que transcendem efeitos óticos provocados por uma obra

de arte. Aponta claramente que o invisível existe, por exemplo, na rotina cotidiana dos

habitantes de metrópoles como São Paulo. Ao utilizar-se de piche e ao delinear tampas de

bueiros encontradas nas ruas que circundam seu ateliê na cidade, Ammerlaan realça padrões

gravados em tais peças de metal- alguns deles padrões de linhas cruzadas e atravessadas

também comuns a outros trabalhos do artista-, feitos, por  exemplo, por empresas de

telecomunicação para fins publicitários. Geralmente despercebidos, tais padrões e nomes de

marcas atuam como indícios de uma atividade publicitária quase imperceptível acontecendo

sob nossos pés. Um fato ainda mais interessante diante da controversa proibição de

publicidade exterior que busca minimizar a poluição visual da cidade implantada na última

década em São Paulo.

 

A exposição “Outside the wireframe” é uma oportunidade única para todos familiarizados ao

ambiente urbano de observar uma complexa cidade como São Paulo, em suas múltiplas

possibilidades periféricas, através dos cantos dos olhos argutos e precisos do artista

contemporâneo Frank Ammerlaan.

 

 

Sobre o artista

 

Frank Ammerlaan é um proeminente artista plástico nascido na Holanda e residente da cidade

de Londres cujas exposições individuais e coletivas têm sido exibidas nos últimos seis anos em

prestigiados museus e galerias pela Europa e em cidades como Copenhague, Bruxelas, Berlin e

Londres bem como em Nova York e outras grandes capitais internacionais.

 

 

De 27 de agosto até 26 de setembro.

Lidia Lisboa na Galeria Pretos Novos

A Galeria Pretos Novos, Gamboa, Rio de Janeiro, RJ, inaugurou a exposição “Casulo”, da artista

visual Lidia Lisboa, com a curadoria de Marco Antonio Teobaldo. São vinte e uma obras em

dimensões variadas, realizadas em crochê, que lembram de imediato os formatos de casulos e

marsúpios, em que as tramas são formadas a partir de retalhos de tecidos rasgados e

reagrupados. A memória da infância da artista estabelece uma forte conexão com  sua recente

produção, na qual utiliza tecidos que possibilite criar tramas, construindo volumes e invólucros

vindos de uma espécie de viagem no tempo, em que algumas passagens de sua vida eram

envoltas por fantasias e sonhos de menina.

 

A partir da obra “Casulo” (que também serve de suporte para a sua performance de

mesmo nome), a artista apresenta um repertório muito peculiar que trata do recolhimento e

transformação, assim como pode ser observado na Natureza. Talvez por isso a escolha do

silêncio para executar a sua performance, que sugere o movimento feito pela lagarta antes de

adormecer coberta pelos seus fios e depois se libertar, já em outro corpo. Compete à artista,

confeccionar texturas e se desfazer delas quando não fica satisfeita com o resultado. Ela

persegue a forma desejada até alcançá-la.

 

Criada em uma família numerosa em que predominam as mulheres, Lidia Lisboa

encontrou-se com a maternidade aos treze anos de idade. Esta experiência marcante e

incrivelmente positiva (de acordo com as próprias palavras da artista), reaparece na poética de

sua série “Ventre”. Em formatos de úteros e marsúpios, seus trançados evocam a vida que está

por vir e reiteram a feminilidade tão presente em suas obras. Este ciclo criador surge em

outros trabalhos, semelhantes às ovas de animais em um estado letárgico como se ali dentro

existissem embriões germinando e prestes a eclodir.

 

Mesmo flertando com a moda e o design, a artista segue com o impulso de  formular

um pensamento sobre a criação da vida. Alguns de seus colares são feitos a partir da

justaposição de contas de cerâmicas moldadas a mão por ela mesma, formando um conjunto

que pode ser associado ao sagrado, tanto pela matéria de que é feito, quanto pelo formato.

Uma outra série de colares é feita a partir do desmembramento de bonecas de borracha e

plástico, reagrupadas com outros itens, de modo que formem um cordão de ordem aleatória,

mas que carrega em si uma forte carga dramática. Grande parte destas bonecas foram

encontradas pela artista, nas ruas de diferentes cidades por onde passou.

 

Não há como dissociar as experiências pessoais de Lidia Lisboa da sua inquietação

artística, revelando-nos uma produção biográfica, repleta de simbolismos e coberta de lirismo.

 

 

Até 17 de outubro.

