sp-arte/foto 2018  

03/ago

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Na parede externa do stand, durante todos os dias da feira sp-arte/foto 2018, Shopping JK Iguatemi, 3º piso, São Paulo, SP, será apresentada a série “Projeto 59” de Edu Simões. “Projeto 59” reúne 59 retratos de jovens negros em algumas das principais capitais do Brasil tendo como plano de fundo o local onde vivem ou frequentam, áreas majoritariamente periféricas. O número faz referência à estatística levantada pelo Mapa da Violência 2014 que apontava que 56.337 pessoas foram mortas por homicídios no Brasil em 2012, sendo que 23.151 eram jovens negros entre 15 e 29 anos e 93% destes eram do sexo masculino. Dividindo o número de jovens negros mortos em 2012 pelos dias do ano, conclui-se que, em média, 59 jovens negros são assassinados por dia no ano. A intenção do projeto é contrapor imagens de jovens saudáveis e cheios de esperança com a ideia de que poderiam não estar mais vivos, como outros 59 que tiveram a má-sorte de participar da terrível estatística.

 

 

Nos dois primeiros dias (quarta e quinta-feira) o stand contará com uma seleção de fotografias assinadas por Verger que fizeram parte da importante exposição “Pierre Verger, Le Messager” organizada pela Revue Noire em 1993 no Musée d’Art d’Afrique et d’Océanie. A Revue Noire foi uma das primeiras revistas a destacar a arte contemporânea africana no mercado ocidental e a exposição, apresentada na Suíça e na França, teve um importante papel para o retorno de Pierre Verger ao cenário da fotografia de seu país de origem. As imagens foram feitas entre os anos de 1930 e 1960 e apresentam cenas de rua, de trabalho, de festa e de descanso em diversos países como Peru, Bolívia, Vietnã, Estados Unidos, Japão, Cuba, Brasil e Nigéria.

 

A partir da sexta-feira o stand contará com a série “Pantanal” de João Farkas. Dando prosseguimento a sua pesquisa no campo da fotografia, que há mais de 30 anos vem se desdobrando em registros da complexa relação homem versus natureza em contextos brasileiros tidos como paradisíacos ou genuínos, como a Amazônia ou o Litoral Sul da Bahia, João Farkas apresenta “Pantanal”. Iniciado em 2014 e desenvolvido em seis expedições, o trabalho pretende retratar a importância e a fragilidade desta que é a maior planície inundável do mundo. Tido como distante e indestrutível pela maioria dos brasileiros, o Pantanal vem sofrendo já há algum tempo uma destruição silenciosa, pondo em risco ecossistemas e populações. Farkas explora a grandiosidade e beleza da paisagem pantaneira para promover, por meio de suas fotografias, uma sensibilização sobre a urgência da luta pela preservação deste patrimônio. Uma parte maior dessa pesquisa será apresentada em novembro na Embaixada Brasileira em Londres.

 

 

Sobre os artistas

 

Pierre Verger/ 1902 – Paris, França – 1996 – Salvador, Bahia. Além de fotógrafo, Pierre Verger era também etnólogo, antropólogo e pesquisador. Durante grande parte de sua vida, esteve profundamente envolvido com as culturas afro-brasileiras e diaspóricas, direcionando uma especial atenção aos aspectos religiosos, como os cultos aos Orixás e aos Voduns. Antes de chegar à Bahia, no Brasil, em 1946, Verger trabalhou por quase quatorze anos viajando pelo mundo como fotógrafo, negociando suas imagens com jornais, agências e centros de pesquisa, e em Paris, mantinha ligações com os surrealistas e antropólogos do Museu do Trocadéro. Nos quatro anos que antecederam sua chegada, passou pela Argentina e pelo Peru, trabalhando por um tempo no Museo Nacional de Lima. Ao chegar no Brasil, colaborou com a revista O Cruzeiro e em Salvador, onde foi viver, pôde registrar, de uma maneira muito particular, o cotidiano de uma cidade essencialmente marcada pela cultura da África Ocidental. Seu fascínio por aquilo ou por aqueles que fotografava ia além da imagem, havia um interesse pelo contexto, suas histórias e tradições, algo que pode ser notado não só em seu trabalho com a fotografia, mas também com a pesquisa. Pierre Verger integra-se de tal maneira à Bahia e sua cultura que em 1951 passa a exercer a função de ogã no terreiro Opô Afonjá de Salvador e no Benin, África, torna-se babalaô.