 

CASULO

 

artista: Lidia Lisboa

curador: Marco Antonio Teobaldo

inauguração 19 de agosto – 18h

visitação 20 de agosto a 17 de outubro

terça a sexta – 12h > 18h

sábado – 10h > 13h

Galeria Pretos Novos

Rua Pedro Ernesto, 34 – Gamboa

fone 2516-7089

pretosnovos@pretosnovos.com.br

 

Um corpo e duas cabeças

Animais e plantas de cimento, pães calcinados; autorretratos, orelhas de ouro e prata aplicadas sobre conchas de caramujos, um divã carregado de simbologias. Em sentido literal e figurado, quase tudo o que Beatriz Carneiro e Ricardo Becker apresentam na exposição “Um corpo, Duas cabeças”, a partir do dia 29 de agosto, no Espaço Movimento Contemporâneo Brasileiro, EMCB, Horto, Rio de Janeiro, RJ, foi retirado “do fundo do baú” – seja de suas memórias ou de seus arquivos pessoais.

 

Dois nomes da cena contemporânea, eles vão apresentar suas reflexões, singularidades e experiências de arte em laboratórios espalhados pelo casarão do Horto, um imóvel tombado do início do século XIX. Duas instalações fluidas e livres vão ocupar salas, corredores, um pátio, e o segundo andar com obras reunidas pela curadora Cristina Burlamaqui.

 

 

Autorretrato com um mergulho em Brancusi, Magritte, Giacometti…

 

Ricardo Becker apresenta uma coletânea de trabalhos em que aborda questões autobiográficas, carregada de símbolos e autorretratos, além de fotos de partes de seu corpo. No trabalho de baralhos, o artista utiliza fotos de quando era criança.  Em outros reverencia artistas como Beyus, Brancusi e Giacometti. O ponto alto da instalação de Ricardo Becker é um  velho divã em couro utilizado na psicanálise, apoiado em quatro caramujos, no pátio, e faz composição com outros trabalhos do artista, feitos com galhos e fotos.

 

 

A palavra da curadora

 

“A visão consistente de Beatriz Carneiro, que transita entre escultura, instalação, pintura e videoarte, desponta como um antipoema dos anos 60, embeleza o processo do fazer e, mesmo quando usa materiais do cotidiano, foge da escultura tradicional, pois as obras se amontoam e vão invadindo os espaços”, analisa a Cristina.

 

“Becker apresenta sua produção desde os anos 80, com autorretratos, questões envolvendo sons e barulhos, como ‘orelhas de ouro e prata encravadas em grandes caramujos’. Ele mescla referências concretas com brincadeiras poéticas”, conclui Cristina Burlamaqui.

 

 

Um embate entre o Luxo e a Pobreza, a Natureza e a Civilização

 

Como base do laboratório de Beatriz Carneiro, elementos que poderiam ter sido resgatados de algum lugar da infância, como latas velhas amealhadas por aí, onde crescem plantas de cimento. Pães feitos de troncos calcinados e pés de javalis e tatus, reproduzidos em formas acimentadas, revelam o lado dark do seu trabalho, que tem forte conotação de arte povera, resgatando materiais simples e encontrados pelas suas andanças.

 

 

Sobre os artistas

 

Beatriz Carneiro é artista visual formada pela Escola Superior de Arte e Design de Genebra (Haute Ecole d’Art et Design Geneve – HEAD). A artista utiliza materiais orgânicos e industriais em pinturas, esculturas e vídeos. Dentre as exposições de Beatriz, destacam-se “Novas Aquisições 2012/2014 – Coleção Gilberto Chateaubriand” no MAM Rio e na Mercedes Viegas Arte Contemporânea. Nesta mesma galeria, ela ainda apresentou “Coletiva 12”, 2012-2013, “Construções para lugar nenhum”, 2012-2014 e “Cortes”.

 

Ricardo Becker é artista plástico e professor da Escola de Artes Visuais do Parque Lage. Nos anos 80, ele começou a participar de exposições e teve destaque em mostras individuais, como “Desfazer Imagem” nas galerias Eduardo Fernandes, 2010 e Novembro, 2007, onde também esteve com o “Projeto Belvedere”, 2005. Dentre as exposições coletivas, Becker participou do V Salão da Bahia no MAM, 1998, no qual ganhou o prêmio Aquisição. Ele também fez parte do “Novas aquisições – Coleção Gilberto Chateaubriand” no MAM-Rio, 2004 e 2001. Em 20012, levou para a Casa de Cultura Laura Alvim o seu “Projeto Cisco”, com grande sucesso.