 

Edu Simões/ 1935 – Rio de Janeiro, Brasil. Vive e trabalha no Rio de Janeiro, Brasil. Desde meados dos anos 1970 até o fim dos anos 1990, Edu Simões fotografou grandes nomes da cena política, cultural e artística brasileira, quando editor de fotografia de revistas como Bravo, República e fotógrafo dos Cadernos da Literatura Brasileira do Instituto Moreira Salles. Ainda no período de 1970-1980, teve uma forte atuação no campo das hard news, fotografando os movimentos populares que desaguaram no fim da ditadura militar, sobretudo as greves do ABC e de São Paulo, ganhando em 1981, o prêmio Vladmir Herzog de Direitos Humanos. A partir dos anos 2000, Simões assume um trabalho mais independente e autoral, que embora se distancie dos preceitos do fotojornalismo, ainda guarda algumas de suas marcas. O retrato é uma frequente em suas fotografias, agora menos interessado por figuras de grande prestígio e muito mais por aqueles que de alguma forma ocupam posições marginalizadas numa escala local e global: habitantes da floresta Amazônica, de zonas rurais de Angola, de comunidades periféricas como a Rocinha ou de Iepê, um pequeníssimo município do interior de São Paulo. Seus corpos, no entanto, não aparecem como corpos anônimos, pertencem a sujeitos identificados por seus nomes, por vezes sobrenomes e até mesmo pelos seus sonhos. O corpo é um elemento de grande importância nesses retratos, ocupando, com frequência, o centro do enquadramento, em posturas que denotam força e autonomia. Quando fotografa paisagens, plantas, troncos ou raízes, arquiteturas, animais ou suas representações, Simões parece dar-lhes importância parecida, explorando o vigor, a monumentalidade e a subjetividade dessas entidades. Coleções que possuem seus trabalhos: Coleção Pirelli/MASP, São Paulo, Brasil; Museu de Arte Moderna de São Paulo, Brasil; Pinacoteca do Estado de São Paulo, Brasil; Museu da Imagem e do Som, São Paulo, Brasil; MAB/Faap – Museu de Arte Brasileira, São Paulo, Brasil; Centro de La Imagem de México e Maison Europeéenne de la Photographie, Paris, França.

 

 

João Farkas/ 1955 – São Paulo, Brasil. Vive e trabalha em São Paulo, Brasil. Um ávido observador da cultura popular, João Farkas vem registrando há mais de 30 anos a complexa beleza de contextos brasileiros tidos como paradisíacos ou genuínos, como a Amazônia, o Pantanal ou o sul da Bahia. Adepto da fotografia documental, Farkas se utiliza da luz natural e de cores vibrantes para compor imagens que nos convidam a refletir criticamente sobre uma ideia de identidade brasileira. Suas fotografias nos dão acesso a modos diversos, embora igualmente intensos, de relações entre o homem e a natureza, seja da grande conexão e equilíbrio entre ambos, ou de sua exploração desmedida. O interesse, no entanto, quando não é pela própria natureza e sua exuberância, é pelas mulheres e pelos homens que com ela se relacionam e os costumes que inventam para si: pescadores, garimpeiros, trabalhadores rurais ou indígenas; pessoas que carregam na postura e no olhar o peso e a potência de um saber próprio. Coleções que possuem seus trabalhos: Maison Européenne de la Photographie, França; ICP – International Center of Photography, EUA; Pirelli MASP, Brasil; Instituto Figueiredo Ferraz, Ribeirão Preto, Brasil. Publicou os livros Amazônia Ocupada, 2015 e Trancoso, 2016.

 

 

De 22 a 26 de agosto.

KubikGallery e Emanuel Nassar

02/ago

A Kubik Gallery (Porto, Portugal e São Paulo, SP) comunica período de férias e anuncia a abertura da exposição “Trapiocas”, individual de Emmanuel Nassar no dia 22 de setembro.

 

Sobre o artista

 

Emmanuel Nassar nasceu em 1949, em Capanema, Brasil, vive e trabalha em Belém e São Paulo. Trabalha com elementos associados à tradição popular brasileira, influenciado pelo pop e pela arte construtiva.

 

O artista exibiu seus trabalhos nas 20ª e 24ª Bienal Internacional de São Paulo, ganhou o grande prêmio da 6ª Bienal de Cuenca e participou da 45 ª Bienal de Veneza. Seu trabalho está nas coleções do Museu da Universidade de Essex (Inglaterra), Fundação Cisneros – Coleção Patricia Phelps de Cisneros (Nova York/Caracas), Marcantonio Vilaça, MAM-Museu de Arte Moderna de São Paulo, MAM – Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Museu de Arte Contemporânea de Niterói, Museu de Arte Moderna de São Paulo, Museu do Estado do Pará, Pinacoteca do Estado de São Paulo, entre outros.