 

 

De 29 de agosto a 15 de outubro.

O finissage de “Travessia”

19/ago

Guilherme Maranhão promove encontro dia 23 de agosto de 2015, domingo, das 11 às 14h, para fotógrafos, marcando o encerramento de sua exposição “Travessia”, em cartaz na Casa da Imagem / Museu da Cidade de São Paulo, Centro, São Paulo, SP. Ao reunir profissionais da fotografia, curadores e laboratoristas, o evento conta com duas mesas redondas em torno dos processos de trabalho e etapas na apresentação de ensaios fotográficos ao público. A primeira mesa recebe a participação de Ronaldo Entler, Henrique Siqueira e Fausto Chermont, e apresenta diversos pontos de vista em relação aos caminhos – editais, concursos, salões, residências – que visam tornar públicos os trabalhos fotográficos, como por meio de exposições, “zines”, livros etc. Já na segunda mesa redonda – com Roger Sassaki, Rosangela Andrade, Gibo Pinheiro, Elizabeth Lee e Edison Angeloni -, serão abordadas alternativas para a fotografia analógica, especificamente em São Paulo, levantando soluções e ideias para quem ainda não consegue superar esta técnica.

 

 

Convidados

 

Ronaldo Entler – Graduado em Jornalismo pela PUC-SP, mestre em multimeios pelo IA-Unicamp, doutor em artes pela ECA-USP, pós-doutor em multimeios pelo IA-Unicamp. Atuou na imprensa como repórter fotográfico entre 1997 e 2002, participando também de exposições coletivas e individuais. Foi diretor artístico da área de fotografia da Fundação Cultural Cassiano Ricardo de São José dos Campos, entre 1991 e 1995. Entre 2005 e 2010, atuou como professor visitante no Programa de Pós-Graduação em Multimeios do IA-Unicamp. Atualmente, é professor e coordenador de Pós-Graduação da Faculdade de Comunicação e Marketing da FAAP, e professor da Faculdade de Artes Plásticas da FAAP.

 

Henrique Siqueira – Possui graduação em Ciências Sociais e Políticas pela Escola De Sociologia e Política de São Paulo(1989) e mestrado em Comunicação e Semiótica pela Pontifícia Universidade Católica de São Paulo(2006). Atualmente é Diretor da Museu da Cidade de São Paulo – Casa da Imagem. Tem experiência na área de Artes, com ênfase em Fundamentos e Crítica das Artes.

 

Fausto Chermont – Fotógrafo e curador. Membro fundador do Mês Internacional da Fotografia de São Paulo. Membro da comissão criadora da Lei Mendonça, do Conselho Municipal e Estadual de Cultura. Presidente do Júri do Premio Nordeste de Fotografia. Vice-Presidente da Cooperativa dos Artistas Visuais do Brasil. Curador Assistente de fotografia e Criador do Depto de Novas Tecnologias do Mis – Museu da Imagem e do Som de SP e Presidente do Conselho. Atua como fotógrafo profissional e autoral há mais de trinta anos. É consultor de pré-impressão gráfica e produtor gráfico. É autor do livro de fotografias São Paulo Século XXI, sobre o centro de SP. Atualmente desenvolve projetos de produção e realização de documentários de fotografia.

 

Roger Sassaki – Bacharel em Fotografia pelo Centro de Comunicação e Artes do Senac-SP. Já realizou exposição sobre o sertão mineiro às margens do rio São Francisco, participou de outras mostras individuais e coletivas e é fotógrafo oficial de espetáculos e shows. Ministra cursos e oficinas de fotografia, com enfoque em técnicas artesanais analógicas.

 

Rosangela Andrade – Laboratorista profissional desde 1989. Trabalhou com o fotografo Zé de Boni na Álbum Laboratório. Em 1992 abriu seu próprio laboratório, o Imágicas Laboratório Fotográfico Analógico. Em 24 anos de atividade ampliou para exposições e livros de grandes nomes da fotografia brasileira como Cristiano Mascaro, Thomas Farkas, Boris Kossoy, Maureen Bisilliat, Ed Viggiani, German Lorca, Vânia Toledo, Pedro Martinelli, entre outros. Rosangela é uma grande entusiasta do processo analógico e foi quem idealizou e fundou o Clube do Analógico em março de 2014.

 

Gibo Pinheiro – Nasceu na cidade de São Paulo, em 1962, e cursou História na PUC–SP. Na década de 80, abriu uma marcenaria e entrou em contato com o mundo da fotografia ao executar a montagem de um laboratório fotográfico profissional. No início dos anos 90, Gibo começou a trabalhar na área de produção como laboratorista e especializou-se no processo C-41 de revelação e ampliações manuais de negativos coloridos. Após vencer um prêmio de fotografia, montou o Gibo Lab e tornou-se referência no processo analógico colorido, realizando diversas exposições e editoriais para revistas de moda e arte com profissionais renomados do Brasil e exterior. Atualmente, se u laboratório é um dos últimos da América Latina a trabalhar com ampliações manuais coloridas pelo processo analógico, além de fazer impressões fine art (arquivos digitais) e ministrar cursos na área.

Edison Angeloni – Com formação em jornalismo, é fotógrafo, professor e realiza cursos e workshops sobre fotografia em instituições como Centros Culturais, ONG’s e Universidades. Trabalhou nos laboratórios e estúdios da Faculdade de Fotografia Senac, desenvolve trabalho fotográfico pessoal com pesquisa em câmera de orifício (pinhole) e processos históricos do séc. XIX.

 

Elizabetth Lee – Com formação de Bacharel em fotografia pelo Centro Universitário Senac, participou de exposições coletivas e festivais de curta-metragem. Tem como pesquisa as técnicas alternativas e históricas de revelação fotográfica.

 

Guilherme Maranhão – Nascido em 1975, no Rio de Janeiro. Reside e atua em São Paulo. É bacharel em Fotografia pela Faculdade do Senac. Cria imagens sobre ciclos de vida, imperfeitos por natureza, cheios de ruídos, interferências e sujeitos ao acaso. Sua pesquisa imagética busca alterações no processo de formação das imagens técnicas e subversões das ferramentas produzidas pela indústria. Participou de diversas mostras coletivas e individuais. Possui fotografias em importantes coleções como MAM-SP (Museu de Arte Moderna de São Paulo) e Coleção Itaú. Vencedor do Prêmio Porto Seguro de Fotografia 2007, na categoria Pesquisas Contemporâneas, e do Prêmio Marc Ferrez Funarte 2014, com o trabalho Travessia.

Esculturas no Rio

18/ago

Esculturas inéditas de pequeno e médio porte de 27 artistas do país inteiro estão reunidas no

segundo andar do Centro Cultural Justiça Federal, no Centro, Rio de Janeiro, RJ, dentro do

Festival de Esculturas do Rio. A exposição é uma pequena amostragem da Mostra Rio de

Esculturas Monumentais, que terá a segunda edição em julho do ano que vem, como parte do

calendário oficial das Olimpíadas Rio2016.

 

Os destaques são as obras dos cariocas Suzana Queiroga (foto), Frida Baranek, Antonio

Bernardo e do coletivo formado por Guga Ferraz, João Marcos Mancha e Leonardt Lauenstein.

Atenção também nos trabalhos do pernambucano Francisco Brennand, da sergipana Claudia

Nên e do mineiro Jorge Fonseca, selecionados pelos curadores Paulo Branquinho e Claudia

Dowek.

 

Até 27 de setembro.

José Resende na Galeria Milan

A individual de José Resende na Galeria Millan, Vila Madalena, São Paulo, SP, pode ser

compreendida como um desdobramento da exposição realizada na Pinacoteca do Estado de

São Paulo, entre abril e junho de 2015.  Até caberia dizer que a exposição vem a ser um

transbordamento através do espaço e do tempo.

 

Na Millan, a mostra também é composta apenas por esculturas recentes e inéditas. Mas

engana-se quem, apenas, antevê uma nova etapa do trabalho de José Resende – composta por

projetos e soluções inovadoras. Pois o caminho percorrido nos 50 anos de produção do artista

é de um “eterno retorno”; um continuum refletido e surpreendente. O humor, a tensão, as

oposições de sentido, o movimento latente e a sua inscrição no espaço público sempre

estiveram e estão presentes em sua obra.

 

É inegável que a escultura de José Resende explora as relações entre a cidade e o corpo. Seja

pela escolha de materiais– chapas e tubos metálicos, pedras, vidro, tecidos -,  ou seja pelo

embate direto da obra – entre verticais, horizontais, diagonais e curvas – com o entorno.

Guiado por um rigoroso pensamento plástico e uma imaginação lúdica, o artista, através de

suas esculturas, provoca uma outra visibilidade sobre a paisagem urbana, a corporeidade e a

mobilidade do mundo.