Em torno de Nery no MAM SP

01/ago

A Sociedade Brasileira de Psicanálise de São Paulo, a convite do MAM São Paulo, organizou três mesas de debate inspiradas na exposição “Ismael Nery: feminino e masculino”,com curadoria de Paulo Sergio Duarte. O curador da exposição descreve o artista como alguém que teve coragem de caminhar sozinho, de descobrir-se e de construir um olhar sincronizado com a arte de seu tempo, mas não com os intelectuais de seu país. Assim, insinua que o artista construiu seu universo pictórico por meio do trabalho de desvelamento – um processo de retirada de camadas e véus que o levou à descoberta de si, ao encontro com o mundo e à sua arte. A primeira aconteceu em 26 de julho e as seguintes em 02 de agosto e 09 de agosto às 20h no Auditório do MAM São Paulo, Parque Ibirapuera, portão 3.

 

Nascido em 1900 Ismael Nery morreu aos 34 anos, de tuberculose. Segundo Duarte, Nery era católico e professava sua fé em discussões filosóficas; na época estava na moda ser materialista e anticlerical, mas ele era um dândi narcisista – a exposição está repleta de autorretratos e autorretratos com sua mulher, Adalgisa, reconhecida pela beleza e inteligência. Ainda, segundo a apresentação do curador, o pintor era vaidoso e exímio dançarino; poderia se dizer hoje que era um “artista performático”.

 

A questão de gênero e a sexualidade estão muito presentes em sua ousada produção. São olhares maliciosos, figuras andróginas, relações entre feminino e masculino, corpos fundidos – como se uma ou mais camadas de decoro e civilização tivessem sido retiradas da tela – e a impressão que sempre há algo anterior, primordial, misterioso, de difícil nomeação. Questões dessa mesma natureza sempre estiveram na pauta da Psicanálise. Acreditamos que esta exposição e os debates a seguir nos dão a oportunidade de compartilhar nosso pensamento com o de outras áreas da cultura.

Luciana Saddi – Diretora de Cultura e Comunidade da SBPSP

 

Visita mediada à exposição “Ismael Nery: feminino e masculino”pelos educadores do MAM: 20h

 

Debate no auditório: 20h30 

 

Mesa 1 – quinta-feira, 26 de julho, às 20h30

A cosmogonia de Ismael Nery, com Silvana Rea

A psicanalista vai abordar a poética de Ismael Nery em suas relações com a história da arte e com a psicanálise.

Silvana Reaé graduada em cinema e psicologia, Doutora em Psicologia da Arte pela Universidade de São Paulo, diretora científica da Sociedade Brasileira de Psicanálise de São Paulo.

A lei do desejo, com Pedro Paulo Pimenta

Na história da filosofia, há um momento, a segunda metade do século XVIII, em que o desejo sexual passa a representar o desejo enquanto tal. Essa identificação tem como contraparte a atribuição exclusiva do prazer sexual à espécie humana, o que acarreta uma redefinição da ideia de gênero.

Pedro Paulo Pimentaé professor livre-docente de filosofia moderna na USP e autor de A trama da natureza(Unesp, 2018).

 

Mesa 2 – quinta-feira, 2 de agosto, às 20h30

O sexo e as pessoas ou a desnaturalização do sexual proposta por Freud, com Oswaldo Ferreira Leite Netto

Como psicanalista, o autor tece considerações sobre a sexualidade humana e a impossibilidade de considerá-la em seus aspectos biológicos apenas: masculino e feminino.

Oswaldo Ferreira Leite Nettoé psiquiatra e psicanalista da SBPSP, onde coordena o grupo de estudos “Psicanálise e Homossexualidade”, e membro do comitê de identidade de gênero e diversidade da IPA. É diretor do Serviço de Psicoterapia do Instituto de Psiquiatria do Hospital das Clínicas da FMUSP.

Desenhos da intimidade: a sinceridade do traço secreto, tesouro do artista, com Alex Cerveny

O artista falará sobre o que é próprio do desenho, da intimidade de Ismael  Nery com a representação do corpo/mente e a liberdade que este tipo de desenho, “secreto” e informal, proporciona.

Alex Cerveny pertencente à geração de artistas surgida no Brasil nos anos 1980, com formação independente, especializou-se primeiro em desenho e gravura, expandindo depois para outros meios. Desde 2002, é representado pela galeria Casa Triângulo, de São Paulo.

 

Mesa 3 – quinta-feira, 9 de agosto, às 20h30

Espectros, com Leopold Nosek

Com quantos espectros se faz uma pessoa?

Leopold Noseké psicanalista da SBPSP. Autor, entre outros trabalhos, do livro “A Disposição para o Assombro” ed. Perspectiva. Em 2014 ganhou o prêmio Mary Sigourney Award.

O poço de contradições, com Paulo Sergio Duarte

Uma obra singular no modernismo brasileiro realizada sobre a base de conflitos entre religião e sexualidade.

Paulo Sergio Duarte, curador da exposição é crítico, professor de História da Arte e professor-pesquisador do Centro de Estudos Sociais Aplicados (CESAP) da Universidade Candido Mendes e da Escola de Artes Visuais do Rio de Janeiro (Parque Lage). Dirigiu projetos culturais e educacionais para o governo federal e para os governos estadual e municipal do Rio de Janeiro. Publicou diversos livros sobre arte moderna e contemporânea.

 

Quintas-feiras

26 de julho, 2 de agosto, 9 de agosto às 20h

Auditório do MAM São Paulo

Parque Ibirapuera, portão 3

Lauren Shapiro em São Paulo

A Galeria VilaNova, Vila Nova Conceição, São Paulo, SP, inaugura “Fragile Terrains”, da artista visual norte-americana Lauren Shapiro, sob curadoria de Sebastiano Varoli. Em parceria inédita com a Art Bastion Gallery, sediada em Miami, Flórida, USA, a individual apresenta quinze esculturas, uma instalação e uma projeção, as quais fazem referência à relação insustentável da sociedade com o ecossistema, revelando estruturas vivas encontradas pela artista na natureza – cuidadosamente coletadas por meio de moldes, em florestas e rios -, que emergem do solo e interagem com elementos arquitetônicos da paisagem urbana.

 

O trabalho de Lauren Shapiro busca inspiração nos fenômenos climáticos, nas conexões entre sistemas ecológicos e nas geometrias ocultas na natureza, além da influência humana nestes ambientes. Residente em Miami, é fascinada pela interconexão dos sistemas aquáticos do planeta e ciente de como o avanço do nível do mar em inúmeras regiões costeiras tem relação com o derretimento de geleiras, em razão do aquecimento global.

 

Em um site-specific, Lauren Shapiro visitou florestas e rios, de onde coletou formas – com uso de moldes de silicone – de objetos naturais. A partir desses protótipos, a artista cria as partes que compõem suas esculturas em argila, empilhando-as uma acima ou ao lado da outra, o que resulta em um trabalho frágil e de natureza transitória – sendo as eventuais alterações físicas de sua obra registradas em fotografia e vídeo. Sobre esta estrutura, ainda são inseridos origames em papel dobrado. Desta forma, suas peças fazem referência às questões de fragmentação florestal, erosão e da insustentabilidade na maneira como o homem se relaciona com o meio-ambiente.

 

 

De 07 de agosto a 08 de setembro.

Conversas na Nara Roesler

31/jul

Na ocasião das exposições “Fragmentos do Real [Atalhos]”, de Fabio Miguez e “No Meio”, de Bruno Dunley, a Galeria Nara Roesler, Jardim Europa, São Paulo, SP, convida para uma conversa aberta ao público com o professor, curador e crítico Tadeu Chiarelli, acompanhado dos artistas Bruno Dunley e Fabio Miguez, ambos pertencentes a gerações marcadas pela retomada da pintura, e que compartilham referências históricas do universo pictórico.

 

 

Conversas na galeria
Sábado, 04 de agosto 11h

Rodrigo Torres na SIM SP

20/jul

 

A SIM galeria, Cerqueira César, São Paulo, SP, apresenta a série “Neolítico Express”.

 

Os trabalhos da série Neolítico Express, de Rodrigo Torres, estabelecem um diálogo curioso com a tradição: consagram, através de uma profanação minuciosa, a ambiguidade entre a obra intrínseca e extrínseca que marca nossa experiência com a arte contemporânea. No caso, a familiaridade com itens valiosos, num contexto decorativo ou museológico, é discutida em um processo de ruptura com o esperado ponto de vista reverente, aquele certo de encontrar ali algo de cujo núcleo emana uma verdade e beleza integral   , para ser problematizado quanto a um desenvolvimento particular da escultura no Brasil: o estremecimento das bases de uma autonomia, a partir da conclamação da cumplicidade diante de um estágio intermediário em que nada deveria ser visto como autêntico ou acabado de antemão.