 

Aliás, a ideia de imprecisão do movimento é algo que une as obras de Resende expostas na

Galeria Millan. A escultura Dobras (2015) é constituída pelo encaixe de duas chapas de aço:

uma circular, dobrada ao meio, com duas fendas em “v” e outra em formato de meia lua. A

densidade e a resistência das chapas inspiram uma permanência; uma estabilidade aparente.

Que logo cai por terra quando percebe-se que há uma multiplicidade de possibilidades

escultóricas dentro da mesma escultura – basta mudar o encaixe da chapa em v. É na ideia de

um obra aberta que reside seu movimento, sua tensão constante.

 

Vale ainda por fim, ressaltar que se na Pinacoteca, a obra Dobras (2015) estava disposta como

um par de esculturas idênticas, já na Galeria Millan, a peça se desmembra e aparece como um

conjunto de esculturas, em diversas dimensões.

 

A obra inédita Corpo de Prova II, 2015 alcança outro tipo de movimento. O título já faz uma

alusão ao que está em jogo na escultura. O cálculo e a precisão da engenharia são suficientes

para controlar a imprevisibilidade da imaginação e do caráter sugestivo da forma plástica? De

um lado, dois tubos de aço inox escovado de 4 metros, do outro, dois tubos de aço inox polido

também de 4 metros inclinados e, ambos, conjuntos estão ligados por um cabo de aço. Corpo

de Prova II remete a procedimentos anteriores – como nos vagões de trem suspensos por

cabos de aço e ainda em algumas esculturas da década de 1970 – mas apresenta novas

soluções: um balanço pressuposto e potente.

 

No átrio da galeria, a obra inédita Up Side Down, 2015 – constituída por tubos de latão

conectados por cabos de aço – impacta pela sua monumentalidade, pelo humor e pelo desafio

da gravidade. Mesmo a despeito da leveza e da qualidade aérea da obra que, aliás, parece

criar um volume virtual que avança em direção do corpo do observador, Up Side Down, com os

seus 6 metros de altura, tem como desafio se manter em pé. A escultura também excede em

termos de escala o ambiente onde está instalada; há uma tensão entre obra e arquitetura, as

dimensões dos espaços – como as colunas, a espessura das paredes, as passagens, os

revestimentos de parede, o piso, o teto – são revistas.

 

 

De 22 de agosto a 26 de setembro.

Em memória de artistas plásticos brasileiros

Grandes representantes da arte visual brasileira da segunda metade do século XX já partiram

deixando saudades, mas perpetuam-se na história através de suas criações. A exposição “Era

só saudade dos que partiram”, no Museu Afro Brasil, Parque do Ibirapuera, Portão 10, São

Paulo, SP, instituição da Secretaria da Cultura do Estado de São Paulo, homenageia alguns dos

artistas que fazem parte da trajetória artística do artista plástico Emanoel Araújo, fundador e

Diretor Curador da instituição.

 

A mostra é composta por aproximadamente 40 obras, entre pinturas, gravuras, esculturas e

fotografias, que revelam a diversidade de personalidades marcantes que partiram nos últimos

anos, como Antônio Henrique Amaral, Antonio Maluf, Arcangelo Ianelli, Edival Ramosa, Gilvan

Samico, Hércules Barsotti, Ivens Machado, Odetto Guersoni, Marcelo Grassmann, Maria Lidia

Magliani, Mestre Didi, Sonia Castro, Tomie Ohtake e Otávio Araújo, recém-falecido, aos 89

anos, no último dia 25 de junho de 2015.

 

Emanoel Araújo comenta: “Esta exposição é uma homenagem à memória dos artistas plásticos

brasileiros, falecidos em diferentes momentos, deixando lembranças das suas humanidades e

de suas criações.”

 

Alguns destes artistas fazem parte do Acervo do Museu Afro Brasil, como: Maria Lidia Magliani

(1946 – 2012), artista irreverente e marcante com suas pinceladas e cores; Mestre Didi (1917 –

2013) um “sacerdote-artista”, que foi um dos fundadores de uma linguagem afro-brasileira

com sua obra escultórica; Arcangelo Ianelli (1922 – 2009) que com cores fortes e uma

particular geometria, o acompanhou por toda sua vida em suas pinturas e esculturas; Edival

Ramosa (1940 – 2015), autor de pinturas, objetos, esculturas e jóias que se manteve fiel as

suas escolhas formais e cromáticas por toda sua carreira, unindo materiais naturais e

industriais e Otávio Araújo (1926 – 2015), que produziu gravuras, desenhos e pinturas

sensuais, aglutinadoras de uma poesia de mistérios e imagens e evocadoras de uma magia

atemporal.