 

Podemos pensar de início nosBólidesde Oiticica, no fato de que levam, desde o início da década de 1960, a uma relação renovada do público com o objeto, de outra forma, do participador com uma obra, que é simultaneamente um dispositivo sensorial e conceitual a ser acionado em um segundo estágio de aproximação. Ele participa no sentido de adensar a experiência ótica com uma camada de injunções às vezes precárias que culminam em significativas reconsiderações. E, principalmente, imagina que não há um único vetor construtivo que faz o artista produzir um objeto em uma totalidade que se mostra irredutível, mas um processo com idas e vindas que equaliza a posição de todos em um patamar. Nele o criador se constitui por um espelhamento instantâneo em uma criatura que reivindica seu lugar também como sujeito incompleto.

 

Mais recentemente, os Phanógrafos de projeção e deposição(2010), de Tunga, também se estruturaram a partir de um recipiente, vasos de cristal Baccarat, contidos por caixas articuladas que encerram sua gênese e seu funcionamento implícito. A origem desse fenômeno tange a compreensão de um princípio criativo que se afiança no onírico, superando embates voltados para a subtração de material, substituindo-os por encontros mágicos com o que está ali dado, como se aproveitasse o vácuo deixado pelo fato do ready-made ser, antes de mais nada, uma peça de cerâmica que surgiu no mundo da arte inadvertidamente. Nos Phanógrafos, a equação experimental se apresenta a partir do ficcional, estruturas que sempre comportam um segundo núcleo que irradia cor e materialidade furtiva, pois o objeto central também não se mostra integralmente, e sua cota obscura se preenche pela ansiedade de se conjugar delicadeza e brutalidade.

 

As ânforas de Rodrigo não contêm, não são recipiente, mas o conteúdo parcialmente embalado por um invólucro que se distanciaria no tempo do artefato encontrado pelo arqueólogo. Ali, a máxima minimalista em torno de um cubo anódino, de que “você vê o que você vê”, abre-se em um ciclo de perguntas e respostas bem menos tautológicas: não vemos tudo, e as partes nunca se equivalem, depondo o equilíbrio formal, calçando-o na gravidade, no equilíbrio real de um vaso sobre um balde, dentro de uma caixa ou sobre a mesa.

 

Produzidas e finalizadas em seu estúdio na Fábrica Bhering, no Rio de Janeiro, lugar onde doces eram industrializados, longe de seus ancestrais chineses e gregos, as ânforas demonstram não apenas quebrar a redoma que instaura a obra em uma temporalidade especial que se destaca da cotidiana, mas também eternizar o momento em que esses dois tempos se encontram, quando desembalamos ou embalamos algo, quando encontramos algo que vem, através de uma lição de Joseph Beuys, reforçar potencialidades metafísicas da matéria – títulos desmentidos por legendas induzem a uma manipulação virtual que ocorre, então, junto à observação atenta das propriedades de uma objectualidade que se instaura no provisório.

 

A argila primordial que amalgama o isopor, o papelão, a fita adesiva, resquícios de líquidos já vertidos ou a se verter, incorpora o mimetismo que engloba a pintura, que de fato reveste as peças  e o que parece ser o papelão areado esculpido escrupulosamente para que pareça ser aquilo em definitivo. Como se estivesse mesmo em trânsito, inviolada por alguém, acondicionada anonimamente por outro, cada uma delas se mostra em um pedestal neutro, na galeria, que sustenta outro suporte: a escultura como plataforma para o pensamento a respeito da preciosidade de sua incongruência e seu fascínio atual.

Rafael Vogt Maia Rosa

 

 

 

De 28 de julho até 25 de agosto.

Palestras

A Fundação Bienal de São Paulo convida para ações de difusão da 33ª Bienal de São Paulo – Afinidades afetivas

 

Palestra
estrutura e práticas curatoriais
24 de julho, terça-feira
19h – 21h

 

 

Apresentação do projeto curatorial da 33ª Bienal de São Paulo – “Afinidades afetivas”, um sistema operacional alternativo que privilegia o olhar dos artistas sobre seus próprios contextos criativos, organizado a partir de mostras coletivas concebidas por artistas-curadores e apresentações de projetos individuais. A palestra também traz um breve histórico das Bienais de São Paulo desde suas primeiras edições.

 

Palestra
convite à atenção
31 de julho, terça-feira
19h – 21h30

 

Apresentação de um panorama dos materiais educativos das Bienais de São Paulo, seguida de conversa sobre as reflexões e práticas que integram o projeto educativo da 33ª Bienal de São Paulo e que permearam o desenvolvimento da publicação educativa “Convite à atenção”. A publicação é composta por exercícios que configuram um convite a estar atento à experiência com a arte.

 

 

 

Fundação Bienal de São Paulo
Lounge Bienal (entrada pela rampa externa)
Parque Ibirapuera, Portão 3, Pavilhão da Bienal

Flávio Damm em São Paulo

A Galeria Marcelo Guarnieri apresenta a primeira exposição individual de Flávio Damm na unidade Jardins, São Paulo. A mostra reúne uma seleção de fotografias feitas por Damm desde o início da década de 1950 até o início dos anos 2000 e apresenta “Flávio Damm, um fotógrafo”, vídeo de Eduardo Barcellos produzido em 2017 que traz o relato acurado do fotógrafo sobre importantes momentos de sua trajetória. O título da exposição “Gêmeos, preto-e-branco” faz referência ao relacionamento que Damm estabeleceu com a fotografia PB ao longo de seus anos de atividade, nos quais dedicou-se exclusivamente a ela, concedendo ao preto e ao branco o mesmo valor de importância na construção de suas imagens.

 

Pombos, freiras e namorados. São esses três elementos que parecem perseguir Flávio Damm nos passeios que costuma fazer pelas ruas acompanhado de sua Leica. Constituindo um acervo de quase 60 mil negativos, uma parte das imagens que Damm produziu dá conta de retratar situações triviais do contexto urbano de diversas partes do mundo, sem, no entanto, abdicar do caráter construtivo ou mesmo poético em suas composições. São resultado do trabalho paciente e sensível de um fotógrafo que se propõe a ser apenas testemunha de momentos inusitados: ter o olho certo no lugar e na hora certa. Tal habilidade não pode ser fruto do mero acaso, ela se desenvolve em anos de exercício, do contato com a dinâmica das pessoas e das cidades em suas mais variadas formas de organização. Talvez a frequência daqueles três elementos em suas fotografias possa ser explicada pela vontade de adentrar, sem ser notado, em mundos tão particulares que casais de namorados, grupos de freiras e aglomerado de pombos criam para si em espaços públicos, e que acaba por exigir, de quem fotografa, um exercício incansável de aproximação. Desse modo, por mais que insista nesse desejo, Damm jamais poderá desvendar o mistério que envolve cada um desses grupos, mas se vale da insistência para criar intimidade com suas formas plásticas e saber explorá-las em seus variados aspectos, seja a partir do corte seco e geométrico da vestimenta das freiras, seja a partir das silhuetas de pombos alinhados no alto de um muro.

 

Uma outra porção de negativos do grande acervo de Flávio Damm é proveniente de seus mais de 70 anos de atividade jornalística. O fotógrafo, aliás, é conhecido por ser um dos maiores nomes da história do fotojornalismo brasileiro. Além de ter sido correspondente de grandes agências de jornalismo internacionais e de ter criado, junto a José Medeiros, a sua própria agência de fotografia, a pioneira Image, Flávio Damm integrou por dez anos a equipe da revista O Cruzeiro em seus tempos áureos, sendo ele mesmo peça chave na revolução que a publicação causou na imprensa brasileira. Criada em 1928, O Cruzeiro teve um papel importantíssimo no registro e na comunicação de um Brasil ainda pouco integrado entre suas regiões – quase sem estradas e sem televisão até a década de 1970 – e se estabeleceu como um dos mais influentes veículos de comunicação de massa do país. Sob a bandeira da modernidade e do progresso, a publicação apresentava inovações gráficas e editoriais, incorporando em seu projeto, a partir da década de 1940, o modelo da fotorreportagem, desempenhando, deste modo, um papel fundamental na elaboração da imagem do país como nação. O relato histórico ganhava, naquele momento, a força comprobatória da verdade fotográfica, dando ao fotógrafo a responsabilidade de ser o sujeito da narrativa, de ver por todos aqueles que não podiam estar no momento da ação, escolhendo o ângulo que julgasse mais adequado.