 

 

De 18 de agosto a 18 de outubro.

Seminário

A partir dos temas presentes nas obras da exposição “Álbum de Família”, a curadora Daniella Géo organizou um seminário, que será realizado nos dias 25, 26 e 27 de agosto, no Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica, com dezoito profissionais de diversas áreas que discutirão ao longo de três dias, em painéis e mesas-redondas, este universo sob vários pontos de vista. Serão debatidos desde a condição de moradores de rua; envelhecimento e perda de memória; situações de violência, tanto domiciliar como externa, e o impacto que causam; diásporas e identidade cultural; às questões de rearranjos de gênero na contemporaneidade, a sexualidade e as paternidades.

 

Pesquisadora e doutora em Estudos Cinematográficos e Audiovisuais pela Université Sorbonne Nouvelle, de Paris, Daniella Géo fará a abertura do seminário, que terá a participação de artistas, antropólogos, sociólogos, psicanalistas e psicólogos, profissionais de saúde, advogados. O jornalista Eduardo Souza Lima será o mediador das mesas-redondas. A diretora e curadora do Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica, Izabela Pucu, abordará o trabalho realizado pela instituição junto ao Projeto Circulando, da Secretaria Municipal de Desenvolvimento Social, que associa os equipamentos culturais da cidade no processo de reinserção social dos clientes dos abrigos municipais.

Exposição “A vez dos editores”

14/ago

Dez editores dos principais veículos do país assinam criações exclusivas produzidas em Corian® para a mostra exibida na Breton, Al. Gabriel Monteiro da Silva, 820, São Paulo, SP, referência em móveis e objetos de decoração no Rio de Janeiro e São Paulo. A quarta edição do maior festival urbano de design da América Latina acontece entre os dias 12 e 16 de agosto em pontos nobres da cidade de São Paulo.

 

A marca convidou os editores das principais revistas e sites de decoração para desenvolver móveis exclusivos como cadeiras, poltronas e aparadores. Pedro Ariel Santana, da editora Abril é um dos convocados, além de Clarissa Schneider, da Bamboo e Celia Paccini, da Casa Mix, criações inéditas assinadas por editores de importantes veículos do país em parceria com grandes nomes do design nacional. Ao todo, serão apresentadas dez peças com design exclusivo, todas desenvolvidas em Corian®.

 

A ideia do projeto consistiu em dar “voz” àqueles que estão do outro lado, escrevem sobre design e que agora têm a oportunidade de criar e expor suas ideias por meio de uma peça, física e real. Aliados à expertise de reconhecidos designers, o resultado não poderia ser melhor: charme, beleza e sofisticação se perfizeram em mesas, poltrona, carrinho de chá, revisteiro, mancebo, cadeira e aparadores.

 

São eles:   Allex Colontonio (KAZA) + Guilherme Torres;   Celia Paccini (Casa Mix); Clarissa Schneider (Bamboo);    Lucila Zahran Turqueto (Casa de Valentina) + Bianca Barbato;  Mônica Barbosa (Living Design) + Nelson Graubart;    Mônica Salgado (Glamour) + Camila Klein; Pedro Ariel (Abril); Sandra Leise (CASA&mercado) + Studio Fuksas;      Simone Quintas (Casa e Jardim) + Fetiche Design e  Taissa Buescu (Casa Vogue) + Brunno Jahara.

 

 

Conceito criativo

 

Simone Quintas, de Casa e Jardim, juntamente com Carolina Armellini e Paulo Biacchi, da Fetiche Design, criaram a Poltrona Jardim Tropical. Com base nos conceitos ‘brasilidade’ e ‘jardim’ que traduzem os valores e pilares da revista, a peça representa um trono de uma rainha tropical, uma deusa da floresta. Para eles, uma peça “imponente, exuberante, forte e selvagem.” Simone conta que “embora já tenhamos evoluído muito, ações que fomentam o design são sempre bem-vindas e importantes. De pouco adiantam os talentos, se eles não encontram apoio de indústrias dispostas a investir em suas criações. A DuPont me surpreendeu ao propor um projeto sem impor restrições criativas. Correu o risco, topou desafios. E, com isso, nos ensinou sobre as possibilidades do Corian® e certamente aprendeu com a criatividade de talentos como os dos meus parceiros nesta empreitada: a Carolina Armellini e Paulo Biacchi, que tão bem traduziram a descontração e brasilidade da Casa e Jardim”, pontua Simone e conclui: “Com este projeto, a dupla conseguiu explorar duas características importantes do Corian®: a flexibilidade com moldagens e cortes, e a possibilidade de uso em áreas molhadas.” Produzida na cor Glacier White, a Infinita Surfaces está à frente da execução desse projeto.