 

Flávio Damm contou muitas histórias enquanto esteve envolvido com o fotojornalismo: em 1948, fotografou Getúlio Vargas em seu auto-exílio na fazenda de Itu, no Rio Grande do Sul, sendo o primeiro fotógrafo autorizado a fazê-lo naquela circunstância e produzindo importantes imagens que circularam internacionalmente e antecederam o seu retorno à política brasileira; reportou distintos modos de vida e tradições dos lugares mais remotos de um Brasil ainda “em descobrimento”, como em 1954, quando publicou na revista O Cruzeiro registro do ritual de lamentação dos penitentes de Xique-Xique, no sertão da Bahia; esteve presente também na cerimônia de coroação da Rainha Elizabeth II, na Inglaterra, em 1953 e no lançamento do primeiro foguete na base de Cabo Canaveral, nos Estados Unidos, em 1957, sendo o único fotógrafo profissional brasileiro a registrar tais eventos. Fiel à fotografia analógica em preto e branco e avesso ao uso do Photoshop ou de outras manipulações na imagem, Damm preza pelo registro direto, pois acredita que assim cumpre, de maneira responsável, com a sua função de “testemunha ocular”.

 

Das fotografias apresentadas na exposição, uma parte foi produzida entre o início dos anos 50 até fins dos anos 60 e outra de meados dos anos 80 até início dos anos 2000 em cidades do Brasil como Salvador, Recife, Rio de Janeiro e Belém e em países da Europa e das Américas. Não tão alinhadas à linguagem jornalística, essas fotografias evidenciam uma liberdade de composição formal e poética, transportando o espectador a momentos de contemplação e beleza, à posição do flaneur, que, vagando pela cidade, é surpreendido por situações dignas de registro. Mais do que testemunha de um fato, Flávio Damm, na escolha do enquadramento permitido pela lente 35mm de sua Leica – câmera que por seu tamanho e leveza permite a ele agir com rapidez e discrição -, acaba por assumir o lugar de testemunha de um instante, que, ao se transformar em imagem, traz junto uma atmosfera, seja de humor, encanto ou melancolia. Ainda assim, são registros da história. O que essas fotografias nos sugerem, talvez, seja uma vontade de contá-la a partir das questões próprias da linguagem visual, sem, com isso, dever nada ao verbo.

 

 

De 28 de julho a 25 de agosto.

Emmathomas: inéditos de Mundano

Em “Vozes Mundanas”, o artista apresenta cerca de 40 trabalhos entre telas, esculturas e obras interativas que refletem problemas sociais, políticos e ambientais da atualidade. Um muro que separa o mundo real de um fictício. De um lado, a tinta cinza em alusão às vozes e cores caladas nas ruas de São Paulo. Do outro, telas, esculturas, objetos e instalações de cores vívidas e pulsantes, ruídos que fazem referência a uma série de problemáticas da atualidade: dos impactos ocasionados pela crise de água à questão dos refugiados em diversos pontos do globo. É esse o tom de “Vozes Mundanas”, exposição inédita do artista Mundano curada por Ricardo Resende, que será apresentada na Emmathomas Galeria, Jardim Paulista, São Paulo, SP.

 

À frente do espaço, uma escultura de dois metros, construída com extintores e botijão de gás. É ela que recebe o público, prestes a cruzar o Muro Social, obra de grandes proporções que delimita a mostra. “É o muro separatista, Muro de Berlim, do Donald Trump, dos refugiados, do condomínio: uma separação entre realidades distintas” pontua Mundano, que se define artivista, termo que condensa a ideia de arte como recurso de revolução social.

 

Se de um lado a cidade mostra-se como um ambiente frio, quase asséptico, do outro, o caos insere o visitante em um universo lúdico, suscitando uma série de questionamentos. Por meio dos cerca de 40 trabalhos que compõem a exposição, Mundano propõe uma pausa para conscientização e convida o público para a resistir em prol da preservação ambiental e por causas ligadas aos direitos humanos.

 

“O grande desafio dessa mostra é manter ou permanecer com as veias de artivista, integradas e ativadas no espaço comercial de arte. Ver um artista ainda disposto a manifestar-se, a preocupar-se com o outro e com o coletivo nas paredes de uma galeria, é, de fato, um alento quando se observa o mundo em que prevalece o individualismo, a banalidade e a competição nas relações humanas”, declara o curador Ricardo Resende.

 

O corpo da obra de Mundano surge de peças e instrumentos de reuso que ele mesmo encontra nas ruas ou daquilo que os catadores de materiais recicláveis oferecem a ele. Dessa busca, o reaproveitamento de insumos como livros que datam 100 anos ou mesmo revistas descartadas que, nas mãos do artista, se transformaram em colagens que tratam do desperdício.

 

Figura quase onipresente na exposição, o megafone, recurso bastante comum às manifestações sociais, é representado em diversas obras, ora ampliando a voz das mulheres, ora salvando dezenas de refugiados à deriva. O objeto aparece também em Panelofone, obra que faz referência aos panelaços, tão presentes em manifestações não só no Brasil e que atualmente caiu em desuso.

 

Para ressoar a voz de um dos maiores desastres ambientais do Brasil, em Mariana, MG, no ano de 2016, Mundano utilizou em grande parte de suas obras a lama tóxica coletada às margens do Rio Doce – o pigmento terroso contrasta com a paleta de cores marcantes característica do artista. O uso do resíduo como matéria-prima alerta para as consequências reais, sentidas ainda hoje pelos moradores da região.

 

O cacto, planta característica em sua produção, personifica o povo brasileiro, acostumado a resistir às adversidades mesmo com poucos recursos. Construídos a partir de extintores e torneiras, buscam chamar atenção para crise hídrica que volta a atingir níveis alarmantes em São Paulo e por todo o país.

 

O espaço expositivo será ainda ocupado por uma série de sons e vozes que reforçam o tom de protesto que permeia a mostra. Os áudios que vão ecoar em meio as obras são dos mais diversos momentos da história, da ditadura militar às recentes manifestações dos caminhoneiros. A trilha também abrange manifestações indígenas, marchas religiosas, de estudantes e professores em luta por seus direitos – todas essas vozes serão amplificadas durante a exposição. ”São palavras de ordem, gritos de vozes mundanas”, pontua.

 

 

 

De 24 de julho a 25 de agosto.

Garranchón por Mariano Barone 

17/jul

A Galeria Sancovsky, Jardim Paulistano, convida para a abertura da exposição “Garranchón”. Esta é a primeira individual de Mariano Barone, com curadoria de Amanda Arantes. A mostra reunirá uma seleção de trabalhos produzidos em 2017, além de obras inéditas criadas para esta exposição. O título remete à palavra garrancho, nome dado às caligrafias feias, quase ilegíveis. Aqui ela caracteriza o traço irregular de alguns desenhos, mas pode designar também uma qualidade rudimentar sugerida no conjunto da obra do artista.

 

Barone desenvolve sua produção através do desenho e da pintura utilizando materiais diversos como retalhos descartados pela indústria têxtil ou lonas usadas para cobrir o chão e montar tendas no comércio popular. Parte das obras apresentadas na exposição é formada por trabalhos em que o artista acumula camadas desses materiais sobre a parede, combinando-os a desenhos ou pinturas. Estas, por sua vez, podem ser recortadas e remontadas, em um jogo que incorpora a aleatoriedade e o improviso. Fixados de maneira precária, os tecidos e telas recortadas formam composições que remetem a estruturas temporárias e instáveis, como barracas e tapumes.

 

Embora sua obra se aproxime da visualidade urbana, esta não é colocada como tema, e sim material de sua prática artística. Essa característica é visível também em sua produção gráfica, influenciada pela estética dos rabiscos encontrados na cidade – muitas vezes ilegíveis e rasurados – mas que parte, sobretudo, de uma iconografia pessoal e de uma necessidade de desenhar. A isso soma-se uma atitude quase obsessiva de redesenhar as mesmas figuras, sobrepor camadas de desenho ou de pintura, tentar apagar ou disfarçar o que foi feito.

 

Barone é orientado por uma atitude de mastigar, deglutir e devolver ao mundo elementos visuais do seu entorno, seja este o espaço urbano ou o próprio ateliê do artista. O reaproveitamento de partes de outros trabalhos para a produção de obras novas e a presença de desenhos recorrentes são marcas de um trabalho que se alimenta de si próprio, em um movimento de transformação constante.

 

 

Sobre o artista

 

Mariano Barone nasceu em 1985, em Santa Fé, Argentina, vive e trabalha em São Paulo. É graduando em Artes Visuais pela UNESP, participou em 2017 do 42º Salão de Arte de Ribeirão Preto, das exposições coletivas “Também foi nevoeiro” (Espaço BREU, São Paulo – SP), “Novas Poéticas” (Galeria Cañizares, Escola de Belas Artes da UFBA, Salvador – BA) e “À Sombra do comum” (Galeria Andrea Rehder, São Paulo – SP), assim como da exposição “BFF”, no Instituto de Artes da Unesp (São Paulo – SP). Em 2018, participou das exposições coletivas “O Maravilhamento das coisas” (Galeria Sancovsky, São Paulo – SP), PARTE (Instituto de Artes da Unesp, São Paulo – SP) e “ruído e ausência contínuos” (Galeria Sancovsky, São Paulo – SP).

 

 

De 19 de julho a 18 de agosto.