 

A arte de Hércules Barsotti foi a inspiração para Allex Colontonio, diretor da revista Kaza e colunista do jornal Zero Hora, em parceria com o arquiteto e designer Guilherme Torres, criar o aparador Bar/Sotti. A dupla imaginou um móvel funcional sob medida para a neo-demanda social-gourmet que incentiva as pessoas a investir cada vez mais na arte de receber (bem). Mix de aparador, cabinet e bar, a peça revisita referências consistentes da casa
vintage brasileira, como a arte concreta do artista paulista que batiza a peça, o uso das superfícies vazadas (como o muxarabi) e tendências contemporâneas como a dos móveis híbridos escandinavos, com suportes soltos como bandejas e vasos que acumulam funções múltiplas e podem abrigar plantas, por exemplo. Enfim, toda a pluralidade do Corian® explorada como a estrela de um chill-in, o bufê de apoio da sala de jantar, a peça statement do hall de entrada ou o armário de livros do living. O Studio Vitty deu vida à peça que traz uma das novas cores de Corian®, o Deep Mink, além do Mandarin, que já compõe a paleta da marca.

 

Veio da Itália a parceria com a Revista Casa e Mercado, a Publisher Sandra Leise convidou o Studio Fuksas, que desenvolveu a poltrona Flor em homenagem ao Brasil. “Julho é o mês mais quente na Itália, são 40 graus e com grande umidade do ar. É difícil trabalhar sem ar condicionado. Por isso, nós pensamos no Brasil, é inverno no momento, o ar é fresco, sonhamos com neve…de repente, um floco de neve branco, onde o mesmo se estabelece e torna-se uma poltrona, uma escultura de gelo: `homenagem ao Brasil`”, pontua Doriana, à frente do Studio. Sandra Leise complementa, ainda, que se trata de um projeto inovador e fortalece as relações entre quem faz e quem divulga a história do design. A Infinita Surfaces está à frente da execução desse projeto que usa a tonalidade branca clássica de Corian®, o Glacier White.

 

No ano de comemoração dos 40 anos de Casa Vogue, Taissa Buescu e o designer Brunno Jahara desenvolveram o carrinho-bar “Casa Vogue 40 anos”, cujos traços vistos lateralmente formam o número 40. Segundo o designer, “uma peça inspirada no geometrismo utilizando linhas retas, ângulos e círculos para dar forma a este móvel com cores suaves que o Corian® possibilita.”

 

“Adoramos a ideia de projetar uma peça de design para a casa, para o projeto da DuPont”, emenda Taissa. “Pensamos em desenvolver um produto de forte apelo estético e que, ao mesmo tempo, resgatasse o aconchego que sentimos em nossas casas. O carrinho-bar, um item quase em desuso, inspira momentos de intimidade e relax. Buscamos uma interpretação purista e, ao mesmo tempo, contemporânea. Duas retas, dois triângulos e dois círculos, símbolos essenciais da geometria, dão forma à peça em celebração aos 40 anos da marca Casa Vogue no Brasil”, finaliza. A Avitá Design, à frente dessa execução, utilizou as cores Designer White, Silver Gray e Diamond Blue, propostas pela editora.

 

Celia Paccini, à frente da revista Casa Mix, mostrou-se uma designer nata e apresenta a mesa Rio com inspiração nas pedras dos leitos dos rios. Ela conta que a mesa expressa o respeito à natureza a partir da observação da perfeição de formas e cores. “A ideia foi criar uma peça conceitual e ao mesmo tempo prática que remete às pedras de rio, seixos de cores e formas variadas que juntos formam uma superfície harmônica e uniforme. O Corian® foi o material perfeito para esta execução já que tem nuances sutis na paleta de tons naturais que se assemelham a pedras e permite a ‘moldagem’ individual de cada peça. A possibilidade de trabalhar com material de descarte e sobras de outros projetos executados com Corian®, também foi fator importante na criação da mesa”, finaliza a editora. O Studio Vitty executou a peça nas cores Dove, Medea, Natural Gray, Silver Gray e também na nova cor Deep Anthracite.

 

Lucila Zahran Turqueto, de Casa de Valentina e a designer Bianca Barbato, criaram a Mesa Marchetaria com quatro misturas de cores em Corian® em tons pastel. Para a designer, esse projeto buscou explorar uma das principais características de Corian®, que é a sua técnica de fundição perfeita entre as cores com acabamento sem emendas. “Ficamos muito contentes com o convite e com a possibilidade de criarmos efetivamente um produto utilizando o Corian®. Acima de tudo, achamos espetacular a possibilidade de explorarmos as questões técnicas da peça sem limitações”, completa Lucila. A Avitá Design está à frente da produção dessa peça cujas cores selecionadas são Serpentine Green, Elegant Gray, Dove e Whisper.

 

Pedro Ariel, da Abril, que assina a mesa concha, conta que a inspiração para essa criação são os motivos decorativos dos edifícios de Chicago, nos EUA, construídos nos anos 1930 e 40, reconhecido como integrantes do Art Déco tardio – já que na Europa o movimento começa a perder força a partir dos anos 1930. “Escolhi então a concha estilizada, um dos símbolos do Art Déco, para dá forma a mesa lateral”, conclui Ariel. A Sigmma Brasil produziu a peça na tonalidade Vanilla, uma das várias cores disponíveis na paleta de Corian®.

 

Mônica Salgado, à frente da revista Glamour, e a arquiteta Camila Klein pensaram na mesa revisteiro inspirada na mescla do estilo de ambas. Camila Klein tem uma linha de criação contemporânea buscando explorar novos materiais, formas e usos, enquanto a Mônica adora peças de Art Déco com romantismo. A peça retrata exatamente esta parceria das duas porque apresenta o design contemporâneo da Camila Klein por meio da forma curva e do conceito minimalista da integração da mesa com revisteiro e o estilo da Mônica com o pé balaústre remetendo a Art Déco e ressaltando a feminilidade da peça. “A oportunidade de criar uma peça de mobiliário exclusivo é uma possibilidade de integrar meu conhecimento arquitetônico ao design me permitindo explorar novas áreas do setor criativo. A proposta do uso do Corian® como material principal da peça foi muito inspirador uma vez que este produto possibilita explorar curvas e ressaltar a contemporaneidade do móvel”, explica Camila que busca inspiração profissional em diversos setores artísticos, como artes plásticas, design e escultura. A cor Chic Aubergine foi a tonalidade escolhida para a produção dessa peça, a cargo do Studio Vitty.

 

Mônica Barbosa, de Living Design em parceria com Nelson Graubart criaram o mancebo Corian®. Mônica conta que o ponto de partida deste projeto foi dar uma utilidade a uma escultura. Segundo ela, “uma escultura que permite pendurar paletó, bolsa, casaco, e outros acessórios, masculinos ou femininos em casa ou escritório.” De construção simples, apenas recorte e colagem, a resistência, estruturalidade e cores do Corian® permitem a combinação de inúmeras formas. A concepção da peça em Deep Nocturne, Serpentine Green e Chic Aubergine ficou por conta da Siligram.

 

“Preparar*Conter*Servir” é o nome da coleção de acessórios simples e funcionais desenhada por Clarissa Schneider, fundadora e diretora de redação da revista Bamboo. Produzida em Corian® pela Sigmma Brasil, foi criada especialmente para a mostra. Clarissa explica o conceito do conjunto para ser utilizado no dia a dia da casa:  “pensei em formas básicas, complementares e com múltiplas funções, que podem ser combinadas entre si. O mesmo desenho, em tamanhos e alturas diferentes, faz às vezes de bandeja, prato de servir, porta-talheres, vaso para flores etc. O objeto mostra sua utilidade e o usuário dá significado a ele.”

Conversa entre artista e curadora


Neste sábado, dia 15 de agosto, às 16h, o MAM Rio, Parque do Flamengo, Rio de Janeiro, RJ, realiza uma conversa gratuita com a artista Iole de Freitas e a curadora Ligia Canongia na exposição “O peso de cada um”. A mostra, que pode ser vista até o dia 13 de setembro, ocupa o Espaço Monumental do Museu com uma instalação inédita, feita especialmente para o local, composta por três esculturas de grandes dimensões, duas suspensas e uma no chão, em aço inox espelhado e fosco, que pesam no total quase quatro toneladas. A exposição traz ainda trabalhos em vidro com impressão fotográfica sobre película, da série “Escrito na água”, de 1996/1999, pertencentes ao acervo da artista e da Coleção Gilberto Chateaubriand/ MAM Rio.

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